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La Momia, el primer viso de un nuevo universo

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Dirigida por Alex Kurtzman, el estreno de “La Momia” representa el lanzamiento del concepto Dark Universe de Universal Pictures, una vuelta al periodo clásico de las películas de monstruos que fueron sumamente populares en las décadas de los años 30 y 40. Algunas versiones de estas cintas son consideradas obras maestras de la cinematografía mundial, como las personificadas por el maestro Boris Karloff, la célebre “Frankenstein” 1931 y su aclamada continuación “La novia de Frankenstein” 1935 de James Whale, así como “La Momia” 1932 dirigida por Karl Freund.

Es precisamente ésta última la que vuelve a escena tras la saga cómica, de aventura y acción dirigida por Stephen Summers y que protagonizaran Brendan Fraser y Rachel Weisz entre 1999 y 2008. No obstante, la saga de Summers reinventaba la historia para adaptarla a una versión más dinámica, menos terrorífica y muy atractiva para las salas de cine, mediante efectos visuales, humor y romance. Kurtzman en cambio, trae de vuelta el clásico con miras a regresar la complejidad y solemnidad del relato, la momia vuelve a ser aterradora, misteriosa, enigmática, pero ahora encarnada en una mujer, la actriz y bailarina Sofía Boutella de Argelia, y protagonizada por la leyenda de Hollywood: Tom Cruise.

La momia de Alex Kurtzman abre su narrativa con la mira de introducir diversos personajes en un universo de dioses y monstruos, y para ello recurre a Rusell Crowe, quien personifica al Dr. Jekyll y a Mr. Hide, y que suponemos tendrá un papel fundamental en el universo oscuro de Universal Pictures. “La Momia” de 2017 no debe compararse con la de finales de los años noventa y principios de este siglo, ya que no es un remake sino el rebbot de la saga original, esto debiera tenerse en cuenta, ya que la nostalgia del pasado cercano pudiera ser un enemigo del espectador.

La momia de Alex kurtzman es un homenaje y recrea de alguna forma la versión original de 1932 con otro concepto, está ambientada en la época actual y no acusa a la tradición inaugurada por John Huston en “El Tesoro de Sierra Madre” 1948 ni a “Cazadores del Arca Perdida” 1981 de Steven Spielberg en las cuales se basó la versión de 1999.

Alexander Kurztman da un viraje al pasado y recurre a 1932 para traerlo al nuevo milenio. Con esta aclaración de prejuicios, nos disponemos a disfrutar la primera entrega de este universo. Tom Cruise. Cruise, una vez más se muestra encomiable, carismático y cómodo con el papel de Nick Morton, un buscavidas que tras las reliquias encuentra aventuras al lado de su compañero  Vail, personificado por Jake Johnson. Morton encuentra, por azar y destino, el sarcófago que contiene el cuerpo de la momia y con ella las maldiciones y energías propias de la profanación, el castigo a la ambición o a develar el misterio que tras el descubrimiento mostrará una horda de aves que recuerdan “The Birds” 1963 de Alfred Hitchcok, tormentas de arena que sacuden el desierto y llegan a Londres como sombras, zoombies derivados de la propia momia y una serie de persecuciones en cuyas pausas permiten que Crowe muestre sus ambos lados, Jekyll y Hide, además de asentar que será el responsable de la cofradía prodigium, en cuyos visos advertimos la existencia de otros monstruos.

Mientras los efectos visuales y las coreografías de acción están muy bien diseñadas y son presentadas con dinamismo en tres marcados actos, aunque el epílogo, que bien pudiera separase del resto, es sin duda la valía de la cinta. Es ahí donde todo adquiere sentido y brinda humanidad a la historia, ya que mostrará las razones por las cuales esta película pertenece a un universo de personajes que exploran su maldad inherente.  Siendo un universo de dioses y monstruos, se requiere por ende la existencia de nodos que justifiquen su vocación o relación con la maldad, para así conjugarlos en un todo que también implique la bondad como una concatenación de circunstancias y voluntades.

Dicho lo anterior, continuamos la presentación de la narrativa futura, donde la vida y la muerte juegan un papel situacional entre lo bueno y lo malo, esa es la resolución y a su vez el motivo de la película, hay un discernimiento permanente y que se avisa hacia el devenir. Las críticas que se han hecho a la película podrían advertirse desde la expectativa, el castigo presuroso,  desde la exigencia e incluso desde la espera por cortar la guillotina antes del juicio a una nueva versión del personaje mítico.

La propuesta de Kurztman no pretende ser una obra maestra, y sí una película que no puede ser disfrutada ampliamente por un espectador ávido de algo más que no sean súperhéroes para alentar el verano. Un clásico interpretado por otro clásico, esa es la sinergia que atrae de “La Momia” como personaje y “Tom Cruise” como el actor, y con esa premisa es como la audiencia global recibirá esta cinta a la inversa de sus críticas, especialmente en los seguidores de los personajes anunciados para la saga y de sus actores, aunados a Tom Cruise y Rusell Crowe, han sido oficialmente mencionados los de Johnny Depp como “El hombre invisible” o Javier Bardem como “Frankenstein”, y algunos sugerentes en la suposición como Angelina Jolie en “La novia de Frankenstein” o el mismo Dwayne Johnson como “El Hombre Lobo”.

Lo anterior suena por demás seductor para las pantallas, y con la variación de directores, podrían brindarse diversos enfoques y complejas aproximaciones a la interioridad del hombre posmoderno. Recordemos que muchos de estos personajes creados en el siglo XIX como Drácula de Bram Stoker o el propio Frankenstein, obra maestra de Mary Shelley,  abordan al hombre que inserto en la modernidad venidera y que se confirma a mitad del siglo XX con la búsqueda del hombre por superase así mismo como ser, el totalitarismo, los experimentos genéticos, la dualidad del desarrollo científico.

Este nuevo universo podría brindar nuevas observaciones a la maldad desde la posmodernidad, los miedos, filias y fobias del ser humano desde sus pesadillas y sueños. “La Momia” presenta de esta forma, una mirada por demás interesante, sugerente y provocadora que permitirá descubrir una sorpresa definitiva al discernimiento, la decisión y el libre albedrío que abre la pausa a su personaje central, y que da inicio a este nuevo universo.

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La Momia

Dir. Alexander Kurztman

Estados Unidos, 2017

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

¡Huye! La Sorpresiva Ópera Prima de Jordan Peele

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Get Out – ¡Huye!- la ópera prima de Jordan Peele, ha sido recibida como una sorpresa que se atribuye el beneplácito casi unánime y el reconocimiento masivo por parte de la crítica cinematográfica desde su estreno. El fenómeno de ¡Huye!, se combina con una extraordinaria convocatoria de taquilla que la convierte en una de las películas con mayor índice de ganancias en la historia reciente de Hollywood, atendiendo a su limitado costo, unos cinco millones de dólares, y a su recaudación, cercana a los doscientos treinta millones de dólares.

Con estas credenciales, el asombro que el mismo afiche de la cinta provoca, es una invitación a explorar la propuesta emocional, sociológica y social que Peele ofrece a través de las vicisitudes de su protagonista Chris, personificado por Daniel Kaluuya. La película presenta una situación de inicio simple, casi caricaturesca de un tema complejo y aún actual en pleno siglo XXI: las relaciones interraciales.

Chris hará una visita a la familia blanca y tradicional de su novia Rose, una reunión que celebra el recuerdo de los abuelos idos y el reencuentro de los familiares al fin de semana. De inicio, la cinta muestra una compenetración manifiesta en la preocupación de Chris y la quietud que Rose muestra ante el suceso, después y tras un momento de juego amoroso, romántico y sensual, se disponen a iniciar el viaje.

A partir de ese momento, Peele desborda todo su talento para imprimir una trama a pausas que oscilan entre el drama, la comedia, el suspenso y el terror. El recibimiento de la familia a Chris parece cordial, los padres de Rose se dejan sentir afables aunque incisivos, mientras su hermano avisa atisbos de hostilidad superable sólo por la voluntad de Chris, que de paso, tiene que afrontar la casi obligatoria sugerencia por no fumar por parte de los Armitage.

No obstante, sin contener los instintos, Chris decide salir a fumar un cigarro, es entonces cuando comprueba comportamientos extraños que antes había de súbito observado en la servidumbre que al igual que él es de raza negra. Al regreso y sin lograr su cometido, es interceptado por la madre de Rose, la Sra. Armitage, interpretada por Catherine Keener y quien practica la hipnosis.

Chris cual paciente involuntario recibe una sesión inconsciente que primero figura una alucinación y después un probable remedio eficaz a su adicción. Sin embargo y a partir de su encuentro con los demás invitados a la celebración, se da cuenta que los sucesos extraños e inexplicables forman parte de algo que jamás hubiera imaginado, y sólo capaz de ser supuesto por su curioso y paranoico amigo Rod, Lil Rel Howery.  El director aborda diversas sub tramas una vez que se ha develado el móvil narrativo de la familia hacia el espectador, pero que el personaje desconoce, por otra parte esa misma revelación, es capaz de ocultar intenciones y descifrar enigmas sin que pierda el ritmo la búsqueda de resoluciones narrativas.

Mediante una lineal exposición de motivos y acontecimientos, Peele aborda la aún existente discriminación racial, la división de clases sociales y la falta de confianza resultante del prejuicio. Más aún, el filme explora diferentes fobias de la modernidad, el conflicto del yo y el súper yo psicológicos, la obsesión y la persecución de la culpa como recurso para justificar en el pasado los temores presentes, lo que brinda a ¡Huye!, la posibilidad creativa de la originalidad sustentada en patrones, estudios y recursos narrativos que pudieran recordarnos a otras cintas tan distintas entre sí pero unidas por lo simple y complejo de la trama, sea racial o social retratada en la condición humana de la pareja.

Uno atiende al drama racial de “Adivina quién viene a cenar”  de Stanley Kramer de 1967, o a la hilarante comedia “La familia de mi novia” 2000 de Jay Roach desde la división de clases. ¡Huye!, muestra el drama y la tensión de la primera, con la expectativa cómica de la segunda, sólo que sin la risa permanente o intempestiva y más cercana a la tragedia, al horror y al mismo tiempo al provocador advenimiento del desengaño. El juego mental, la pesadilla como un aviso de alerta o un tormento recurrente, tal como Alfred Hitchcock plasma con maestría en “La ventana indiscreta” 1954 y nuevamente en los espejismos que irrumpen en sueño en “Vértigo” de 1958, son un recurso que Pelee utiliza con gran habilidad para hacer de su relato una película de varios géneros con los atractivos propios de cada uno de ellos y sin catalogarlos al final de la misma.

La principal virtud de ¡Huye! es su sencillez y su ausente pretensión, al menos no perceptible a primera vista, de hacer un tratado multidisciplinario con una historia poco creíble y que sin embargo resulta asequible cuando se mira con la perspectiva de la cotidianidad. Jordan Peele se presenta de esta forma con una película que deja huella en la crítica y en la audiencia, y que se somete de inmediato al escrutinio del tiempo, del estudio y de la consideración emocional, develará en lo sucesivo si estamos frente a una película de propuesta refrescante, o ante una incuestionable obra maestra.

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¡Huye!

Dir. Jordan Pelee

E.U.A., 2017

2:31

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Snowden

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La seguridad es la ausencia de la posibilidad de riesgo, que se define como la ‘aproximación de daño’; pero dañar no es sólo herir o molestar, es también perjudicar material o moralmente. Entendiéndolo así, la seguridad no se puede excusar en el daño, no se puede herir a otros con tal de asegurar la seguridad propia, pues sería una contradicción de principios. ¿Pero qué pasa cuando esto se hace así de todas maneras?

En 2013, Edward Snowden, un contratista trabajando para el gobierno de Estados Unidos, reveló en una serie de documento publicados, con el apoyo del periódico británico ‘The Guardian’ y el estadounidense ‘The Washington Post’, que las autoridades de su país, específicamente dentro de agencias gubernamentales como la CIA o la NSA, espiaban la información personal de sus ciudadanos, y de muchas otras personas alrededor del mundo, en nombre de la procuración de  seguridad para los mismos ciudadanos y del interés general de su país.

La noticia abrió una conversación alrededor de los principios éticos y morales que estas acciones representan, subrayando la naturaleza ilegal de cualquier tipo de espionaje: geolocalización, grabar conversaciones telefónicas, acceder, acumular y utilizar información privada subida a la red o que se encuentra en una computadora personal, e incluso leer los correos y mensajes de texto enviados y recibidos.

Recreando dramáticamente los hechos que llevaron a la decisión del analista, se traza la película Snowden (Alemania-Estados Unidos, 2016), protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Zachary Quinto, Melissa Leo, Tom Wilkinson, Scott Eastwood, Timothy Olyphant, Ben Schnetzer, Rhys Ifans y Nicolas Cage. El filme está dirigido por Oliver Stone, quien escribió el guión junto con Kieran Fitzgerald, con una historia basada en dos libros: ‘The Snowden Files’ de Luke Harding y ‘Time of the Octopus’ de Anatoly Kucherena.

Snowden trabajaba para la Agencia Central de Inteligencia de los Estados Unidos (CIA, por sus siglas en inglés). Su labor como ingeniero de sistemas era crear programas específicos de seguridad, o eso es lo que le decían estaba haciendo. Esto lo llevó a diferentes puntos alrededor del mundo, Suecia y Japón específicamente, como lo detalla la película. Es trabajando ahí que descubre, gracias a que sus habilidades destacadas en el ramo convencen a sus superiores de invitarlo a operaciones más importantes y secretas, que la Agencia de Seguridad Nacional (NSA) tiene acceso a mucha información personal de la gente, aunque realiza este espionaje de forma secreta.

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La dinámica, como se lo explica uno de los empleados para la NSA, es que su programa de software funciona como un buscador ordinario, sólo que los resultados que arroja son, por ejemplo, los correos electrónicos, mensajes de texto, llamadas telefónicas, llamadas por Skype, información de los perfiles en las redes sociales o historial de búsqueda en Internet de la persona específica a la que se quiere investigar.

El joven entiende la manera poco ética e ilegal del acto, porque sabe que está castigado por la ley. Así se lo explicaron al llegar a la agencia: de acuerdo con la constitución de su país, este tipo de espionaje no está permitido. Sin embargo, el gobierno se respalda en un Tribunal de Vigilancia de Inteligencia Extranjera de los Estados Unidos (FISA en inglés), para emitir, en nombre de la seguridad nacional, órdenes fiscales que den luz verde a esta técnica de recaudación de información.

Observando cómo funciona la dinámica, Snowden se da cuenta que esta medida es sólo una autojustificación, una excusa utilizada como careta, en donde sólo hace falta decir que la persona en cuestión está siendo investigada por motivos de sospecha de actos en contra de la seguridad, para dejar pasar por alto todas las violaciones a los derechos que se están realizando, incluido el de violación a la privacidad.

Para entenderlo, Snowden tiene que vivirlo, y lo experimenta con un caso en el que investigan a un banquero. Él termina monitoreando la información personal no sólo de este hombre, sino de las familias y conocidos del sujeto, o los conocidos de sus conocidos. El joven recalca que, con esta especie de cadena dominó, el gobierno termina espiando a miles de personas, sólo porque alguien que conocen, conoce a alguien más, que es conocido de la persona a la que realmente quieren implicar. Pareciera que el fin último fuera, a partir de un punto relativamente entendible, el investigar a personas que parecen ser potencialmente una amenaza para el país, permitirse espiar a todos, sin importar quiénes sean éstos. ‘El terrorismo es la excusa, pero el control social y económico es la verdadera razón’, concluye Snowden; el simple deseo de sentimiento de supremacía de su gobierno.

La vigilancia a través de la tecnología se convierte en un arma que induce el miedo. “La cultura del miedo gana”, dice en un punto de la historia uno de los personajes. Aquí, el gobierno investiga por el temor a que el otro sepa algo que ellos no supieron primero y se crean programas de vigilancia y seguimiento cibernético sólo para sentirse en control de la situación. Durante una misión que el analista presencia, la herramienta de ‘geolocalización’, que ubica dónde en el mapa mundial está situado un aparato tecnológico, se convierte en la clave para destruir un objetivo durante una operación militar. En ese momento el joven repara en las consecuencias de sus actos y la forma como el programa que él creó está siendo realmente utilizado. La guerra del mañana no está en el campo de batalla, en el mundo físico, sino en el ciberespacio; “está en todas partes” dice otro personaje.

Pero en la informática quien toma la delantera es aquel preparado para los ataques cibernéticos, saber defenderse de ellos, organizarlos o recabar información sin que el otro lo sepa, una realidad ejemplificada durante una operación en Japón en la que el mismo Snowden, según relata en la película, implantó programas de software en puntos estratégicos de la red de ese país para, en caso de ser necesario, tomar el control de su sistema.

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De esta manera se violan derechos humanos, en una serie de acciones extraoficiales, no reconocidas, disfrazadas u ocultas, para hacer así difusas las faltas éticas cometidas. Cuando Snowden le explica a su novia que sabe que el gobierno puede espiar a la gente a través de la activación de las cámaras de video de sus computadoras, ella dice que esto no le preocupa directamente, porque no tiene nada que esconder. Lo que ella no valora es que no se trata de un tema de transparencia, explicado con el dicho ‘el que nada debe, nada teme’; sino que la acción, el activar una cámara personal sin que el otro lo sepa, es una transgresión a su intimidad.

“La gente no quiere libertad, sino seguridad”, explica uno de los trabajadores de la CIA. Bajo esa idea de ‘proteger’, los encargados de estos programas deciden ‘rodear’ las reglas para encontrar el camino que más les convenga, es decir, se violenta deliberadamente la ley, se le ignora, o se crean nuevas leyes, para hacer viable el espionaje y la invasión de la privacidad de los ciudadanos.

Durante una plática, la novia del chico le cuestiona por qué no unirse a las protestas en contra de la guerra, en una escena en la que gente está pidiendo firmas como forma de solidaridad. Él dice que prefiere no ‘atacar’ a su país, una respuesta automática basada más en la precaución, debido al control laboral en el que se desenvuelve, que en la construcción de un juicio propio. Ella contesta que el acto no se basa en la crítica, sino en el cuestionar. Cuestionar no es atacar ni ir en contra del otro, es proponer el debate con argumentos.

En este caso las acciones de Snowden, el filtrar documentos con información clasificada, para algunas personas se trata de una búsqueda por la verdad, para abrir pie al debate, pero para otros representa un acto de traición, es visto como un ataque directo hacia su país, Estados Unidos. Dos perspectivas de puntos de vista distintos, según los intereses que se defiendan. En cuyo caso, ¿no son las acciones del gobierno, expuestas por la evidencia presentada por Snowden, también un acto para embestir, en una ofensa igualmente directa hacia las personas? ¿Cuáles son las ramificaciones, y hacia dónde se dirigen, de la existencia de un programa de vigilancia secreta, que denunciado o no, existió? O peor aún, todavía existe.

La inquietud final con que se queda la gente varía: las consecuencias de las decisiones de un hombre o las consecuencias de las decisiones del gobierno estadounidense. El impacto global y a largo plazo de uno de estos dos escenarios, es mayor que el otro. Pero el mayor problema es que el dilema ético continúa presente: la supervigilancia y el espionaje de ciudadanos como instrumento de coerción social para respaldar a la élite económica, para hacer sentir y creer que el supuesto interés nacional es el interés de todos, la seguridad como pretexto para violentar derechos humanos, para eliminar el ejercicio de libertad.

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Snowden

Dir. Oliver Stone

Estados Unidos, 2016

2:39

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Personal Shopper,  las voces del otro yo

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

El espiritismo, la teosofía, la atracción por el abstracto desde los fundacionales trazos de Hilma Af Klint, fungen como corolario y palestra de la exploración artística y a la vez profunda del ocultismo, de la vida y la muerte desde el diálogo de los asuntos pendientes y de la búsqueda de significado en los días sin sentido que propone desde la vinculación moderna y posmoderna de la existencia, la extraordinaria cinta de Olivier Assayas : Personal Shopper, Compradora Personal, que ganara el premio a Mejor Director del Festival de Cannes en 2016.

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La evocadora cinta protagonizada por Kristen Stewart, Lars Eidinger y Nora Von Waldstatten narra la historia de Maureen, una joven dedicada a la asistencia personal de Kyra, una celebridad de la moda, a quien Maureen  asesora al comprarle ropa, accesorios y atuendos; Maureen pasa sus días entre el trabajo y los viajes que realiza a la casa que fuese de su hermano gemelo Lewis, y quien recién murió. La casa, ahora en encargo de la novia de Lewis, es el espacio vital y mortuorio en el que Maureen anhela comunicarse con su hermano, pues ellos compartían el don de comunicarse con los muertos, y Maureen supone, es el momento de que su hermano pueda comunicarse con ella.

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De pronto, en medio de esa búsqueda o de esa espera prolongada de los apegos, recibe un misterioso mensaje in remitente en su celular, el desconocido emisor muestra conocerle perfectamente, así como a sus temores, deseos y expectativas, incluso conoce los recovecos de su trabajo, los complejos y enconos en ella generados por los dejos e indiferencia de su famosa jefa.

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Entre el extraño suceso que hostiga, seduce y perturba a Maureen, y su espera de comunicación con Lewis, la trama de forma llana y a la vez aterradora, dibuja la soledad, la dualidad, la suplantación de personalidad, y el corazón que angustia mientras aguarda la comunicación desde la muerte. La comunicación sensorial, telepática, telequinesia así como las relaciones cibernéticas, virtuales e inexistentes oscilan la realidad, lo palpable y lo inefable al mismo tiempo.

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Assayas muestra a través de un guion estructurado desde la contemplación de las emociones, la cotidianidad de los días, el hastío, el letargo y la conexión bajo juramento de dos hermanos relacionados por la fatalidad de la genética que determina las fallas como designa los milagros, el amor, y la posibilidad del diálogo entre las almas que descansan una vez que el espíritu de la vida se ha ido, o más aún, ha mudado a otra dimensión.

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Deseamos lo prohibido y al explorar lo prohibido, lo común se vuelve extraordinario, es el riesgo del mito o la desmitificación del tabú. Assayas de igual forma explora las posibilidades del nuevo lenguaje, de las aplicaciones adictivas, del deseo por lo desconocido y de la inmediatez de la vida frente a la espera de la muerte. Su obra nos excita, asusta o reprime, indica que quizá buscamos a una persona concreta mientras quien aguarda por nosotros es alguien más, no comprendemos las cosas que nos han sido dadas sino las asimilamos por desidia, la misma desidia que lleva a la costumbre a ser un estilo de vida.

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Maureen podría pretender ser alguien más si lo deseara, más en el fondo lo único que anhela es no habitar el espacio sin sentido que sólo tendrá significado de ser cumplido el juramento, recibir una señal de su hermano, comprobar que la muerte es sólo un paso y la vida un camino.

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Autor de impacto permanente de Cahiers du Cinema, Assayas nos recuerda los matices de suspenso narrativo de Alfred Hitchcock y la profundidad humana de Francois Trauffaut al tiempo que hace una crítica a las relaciones humanas vacías y virtuales, carentes del contacto o de la compasión humana que aíslan las presencias, las energías y las voces que no hacen eco sino existen en la imagen asequible a la posesión. Es así como la esperanza reside en la señal, en el llamado, en la respuesta, en el cumplimiento de un juramento que brinde una posibilidad de tender puentes al único vínculo real: el amor.

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Personal Shopper

Dir. Olivier Assayas

Bélgica, 2016

2:00

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com