El positivismo es una corriente filosófica con base en el conocimiento científico, es decir, en el análisis de hechos verificables, además de la experiencia, la comprobación y la reproducción de los mismos. En esa línea la cámara, no el cine como tal, sino el uso de la cámara que captura imágenes, ha sido de gran ayuda y utilidad para las diferentes ciencias, desde la biología, la física o la química, hasta la psicología y la sociología.
La esencia del documental es también capturar y exponer la realidad bajo un enfoque lo más objetivo posible. Por una parte existen diferentes tipos de documentales, catalogados por la forma en que son realizados o el propósito por el que son llevados a cabo, sin embargo, la constante es que la postura y sello del autor siempre quedará impregnado en el trabajo realizado, es decir, por cualquier forma o razón por la que se lleve a cabo un documental, la voz del autor siempre es lo más sobresaliente de cada proyecto, su visión, su formación, sus intenciones.
Al momento de organizar un documental siempre es importante tener en cuenta la objetividad, es decir, mostrar ambas caras de la moneda, el aspecto positivo y negativo de los hechos, la palabra de todas las partes afectadas en un suceso, en términos generales: no tomar una postura ni extrapolarla hacia el trabajo audiovisual.
Así es como lo dicta la regla, sin embargo, al igual que las campañas de mercadotecnia, por mencionar un ejemplo, resulta difícil que el realizador se acerque a su objeto de estudio sin una teoría, sin una hipótesis y sin una postura, por ello que el proceso de preproducción sea de vital importancia en la realización de documentales.
Tal proceso previo a la construcción del material audiovisual es muy parecido al realizado para una película o un cortometraje, el proceso de organización sigue los mismos parámetros de distribución y consideración. Los documentales también tienen un guión a seguir, también requieren de equipo técnico, de iluminación y edición, de un presupuesto, de un productor o de un sonidista.
Pero el documental también implica otros aspectos, aspectos que no siempre son semejantes a los de los largometrajes. En el documental es necesario organizar un marco teórico que explique, a través de entrevistas o recreaciones (actuadas o animadas), el sustento científico de lo que se expone, ello también implica un largo proceso de investigación del tema previo a la filmación y un acercamiento por parte de los realizadores con los partícipes del documental (los entrevistados por ejemplo). La importancia del documental radica en diferentes áreas. No sólo es un medio de expresión, de investigación y de conocimiento, también es como tal un medio de aproximación a la realidad y de transformación de la misma, ejemplo de ello son los llamados falsos documentales, los docudramas (hechos reales dramatizados) e incluso la habilidad informativa de los reportajes.
También es importante recalcar que el cine como tal inició a partir de los documentales. Los primeros trabajos realizados a través de la cámara de cine fueron llevados a cabo con el propósito de demostrar la capacidad del invento, algo que se efectuó capturando imágenes reales, ya sean trabajadores saliendo de su jornada de trabajo o personajes en su rutina diaria (como lo fueran las películas en donde se veía al presidente Porfirio Díaz cabalgando en el bosque de Chapultepec [México, 1896]). Desde entonces el cine de ficción como el cine documental han evolucionado constantemente, tanto en su contenido, su forma de contar historias, su modo de aproximarse a la cultura, a la sociedad y su aporte hacia las personas que los hacen, los ven y los promueven.
El documental es un género que no siempre ha sido explotado, que no siempre ha sido aceptado, pero que constantemente ha encantado a quienes encuentran en él un propósito, llámese información o llámese entretenimiento. Complejo, positivo y oportuno, el documental es otro interesante formato de la cinematografía.
Presidente Porfírio Díaz cabalgando en el Castillo de Chapultepec
México, 1896
Diana Miriam Alcántara Meléndez | México
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.
Misión Imposible: Sentencia Final, acción, cinema y adrenalina…al máximo
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
En Misión Imposible: Sentencia final, dirigida por Christopher McQuarrie, Tom Cruise ofrece la entrega máxima de un actor por su proyecto, el compromiso con su pasión y la convicción total de que el cine, como experiencia comunitaria, solo puede disfrutarse a plenitud en la pantalla; y en la octava película de una serie aclamada, la audiencia puede admirar con asombro cada una de las escenas que configuran el paisaje emocional que la integra. Entre los abundantes diálogos, explicaciones, remembranzas y miradas envueltas en favor de la historia, la acción trepidante de la cinta nos ofrece silencios profusos, secuencias de acción impresionantes en cuyo frenesí se prolonga el respiro, y el aliento del público que acompasa cada minuto de los que acumula su duración de casi tres horas, expresas entre el espejo reflejo de la nostalgia y el horizonte al devenir. La Sentencia Final presenta una fotografía que amalgama de azules, ocres y cobrizos lienzos el trazo de Robert Elwist, la portentosa partitura de Max Aruj y Alfred Godfrey, y la sobresaliente edición del reconocido Eddie Hamilton. Simon Pegg despliega su humor con total naturalidad, al igual que Hayle Atwell reafirma su posición en el equipo, al cual se integran Tarzan Davis y Pom Klementieff, quienes habían aparecido en el anterior capítulo, al igual que Henry Czerny, Shea Whingham, Esai Morales y la enorme Angela Basett, corolan el arco emotivo de Luther, el entrañable amigo de Ethan Hunt, interpretado por Ving Rhames.
La entidad como un enemigo global, común e íntimo, conforma un paisaje de atemporalidad y terror digital que pudiera conllevar la inteligencia artificial, y la contrasta con la proximidad de los lazos afectivos que el personaje de Rolf Saxon enhebra con resaltar las posibilidades y las alternativas en las decisiones de la vida como gratuitad del albedrío, o una suerte del azar que no advertimos. Tom Cruise, en el pináculo continuo de su carisma por cuatro décadas, en el treinta aniversario de las misiones imposibles que catapultaron su cariz como héroe de acción, realiza cada una de sus escenas con sentido de asombro, y en ello impacta desde su vertiginoso virtuosismo, el que homenajea el cine clásico, el cine mudo, y las grandes cintas épicas, que te dejan como espectador atónito, y como cinéfilo admirando el valor de disfrutar la cinta en la gran pantalla, puesto que, la emoción que vivirás desde tu butaca, no será la misma en la escala de una sala, y no lo será la experiencia comunitaria de compartirla.
Más allá del guión o de la consecuente trama que desarrolla la historia de Ethan Hunt y del la IMF, más allá de las extraordinarias secuencias, acrobacias y expectativas, habita una película que da sentido a las películas como una experiencia visual, que apela a dejarse llevar entre la propia vivencia, y que nos permite construir una realidad alterna, y nos invita a vivirla, con la misma intensidad que su protagonista, a sumergirnos entre la profundidad del océano, como volar por los aires y admirarnos, porque nada se agradece más a una experiencia audiovisual desde un auditorio, que coadyuvar con nosotros, en un mundo dominado por el sentido de la urgencia y lo inmediato, a no perder la capacidad de asombro, y abrazarla, al asombrarnos.
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part Two, 2025, Dir: Christopher McQuarrie
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
“Cómo ganar millones antes que muera la abuela”, la conmovedora ópera prima de Pat Boonnitipat
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Cómo ganar millones antes que muera la abuela, es de inicio a fin la extraordinaria, sensible y por demás evocadora propuesta cinematográfica del también guionista Pat Boonnitipat, una cinta que explora de forma íntima, llana y precisa, la complejidad que habita en las relaciones humanas desde la perspectiva del amor fraterno, del instinto y del interés que conllevan todas las expresiones del sentimiento que aproxima lo lazos familiares, las aspiraciones personales y la vocación solidaria en un encuentro con la otredad que nos configura. Protagonizada por Putthipong Assaratanakul y Usha Seamkhum, quien, en su debut cinematográfico, ofrece una de las más extraordinarias actuaciones de la década, una abuela que, siendo diagnosticada con una enfermedad terminal, afronta el devenir con la resolución de su afición, costumbres, y apegos que implican la heredad de su partida, y la calma que advierte su preocupación ante la muerte que trascienda su vida. La relación de un nieto y su abuela, deconstruye las relaciones personales con perspectivas de la condición humana, brinda valor a los sentimientos y a las emociones, y soslaya el interés material ante la proximidad del amor como un motivo que no puede aislarse de la esperanza. La cotidianidad, los ritos, y las huellas que acompasan las miradas clavadas en las calles, en las personas o en la nada, acompañan a un nieto que pasa, de la atención interesada por el cuidado de su abuela, a una lección de vida que presenta la profunda inmersión sentimental, y el discernimiento como dos acciones intrínsecas pero disímiles desde el cariño que rebasa la expectativa de la correspondencia de un abrazo, de un guiño, de una caricia.
La compasión como un acto de amor, es una de las más bellas postales que ofrece desde la dirección, un guionista que aborda con sutileza la forma en que los lazos afectivos forjan las más profundas experiencias de vida, y que, esos actos de amor que muchas veces no vemos, se encuentran en los pequeños detalles que la observación deja de lado por detenerse en las distracciones o en los ruidos de lo cotidiano, cuando el valor de la vida, y el sentido de la misma reside en el respiro que se comparte desde la compañía. De forma sencilla, el director presenta su historia o los vericuetos en los cuales conocemos a una abuela desde la relación con su nieto, mientras debate la vida entre una sentencia, y las decisiones que conlleva la despedida. Convertida en una de las películas más taquilleras de Tailandia, Cómo ganar millones antes que muera la abuela, tiene un final pleno de poesía.
Si algo distingue a las películas que exploran la cosmovisión cultural y los significados de una comunidad, es la construcción narrativa que apela a la representación de una simbología común, y a la construcción de un horizonte compartido desde la vivencia individual hasta tener una apreciación colectiva que le hace universal; Pat Boonnitipat hace una primera incursión en su canon fílmico, con una de las mejores y más sensibles cintas de esta era post pandemia, donde la proximidad se encuentra en decadencia, la observación no contempla, y los lapsos que enhebran los instantes de vida, se vuelven fugaces anécdotas, de ahí que, para mí, esta cinta es una obra que ofrece a nuestros tiempos, un viso del cine que se necesita, y el alcance de una dirección, para erigir una obra maestra.
Lahn Mah, 2024, Dir: Pat Boonnitipat
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Misión Imposible, la acción dinámica de las imágenes en movimiento
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Desde 1996, Misión Imposible se ha convertido en un sinónimo de adrenalina, fuerza y calidad, a través de las imágenes en movimiento de la saga de acción más aclamada de las últimas décadas. Tom Cruise, en el pináculo de su popularidad, decide adaptar la serie de televisión en una película que se convertiría en la primera cinta que produciría. Dirigida por el maestro Brian de Palma, y estrenada durante el verano, Misión Imposible irrumpió por entero dentro de un canon de acción fílmica que, sin rivalizar directamente con James Bond, o con Jason Bourne en años posteriores, establecería su lugar propio dentro del panorama de los blockbusteres al recibir gran aceptación. A partir del año 2000, la cinta que había ofrecido un corolario de espías e intriga, se convirtió en un vehículo de cine de acción para su protagonista, y, dirigida por el ya legendario John Woo, la segunda entrega sería la película más taquillera a nivel global de aquel inicio de siglo. En 2006, J.J. Abrams, productor y director de series televisivas, asume el control de la saga, ofreciendo una cinta más oscura, íntima y equilibrada entre una emoción desmedida y la vulnerabilidad de Ethan Hunt, quien además de enfrentar todas las vicisitudes de una tradición, debe luchar por lo más querido, Philip Seymour Hoffman se convierte de paso en el mejor villano de la saga. Y, tras 5 años de hiatus involuntario, Misión Imposible vuelve con un mayor alcance, de la mano de Brad Bird, 2011, con un elenco que agregaba a Simon Pegg y Jeremy Renner manteniendo a Ving Rhames incluso desde un cameo, ofrece la secuencia que se volverá icónica, al igual que aquella que iniciara la saga al descender por una cuerda en las entrañas de la CIA, y ésta será escalar el edificio más alto del mundo. Protocolo fantasma tiene un gran éxito, y con ella, iniciaría una etapa gloriosa de la mano del ganador del Premio Óscar Christopher McQuarrie, con las entregas Nación Secreta, 2015, que integra a Alec Baldwin, Rebecca Ferguson; Repercusión, que junto al carismático Henry Cavil, Sean Harris y Angela Basset, se convierte en la mejor película de la saga, y el capítulo final integrado por Sentencia Mortal 2023, y Sentencia Final 2025.
Ethan Hunt se ha convertido en un sinónimo de habilidad, liderazgo y destreza máximas, y Tom Cruise, la estrella de cine más importante del mundo, en autor de las mejores secuencias de acción de las últimas décadas, cuyas acrobacias representan un referente obligado del cine de acción de nuestro tiempo, tres décadas después de que iniciara la aventura, avistamos el capítulo final de una saga extraordinaria, cuya persistencia, constancia y vocación hacia el asombro hacia el público, ha dejado su huella fílmica por demás indeleble en la historia. Mientras las sagas cinematográficas enhebran un cuarto de siglo dedicado a las cintas de súper héroes, y a la utilización de los efectos visuales digitales CGI, Misión Imposible tiene por característica primordial, la realización de secuencias de acción vertidas en la imaginación de sus directores, ejecutadas por Tom Cruise y acompasadas por efectos visuales prácticos que, aunados a los recursos digitales, permiten enaltecer cada entrega con un sello particular y por demás único; así mismo, los guiones entretejidos y el asombro como una constante, permiten que cada nuevo capítulo enaltezca al anterior y prosiga en el relato del imaginario compartido con la audiencia.
Misión Imposible eleva el nivel narrativo, visual y acrobático en cada una de las visiones que los directores han compartido, amén de la tetra incursión de McQuarrie, a partir de la creación de personajes que legó Bruce Lleler, aguzados por la propuesta inventiva de David Koepp, Steven Zaillian, Robert Towne, Ronald D. Moore, Brannon Braga, J.J. Adrams, Alex Kurztman, Roberto Orci, André Nemec y el propio MQ. Locaciones espectaculares, secuencias pletóricas de emociones, y la audaz interpretación de Cruise, envuelven la icónica y emocionante música original de Lalo Schifrin, a través de trazos musicales de Danny Elfman, Hans Zimmer, Michael Giacchino, Joel Kraemer y Lorne Balfe. La prez artesanal de cada director, combinada con los efectos visuales puestos al servicio de la acción práctica, propia de las clásicas películas de acción, enmarcadas de explosiones, tensión, suspenso, persecuciones, misterios y entresijos, develan un rostro tras una máscara u obligan al protagonista a extremar sus habilidades físicas para desafiar los dejos, visos y a la vez retruécanos de cada encomienda. Misión Imposible queda ya en la historia del cine, y su legado no se destruirá al termino de este mensaje, ni al concluir la octava cinta de una saga celebrada por la crítica y la audiencia que refrendan aceptar su misión.
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Cónclave: fe, devoción y poder, al reflejo de los tiempos
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Cónclave es una de las más interesantes propuestas fílmicas de la década, sutil, elegante, y al mismo tiempo atrevida, explora diversos temas considerados como intratables desde una perspectiva dogmática; lo anterior, enmarcado dentro del proceso electivo de un nuevo papa ante la muerte del pontífice en turno, legando en su ensayo, la deconstrucción de un cónclave papal, y una aproximación a los intereses religiosos, posicionamientos políticos, argumentos ideológicos, teológicos y filosóficos, así como prejuicios territoriales, nacionalistas, raciales y globales que permiten a la audiencia, profundizar, más allá del cónclave en sí, en todos los entresijos que delimitan su existencia. El análisis y resolución de los candidatos, las razones, motivos y acuses de la elección, son el colofón desde el cual se presentan los claros favoritos a ocupar la plaza máxima en la Santa Sede, como las alternativas instrumentales y, sobre todo, la sorpresiva conclusión desde toda misiva, haciendo del guion de Peter Straughan, adaptado de la novela escrita por Robert Harris y dirigido por Edward Berger, en la mejor película estrenada en esta temporada de premios.
Con las sólidas actuaciones de John Lithgow, Stanley Tucci, Sergio Castellito y Lucian Msamati en la siempre acompasada profundidad de Isabella Rosellini y la extraordinaria actuación del enorme Ralph Fiennes, Cónclave muestra los avatares de un proceso electoral desde la coral evaluación del discernimiento, a la luz de la devoción, el credo y la fe, donde la doble moral y la curia, la misoginia y el arrebato, la solidaridad, la empatía o el perdón como absolución del castigo, son un crisol de múltiples debates, conspiraciones e intrigas, que dejan al reflejo una profunda reflexión sobre la condición humana, el libre albedrío, y la religión. La cinta resulta un espléndido ejercicio audiovisual, con una música sugerente y una fotografía que desde su paleta de colores nos recuerda otra obra maestra de Berger, la evocadora, Sin novedad al frente; en Cónclave, la audiencia puede atestiguar una demostración actoral cuyo cariz profuso resulta admirable, al tiempo que se adentra en una suerte de campaña electoral desde un thriller psicológico y un viso eclesial que le dejará en el aliento contenido de un final que, quizá, la película propone como un paso necesario en las instituciones religiosas, y de las cuales uno quisiera precisamente fe, empatía, amparo, paz, inclusión, igualdad, solidaridad, amor y libertad. Mención especial merece la sensible, y a la vez conmovedora presentación de Carlos Diehz, quien a través de su personaje sorprende, envuelve y da sentido al Cónclave, y su elección.
Conclave, 2024, Dir: Edward Berger
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Las rocas que corola el viento, Bob Dylan y “Un perfecto desconocido”
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Bob Dylan, ganador del Premio Nobel de Literatura, se muestra como un artista en búsqueda permanente, y un creativo que no cierra los ojos ante la realidad que avista crear una realidad alterna, sino mejorarla desde el propio testimonio activo.
Bob Dylan es un referente de la cultura musical, su irrupción a inicios de los años sesenta en el panorama contracultural que definiría los senderos de una generación envuelta por la guerra fría, la crisis de los misiles de Bahía de Cochinos entre Cuba y Estados Unidos, la efervescente sinergia de dogmas, ideales y posicionamientos políticos, así como la guerra de Vietnam y el devenir de los movimientos sociales y estudiantiles, marcó un hito en la composición lírica del género Folk, y de varios géneros. El sonido acústico de su guitarra, las evocadoras líneas de su armónica, y una rasposa voz que al desgarrador compás de sus letras, definieron el estilo del músico originario de Minnesota, quien se consolidaría al amparo del Festival Folk de Newport, devotos creyentes de su obra, como Pete Seeger, referentes como Woody Guthrie, o impulsoras como la extraordinaria Joan Baez. Bob Dylan sin pretenderlo, se convertiría en la voz de una generación, de quienes andan las calles sin encontrar razones, respuestas ni motivos; de quien acusa la injusticia como una suerte de azar inadvertido, y se vierte en los confines de un viaje continuo que pulula desde el viento el sentido del horizonte, y desde el sentido, el significado de verlo. Albert Grossman como un personaje que sensibiliza el talento, el producto y la emoción, y un Johnny Cash desde la mentoría de un rapsoda testigo, integran la variopinta propuesta de los nombres que pudieran tener inferencia en el joven Bob Dylan, que, llega a Nueva York con sus liras en la espalda, habita los avatares de la urbe que lo mismo fulmina que motiva, hasta llegar a convertirse en el ícono solista más importante de su tiempo.
En “A Complete Unknown” James Mangold nos presenta un viso de los entresijos que vive el compositor a la luz de las historias, vivencias y vicisitudes, los pasadizos, amores, influencias, amores, apegos, pasiones, deseos, estigmas, prejuicios, y declaraciones de la manifestación del sentir ante un contexto, incluso, del artista ante su propia música en reacción y réplica, tal como quien, al verse reflejado en el espejo reflejo de sus convicciones, profiere un máximo o mínimo ajuste de su estilo, conferido en aquello que delimita la unicidad, la genialidad, lo que resulta irrepetible, y, a su vez, permea el colectivo. James Magold, director sendas cintas como Cop Land, Girl Interrupted, Walk the Line, 3:10 to Yuma, Knight and Day, Ford vs Ferrari, y Logan, presentadas en diversos géneros, comparte su visión de una etapa por demás prodigiosa en la historia de la música de Estados Unidos y de el mundo, los años sesenta, enmarcada en las cuitas de un joven cantautor, Bob Dylan.
El espléndido Timothée Chalamet interpreta a Bob Dylan con la misma fiereza que afronta el reto Mónica Barbaro sobre personaje de Joan Baez, haciendo del guión, coescrito por el propio Mangold, basado en el libro de Elijah Wald, acerca de los días en que Dylan aprestó por el uso de una guitarra eléctrica, revolucionando la propia revolución del Folk que él había hecho. Desde la invención de su propio imaginario, hasta la publicación del sencillo “Blowing in the wind”, del disco “The Freerhellin”, hasta la edición de “Like a Rolling Stone” del álbum de 1965 “Highway 61 Revisited”, uno de los discos que mayor influencia han tenido en la historia de la música grabada, y cuyo sencillo se convirtió, para algunas revistas y libros especializados, en la mejor canción de todos los tiempos, como lo citaran las listas de críticos en Rolling Stone. La cinta ofrece un corolario sobre sucesos de los años 50 y 60 que definirían el camino de Bob Dylan, así como algunos acontecimientos de su vida, tanto en el pleno personal, como desde la influencia que otras figuras tuvieron en su música, y los senderos que se fueron abriendo en el rodar de sus canciones. Chalamet apunta dentro de su ya interesante repertorio de personajes polifacéticos, icónicos pasajes del maestro Dylan con honestidad, franca convicción y la generosa interpretación de un actor que sigue su vía hacia la consagración como intérprete referencial de su generación.
Bob Dylan, ganador del Premio Nobel de Literatura, se muestra como un artista en búsqueda permanente, y un creativo que no cierra los ojos ante la realidad que avista crear una realidad alterna, sino mejorarla desde el propio testimonio activo. El desafío de los convencionalismos musicales, el reto a la propia industria, o el arriesgado afán por la innovación desde las letras y el uso de los instrumentos al ritmo, hacen del maestro, un epítome de agitación, creatividad y activismo desde la música, dentro y fuera de la realidad, como esos escenarios que avivan roda como roca en el presente, mirar el pasado en su giro, y habitar el futuro de la consciencia. La película explora algunos de los motivos que confieren la esencia del cantautor, y deja quizá, otros flancos abiertos al análisis, centrándose en un momento específico de la vida personal y artística del mito, dejando las preguntas a la audiencia, y las preguntas al viento de su miro.
A Complete Unknown, 2024, Dir:James Mangold
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Un juego inesperado, una visita espontánea, una sonrisa en la mirada, la oquedad que muestra un aliciente para la esperanza, son elementos desplegados con la maestría de quien acude a los pasos para delinear un camino que no aparece al mapa, pues el protagonista lo dibuja en cada mañana
Protagonizada por el extraordinario Kōji Yakusho, Perfect Days es una oda a la vida desde la pasión por vivirla; los días y sus horas, acompasadas en la cotidianidad que desempeña un oficio, y vertida en los avatares infinitos de una sonrisa, en la profundidad del silencio o en las notas enhebradas por sentimientos expresados en las líneas de cada una de las canciones que acompañan al protagonista, reflejan la maestría literal de Wim Wenders para anidarse en el movimiento desde la imagen que la naturalidad avista.
Escrita por Takuma Takasaki y el propio Wenders, Perfect Days comparte los perfectos días que no requieren más allá de una rutina que de suyo resulta simple y asombrosa, del gusto por la comida del día a día en el mismo lugar, y el acontecimiento de acudir a un sitio que distinto es el mismo que hace del fin de semana un remanso del trabajo, pero no del recogimiento que advierte el inicio de una conversación entre símbolos sin palabras, que llevan a la mirada del protagonista, un limpiador de baño en Tokio, a hacer de su trabajo como conserje, en un arte de comunicación con la interioridad y con quienes le rodean, más allá de las palabras que nos llevan por el ruido, para anidarnos en la contemplación. En una reminiscencia nostálgica de París Texas, en la vaciedad de la imagen que el director nos ofrece en Palermo Shooting, o incluso desde la mira testigo de quien siente cada poro de los sentidos en Wings of desire, el protagonista realiza su trabajo tras despertar rodeado de la música que lleva consigo en su vehículo, habiendo abrazado la noche en la lectura de un libro, y acudiendo a cada baño con el ritual ceremonioso de su oficio.
Un juego inesperado, una visita espontánea, una sonrisa en la mirada, la oquedad que muestra un aliciente para la esperanza, son elementos desplegados con la maestría de quien acude a los pasos para delinear un camino que no aparece al mapa, pues el protagonista lo dibuja en cada mañana. Perfect Days es una oda a la vida al vivirla, es un recordatorio de todo aquello que el alma expresa desde y hacia la mirada, y el espíritu del amanecer que no ceja la noche, porque al siguiente día es capaz de guardar la sonrisa que habita en la interioridad, y que desde la otredad, al compartirla, acaricia cada despertar, al escuchar House Of The Rising Sun de The Animals, Otis Readding, Sittin On The Dock Of The Bay, o Perfect Day de Lou Reed, hallará en los rayos del sol, una señal para no desesperar las horas sino ceñirlas, y a no cavilar hastió, sino encontrar en el asombro del día, la perfección del respiro.
Perfect Days, 2023, Dir: Wim Wenders
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
En el verano de 1986, mientras el mundo atestiguaba las proezas de Diego Armando Maradona en la Copa Mundial de Fútbol México 86, la temporada de estrenos cinematográficos veía emerger un éxito inusitado para una cinta que apostaba continuar una seguidilla de realizaciones atrevidas con buena recepción en taquilla, pero no el fenómeno masivo que se convertiría en un ícono de la cultura pop de la segunda mitad de los años ochenta. Protagonizada por el joven actor promesa, Tom Cruise, pleno de carisma y dinamismo, quien ya había conquistado audiencias con su protagónico en Negocios Riesgosos en 1983, Top Gun ganaría adeptos semana a semana, hasta consolidarse como la cinta más taquillera del año, ganadora del Premio Óscar a Mejor Canción Original, un premio que bien representaba un reconocimiento para una de las más importantes, impactantes y trascedentes bandas sonoras de la historia del cine; la cinta, dirigida por Tony Scott y producida por el exitoso binomio Don Simpson y Jerry Bruckheimer, narra vicisitudes, experiencias y vivencias de un grupo de pilotos en sus avatares por los jornales de la escuela naval Top Gun. Maverick, Goose e Iceman, quedaron impregnados en el imaginario cultural de una generación como personajes referentes, los aviadores lentes de sol, las motocicletas, las chaquetas de aviador y un serial de frases icónicas, se hicieron recurrentes, cimentando al paso de los años el estatus de culto, y registrado patrimonio cinematográfico del National Film Registry de los Estados Unidos.
Las secuencias aéreas, acrobacias, y el compás de escenas románticas, de playa, e incluso de la tragedia y redención desde la competitividad y el honor, legó un contexto geopolítico y económico determinado capturado en sus escenas. Su influencia incluso se notó en la música pop de América Latina, con el video La Incondicional, uno de los himnos musicales de otra leyenda, Luis Miguel. Hacer una secuela de una película con tal impacto representaba un reto, y su apuesta un riesgo que bien ha tenido dividendos con la realización de Top Gun: Maverick, producida también por el propio Jerry Bruckheimer y protagonizada de nuevo por la estrella de cine más importante de los últimos cuarenta años, Tom Cruise. La proeza incluía filmar en los jets, uniendo a los actores junto a pilotos de la Fuerza Aérea estadounidense para dar realismo a cada una de las escenas, elaborar un guión coherente y congruente a las décadas que han pasado desde su estreno, y todo ello en el marco de un elenco que combinara frescura, vivacidad, empatía, y brindara un variopinto universo de emociones creativas con el equipo liderado por Joseph Kosinsky en la dirección, y Christopher Macquarie liderando el grupo de escritores. Mediante una fotografía extraordinaria del chileno Claudio Miranda, innovando la captura de imágenes dentro de la cabina de los pilotos, delineando su vuelo con el realismo que solamente puede lograr el realismo mismo y no la pantalla verde inmersa en el uso de CGI, la película es una obra de arte fotográfica que vale apreciarse en la pantalla más grande y al mejor sonido posibles, es en síntesis, una película hecha para verse en el cine, y, ante a circunstancia que vivimos en el mundo, y los retrasos de su estreno por más de dos años, el azar, la colocó como la cinta que tenía la responsabilidad de traer de vuelta a las salas de cine a una generación que había reusado volver, y a otra que acude a cintas de súper héroes o repletas de efectos visuales hechos en computadora.
La banda sonora y canción principal, homenaje a la original partitura del Harold Faltermeyer y a las míticas notas de Danger Zone que despegan desde la voz de Kenny Loggins; Hans Zimmer, Lady Gaga y Lorne Balfe confieren ambientación al elenco que trae de vuelta a Val Kilmer, protagonista de la cinta original y ejemplo de entereza en Hollywood; así como Jon Hamm, Jennifer Connelly y Miles Teller, quienes junto a Ed Harris, integran el dinámico crisol de talentos personificados por en nuevos rostros como Glen Powell o Mónica Barbaro. Una historia que apela al corazón, a la nostalgia, a la cultura generacional que dialoga entre los visos de secuencias de acción que permite disfrutar la intensidad del vuelo, del aire y los parajes que dibujan las siluetas de jets que mantienen al borde del siento a las y los espectadores y que a la industria ofrece un viso aliento de esperanza para la elaboración de películas que puedan virar en el pasado de efectos visuales prácticos al devenir de los efectos visuales que brindan cohesión a la tecnología y al talento como un hito del entretenimiento. Inmersos en un mundo polarizado, tratando de apartar posicionamientos ideológicos y enviar mensajes en la misma manufactura de su cometido, Top Gun: Maverick es un homenaje a cintas clásicas que forjaron el denominado género del blockbuster que semeja ser la creativa alternativa cinematográfica al rescate de las tradicionales salas de cine que sufren el embate de la pandemia, que obviamente ha postergado el esparcimiento por la sobrevivencia. Una vez que parece podrá verse una luz en el camino de los años ya sumados de la contingencia, y como una opción ante la dominante presencia de las cintas de súper héroes y seres creados al ordenador, la nueva apuesta de Tom Cruise ha recibido aclamación de la crítica y de la audiencia con tal efervescencia que nos recuerda con puntillosa recomendación, que la capacidad de asombro no se reduce a las pantallas verdes, sino que habita en cualquier manifiesto creativo que apele al ingenio y a la emoción. Nuestro consejo, ver la película en la mejor pantalla posible, pero, sobre todo, con actitud y la disposición a tener los sentires y anhelos dispuestos a emprender el vuelo.
Top Gun: Maverick, 2022, Joseph Kosinski
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
BELFAST, nostalgia de la infancia, memoria del contexto
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Belfast remembra como suerte de un azaroso viaje a través de la nostalgia, aquellos días de la infancia que vemos reflejados en el espejo de quienes acompañaron nuestro paso, la familia, los amigos, el colegio, el parque, las calles, y aunado al espacio que el tiempo pasma al pensarle, surge el contexto del entorno que vivimos. Kenneth Branagh avista una palestra de sentimientos vertidos en la memoria, donde la infancia es testigo del devenir que se advierte incierto, que no alcanza a comprenderse a la luz del juego ni al amparo del amor fraternos que no descifra los adioses y hasta luego, de forma, el director suscribe los pasajes de su vida envueltos en una historia individual y colectiva, en los ojos de un niño que desde las vicisitudes de su familia, intenta comprender el encono político, el posicionamiento ideológico, el azar religioso y la migración como un hado irrenunciable porque no hay más alternativa.
Situada durante los agitados años sesenta en Irlanda del Norte, Belfast es una oda cuyo centro narrativo apela volver a la infancia para dar sentido a la vida o despejar los misterios de las decisiones que los padres, amigos o nosotros mismos tomamos ante el contexto que nos configura. La incomprensión, el prejuicio, los dogmas, la intolerancia, son parte del escenario histórico que nos presenta la cinta, donde la violencia amenaza y la pobreza acusa buscar otros horizontes para el sustento, como si el destino y por ende la determinación, estuvieran determinados por el contexto.
Jude Hill interpreta a Buddy, el pequeño testigo de los anhelos infantes que avistan la pérdida de la inocencia ante el desasosiego de una realidad que le implica y de la cual no puede alejarle ningún juego. Caitríona Balfe y Jamie Dornan, representan a los padres de Buddy, en una relación de amor que revisita la separación por designio del empleo, de una mejor oportunidad, o por la resignación de la circunstancia, y al medio, Buddy muestra el dolo que le causa no descifrar lo que sucede alrededor, pero cavila la situación como un laberinto de emociones que rebasa el horizonte confuso que ofrece la cerrazón política, el fanatismo religioso, la prebenda social, o el ansia de cambio que viste al colorido blanco y negro la hermosa fotografía de Haris Zambarloukus.
Ciarán Hinds y la extraordinaria Judy Dench como los abuelos, brindan actuaciones memorables, recompensadas con las nominaciones al premio Óscar en la categoría de reparto, a las que se adhieren las obtenidas por el propio Kenneth Branagh, nominado a Mejor Película, Director y Guión Original, para una historia que brindan a Buddy ese lugar propio que buscamos cuando el abrigo del cielo que nos cobija, primero se aleja en la ausencia de los seres queridos, y luego nos confronta en un discernimiento que no nos permite decidir, si seguir el camino por seguirles, o quedarnos en la nostalgia de la pérdida.
La complicidad, la empatía y el amor, resultan ser la maravillosa constante que hace de la cotidianidad una oportunidad para avistar el asombro, la utopía y la redención, y en esa dinámica, la audiencia se vuelve un observador consciente, informado y a la vez lejano que al acudir a las causas y consecuencias, queda prendado de reflexiones que van más allá de la época que describe el director, y describe sin la ambientación de los hechos, los acontecimientos actuales que parecen indicar, el tiempo no ha pasado o el contexto solo ha cambiado de lugar, o quizá por lo contrario, se quedó suspendido en el tiempo, haciendo de la cinta una referencia que trasciende las fronteras por su tema universal, la resiliencia, la supervivencia, y la búsqueda de la felicidad.
Undated handout still issued by Brown O’Connor Communications of (left to right) Jude Hill, Lewis McAskie and writer/director Kenneth Branagh on the set of the film Belfast. Issue date: Thursday November 4, 2021. PA Photo. The film, written and directed by Sir Kenneth Branagh, is set in Northern Ireland in 1969 and stars Jamie Dornan and Caitriona Balfe as the parents of young boy Buddy, while Dame Judi Dench plays his grandmother. See PA story SHOWBIZ Belfast . Photo credit should read: Rob Youngson/Focus Features/PA Wire
La evocadora cinta de Kenneth Branagh, comparte la ansiedad de una familia en la ilusión de atenderla, y avista la esperanza entre la desolación, la melancolía y el caos que consiga recubrir con espesas humaredas a protestas, reprendas, a la desilusión. Extraordinaria, pertinente y reveladora, Belfast nos resuena que el tiempo pasa pero los dejos de las heridas no se borran, y en esas huellas hace consciencia de lo vivido, de lo que no queremos repetir, de lo que no hemos olvidado, de lo que aguarda al devenir.
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Ganadora de la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1993, y dos veces nominada al premio Óscar a Mejor Directora, Jane Campion una referente de la cinematografía universal, gracias a la profundidad temática de sus películas, a la calidad interpretativa de sus protagonistas, y a la forma en que hace de la cinematografía, un aforo para el debate, la reflexión y el diálogo multi temático a partir de la descripción, la narración, el uso de los silencios y del eco de la interioridad que se expresa mediante las emociones vertidas en sus trama.
Jane Campion refleja en la contemplación de su obra fílmica, el corolario intencional, la introspección de quien mira, y la observación de quien refleja en su actuar el entorno de la circunstancia, del camino como un hado destino, y de la sorpresa como una suerte de azar inadvertido o un acontecimiento que, transforma el acaecer de quienes, a partir de una historia, comparten de su vida los tomentos, deseos y anhelos que les configuran.
El Piano, obra maestra estelarizada por las imponentes actuaciones corales de Hellen Hunter, Anna Paquin, Harvey Keitel y Sam Neil, la cual ofrece desde la perspectiva de la audiencia, una forma de sumergirse entre las olas de paisajes extraordinarios, al tiempo que el sufrimiento, la resignación y la esperanza, acompasan la armónica irresolución de un piano que en la callada nota es bruma y es destello; una aproximación antropológica que denota los estudios en estas áreas de la reconocida Alumni de la Universidad de Wellington en su natal Nueva Zelanda.
En Swetiee, Jane Campion examina temas que había explorado previamente en sus trabajos iniciales, las vicisitudes de una mujer ante su entorno, las relaciones humanas que la implican alrededor de su familia, el amor y de sus padres desde las percepciones que se tienen de la edad, la época y la vida. An Agel In My Table, aborda la biografía de la extraordinaria escritora neozelandesa Jatet Frames, narración audiovisual que ofrece un recorrido en diferentes etapas de la vida de la autora, amparada en las autobiografías y en la escaleta de las edades que muestran su visión del arte y de la vida.
Campion captura la atención de los circuitos de festivales internacionales como el Festival de Venecia, que afirmaban el reconocimiento de su ópera prima y predisponían a la escena cinematográfica, hacia el arribo de su obra maestra, El Piano. Campion logra con esta cinta cimbrar el canon fílmico y en su legado, lega una pieza de análisis que lo mismo nos adentra en la relación de una madre y su hija, de una artista y su instrumento, como de una condena y el castigo, la justicia, la inocencia, la discapacidad, la liberación y el arte musical de un piano como el colofón emocional de la expresión humana.
El Piano obtuvo el premio Óscar a Mejor Actriz para Hunter y Actriz de Reparto para Paquin, al tiempo que brindó a Campion el Óscar a Mejor Guión Original para una épica cinta de sentimientos vertidos en su fotografía, asimilados en la dual humanidad de sus personajes, en la vuelta del silencio y en la ambientación vivencial de una resolución que deja a la audiencia en el resoplo del suspiro y el aliento.
The Portrait of a Lady, Holy Smoke!, In the Cut, y Bright Star, conducen el trabajo de Campion por las historias de época, la exploración de las intenciones, la reacción de los seres humanos ante las amenazas, los deseos y el prejuicio, así como el intento de hacer de cada cinta una entrega diferente desde la óptica de la artista. Tres décadas que vieron la transición e Campion por la última década del siglo XX y las dos primeras décadas del nuevo milenio, en las cuales la contemplación, el misticismo y el recogimiento, hicieron del sutil movimiento, de la mirada, del movimiento de las manos, del caminar y del propio respiro, un sello que coronaría la excelsa realización de The Power of the Dog, una cinta monumental, que desde el testimonio de miradas, de la muerte como un paisaje cobrizo, y del llano como un escenario donde el amor, el deseo, la obsesión, la ira, la envidia y el recelo, acusan en sus protagonistas la descripción de una historia que tenue hace densa la percepción poética de su esmero.
Cortesía : Netflix / Jane Campion / The power of the dog
The Power of the Dog, recibió sendas nominaciones para todo su elenco, un hito en la historia de las entregas del premio Óscar, Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons y Kodi Smith MacPhee, quienes integran un reparto estelar para un drama que vira entre la psicología de sus personajes, la determinación de sus intenciones y la brisa que no plana la llanura porque no hay cabida al respiro de la oquedad. Polémica, aguda y profunda, la cinta impacta desde la conjetura de su título, y las contemplaciones como una complicidad manifiesta del espectador y la salida al laberinto sin salida que atestigua.
Pionera, precursora y creadora de un cine fundacional, Jane Campion ha labrado su andar cinematográfico a través de películas que no advierten una composición definida, sino abren las posibilidades interpretativas como un abanico de paisajes donde la cámara coadyuba en la audiencia el ejercicio de la contemplación que impulsa la dinámica de la consciencia, el debate, el análisis y el torrente de emociones, sensaciones y reacciones que hacen de la obra fílmica, una palestra emocional de las relaciones humanas y de su entorno.
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Madrid, España, 1965, durante una visita del grupo inglés, The Beatles, dos jóvenes españoles causalmente se encuentran en el sitio menos esperado… ¡Bajo la cama de John Lennon!
Ella, fanática de su música, se las ingenian para burlar la vigilancia y seguridad del hotel donde se hospeda el cuarteto británico, encontrándose de forma fortuita bajo la cama del compositor. Él, empleado de dicho hotel se encarga de que ambos no sean descubiertos, impidiendo que ella cometa una locura. Ambos, son testigos de lo que ocurre en esa habitación. Este es el inicio de la relación entre Santi García y Diana Balaguer, dos chicos entusiastas que tienen muchas diferencias entre si pero una sola en común, la pasión por el amor.
Durante su vida cada uno buscará la formula para el amor en formas distintas, sin poder impedir inevitables y tórridos reencuentros. Santi, decide dedicarse a la carrera de las armas y se alista en la escuela de aviación donde tendrá reconocidos ascensos. Diana, esta decidida a ser estrella del Jet Set y emprende una carrera como diseñadora de modas que poco a poco la incluirá entre las damas mas reconocidas de la sociedad y las revistas del corazón.
Ellos son polos diferentes, agua y aceite. Él sobrio y congruente con la responsabilidad. Ella, desenfadada, pretensiosa cayendo en ocasiones entre lo superfluo y trivial. Y aunque esto lo tienen muy claro, no pueden rechazar un paralelismo que va integrando cada vivencia de sus vidas, mismas que ponen al día cada que al destino le place unirlos otra vez. Estos flashazos intempestivos ponen de manifiesto, el amor, la pasión entre ambos pero a la vez y su incompatibilidad.
Una historia de amor…diferente.
El amor perjudica seriamente la salud, es un film de Manuel González Pereira, del año 1996, y cuenta con las actuaciones de Ana Belén, Juanjo Puigcarbé, Gabino Diego y Penélope Cruz.
Científicamente se ha determinado que el amor es una combinación de sensaciones, impulsos y recuerdos, que coordinados por un reflejo de la conducta humana y su capacidad de interacción, impactan en algún o algunos individuos. Aparentemente este sentimiento ubica sus oficinas en el hipotálamo, zona ultrasensorial y receptiva de nuestro cerebro y no en el corazón, donde tradicional y románticamente se había sugerido. Cada una de las células, hormonas, interacciones neuronales y reacciones motoras de nuestro cuerpo, esta regida por acción y reacción, causa y efecto.
¿Cuál es el efecto del amor en el cuerpo humano? Algunos investigadores coinciden que la sensación amorosa produce sustancias que provocan placer, alivian el dolor, abaten el estrés y proyectan estímulos de superación en las personas. Se ha observado una mejora en las cifras tensiónales, beneficios del sueño y la relajación. Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas. También existe la contracara del amor, el sufrimiento, la angustia, el hastío, la derivación de sentimientos hasta volverlos síntomas y padecimientos psicosomáticos. La inestabilidad emocional y desequilibrios del temperamento están involucrados.
La practica del amor propiamente dicha, involucra muchas proyecciones; la de la libido hacia la persona amada, la de la evocación de la sensación que nos produce un recuerdo, al amor filial, ese instinto animal perfeccionado por los humanos para procurar y proteger a los hijos, al amor fraterno, el que se desprende de una relación genética y eslabón compartido por la misma madre o padre. Pero ¿Sólo los efectos genéticos producen amor? La amistad es una variante del amor, y se instala como la mayor vía de compartir sentimientos en el mundo. Cualquiera que sea la muestra de amor que practiquemos, debemos ejercitarla mejorando la capacidad para recibirlo y prodigarlo, algo olvidado en nuestra tan lastimada sociedad.
A nadie le caería mal una terapia de píldoras de amor, cada 8 hrs por el resto de su vida.
Apolo Atanacio, MD | México
Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad. La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.
MEMORIA : 11 Películas Latinoamericanas del Siglo XXI
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
El cine latinoamericano a lo largo de más de cien años ha ofrecido extraordinarias cintas de corte universal que han permitido el despliegue creativo de sus directores, siendo un motivo de estudio. Durante el siglo XXI varias cintas latinoamericanas ganaron premios internacionales, lograron posicionar a directores, fotógrafos, editores, directores de arte, actrices y actores, a su vez, y aunado al cine producido en España, en conjunto revitalizaron el cine hispanoamericano. Amores Perros, Biutiful, El laberinto del fauno, El crimen del padre Amaro y Roma de México, El hijo de la Novia, El secreto de sus ojos y Relatos Salvajes de Argentina, No y Una mujer fantástica de Chile, y El abrazo de la Serpiente de Colombia, fueron nominadas en la categoría de Mejor Película Extranjera del premio Óscar, la que a mi juicio es una de las más fidedignas ternas, acorde a los filtros previos, siempre polémicos para su selección, resultando ganadoras El Secreto de sus Ojos de Juan José Campanella, Una Mujer Fantástica de Sebastián Lelio y Roma de Alfonso Cuarón, que a su vez tuvo éxito con Y tú mamá también. Machuca de Andrés Wood tuvo gran repercusión, en tanto que cintas como La Teta Asustada de Perú, por Claudia Llosa, y Tropa de Élite de Jose Padiha, fueron así reconocidas en el Festival de Berlín, tal como Roma brilló en el Festival de Venecia. Películas como Diarios de motocicleta, de Walter Selles, Tony Manero de Pablo Larraín, El Violín de Francisco Vargas, Cassette, de Andrés Palma Buratta, Sueño en otro idioma, de Ernesto Contreras, La Nana, Sebastián Silva, La Camarista de Lila Avilés, y la obra maestra Ciudad de Dios de Fernando Meirelles, destacaron entre lo más granado del canon fílmico de principios de siglo dentro de las realizaciones del cine latinoamericano, y se ubicaron en las listas de mejores cintas de los últimos años.
Películas de crítica social como Ciudad de Dios dejaron una huella indeleble, mientras que propuestas de ciencia ficción como Cassette, tienen una repercusión extraordinaria, ya que su argumento, apela al encierro a coerción de un mundo distópico, donde salir a la intemperie o al mundo exterior provee la muerte, la emancipación, el confinamiento como entorno social, Y en ese cariz contextual, El abrazo de la serpiente plantea una sanación generacional a modo de redención espiritual, naturalista y mistica, propias de lo que ahora anhelamos. Plata quemada, Marcelo Piñero; La Fuga, Eduardo Mignogna; Historias mínimas, Carlos Sorín; Iluminados por el fuego, Tristán Bauer; Las manos, Alejandro Doria; XXY, Lucía Puenzo; El clan, Pablo Trapero; El ciudadano ilustre, Mario Cohn y Gastón Duprat, Un cuento chino y recientemente La odisea de los giles, Sebastián Borensztein, tuvieron gran exposición para el cine Argentino.
El último tren, Diego Arsuaga y Whisky, Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, sumaron a su exposición como las anteriores el Premio Goya a Película Iberoamericana, el cual también recibieron este siglo La buena vida, Andrés Wood y La vida de los peces de Matías Bize, por Chile; Juan de los muertos, Alejandro Brugués por Cuba, así como Azul y no tan rosa de Miguel Ferrari por Venezuela, además de las ya citadas ganadoras del Óscar El Secreto de sus ojos, Una mujer fantástica y Roma.
En esta edición especial de MEMORIA, hacemos un repaso conceptual por 11 películas latinoamericanas que a título personal dejaron una huella en la reflexión y en la proyección del devenir cinematográfico del cine producido en América Latina. El orden de las cintas es meramente CRONOLÓGICA y acusa de recibo la dificultad que representa seleccionar solo una decena de cintas para compartir en esta cuarentena.
El AGENTE TOPO 2020
Chile
Creativo, profundo y actual, construido desde una perspectiva contemporánea, El Agente topo es un documental que explora desde el género documental y a su vez desde la ficción que se advierte desde su profunda historia, las vicisitudes de la edad a medida que avanza y desde la edad, prejuicios, categorizaciones, circunstancias, entornos y contextos sociales, así como el devenir del físico desde el estado del cuerpo y de la mente que parece rebasan el tiempo o no le alcanzan, una identificación que desde la audiencia percibimos, asumimos y reflexionamos al mismo cariz que conocemos historias de vida de quienes habitan una cosa donde convergen la voluntad, la coerción, la obligatoriedad y la emancipación en el preciso instante en que existe o no la consciencia de habitarle. Un infiltrado, una agencia, una misión a modo de búsqueda de la verdad, devela a través de diversas vivencias, la vida misma en la intensidad de los instantes que abrazan el presente vestido en la nostalgia de la música, el arte, las ganas de vivir, el baile, las miradas, las caricias, las palabras, y el albergue de clausura en los andares o en reinicio de los sueños. Sergio, el agente infiltrado, encubre la tarea que desvela una compleja estadía en la que emociones confluyen la propia existencia, haciendo de la misiva por hallar una causal de maltrato en unas de las residentes de la casa reposo, un viaje plagado de reflejos para el topo, que encuentra en cada residente, la variopinta consecución de la nostalgia, la melancolía y las ilusiones que vierten lo mismo resignación y renacimiento, desazón y anhelos.
El agente topo fue nominada a Mejor Documental en la entrega de los premios Óscar, y a su vez, recibió sendos galardones por su innovadora propuesta, creativo argumento y el emotivo matiz de su trama.
El agente Topo /Chile 2020 / IMDB
AMORES PERROS 2000
México
Fue justo en el año 2000, en pleno cambio de siglo y milenio, entre los blockbusters y las cintas de autor orientadas a festivales, en la exploración que agonizaba en la posmodernidad con sus matices eclécticos, fragmentarios y contraculturales, Amores Perros irrumpió el escenario fílmico como un torbellino. Locutor, publicista, y director del experimento televisivo Detrás del dinero, con Miguel Bosé en su elenco, Alejandro González Iñárritu aguardó cinco años tras su primera incursión como director para hacer su debut con una de las mejores óperas primas del cine mexicano, equiparable a lo que lograse Tiempo de morir con Arturo Ripstein.
Amores Perros, es una extraordinaria aproximación a las relaciones humanas desde los instintos, a la violencia depositada en los sentimientos cuando son viscerales más que sentidos, aducida por la pelea de perros como significado de la reacción irracional del ímpetu. La película converge su trama unida por un accidente de tráfico que funge como palestra para la resolución de conflictos en sus personajes, Octavio y Susana, Daniel y Valeria, así como El chivo y Maru, son las tres historias que comulgan espacio y tiempo para derivar sus pasados y presentes dejados a vera de la audiencia.
Gael García Bernal, Adriana Barraza, Emilio Echavarría, Jorge Salinas y Vanessa Bauche, entre otros, integran el elenco de esta película fundamental del cine mexicano del nuevo milenio. Amores perros, epítome sumario de la relación director-autor que Iñárritu consolidó con el guionista Guillermo Arriaga, a esta cinta seguirían “21 Gramos” y “Babel”, ambas con nominaciones al Premio Óscar, tanto en actuaciones la primera como a Mejor Película la segunda, pero fue la película estrenada en el Festival de cine de Cannes, que alcanzó nominaciones e incluso triunfos en entregas de premios, como los Globos de oro y el BAFTA, antes de competir por el premio Óscar. Amores perros rompió un hiato de 25 años para México sin ser nominado en lo colectivo al Premio de la Academia, y la atención hacia el cine nacional y sus histriones fue notorio. La película también introdujo el estilo de esa mancuerna creativa, la concatenación de historias enhebradas por un mismo suceso.
Amores Perros / México 2000 / IMDB
CIUDAD DE DIOS 2002
Brasil
Ciudad de dios es un corolario de profunda crudeza, realismo y macabra belleza que desborda a plenitud el talento, creatividad y arte de su director. Afincada en una historia verdadera, como las miles que convergen entre melodías de favelas, playas, ciudades y rincones citadinos de Río de Janeiro, describe la imposibilidad de redención y escape que tienen quienes habitan los sectores más desprotegidos, riesgosos y profusos de una sociedad que oculta, niega y segrega sus propias filias y fobias entre los recovecos espaciales de un lugar abrigado a la divinidad del designio. Una cámara que logra penetrar todos los huecos y espacios abiertos, una edición dinámica que agiliza la percepción con la misma técnica que despunta la vista de su audiencia en parpadeo. La historia de Buscapíe concatenando las edades, vicisitudes y vericuetos sociales, acude a la narrativa de tres décadas de convivencia en el sistémico y estructural circunloquio de la miseria y la pobreza extrema de Río de Jaineiro. Mediante un foco hacia el realismo situacional que irán construyéndose en las favelas por el desigual desarrollo económico.
Niños y jóvenes, unidos en torno a los intereses más próximos, conferidos sobrevivir yno morir al intento. La historia de Buscapé, representa el discernimiento a dicotomía que los personajes tomarán como un laberinto espiral que solo cambia los nombres de su futuro, podrán ser veinte o treinta los años en su camino, el destino, será el mismo. Las historias que acontecen en la ciudad, que no pertenece a nadie más que a Dios como testigo, se entrecruzan como un vaivén de consciencia omnipresente que deja la reflexión como un legado persistente para su audiencia. La película tuvo un inmediato éxito en foros internacionales y pronto se ubicó, a menos de una década de su estreno, como una de las mejores cintas de principios de siglo y del cine de arte en la historia, y lo es desde la perspectiva que el eco de sus realidades confiere a la esperanza.
Ciudad de Dios / Brasil 2002 / IMDB
EL VIOLIN 2005
México
Ángel Tavira, Dagoberto Gama y Gerardo Taracena, encabeza el elenco de una ópera prima extraordinaria que desde su estreno tuvo un gran impacto social y en la industria cinematográfica con grandes reconocimientos, destacando el premio a Mejor Actor para Ángel Tavira en el Festival de Cine de Cannes. El violín es un vestigio vivo del cine que aborda el documental que sin tiempo versa atemporal las páginas de la historia y que puede ubicarse en el contexto de países diversos, su poesía es música y es vida, interpretada por el maestro Ángel Tavira, quien con una sola mano y apoyando su arte al hombro, hace de cada melodía el deleite músical y el profundo dolor del caso que interpreta, la trama de una película aguda y crítica que se desborda como torrente en la denuncia, en el testimonio, en la memoria.
Don Plutarco, interpretado por Tavira, es en sí mismo una historia aparte, en la vida real era un talentoso músico y compositor, poeta y juglar del son calentano, en la denominada “Tierra Caliente”, que acompases, síncopas y contratiempos brindaba su arte al folklore arraigado entre los estados de Michoacán y Guerrero. Don Plutarco también era profesor rural, e incluso a los sesenta años se inscribió en el Conservatorio de música de Morelia. Su personaje, Plutarco, se ve inmerso en -la Guerra Sucia- acontecida en México, su hijo Genaro y su nieto Lucio, libran la vida entre el campo y la guerrilla hasta ser descubiertos, por tal deben esconder sus armas, para lo cual recurren a Don Plutarco, quien hace de “mula” para trasportar las armas escondidas en su violín. Pero la trama cautiva desde el arte mismo, ya que el único modo de supervivencia que tendrán será la voz de su violín que cautiva al capitán militar y que le permite tanto llevar las armas de un lado a otro como sobrevivir hasta que la música, como el mismo enuncia, viva o muera, inicie, dure o termine su ritmo.
El violín destaca por su magnífica dirección, actuaciones sumamente realistas, su fotografía en blanco y negro superlativa y la banda sonora que tiene el mismo poder de los diálogos. El instrumento como arte y como idioma, hace recurso de la cultura expresada en la tradición del son unido a la tierra, defensa de ideologías, acción represora, grupos armados, populismos políticos, milicias y un violinista que ama con su vida con la dignidad que interpreta su música.
El violin / México 2005
EL LABERINTO DEL FAUNO 2006
México
Obra maestra de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, recibió el Premio BAFTA a Mejor Película No Inglesa y fue nominada a Mejor Película Extranjera en los premios Óscar representando a México, incluyendo sendos galardones para artistas mexicanos como Eugenio Caballero en arte y Guillermo Navarro en fotografía. Guillermo del Toro, haría de la cinta, ambientada en la Guerra Civil Española, su vuelta al cine latinoamericano. Ivana Baquero, Sergi López, y Maribel Verdú, ofrecen un trinomio de extraordinarias actuaciones que generan lo mismo empatía que repulsión, atendiendo a las intenciones de sus motivos.
Guillermo del Toro se adentra en la estructura narrativa en dos planos, que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad.
La banda sonora de Javier Navarrete, melancólica y sentida, modera los meandros que explora por los confines de la fantasía que sigue su paso entre las persecuciones republicanas por el franquismo que extermina los últimos suspiros de sublevaciones, y su nueva vida de Ofelia, la protagonista, en un poblado norteño de España. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, permitirá que Ofelia de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda vivir su propia fábula de seres mágicos que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos. Cuando ella quiere habitar el mundo de la fantasía, esa fábula presenta angustia, dolor y esperanza. Ofelia bajo la cueva de la curiosidad encuentra un Fauno que será su puente con el mundo de las hadas, la magia, la inmortalidad y la muerte de su padre, y en la ilusión por habitar ese lugar de encuentro, accede a la tercia de pruebas que le solicita el Fauno, interpretado por Doug Jones en una coreográfica actuación sinfónica de quien será a la postre el actor fetiche de del Toro como Andy Serkis lo es para Peter Jackson.
Cada una de las pruebas conjuga riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Y mientras el resistir es un elemento de resiliencia, la madre de Ofelia vive su propio rosario de dolores al estar embarazada del Capitán y no valer para él nada más que el vientre donde se anida el bebé que viene en camino. Es la maldad del Capitán un elemento revulsivo en la percepción de Ofelia, que contrasta con su inocencia, bondad e ilusiones; y es la tiranía de su causa beligerante la que contrasta con los anhelos de libertad de los republicanos. Dos dimensiones, desenlaces, la vida y la muerte son las únicas posibilidades determinadas por la guerra, que conforma un ambiente de árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja su cura. Todos los elementos que dan forma al cine de Guillermo del Toro aparecen el Laberinto del Fauno, el relato que une fantasía realidad, historia y leyenda, la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.
Del Toro, dirigirá La forma del agua, cinta que le dará el Óscar a Mejor Director y Película, una trama que por igual combina la fantasía con los anhelo desde la realidad que tienen sus protagonistas, la libertad que no existe, las angustias de la vida, los conflictos bélicos como corolario, y la plástica de la belleza vertida en la percepción, también forman parte de esa entrega, sin embargo, a mi consideración, El laberinto del fauno brinda una mejor aproximación al cine del director mexicano.
El Laberinto del Fauno / México-España 2006 / IMDB
CASSETTE 2008
Chile
La libertad de las consciencias, el desafío a las leyes o simplemente la búsqueda de algo más. Cassette brinda el universo deductivo que acompaña al espectador y que lo hace presa de la misma búsqueda por ser libre que emprende Marcos Blanco, la audiencia recorre pasajes del laberinto donde residen entradas intempestivas y salidas inexistentes que hacen de lo permisible una memoria permanente, en los permisivos sistemas del apartado habitacional no sabemos pero suponemos nadie convive. Desde los títulos del inicio, Cassette hace referencia a las películas de ciencia ficción que marcan la historia como el presente, un movimiento que se detiene a medida que avanza y encuentra a Marcos Blanco por el pasillo.
La luz se enciende y apaga como la oquedad zozobra que asfixia interruptores, transistores y conexiones semejan los recovecos de sociedades distópicas, tan actuales y recurrentes a nivel social, como la temática de esta cinta estrenada en Santiago, y que recorrió los festivales de Río de Janeiro, Montevideo y Ciudad de México. El director ítalo-chileno, Andrés Palma Buratta, construye un mundo subterráneo que anhela descubrir el aire y en ello procura advertir su búsqueda mientras nos muestra la fotografía de Dalma, la rubia mujer que habita la mente y pertenencias de Marcos Blanco. Cassette es un aviso que reproduce el artefacto rudimentario, sencillo, del cual emergen imágenes verdes y sepias, una serie de yuxtaposiciones poéticas, estilizadas a pausas, y en ese andar retrata redenciones, resignaciones, supuestos. Palma Buratta se atreve y logra una película creíble, sensible y reflexiva al mismo tiempo, ése es su mayor logro. Los diálogos son breves, pero estrictamente necesarios, así cobra mayor sentido que los personajes hablen o callen; la edición atemporal y no lineal de sus segmentos, hacen un seguimiento al caos y a su resolución desde los fractales del confinamiento.
Blanco ahuyenta la patrulla de control y le pregunta aun cautivo si puede contarle algo, si algo puede decirse, Blanco nos dice con dolor que busca o ha buscado algo que no sabe si todavía existe, aunque el tiempo vital es relativo, la cinta expresa que aún podemos salvar algo antes de que se termine nuestro tiempo vital, las voces en «off» traen de vuelta al gran hermano que todo ve y escucha, la maquinaria de control; la rebelde osadía; el sistema pendiente interrumpe cualquier sitio porque se adelanta a los sucesos; el ambiente claustrofóbico; el totalitarismo de sistemas y oligarquías, de dictaduras y sus fantasmas habitan los pasillos de Cassette, pero para Buratta va más allá y se anida en la psiqué de los personajes y del espectador, haciendo de la libertad y sus complejidades, un tratado para guardar y llevar a casa para seguir reflexionando.
Marcos Blanco recibe instrucciones para estar atento a los avisos, los grafitis hablan de dogmas, de murales suburbanos que rodean al sospechoso, su cuerpo no corre ni rompe barreras, y pregunta ¿Dónde queda la imagen de lo grabado? Como respuesta, Marcos destruye un televisor y en la destrucción de la pantalla, destruye los lares de la metáfora. La banda sonora resuelta de melancolía hace eco de las persecuciones de un toque de queda. Sociedades maniatadas, la doble moral, la desintegración y la fragmentación, cohabitan la esperanza de vivir en las llanuras erosionadas, la cinta narra hechos que están por suceder, como bien señala su eslogan, Palma Buratta hace que uno viaje directo y sin escalas a las entrañas de la sociedad posmoderna, más allá de posicionamientos políticos, religiosos o sociales. Gracias a su espléndida fotografía y poética, el final de Cassette es uno de los mejores en la historia del cine chileno.
Cassette / Chile 2008 / IMBD
LA NANA
Chile
La mejor película que se haya filmado sobre las mujeres trabajadoras del hogar que realizan su trabajo en una casa habitación en la cual deben hospedarse, vivir y acaso interactuar, La nana de Sebastián Silva dejó su legado, y se sumó a grandes cintas que abordan esta temática en el mundo. La obra tiene una ventaja considerable respecto a otras cintas latinoamericanas previas el tema como son Cama adentro, o posteriores como Hilda, Roma o La camarista, La nana tiene un realismo único que se aprecia en la técnica de su filmación, además de aportar protagonismo real y no de reparto o circunstancial a la trabajadora del hogar. Para realizar el documental Día de descanso, sobre mujeres trabajadoras del hogar que luchan por sus derechos laborales y humanos, apelamos a ésta película ganadora del premio del jurado en el Festival de cine de Sundance, como uno de los recursos de ficción sobre la realidad
Raquel interpretada por Catalina Saavedra, ha trabajado por años para una familia, ha dado su vida y ocupado el espacio habitacional que le ha sido designado, pero lejos del cariz adusto que le ponen a su vida en el trabajo, el director muestra otro lado de su vida, anhela, compite, siente, ama y no se expresa. Después de trabajar sin descanso, y agotarse, Raquel sufre un deterioro en su salud, resuelto en activa respuesta por su patrona, quien contrata una nueva ayudante, lo que desencadenará rivalidad y trance.
Raquel no tolera la competencia, hace lo posible por evadirla y que la familia Valdés, con quien trabaja, desista de su cometido, lo cual muestra las variadas manifestaciones de su condición humana, la mujer y la trabajadora, las razones de su comportamiento tosco, huraño, aislado, su historia de vida, la que ha delegado y la que aún le queda, en esta circunstancia y en la relación con Lucy, la más nueva nana, se verá en alteridad confrontada y reflejarse en los anhelos que ella misma ha tenido y que le brinda sonrisa como cuando quiere ir a su casa, y da cuenta de que al espejo, puede verse como es más allá de sus labores, mostrando su sensibilidad, sus amores, sus apegos. Silva logra explorar la dualidad de su personaje desde su lugar de trabajo, haciendo de la casa donde labora Raquel un escenario, de su uniforme una forma de caracterizar uno de sus lados, y de su cabello la manera en que ella se asimila y luego transforma, para hacer de la sonrisa y de su voz, un detector de los sentimientos y las emociones, tal como hace del agua un fluir de energías.
La nana / Chile 2009 /IMDB
EL SECRETO DE SUS OJOS 2009
Argentina
Si en 2001 Juan José Campanella había logrado impactar el panorama internacional con la sensible, humana e hilarante El hijo de la novia, protagonizada por Ricardo Darín, símbolo del cine latinoamericano del que hacemos mención en este decálogo, Eduardo Blanco, Héctor Alterio y Norma Alejandro, entre otros, El secreto de sus ojos culmina una línea cautiva que con Luna de avellaneda había hecho una escala en el devenir de sus pasos. El secreto de sus ojos es una de las más impactantes cintas del cine policiaco en lo que va del siglo, donde el propio Darín junto a Soledad Villamil, Guillermo Francela, Javier Godino y Pablo Rago, ofrecen una imponente pieza coral, llena de misterio y descubrimientos que uno a otro, logran a sucederse sin pausa en las escenas pero en la pausa de los periodos temporales de su estructura histórica, que la audiencia por una parte piense qué ha descubierto el meollo de su trama, por otra que no sabe hacia dónde se dirige y finalmente, cuando concluye que ha terminado, da cuenta que la memoria de los sentidos reservaba un final escalofriante e inesperado.
Desde que La historia oficial de Luis Puenzo, ganara el Óscar, el cine argentino había estado más cerca gracias al propio Campanella, quien logra ganarlo en 2009. Un agente retirado, la memoria de un caso y el anhelo de escribir una novela sobre los sucesos que no pueden olvidarse porque no se han resuelto, integran la línea de encrucijadas que devela los orígenes de un asesinato, sus causas y consecuencias archivadas por encargo de una justicia, quizá ausente, quizá tardía, quizá…perpétua. El guion de Campanella es sobresaliente, y la edición de las distintas etapas históricas muy bien ambientado, haciendo de la Argentina previa a la dictadura un escenario, durante la dictadura otro, para finalizar con el retrato de su país hacia el fin del milenio, donde está ubicada la trama, sin perder el ambiente y la enhebrada serie de sucesos que forman una cadena conexa más no implícita del argumento. La secuencia del partido de fútbol, es una de las más dinámicas y emocionantes del cine latinoamericano, y el final de la película es tan contundente como la mirada de sus protagonistas, quienes sin decir palabra alguna, en el amor, todo dicen y sienten; mientras el villano suplica porque le hablen, los amantes la mirada que confirma suplican.
El Secreto de sus Ojos / Argentina 2009 / IMDB
EL ABRAZO DE LA SERPIENTE 2015
Colombia
El abrazo de la serpiente atiende a elementos clave de la cultura, cosmovisión y tradiciones de los pueblos originarios latinoamericanos, el poder de sanación, las leyendas y creencias de los poderes místicos, las cuitas espirituales y la identidad provenida del arraigo y los símbolos.
Situada en las efemérides correspondientes a la llamada -fiebre del caucho- en cuya trama y postrimerías, Ecuador, Brasil, Venezuela, Colombia, Perú y Bolivia, auscultaban la naturaleza amazónica en la búsqueda de caucho, similar a la búsqueda de oro californiana de mediados hasta finales del siglo XIX, solo que en éste caso, desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. A partir de esos acontecimientos, Guerra narra un plano de dos etapas históricas, la ya enunciada y una acaecida tres décadas después, Karamakate, protagonista de la cinta, se une a la expedición de dos científicos alemanes que buscan en travesía natura y sanación y tras las incidencias de la aventura, narra en el ocaso de su memoria las pautas del olvido que tiene su conocimiento y sabiduría. Por una parte se busca el misticismo, por otra la riqueza, esta dualidad del entramado narrativo, sostiene al piélago de sapiencia de los pueblos, que se ven amenazados por la ambición y la codicia.
En El abrazo de la serpiente sobresale el uso de símbolos, una lucha constante entre lo sagrado y lo profano, entre el recuerdo y la memoria, entre la juventud y la vejez, la ciencia y la natura, la alquimia y los poderes curativos, la industria y el apego a la tierra, al sol, las plantas, hierbas y ríos. Asentamientos sociales y sus dinámicas de orden y ser cautivo, desembocaban en el surgimiento de chamanes, mesías y brujos, curanderos y evangelistas, las barreras son fronteras, y las creencias son la salvación o condena de una cultura. Ciro Guerra entrega una obra intercultural que se convierte en una de las mejores películas que abordan los procesos sociales de otredad, alteridad e interculturalidad, con fenómenos socio económicos y por ende sociales como la migración y el desarrollo financiero sustentable y no sustentable; la cinta explora mitos con personajes reales, el temor a los extranjero o foráneos como un dejo de la historia y la conquista. El Karamate es un sobreviviente, un último vestigio, el último habitante de una memoria que comienza a olvidarse a medida que se va muriendo quien la ha vivido. La experiencia sensorial de la yakruna, planta que da sentido a la cinta, brinda un épico cierre espectacular a la película, que bien vale disfrutarla con la banda sonora de la amazonia.
El Abrazo de la Serpiente / Colombia 2015 / IMDB
UNA MUJER FANTÁSTICA 2017
Chile
Daniela Vega protagoniza esta polémica película dirigida por Sebastián Lelio, ganadora del Óscar a Mejor Película Extranjera –hoy de habla no inglesa- siendo la primera en recibirlo para el cine chileno, que solo había recibido el premio en la categoría de corto animado con Historia de un oso de Patricio Escala. Una mujer fantástica, en cuyo reparto aparecen Francisco Reyes, Aline Kuppenheim y Luis Gnecco entre otros, narra la historia de Marina, joven transexual que vive en la cosmopolita ciudad de Santiago.
La trama inicia con una descripción poco convencional pero idílica, una relación madura entre Orlando, hombre veinte años mayor a Marina, y quien de súbito, en los albores de una celebración, sufre un aneurisma cerebral que acaba con su vida. A partir de ese momento, los prejuicios, acusaciones y la discriminación, conforman un corolario de pistas casi deducidas de que Orlando no murió por el aneurisma per se, sino que quizá fue provocado por un golpe, lo que en la cuita accidental inculpa a Marina, pero más allá de esa situación propia del azar o de la suerte, es la suposición lo que destaca el director para explorar no solo la relación sino el trasfondo del sentir profundo, doloroso y a la vez de autoafirmación de Marina, haciendo de la cinta un colorido viaje a la interioridad.
Entre la confrontación de la ex mujer de Orlando, el apoyo del hermano de éste, la solicitud de seguir viviendo unos días en el apartamento que compartían, su defensa de inocencia, y la lucha por preservar a su perrita, el director se arriesga a develar la doble moral de la sociedad hacia Marina y hacia la minoría que representa, la cerrazón y la obtusa comprensión de un amor que surge sin atención a la edad, al sexo, las preferencias sino a los sentires; el gran desconocimiento y escasa madurez para comprender la dimensión de las emociones, muestran que el camino para la plena aceptación de las formas de vida es por demás largo y sinuoso, gracias a las grandes improntas machistas, morales, dobles principios e incomprensión que prevalecen en el mundo, de ahí que la recepción universal de la cinta haya sido por demás positiva. Bien recibida en lo general por la comunidad LBTB, recibiendo el premio Teddy Award y el Oso de Plata a Mejor Guion en el Festival de Cine de Berlín, su triunfo en los Independent Spirit Award, Goya, National Board Review, sumaron al su Óscar reconocimiento universal.
Una Mujer Fantástica / Chile, 2017 / IMDB
ROMA 2018
México
En Roma, Alfonso Cuarón versa temáticas contemplativas, procedidas de acciones que dan cauce a un proceso narrativo donde confluyen supervivencia y destino, cada cuadro parece dibujarse con la tensión permanente entre el personaje y su acontecer, compleja realización de una historia íntima que retrata prejuicios de clase y describe posicionamientos políticos que, de forma indirecta, coinciden con la historia de un país que lo mismo parece avanzar y retroceder con los años. Roma, describe movimientos sociales derivados de la trágica gresca estudiantil de finales de los años setenta, el México urbano, las guerrillas ocultas y expresas, así como los grupos paramilitares insertos en el decenio populista que iniciaba, la violencia contra la mujer, y el sitio que laboralmente han tenido las trabajadoras del hogar, especialmente quienes laboran en contrato, lo cual abonó en la difusión de la cinta a su actual lucha.
La reacción de la audiencia fue aprobatoria, la crítica la catalogó como una de las mejores películas de la década, recibiendo estatuillas en los premios BAFTA, Globo de Oro, así como varios premios Óscar en las categorías de Mejor Director, Fotografía y Película Extranjera, primera película en recibirlo en el canon del cine mexicano. Aunque para algunos cinéfilos y críticos el impacto de la cinta fue sobredimensionado, lo cierto es que el impacto de la película fue global, y posicionó el camino al devenir de películas producidas por la plataforma Netflix en su sendero por obtener premios en la industria, esto a pesar de tener una distribución solo simbólica en los las salas de cine.
Así el director ofrece una suerte de autoficción, ahondando en los recuerdos de su infancia, recorre las calles, parques, esquinas y edificios, posa su película en el banco y negro evocador de la nostalgia y provocador de un entorno social que bien podría incluir los tintes rojos de su tiempo. De ahí que la referencia desde el realismo social que aborda el director, me pareció por demás destacable al reflejo de quien habita un hogar a salario, el testimonio de quien migra por el estipendio, y que al tiempo que pasan sus días en casa ajena, limpiando lo que no es ni será suyo más allá de sus propias emociones, vive el amor, el desamor y los sueños. Los sucesos históricos desde su vivencia y el colectivo que la implica, la mirada de Cleo representa una invisibilidad que se hace visible desde el otro lado de una misma historia.
Políticamente es un repaso que no esconde y expone dolorosos sucesos armados que entre movimientos estudiantiles y guerrillas alternas siguen mismas tendencias y vicios, populismo, dictaduras, desigualdad de crecimiento, monopolios, la incertidumbre anclada en la mirada de una mujer y su oficio, de una familia y su conclusión, del amor con todo y su engaño, con todo y su ilusión, de una realidad, sus desencuentros, sus promesas. Roma, tal como comenté en el apartado dedicado a La nana, aborda un tema muy especial para mí, no sólo por el afecto hacia la zona habitacional que le intitula en la Ciudad de México, sino también por los tópicos que resguardan sus andares, y por la cercanía que tuve con mujeres trabajadoras del hogar en su lucha por sus derechos humanos y laborales cuando realizamos Día de descanso, de hecho Marcelina Bautista, quien narra el documental, presentó Roma en México, y aunque la película no aborda de suyo ni a fondo el tema, le permitió tener mayor notoriedad a su lucha.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México 
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Politólogo, escritor y documentalista, Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas, y Premio Bienal de la Academia Literaria de la Ciudad de México, es autor de diversas novelas y director de documentales en derechos humanos. Director Editorial de Filmakersmovie, recibió el Premio Nacional de Gestión Cultural; su obra ha sido compartida en más de cuarenta países de cinco continentes.
Las secuencias aéreas, acrobacias, y el compás de escenas románticas, de playa, e incluso de la tragedia y redención desde la competitividad y el honor, legó un contexto geopolítico y económico determinado capturado en sus escenas. Su influencia incluso se notó en la música pop de América Latina, con el video La Incondicional, uno de los himnos musicales de otra leyenda, Luis Miguel. Hacer una secuela de una película con tal impacto representaba un reto, y su apuesta un riesgo que bien ha tenido dividendos con la realización de Top Gun: Maverick, producida también por el propio Jerry Bruckheimer y protagonizada de nuevo por la estrella de cine más importante de los últimos cuarenta años, Tom Cruise. La proeza incluía filmar en los jets, uniendo a los actores junto a pilotos de la Fuerza Aérea estadounidense para dar realismo a cada una de las escenas, elaborar un guión coherente y congruente a las décadas que han pasado desde su estreno, y todo ello en el marco de un elenco que combinara frescura, vivacidad, empatía, y brindara un variopinto universo de emociones creativas con el equipo liderado por Joseph Kosinsky en la dirección, y Christopher Macquarie liderando el grupo de escritores. Mediante una fotografía extraordinaria del chileno Claudio Miranda, innovando la captura de imágenes dentro de la cabina de los pilotos, delineando su vuelo con el realismo que solamente puede lograr el realismo mismo y no la pantalla verde inmersa en el uso de CGI, la película es una obra de arte fotográfica que vale apreciarse en la pantalla más grande y al mejor sonido posibles, es en síntesis, una película hecha para verse en el cine, y, ante a circunstancia que vivimos en el mundo, y los retrasos de su estreno por más de dos años, el azar, la colocó como la cinta que tenía la responsabilidad de traer de vuelta a las salas de cine a una generación que había reusado volver, y a otra que acude a cintas de súper héroes o repletas de efectos visuales hechos en computadora.
La banda sonora y canción principal, homenaje a la original partitura del Harold Faltermeyer y a las míticas notas de Danger Zone que despegan desde la voz de Kenny Loggins; Hans Zimmer, Lady Gaga y Lorne Balfe confieren ambientación al elenco que trae de vuelta a Val Kilmer, protagonista de la cinta original y ejemplo de entereza en Hollywood; así como Jon Hamm, Jennifer Connelly y Miles Teller, quienes junto a Ed Harris, integran el dinámico crisol de talentos personificados por en nuevos rostros como Glen Powell o Mónica Barbaro. Una historia que apela al corazón, a la nostalgia, a la cultura generacional que dialoga entre los visos de secuencias de acción que permite disfrutar la intensidad del vuelo, del aire y los parajes que dibujan las siluetas de jets que mantienen al borde del siento a las y los espectadores y que a la industria ofrece un viso aliento de esperanza para la elaboración de películas que puedan virar en el pasado de efectos visuales prácticos al devenir de los efectos visuales que brindan cohesión a la tecnología y al talento como un hito del entretenimiento. Inmersos en un mundo polarizado, tratando de apartar posicionamientos ideológicos y enviar mensajes en la misma manufactura de su cometido, Top Gun: Maverick es un homenaje a cintas clásicas que forjaron el denominado género del blockbuster que semeja ser la creativa alternativa cinematográfica al rescate de las tradicionales salas de cine que sufren el embate de la pandemia, que obviamente ha postergado el esparcimiento por la sobrevivencia. Una vez que parece podrá verse una luz en el camino de los años ya sumados de la contingencia, y como una opción ante la dominante presencia de las cintas de súper héroes y seres creados al ordenador, la nueva apuesta de Tom Cruise ha recibido aclamación de la crítica y de la audiencia con tal efervescencia que nos recuerda con puntillosa recomendación, que la capacidad de asombro no se reduce a las pantallas verdes, sino que habita en cualquier manifiesto creativo que apele al ingenio y a la emoción. Nuestro consejo, ver la película en la mejor pantalla posible, pero, sobre todo, con actitud y la disposición a tener los sentires y anhelos dispuestos a emprender el vuelo.
Madrid, España, 1965, durante una visita del grupo inglés, The Beatles, dos jóvenes españoles causalmente se encuentran en el sitio menos esperado… ¡Bajo la cama de John Lennon!
Apolo Atanacio, MD | México 
