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LUIS MIGUEL BUSCA UNA MUJER, A 30 años del vuelo incondicional

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En 1988 la música en español vive un torbellino de ritmos y propuestas narrativas que van desde el pop al denominado rock en tu idioma, que cimienta las bases de lo que serán los nuevos ritmos de la década venidera. El rock en tu idioma desde México (Caifanes, Ritmo Peligroso, Bon y los Enemigos del Silencio) hasta Argentina (Charlie García, Soda Estéreo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Laureano Brizuela, Héroes del Silencio) con escala en España (Nacha Pop, Hombres G, Radio Futura, Miguel Ríos) traerá una ola de sugerentes alternativas grupales y solistas que definirán una época.

La balada romántica en sus diferentes acepciones, daba pauta y ritmo a un pop que seducía con líricas y melodías que lo mismo atendían a historias juveniles (Timbiriche, Menudo, Karina, Flans) que a estribos más adultos (Miguel Bosé, Emmanuel, Mecano, Pandora) y es ahí, donde Luis Miguel izaba su bandera con un sonido distinto al que le había puesto en la palestra musical de América Latina en sus primeros años. Heredero de intérpretes masculinos consagrados como Julio Iglesias, Sandro, José José, Juan Gabriel, Camilo Sesto y Raphael, y contemporáneo de los nuevos valores latinoamericanos de la canción como Chayanne, Luis Miguel había conquistado América Latina desde niño a través de su poderosa voz, presencia y dominio escénico, pero muchos temían el cambio de edad pudiera afectar su nivel interpretativo, lo que no ocurrió ni al cambio de voz entre la niñez y la adolescencia, y que menos afectó su desempeño entre la adolescencia y su paso a la adulta juventud que le vio publicar el exitoso “Soy Como Quiero Ser” en 1987.

Así, en medio de la expectativa de continuar una senda gloriosa tras un disco de grandes sencillos “Ahora Te Puedes Marchar”, “Cuando Calienta el Sol”, “Busca Una Mujer” se aprestaba a ser el nuevo disco del ídolo juvenil, una apuesta que dejaba los covers grandiosos por canciones ex profeso para el cantante, quien ya en la independencia creativa, sostendría su voz en las letras del maestro Juan Carlos Calderón. “Busca Una Mujer” se convirtió en un éxito instantáneo, un disco generacional que consagró al cantante y que lo situó, desde entonces, en la cima de la música en español.

“Fría Como el Viento”, “Culpable o No”, “Por Favor Señora” y “El Primero”, comprenden las baladas de alto impacto en la producción grabada en Ibiza, España, y que se hicieran del dominio popular gracias a las constantes repeticiones en las radios de toda Hispanoamérica mediante su exposición vía sencillo, y más aún gracias a las altas ventas que alcanzó el disco, “Busca Una Mujer” se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en la carrera de Luis Miguel y en la historia de México. A las anteriores baladas, “Esa Niña”, “Un Hombre Busca Una Mujer” y la colaboración de Luna Fría para el disco “Pupilas de Gato”, ofrecen una pausa melódica que logra una lista de reproducción equilibrada y del estilo que ya definía al Luis Miguel Pop, Baladas, Up Tempos, y que avistaría los metales que vendrían con fuerza en su disco “20 Años” de 1990. “Soy Un Perdedor” y en especial “Separados”, darían al álbum la fuerza rítmica que permitiría al intérprete desplegar su rango vocal y que le funcionarían a la perfección para el vibrado melódico y emocional de sus conciertos en vivo.

El disco se convirtió en un referente del pop de la década de los ochenta, y a su vez, en un viso de las nuevas tendencias en la balada, y en la forma de conectar con las nuevas generaciones de finales de siglo, Luis Miguel sería la máxima figura de esa etapa histórica, y “Busca Una Mujer” le permitiría sin duda completar la travesía musical, lírica y artística que anhela todo cantante ante los cambios de edad, época y horizonte. Pero fue “La Incondicional”, la canción que envolvería todo adjetivo, la composición perfecta en el momento adecuado, el sencillo ideal para un intérprete y su disco, la balada idónea para un intérprete y su público. “La Incondicional” se convirtió en un himno cargado de magia, fuerza y energía, definiría al cantante y a su audiencia en una relación de complicidad, apego, admiración, agradecimiento y cariño, y tal como la situó el canal VH1, sería considerada la gran balada en español de la década.

Tal consideración, ha recibido por igual el videoclip que en 1989 hizo girar y girar los reproductores BETA Y VHS tratando de grabar y reproducir una y otra vez, las escenas  coreografías y el diseño de producción magistralmente diseñados por el director Pedro Torres, para un vídeo clip que, basado en la exitosa cinta de 1986 “Top Gun”, dirigida por Tony Scott e interpretada por Tom Cruise, tendría un recibimiento apoteósico y de dimensiones nunca antes vistas para un vídeo musical en la historia del pop en español, “Tú, la misma de ayer…la incondicional”, el H. Colegio Militar  de México, el corte de cabello del cantante como un instante de apertura, las secuencias a modo de servicio militar, la bruma, la graduación del colegio, los lentes de sol, los recuerdos, y el vuelo de un avión de la Fuerza Aérea Mexicana en su momento climático, hicieron de esta iniciativa visual, la más celebrada producción audiovisual de la industria discográfica de su tiempo.

Desde 1988 y hasta ya iniciado 1990, “Busca Una Mujer” se estableció como el disco más vendido, escuchado y reproducido incluso en ediciones especiales de vinil, casete y posteriormente masterizado a cd, prácticamente todas las canciones tuvieron espacio en la radio, los vídeos musicales “Fría Como el Viento” y “la Incondicional” ocuparon las programaciones de los canales de vídeos musicales, y Luis Miguel recorrió varios países para más tarde producir su vídeo material “Un Año de Conciertos”. Sería en 1989, durante un programa televisivo con motivo de la promoción de “Busca Una Mujer”, que Luis Miguel compartiría el escenario con el maestro Armando Manzanero, en lo que al devenir, forjaría el primero de sus discos de boleros, la serie Romances iniciaría en 1991 con Romance, el disco grabado en español más vendido de la historia en su momento, pero antes, Luis Miguel disfrutaría del reconocimiento de crítica y audiencia en 1990 con el ya mencionado álbum “20 Años”, que cerraría tres producciones consecutivas de la mano de Juan Carlos Calderón y que constituirían una de las varias etapas doradas en la vida artística del Sol de México.

En MEMORIA, abordamos anteriormente el veinte aniversario del álbum ganador del Grammy “Romances” 1997, con esta “Busca Una Mujer” 1988 en su treinta aniversario, continuamos el serial de Luis Miguel en Filmakersmovie, celebrando la trayectoria del intérprete mexicano y su exitoso regreso a los escenarios.

Luis Miguel

La Incondicional

Dir. Pedro Torres

Álbum: Busca Una Mujer

México, 1988

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Serie de Luis Miguel Inicia grabaciones en CDMX

Los Angeles| Netflix | 16 de noviembre de 2017– La serie original de Netflix, oficialmente autorizada y basada en la vida de Luis Miguel, el internacionalmente astro musical y artista discográfico multi-platino galardonado con el premio Grammy, inició grabaciones en la Ciudad de México. La serie cuenta con el cantante y actor mexicano Diego Boneta como Luis Miguel, y con un elenco estelar que incluye a Camila Sodi dándole vida al amor de Luis Miguel; Oscar Jaenada como su padre y Paulina Dávila como su primera novia. Producida por Gato Grande Productions, en unión con Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc (MGM), la serie estrenará exclusivamente en Netflix en América Latina y España en el 2018 y en en los Estados Unidos y Puerto Rico en Telemundo.

Mejor conocido por su participación en exitosas producciones mexicanas y de Hollywood incluyendo Rock of Ages yScream Queens de FOX, Diego Boneta protagoniza la serie como Luis Miguel; Oscar Jaenada, quien interpreta al papá de Luis Miguel, Luis Rey, es un galardonado actor español con el premio Goya que ha estelarizado exitosas películas como The Shadow y Snatched, y próximamente el largometraje de Lionsgate: Chaos Walking, y la película dirigida por Terry Gilliam, The Man Who Killed Don Quixote. Camila Sodi, reconocida actriz y cantante quien ha participado en numerosas películas taquilleras, será la novia de Luis Miguel. Paulina Dávila, quien ha trabajado en importantes películas y producciones televisivas, le da vida al primer amor de Luis Miguel. Juan Pablo Zurita, uno de los influencers más importantes de América Latina, será Alex, hermano de Luis Miguel. La serie también contará con el actor argentino César Bordón como Hugo López, Vanessa Bauche como la directora de prensa Rosy Esquivel, y el actor Andrés Almeida como el contable Armando Serna.

En esta producción se unen  gigantes del entretenimiento como Netflix, la principal servicio de entretenimiento por internet en el mundo. Con una presencia que supera los 190 países, más de 109 millones de personas disfrutan más de 125 millones de horas de programas de TV y películas por día, incluidos los documentales, las películas y las series originales; NBCUniversal Telemundo Enterprises, compañía de medios de clase mundial, líder en la industria en la producción y distribución de contenido de alta calidad en español para los hispanos en los Estados Unidos y para el público alrededor del mundo; Gato Grande, empresa conjunta entre MGM quien desarrolla y produce contenido de alta calidad en Español y el productor Mark Burnett, diez veces ganador del Premio Emmy y Presidente de MGM, Television Group y Digital. Burnett ha producido más de 3.200 horas de programación de televisión, que se transmite regularmente en más de 70 países en todo el mundo.

Le deseamos suerte a toda la producción, esperando que el resultado deje satisfechos a los seguidores del ícono de la música hispana.

Fuente:

Eureka & Co.

Netflix.

El Neo Surrealismo Italiano

Por: Andrés Palma Buratta

Si hay una corriente cinematográfica que define la historia del cine Italiano, es el Neorrealismo. Concebido en el post segunda guerra mundial, vio su génesis con  la película “Ossessione” (1943) de Luchino Visconti y sobretodo con “Roma, città aperta” (1945) de Roberto Rossellini, considerada la producción fundacional de este género, llegando a su máxima expresión en “Ladri di biciclette” (1948) de Vittorio De Sica,  pasando por el cine de Pietro Germi, Giuseppe De Santis, Alessandro Blasetti, todos bañados por la pluma de Cesare Zavatini, el gran guionista de este movimiento. El Neorrealismo, se convertiría en el relato más significativo, artística e ideológicamente hablando, de la trágica historia de una nación destruida por la guerra.  La inocente y triste mirada de hombres, mujeres y sobre todo niños, retratados en ese cine, le daban rostro a esa humanidad que iniciaba sus pasos en la reconstrucción de una identidad robada dentro de un país violentado por un régimen autárquico.

Fue el género necesario para contrarrestar la pompa grandilocuente y efectista de las grandes producciones que emergían de CineCittá, y de los estereotipos hasta ahora provenientes del cinema americano. Fue la respuesta a los musicales y efímeras comedias románticas conocidas como “Cinema dei telefoni Bianchi”, ordenadas por el partido fascista para preservar a toda costa la quietud intachable de una nación que ya mostraba síntomas de resquebrajamiento.

Su discurso moral encontraría en la profundidad estética del blanco y negro filmado a modo documental en exteriores naturales,  su mejor arma de propagación de las historias ocultas de ciudadanos comunes (interpretados por actores no profesionales), que por primera vez se veían enfrentados a su propia historia. La sociedad italiana, tendría la oportunidad de reconocerse como nación soberana, concepto socio político cultural que no había podido cuajarse desde que Garibaldi unificara los reinados que gobernaron por siglos la península. Este relato de nación finalmente tenía una voz: el Neorrealismo, que se mantuvo vigente y mundialmente aclamado por lo menos por una década.

Temeroso de esta desnudez nacional proyectada por el movimiento Neorrealista, es que un recién asumido partido conservador, la Democrazia Cristiana, a principios de los años 50, comenzara a censurar los realizadores que, película a película,  seguían develando las falencias más íntimas de un país empecinado en alcanzar estatus de nación moderna, cuando todavía no había resarcido el daño hecho al campesino, en una Italia que todavía curaba sus heridas.

Serían, justamente, factores como la censura, la reducción de la producción cinematografía de manera considerable, el enfriamiento ideológico impuesto por el gobierno y la dificultad de representar a una sociedad en constante cambio, que acrecentaría la necesidad de denunciar los ideales vulnerados por un sistema servil a los nuevos intereses partidarios,  dando paso, al que quizás sea el periodo más prolífico, más genial y menos entendido del cine Italiano.

Muchas veces conocido como “Post Neo realismo” (descrito maravillosamente por Luca Barattoni en su libro Italian Post-neorealist Cinema), “Pink neorealism” “La fase heroica del Neo realismo” o “La nueva ola italiana«, el periodo cinematográfico que devino a partir de mediados de los años 50, y que continuara hasta el principio de los 80, significó, un entendimiento cabal de la entrada a la tan deseada “modernidad” que viviría Italia en aquellas décadas.

El cinema italiano necesitado de una nueva visión, tomó las concepciones ideológicas post fascismo de un ya agotado Neorrealismo, para convertirlas en nueva forma de hacer cine, creando, paralelamente al famoso “Cinema de autor”, un híbrido cinematográfico entre Neorrealismo, Surrealismo, Realismo y comedia, que quisimos llamar Neo Surrealismo Italiano, (tomando el termino, “Neo Surrealismo”, que se acuñara a principio de los años 70 como una mezcla entre el arte pop y un intento de ilustrar la imagine-ría bizarra de los sueños o de la mente subconsciente a través de la pintura y la fotografía, según George Grie, uno de los primeros artistas digitales surrealistas) y que más que un simple lapso, momento o post algo, durante años, de forma intermitente, muy desordenada, difícil de identificar, por lo tanto casi imposible de clasificar y ordenar en una sola tendencia, definiría la verdadera idiosincrasia del pueblo italiano.

Hablar de surrealismo en el cine, es hablar de Luis Buñuel y Salvador Dalí con “Un chien andalou” (1929) y “L’âge d’or” (1930), Germaine Dulac con “La coquille et le clergyman” (1928), “L’étoile de mer” (1928) del maestro Man Ray,  Jean Cocteau, Jean Vigo, Fernand Léger  y claro de André Breton y su “Manifeste du surralisme”. Incluso de las primeras incursiones en el documental a manos de Dziga Vertov que diera paso al  movimiento realista ruso. Es una corriente, no solo cinematográfica, que tuvo su auge en los años 20 bajo los conceptos de libertad de control racional o automatismo psíquico según el mismo Breton, donde la fantasía, los sueños,  las visiones se mezclaban en el subconsciente humano con lo absurdo, lo irracional y los varios simbolismos en la representación y concepción de una o varias realidades.

El Neo Surrealismo Italiano, tomaría estas herramientas metafísicas, abstractas, revolucionarias, e implantaría su ideal en un entorno más cercano a las esferas políticas y económicas que lo estaban censurando. Los eventos iluminados por la objetividad y representación racional del Neorrealismo, formulados desde la marginalidad, se convertirían, ahora, en el paradigma del hombre moderno y su relación con la reinvención de una sociedad industrial. Desde la cuna de la clase media y sobre todo de la clase alta, el imaginario país, adquiriría tintes grotescos, bizarros, extraños, donde la verdad reconocible del hombre no sería más que una fantasía existencial, una agonía de la civilización.

Por otro lado, El Neo Surrealismo Italiano, centraría su obsesión en el ser humano, no tanto por la humanidad o falta de ella, como la corriente que lo precedió, sino por la idea de razón, de mente, de un nuevo renacimiento fabril, lleno de confusas doctrinas abstractas atrapadas en un cuerpo humano, listas para la exploración intimista y la delirante extroversión como escritura de un país temeroso,  caótico, insatisfecho, que muy pronto caería en unos de los periodos más violentos de su historia conocido como “Gli anni di piombo” (Los años de plomo) que durante la década de los 70 hundiría a toda la nación, tanto a sus gobernantes como habitantes, bajo los constantes ataques terroristas de grupos extremistas descontentos con la situación socio política que vivía una Italia que, dicho sea de paso, nunca tuvo infancia como nación (quizás por eso, los protagonistas del Neorrealismo eran en su mayoría niños), que de pronto se vio subsistiendo su pubertad como soldado ignorante de dos guerras, llegando a su madurez de golpe cuando la república por fin se instalara como sistema de gobierno, pero donde todas las ideologías que no habían tenido voz, quisieron tomar el poder generando un caos gubernamental digno de película surrealista.

Gracias a estos elementos, a esta anarquía sociopolítica, a la censura, a la falta de identidad, nacería la expresión poética Neo Surrealista Italiana,  un movimiento no reconocido, donde las preocupaciones éticas, ideológicas, morales, amorales, en la piel de las minorías sexuales, las prostitutas, los marginales, los artistas, los intelectuales, los pudientes, los nobles y los pobres, trazarían el papel de la contracultura italiana mediante una estética moderna de experimentación y renovación artística entregando las obras más emblemáticas del cine italiano.

Las complejas áreas de lo popular, la angustiante intimidad del italiano, la existencia humana, el enfoque de los procesos sociales, el examen de las políticas estatales,  el entendimiento de la propia identidad, se personificarían bajo las vestes de actores como Gassman, Mastroianni, Sordi, Tognazzi, Vittorio De Sica, y actrices de la talla de Monica Vitti,  Stefania Sandrelli, Sophia Loren, Gina Lollobrigida, Silvana Mangano, Virna Lisi, Claudia Cardinale.

Nacerían maestros como Fellini, Ferreri, Scola, Pasolini, Antonioni, Ermanno Olmi, los hermanos Taviani, Liliana Cavani, Francesco Rosi, Lina Wertmüller, quienes concretarían el discurso cinematográficamente Neo Surrealista Italiano mediante las más descarnadas tragicomedias riadas de exhibicionismo, simbolismo, reconfiguración y humorismo.

Mastroianni se convertiría en el actor icono del Neo Surrealismo Italiano, en filmes como “Touche pas à la femme blanche” (1974) de Marco Ferreri, “La grande bouffe” (1973) también de Ferreri, “8 ½” (1963) de  Fellini y “Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca)” (1970) de Ettore Scola, entre otras. Así, con el paso de los años, todos los grandes directores quisieron dejar su impronta onírica en esta naciente tendencia a la par de su continua exploración en otras esferas discursivas cinematográficas. Fellini continuó con “Giulietta degli spiriti” (1965) y “Satyricon” (1968) quizás el más gran surrealista junto a Ferreri.  A Vittorio De Sica  se le podría considerar el precursor con “Miracolo a Milano” (1951) junto a “Tre tempi di cinema astratto” (1951) de Elio Piccion y “Spatiodynamisme” (1958) de Tinto Brass. El polémico y genial director Pier Paolo Pasolini nos entregaría su obra maestra “Teorema” (1968) aunque, algunos años antes, ya había hecho su propia exploración alucinante con “Uccellacci e uccellini” (1966) protagonizada por el más importante humorista italiano de todos los tiempos, Totó (actor de “Miracolo a Milano”), quien también se convertiría en un transcendental rostro de ese surrealismo/comedia en filmes como “Totótruffa ’62” (1961) de Camillo Mastrocinque, o “Totó diabolicus” (1962) dirigido por Steno. Los grandes maestros Vittorio De Sica (La riffa) Federico Fellini (Le tentazioni del dottor Antonio) Mario Monicelli (Renzo e Luciana) y  Luchino Visconti (Il lavoro) unirían sus particulares contemplaciones en la fantasiosa “Boccaccio ’70” (1962).  La observación de este “movimiento” tomaría incluso tintes internacionales con Antonioni y su visión del “power flower” en “Zabriskie Point” (1970) o la sicodelia en “Blowup” (1966).

Pero quizás hay un grupo de artistas, desconocidos por su alto grado de experimentación, que forjarían las obras más audaces, más anómalas, del Neo Surrealismo y que al mismo tiempo moldeara otra corriente que según muchos historiadores nunca tuvo un verdadero nacimiento, el llamado “Cinema Sperimentale”.

Autores como el  multifacético actor, director, dramaturgo, escritor y poeta Carmelo Bene, quién ya había estado bajo las ordenes de Pasolini en su “Edipo Re” (1967), dirigiría “Salomé” (1972) y “Capricci” (1969), aunque su obra más recordada sería “Nostra signora dei turchi” (1968) provocando escándalos de tal magnitud, que terminarían con el público incendiando o destruyendo las salas de cine donde venía proyectado su trabajo. Actuó en otras obras significativas del movimiento en cuestión, como los bizarros film art “Necropolis” (1970) de Franco Brocani, y “Umano, non umano” (1968) de Mario Schifano. En el año 1967 nace en Roma la Cooperativa Cinema Indipendente, grupo de realizadores que intentarían renovar formas, contenidos y maneras de distribución, influenciados por el incipiente New American Cinema, dando origen a las obras de Romano Scavolini, con su película “A mosca cieca” (1966) de Massimo Bacigalupo con “60 metri per il 31 marzo” (1968), “Dei” (1968) de Tonino De Bernardi, “Grazie, mamma Kodak (1966) de Ugo Nespolo y “Après la Passion selon Sade” (1968) de Alfredo Leonardi, entre otros. Finalmente, esta nueva forma artística extrapolaría el cine, fusionando los dibujos y la pintura con el celuloide en las obras de Luigi Veronesi, o incluso en las invenciones de dispositivos vídeo-cinematográficos de Alberto Grifi quien grabaría la obra “Cristo ’63” di Carmelo Bene, y dirigiría “Verifica incerta” (1964) film montaje que descompone las famosas películas de Hollywood.

El Neo Surrealismo Italiano, se amalgamaría entonces, con ese fundamental cine de autor de los años 60 que catapultaría definitivamente el cine italiano dentro de la historia del séptimo arte, daría pie al gran movimiento sucesivo “La Commedia all´italiana” y finalmente se diluiría en las miles de expresiones artísticas que inundarían los años 60, pero sobretodo los 70, como el ya mencionado “Cinema Sperimentale” (Del que hablan David Bordwell y Kristin Thompson en su libro “On the History of Film Style”).

Podríamos o no considerarlo un movimiento, o quizás solo un momento, sin embargo, creemos que este puñado de películas, correspondiente a la génesis de la corriente y sus respectivos directores (muchos de los cuales siguieron indagando en el género durante toda su filmografía), fueron fundamentales para entender el mundo post guerra, para construir la identidad de una nación, para interpretar el carácter del ser humano y su protagonismo dentro de la historia de la humanidad, para examinar la idiosincrasia de Italia e instalarla en el imaginario colectivo, a través de lo abstracto, de lo oscuro, de lo extraño, de lo inconsciente o transgresor. Sin duda, no es primera vez que el surrealismo, tenga la noción más lucida y cuerda, al momento de reflejarnos como sociedad.

Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks, fue director de Camaleón Films, dirige Filmakers Media Content.

ROMANCES, la variopinta joya de Luis Miguel

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En el otoño de 1991, emblemático año del eclipse solar que vistió de claroscuros a varios países en el mundo, el año de la muerte de Freddy Mercury, y a su vez el año de la “Tormenta del Desierto”, la industria musical de habla hispana se iluminaría con notas que décadas atrás habían ocupado los anhelos, deseos y suspiros románticos ahora vueltos nostalgia: los boleros. “Inolvidable”, bolero de 1944, autoría del pianista cubano Julio Gutiérrez, cimbraba con total estruendo las radiodifusoras latinoamericanas. Luis Miguel, el mismo intérprete que consolidaba su estatus de gran figura con el disco “20 años” 1990, sorprendía a toda la comuna sonora. Los acordes de “Inolvidable” eran solo el inicio de un disco fundacional que, envuelto en el pasado, definía el presente musical latinoamericano. Noviembre de 1991 será recordado por el lanzamiento de “Romance”, primera entrega del serial romántico del cantante mexicano, que combinaría en sus diferentes ediciones, boleros, baladas y tangos. En otra entrega hablaremos de Los Romances como un concepto que derivó cuatro álbumes, “Romance” 1991, “Segundo Romance” 1994, “Romances” 1997 y “Mis Romances” 2001, aunados al  compendio “Todos los Boleros” 1998 y “Mis Boleros Favoritos” 2002. Nadie hubiese imaginado que esa mágica noche de 1989, en pleno furor del disco “Busca una Mujer” 1988, cuando Luis Miguel y el compositor Armando manzanero compartirían algunos boleros en un programa nocturno conducido por la actriz Verónica Castro, produciría a posteriori, uno de los discos más vendidos en la historia de la música grabada en español -aproximadamente 15 millones de copias- y contando, una serie de joyas musicales que a modo de concepto, son ya parte de la fonoteca nacional. Y es justo “Romances”, tercera entrega del premiado romancero, a la que celebramos en su vigésimo aniversario, un álbum que destaca como ninguno en el serial romancero, la calidad interpretativa, el registro vocal y la riqueza referencial del mejor álbum del catálogo.

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En “Segundo Romance” Luis Miguel produjo el álbum en colaboración de tres compositores vitales de su carrera, Juan Carlos Calderón, responsable de varios álbumes del astro mexicano, el ya citado Manzanero y Kiko Cibrián, quien alcanzaría su cenit como compositor y arreglista con “Aries” 1993, uno de los mejores álbumes pop de la década de los noventa. Esta colaboración diversa, brindó un corolario interesante al disco, le imprimió un sello muy particular, y logro posicionar varios éxitos con gran impacto, como “La Media Vuelta” de José Alfredo Jiménez, “Todo y Nada” de Felipe Garrido, “Delirio” de César Portillo de la Luz a inspiración visual del bossannova en homenaje a Joan Carlos Jobim, y “El Día que me Quieras” el clásico por excelencia del cancionero argentino, compuesto por Lepera y el inmortal Carlos Gardel. Esta suma de colaboradores del pasado y presente, volvió a presentarse en la carrera de Luis Miguel en 2006, cuando el disco “Navidades” presentó la participación de Juan Carlos Calderón y Armando Manzanero. “Romances” dio un viraje hacia la obra primigenia e 1991, y presentó por una parte el regreso del maestro argentino Bebú Silvetti, quien incluso aporta una canción de su autoría, y varias composiciones de Manzanero donde sobresale  “Por Debajo de la Mesa”, que tal como sucediera con “No sé Tú” en el primer Romance, brindaría un sello distintivo al disco. A diferencia de “No sé Tú” que fue un sencillo de confirmación, “Por Debajo de la Mesa” enarboló la nueva producción lanzada en 1997. La epifanía del álbum fue premiada con el Grammy Estadounidense, reconocimiento que había alcanzado ya el “Segundo Romance” y que injustamente no alcanzara el mítico “Romance” a pesar de ser nominado.

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La innovadora introducción de “Romances”,  comienza con una canción doble de Armando Manzanero, “Voy a Apagar la Luz” y “Contigo Aprendí”  suave y evocador aviso del armonioso contenido que devendría con “Sabor a Mí” de Álvaro Carrillo. El disco avanza hacia la multiplatino “Por Debajo de la Mesa”, y para entonces el escucha está ya cautivo, esta canción además es el único sencillo que tuvo videoclip de promoción, un elegante audiovisual lleno de clase, distinción y a la vez vulnerabilidad del cantante como personaje, una propuesta de nostalgia que recordaría los años de las bandas y orquestas nocturnas neoyorkinas.

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José Antonio Méndez y su bella “La Gloria Eres Tú”, prosigue la pausa y recuerda los acordes que Chamín Correa había dado a “La Barca” en la primera entrega. La quinta canción es un portento estilo Manzanero, “Amanecer” que da continuidad a la celebración del amor y su circunstancia, misma que justo a la mitad del disco, da paso al desamor, a la asimilación de la costumbres, de la necesidad y el desamparo amoroso mediante “Encadenados” de Carlos Arturo Briz, y para cerrar la primera mitad del disco, no nos abandona sino da el productor un guiño de esperanza tras la separación, Consuelito Velásquez aparece con la canción que a vox populi acumula mayor cantidad de versiones, desde la inicial con Emilio Tuero 1941, pasando por la versión melodiosa de Pedro Infante en “A Toda Máquina” 1951, de Ismael Rodríguez, hasta las versiones que Frank Sinatra y Los Beatles realizaran a la misma. El disco ha ya cumplido con creces la expectativa, y es entonces donde se adentra en la segunda mitad del álbum  y que, para mi gusto, es la que ofrece el más complejo, rico y variopinto mosaico interpretativo del cantante en un disco de boleros. Luis Miguel la interpreta de forma rítmica, alegre y bailable, haciendo de su versión una alternativa apuesta, a la que continua la poderosa balada “Contigo” de Silvetti y Silvia Riera, mi favorita del disco, para después retar a la crítica con  un clásico monumental, “Noche de Ronda” de Agustín Lara. Prueba superada para aliviar un poco la tensión y deleitar al escucha a través de “El Reloj” de Roberto Cantoral. Una vez que el disco ha cumplido su decena y satisfecho la obra, irrumpen las canciones de ofrenda, “Júrame” de María Grever, que tanto se ha especulado se compusiera durante la estancia de la compositora en Xalapa, Veracruz, y “De Quererte Así”, composición traducida del gigante francés Charles Aznavour. Dolosa y sensible, esta canción hace del álbum un siendo homenaje a diferentes exponentes de la canción internacional. Luis Miguel sella su “Romances” con dos clásicos arriesgados y que de igual forma aprueban el reto, “Uno” el tango legendario, elegía e introspección a soliloquio de Enrique Santos y Mariano Mores, y finalmente “Mañana de Carnaval” la brasileña retórica de Luiz Bonfá y Antonio María que en la paradoja festiva lamenta y aspira la vuelta de la razón de vivir, el sentido de la vida que aguarda la espera.

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En esta primera entrega de varias sobre la herencia musical de Luis Miguel en los diversos géneros que el cantante ha explorado en su trayectoria de ya 35 años, celebramos los veinte que cumple “Romances”, un disco único y por demás disfrutable que suma al legado del cantante mexicano. Sean las composiciones, los arreglos, la interpretación o la variedad creativa del álbum, “Romances” abre la puerta de la nostalgia y solicita el riesgo del amor sea frontal o por debajo de la mesa, la declaratoria de amor es en este disco, una confesión.

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La Media Vuelta

Luis Miguel

Segundo Romance

1994

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

“Los placeres de aquí abajo”

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez

El 29 de julio de 2003 se cumplieron 30 años de la muerte de uno de los directores y  creadores de cine más importante del siglo XX, Luis Buñuel Portolés, nacido en Calanda, Teruel, Aragón, España en 1900. A más de 30 años de distancia, consideré que la mejor manera de recordar al gran cineasta es presentando a Usted mi apreciado lector, sus memorias escritas y publicadas en 1982, bajo el título de: “Mi último suspiro”. De entrada, Luis Buñuel manifiesta que él no es un hombre de pluma y aclara que quien escribió sus memorias, fiel a lo que él le dictó, fue su amigo de profesión Jean-Claude Carriére.

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No hace falta ser un cineasta para que uno pueda interesarse en las memorias de Luis Buñuel, “Mi último suspiro” es una joya de cultura, de arte, en la cual puedes conocer a personajes, acontecimientos, el nacimiento del surrealismo, de geografía, de tradiciones, de aclaraciones de mitos, etc. pero sobre todo un gran recorrido por toda la producción cinematográfica de Luis Buñuel, quien adquirió la nacionalidad mexicana y fue en este país donde produjo 32 películas memorables, entre ellas, “Viridiana en coproducción con Gustavo Alatriste, Simón del desierto, Nazarín, El Ángel Exterminador, Gran Casino protagonizada por Jorge Negrete y Libertad Lamarque, El Gran Calavera”. La inolvidable película “Los Olvidados” por la cual recibió fuertes críticas, porque describía una realidad que ponía en muy mala posición a México y en la fecha que salió al público sólo Octavio Paz, Siqueiros y otros intelectuales, reconocieron el valor de la película que lo hizo ganar la palma de oro en el festival de Cannes.

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Podría en la presente columna dedicarme sólo a mencionar las grandes películas de Buñuel y eso bastaría para justificar el contenido de mi publicación, pero a las películas puede acudir  de manera muy sencilla comprándolas y viéndolas, el objetivo central es invitarlo a la lectura de “Mi último suspiro” y le garantizo que no saldrá decepcionado, porque como lo señala Feliciano Fidalgo de (El País): “Buñuel lo evoca todo con precisión y humanidad, con sorna, a veces, y con autenticidad tangible: Lorca, Dalí, el superrealismo, la guerra civil, el franquismo, Viridiana, el catolicismo, su ateísmo, México, Hollywood, tejen la aventura de una vida que, hoy, aún, respira al acecho de la libertad.”

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Un capitulo de sus memorias lo tituló: “Los placeres de aquí abajo”, con sencillez, claridad y sobre todo sinceridad nos cuenta el placer y gusto que siempre tuvo al bar, nos platica los recorridos en los bares de Madrid, París y México, puede Usted  apreciado lector a través de la lectura, acudir a los cafés literarios más importantes de Madrid como son el: “Café Gijón que aún existe, la Granja del Henar, el Café Castilla, Fornos, Kutz”, y conocer las grandes platicas que tenían hombres de la talla de Salvador Dalí, Federico García Lorca, Gómez de la Serna, e incluso las reuniones de dos generaciones históricas de España como son la del 98 con personajes como, Unamuno, Valle Inclán, Pío Baroja, Antonio Machado, conviviendo y discutiendo con la joven generación del 27 integrada por Ortega y Gasset, Lorca, Dalí, Buñuel, Alberti, Pedro Garfias, entre otros.

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De la misma manera podrá viajar a los felices años 20 en Francia y acudir al Café la Rotonde, reunirse con la generación fundadora del surrealismo integrada por André Bretón, Max Ernst, Paul Eluard, Tristán Tzara, René Char, Pierre Unik, Tanguy, y naturalmente Buñuel y Dalí e incluso Dalí llegó a declarar que él era el surrealismo, sin dejar de definir que el surrealismo es: “un movimiento artístico que intenta buscar y representar una creación y realidad subconsciente, onírica, imaginaria e irracional más allá de la realidad física”.

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Con Luis Buñuel, de México se puede aprender mucho, llegó a vivir en el año de 1946 y en este bello país murió en 1983, manifiesta el cineasta que para realizar la película “Los Olvidados” caminó y convivió con el mexicano pobre, aprendió mucho de nuestra cultura, parte de ella está representada en su cine, pero su mundo desde niño siempre estuvo rodeado de los ricos, de los poderosos, de los intelectuales y de la política en la cual tuvo experiencias fuertes, en sus memorias nos relata que: “se reunía con frecuencia con Alfonso reyes y que un día le platicó que fue a ver al despacho al Secretario de Estado para la Instrucción Pública José Vasconcelos, charló con él unos minutos – siempre sobre las costumbres mexicanas- antes de concluir: creo que, menos tú y yo, todo el mundo lleva aquí un revólver. Habla por ti le respondió Vasconcelos, mostrándole un 45 que llevaba oculto bajo la chaqueta”.

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Todo lo narrado y mucho más es Luis Buñuel, un hombre que nació con el siglo XX y que fue de los cineastas más importante del mundo, por eso la mejor manera de recordarlo es disfrutando: “los placeres de aquí abajo”, es decir, leyéndolo, viendo sus películas, bebiendo, comiendo, viajando, en conclusión en la medida de nuestras posibilidades la vida se trata de vivirla de una manera intensa y apasionada, porque nuca sabemos si pudiera ser nuestro último suspiro.

Leer «Mi último suspiro«, Luis Buñuel

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México