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“Marilyn” se estrena en Chile

Filmakersmovie 18 marzo, 2019

“Marilyn” se estrena en Chile

Estrenada con aplausos en la Berlinale, y proyectada en San Sebastián y Sanfic, la película dirigida por Martín Rodríguez Redondo llegará a salas chilenas el jueves 21 de marzo.

Marilyn | Dir. Martín Rodríguez | Argentina, Chile, 2018

“Marilyn” de la casa productora chilena Quijote Films, se basa en un caso policial real ocurrido en Argentina en el año 2009, pero toma vuelo propio. Dirigida por el cineasta trasandino Martín Rodríguez Redondo, y proyectada en festivales prestigiosos como Berlín, San Sebastián, Sanfic y Seattle, entre otros, sigue a Marcos, un adolescente que buscará ser fiel a su identidad sexual en medio de un pueblo marcado por la homofobia y la discriminación.

Protagonizado por los argentinos Walter Rodríguez, Germán de Silva, la participación de Andrew Bargsted, además de la actriz chilena Catalina Saavedra, el filme se estrenará en salas de Chile el próximo jueves 21 de marzo.

“El cine es un excelente medio para visibilizar los problemas de nuestras ciegas y sordas sociedades”

Catalina Saavedra

Aunque la historia que inspiró la cinta tuvo lugar en Argentina, “Marilyn” retrata la violencia homofóbica con una universalidad que, lamentablemente, podemos reconocer en estos tiempos.

La víctima es Marcos, quien ayuda a su madre en las tareas hogareñas mientras su familia se encarga de las labores pesadas en una estancia. Hasta que la repentina muerte del padre dejará a la familia sumida en una situación vulnerable. El patrón del campo los presiona para que se vayan y la madre, a su vez, presiona a Marcos para que se ocupe del campo. Él no es feliz y espera con ansias el carnaval para poder vestirse de mujer.

Apodado Marilyn por otros adolescentes del pueblo, será objeto tanto de deseo como de discriminación. En un clima de creciente opresión, acorralado por su familia y por el pueblo, Marcos se verá́ confrontado a la imposibilidad de ser quien quiere ser.

“Me motivó el entusiasmo de su director Martín Rodríguez en querer contar esta historia y el desafío de grabarla completamente en Argentina, con un equipo argentino y en argentino”, cuenta Catalina Saavedra, quien interpreta a Olga, la madre del protagonista. “También me motivó el tema. Creo que hasta que esto de las opciones de cada uno, de hacer y ser quien se quiera en la vida no sea tema, será siempre un aporte hablar de ello”.

La actriz no solo se vio enfrentada a las exigencias dramáticas del filme, sino que también a los pormenores en la forma de hablar. “Lo más agradable fue de encontrarme con un equipo que me apoyó en este desafío”, recuerda. “Un equipo argentino que era el mejor juez que yo podía tener para lograr este objetivo que era convencer de que el personaje fuera de allá. Lo otro que me ayudó mucho fue que el personaje era una mujer de las afueras, de una zona rural, y allá como acá, saliendo de capital, empiezan a modificarse las entonaciones y te puedes encontrar con un montón de formas de hablar en argentino”.

Para ella, su personaje es “una víctima. Una mujer sin mucha educación y ambiciones tan básicas como ver un programa de TV. Olga no entiende nada porque nadie se lo explicó antes. Su reacción hacia la realidad es totalmente pobre, ciega. Pero aun así es una madre preocupada que intentará sacar a su familia adelante”.

El tema es relevante y urgente en una sociedad en la que seguimos lidiando con la discriminación. “Creo que cualquier tema no resuelto en nuestro país y en cualquiera, hay que apurarlo para que se resuelva”, destaca Saavedra. “El cine es un excelente medio para visibilizar los problemas de nuestras cada vez más ciegas y sordas sociedades. Además, siempre es interesante constatar que nada supera a la realidad”.

“Me interesan los personajes que se salen de la norma y que ante esa desviación su entorno realiza esfuerzos violentos para re encauzarlos. El cuerpo de Marcos hace ruido e incomoda en el mundo heterosexual del campo. Y de acuerdo a esa idiosincrasia machista, las travestis y transexuales están en una jerarquía inferior a las mujeres. Y por eso son sometidas”.

Martín Rodríguez Redondo

El punto de partida de “Marilyn” fue cuando el director Martín Rodríguez Redondo se enteró de un crimen cometido en una localidad rural de Argentina. Más tarde conocería al verdadero protagonista de los hechos, aunque su intención no fue reproducir los acontecimientos con fidelidad.

“Nunca quise ser fiel al pie de la letra con el caso real”, confiesa el cineasta. “Lo que me interesó desde un comienzo era este acorralamiento de la familia por parte del patrón y del pueblo, y a su vez el acorralamiento que sufría Marcos por parte de su familia”.

Desde su estreno en Berlín, “Marilyn” ha cosechado una seguidilla de elogios internacionales.

“El final es bastante impactante (…) Rodríguez Redondo tiene un entendimiento maduro del poder de lo inesperado”, escribió el crítico Jay Weissberg en las páginas de “Variety”.

“Ofrece una conmovedora actuación de Walter Rodríguez en su debut”, destacó, por su parte, Richard Ross de “Breaking Glass”.

“Intensa y devastadora. Vale cada minuto del tiempo del espectador”

View of the Arts

“Rodríguez Redondo es un más que interesante nuevo director en un filme polémico”

Isabel Croce “La Prensa”.

“El debut de Rodríguez es asombroso”

Cinergia

“Cuesta creer que se trate de un realizador dando sus primeros pasos»

Fernando Sandro, Espectador Web

«Martín Rodríguez Redondo es el último cineasta revelación de la nueva ola latinoamericana”

Carlos Loureda, Fotogramas

Marilyn

Dir. Martín Rodríguez Redondo

Argentina y Chile, 2018

Agradecemos a:

Andrea A. Carvajal Sandoval

Plaza Espectáculos

Fuente.

CINESCOPIO: KUROSAWA Kurosawua

CINESCOPIO: KUROSAWA

Filmakersmovie 9 febrero, 2019

Cinescopio: Kurosawa

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Maestro del discernimiento y de la ambigüedad, de la ética y la moral, de la rebeldía y el heroísmo, de la lealtad y el apego, de la vida y la muerte, del letargo y la esperanza, Akira Kurosawa exploró los rincones de la condición humana desde la dicotomía, la confusión y la identidad, el destierro y el arraigo, el debate y la confrontación de la interioridad. Sus películas, situadas en distintas etapas históricas y en distantes emociones generacionales, Kurosawa amalgamó las reacciones del ser humano ante su circunstancia, fuese en el Japón feudal, en el Japón del Siglo XIX o en Japón de la posguerra, fuese en el entorno rural o urbano, el maestro definió un estilo narrativo que permeó las interpretaciones de sus actores.

La estructura dinámica de sus guiones, el despliegue artesanal de sus secuencias, los tintes majestuosos de instrumentos técnicos y los imaginarios creativos que acompañaron su música a un instrumento, su colorida cinematografía y una edición pertinaz, que lograron genuinas epifanías cinematográficas. Pocos directores han logrado influenciar una auténtica escuela de realizadores, John Sturges, Sam Peckinpah, Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, George Lucas, Peter Jackson, Richard Donner, Antoine Fuqua, Sergio Leone, Quentin Tarantino entre otros, avocaron referenciar e inspirar algunos de sus trabajos en el realizar japonés.

La fuerza de la naturaleza mediante la lluvia, el viento, el fuego, el agua y el aire, o la fuerza del temperamento y el carácter desde la calma contemplativa hasta la ira y la locura, rebosan los planos, ángulos y tomas a varias cámaras que caracterizaron su quehacer fílmico. Kurosawa recurría a la decisión como un fin y a los escenarios como un horizonte de perspectivas, el destino como determinación, la rebeldía como una suerte de liberación del albedrío, y las posibilidades duales del fallo a decreto del personaje, y a la consideración última del público, cobardía o valentía, villanía o heroísmo, prisión o libertad.

La posibilidad de la redención ante el crimen o el arrepentimiento ante una acción, procela el perdón a la culpa y la compasión piadosa del doliente, la indulgencia está presente como un antídoto al indolente devenir de la realidad, aún sea la trama una fantasía. El realismo social logra desde el misticismo hacer una crítica puntillosa y un manifiesto de preocupaciones ante el sufrimiento acaecido en la guerra, y el mundo dividido por la posguerra. Sus lienzos fílmicos poseen la cualidad de los cuadros estáticos en cuyo interior suceden los movimientos dinámicos del sujeto, no hay objetos en Kurosawa porque todo vive en sus películas, con un pródigo sentido animista de todo aquello que reside su escenario.

En Cinescopio celebramos la trayectoria del maestro japonés apuntando los dejos de una filmografía espléndida, llena de matices coloridos en su narrativa, vertida al blanco y negro de su ambigüedad, y a la profundidad de sus personajes. Kurosawa explora, la identidad, el honor, la cobardía, la inocencia, la valentía y el arrojo que denota la alteridad entre personaje y destino. El viaje del héroe que denota la base sustancial del mito poético, se plasma con los tintes particulares que firman sus lienzos. La genialidad narrativa de “Rashomon” 1950 con toda su dualidad contemplativa, la gallardía justiciera de “Los Siete Samurái” 1954 y la búsqueda de sentido en “Ikiru” 1952 por citar algunos ejemplos.

El prejuicio y la posterior inculpación por escrúpulo, termina siendo una fuerza de animosa sinergia que resulta una delirante mirada a la búsqueda como sentido del porvenir, de la empatía como una opción ante la duda, y la complicidad como el gesto compasivo de la alianza. Toshiro Mifune encabeza el histrionismo del maestro con una cátedra tutelar en cada cinta, sumando su particular empatía, atracción y carisma, al tinte coral de un reparto que logra la audiencia se vea inmersa en su indagación sin cavilar la duda como el sello permanente de su relación, mientras afianzan a las consecuencias sus causas. En Kurosawa la teoría de juegos presenta una tabla de actores, circunstancias y posibilidades, que consiguen en la audiencia, apelar a la resolución desde distintas aristas -el deber ser-deber hacer- la lógica no tiene cabida y la ética enfrenta la neblina de la decisión. “Los Siete Samurái” por citar una de sus obras maestras, es una historia de justicia orientada en la redención del forajido, que remembra las andanzas caballerescas y los románticos cantares medievales, donde la amistad que alía ideales y motivos, la venganza como una suerte de revancha solícita, el ímpetu individual que converge la comunitaria demanda de protección, y un fuerte sentido de pertenencia, definen el concepto creativo que inspiró distintas versiones y secuencias a posteriori en el cine universal, e tema de fondo en esta obra monumental, es sin duda la emancipación, y lo aborda desde la libertad como anhelo, la ética solidaria con el ímpetu revulsivo de la solidaridad y el estandarte del heroísmo.

“Trono de Sangre” su aproximación hacia la obra de William Shakespeare, libre adaptación del clásico “Macbeth”; “Ran” una de las más bellas cintas jamás fotografiadas, con un vestuario pletórico de colores y detalles cotejados por una fiel investigación histórica; “Yojimbo”, que hace referencia al contexto histórico en franca relación, por una parte con la percepción social del periódico histórico que explora, como de la cosmovisión social de su tiempo, o la misma Ikiru, “Vivir” quizá la película más humana de la filmografía de Akira Kurosawa, son una muestra poética de profunda introspección desde la desilusión y el desamparo, y a su vez, un canto esperanzador hacia la vida desde los apegos más íntimos.

Kurosawa presenta un razonamiento de abandono cuando el personaje ha perdido a su pareja y su hijo, no tiene deferencia alguna hacia él pues no tiene cabida en el pensamiento más que la directriz del egoísmo. El director encuentra el sentido de la vida en el apego más próximo, el de uno mismo hacia el otro y del otro hacia uno mismo, la alteridad que atiende experimentar desde los sentidos y aprehender la existencia desde el sentimiento. “El Ángel Ebrio” y la obra de arte “Rashomon” conforman la estructura de relatos que aprovecha el quit moral de su trama, para expresar el sentir de una derrota y las versiones diversas que se suscitan ante los acontecimientos de una guerra que destruyó cimientos anímicos y reconstruyó al mismo tiempo los frisos de la consciencia nacional desde su revisionismo. En “Rashomon” la trama es contada desde la perspectiva de diversas voces que suman el caudal orfeón que advierte dilucidar la realidad al punto de vista y la verdad a la intuición, cada personaje tiene en su relato la culpa, la inocencia o la omisión, y cada uno a su modo, relata las versiones particulares que se vierten como un horizonte de sucesos inacabados pero conexos en los hechos.

Kurosawa, presenta planos secuenciales que desafían la línea narrativa desde la reinvención del relato mismo, el orden y el caos de la historia, adquiere distintos números al índice de la película, el público puede ordenar y desordenar los episodios y aun así no llegar a la verdad, quizá, porque cada versión tiene una parte de mentira y una parte de verdad, quizá porque la confusión se deja al espectador como el resultado de la guerra misma, donde se escribe desde el punto de vista del vencedor sobre el vencido, o del impune sobre el proscrito.

Ganador del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia, del Globo de Oro, y del Premio Óscar entre otros, Kurosawa cimbró la segunda mitad del siglo XX, con un viso extraordinario al cine universal, que aunado a Ozu y Mosoguchi por citar algunos realizadores, sentó las bases de la heredad del cine japonés en el mundo.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com

Películas de Terror… diferentes Apolo 18

Películas de Terror… diferentes

Filmakersmovie 9 febrero, 2019

Peliculas de Terror Diferentes

Por: Un Tal Luis

Llega la noche y se están poniendo de acuerdo qué película ver, y cuando sugieren de terror, resulta que a veces la persona que está contigo no se anima a verla, o bien, ¡tú eres esa persona! Por eso, en esta ocasión, la recomendación es sobre Películas de terror “diferentes”. No, la verdad es que no te vas a asustar con varias de ellas, pero si pasarás un buen rato. El punto es que el contenido de estas cintas toca temas sobrenaturales o de diferentes miedos del ser humano. O bien, tienen que ver con lo macabro y si bien no asustan, es divertido y entran dentro del tópico. ¡Comenzamos!

Donnie Darko, 2001 | Dirección: Richard Kelly

Protagonista: Jake Gyllenhaall

Esta película está ambientada en octubre de 1988, y aunque es difícil de entender, tiene excelentes tintes de suspenso. Además es ya una cinta de culto.

Juan of The Dead, 2011 | Dirección: Alejandro Brugués

Protagonista: Alexis Díaz de Villegas

Si algo nos caracteriza a los latinoamericanos, es que somos capaces de reírnos de nosotros mismos. Y esta cinta cubana lo demuestra por completo satirizando las películas de zombis con un excelente humor negro que te hará pasar un gran rato

Boogeyman: el nombre del miedo, 2005 | Dirección: Stephen T. Kay

Protagonista: Barry Watson.

Esta cinta neo zelandesa aborda el tema de los temores en el ser humano provenientes desde la infancia. Tiene grandes ambientaciones tenebrosas y el final te hará irte a la cama con mucho valor…

Le Temes a la Oscuridad, 2000 | Película: 3 Capítulos de la Séptima temporada

Y bueno, en este caso se trata de revivir nuestra etapa de chavos, se vale también en estas fechas. Obvio ya no nos asustamos con estas historias, pero la nostalgia de los buenos recuerdos nadie nos la quita. Gracias a Youtube, podemos recurrir a la película de esta serie canadiense para adolescentes de la década de 1990 que tantos buenos y escalofriantes ratos nos hizo pasar.

Los Parecidos, 2015 | Dirección: Isaac Ezban

Protagonistas: Cassandra Ciangherotti y Humberto Busto.

El cineasta mexicano Isaac Ezban ha hecho cintas que rayan en lo raro, por lo que esta historia con un suspenso y un misterio absurdos con toques de humor negro y una trama por demás extraña es una buena combinación para ver en la noche.

La Serpiente y el Arcoíris, 1988 | Dirección: Wes Craven

Hollywood nos tiene acostumbrados a cierto tipo de zombis, pero recordemos que son de Haití, y es en este país en donde se ubica la historia por lo que verán zombies diferentes y digamos, más reales. Aquí hablamos de una cinta de los ochentas que nos permite volver apreciar el estilo de terror de aquella época.

Apollo 18, 2011 | Dirección: Gonzalo López Gallego

Protagonista: Warren Christie.

No solo existe el terror al sobrenatural, también lo hay a lo desconocido. Esta cinta contada a manera de falso documental, maneja un terror psicológico narrando una expedición a la luna y los atemorizantes hallazgos que enfrentan a los seres humanos. Para asustarse hay más de un método.

Rito terminal, 2000 | Dirección: Óscar Urrutia Lazo

Protagonistas: Ángeles Cruz y Guillermo Larrea.

Esta cinta nos narra la historia de un fotógrafo que al visitar un pueblo por razones de trabajo, descubre fenómenos paranormales en sus fotografías y grabaciones.

Montando la bala, 2004 | Dirección: Mick Garris

Protagonistas: Jonathan Jackson y David Arquette

Basada en un cuento del reconocido escritor de terror Stephen King. Esta historia además de tintes sobrenaturales reflexiona sobre el valor de tomar riesgos a pesar de todo, pues no siempre lo que tememos sucederá, así como que la vida es como una montaña rusa: aunque vayamos en bajada súbita hay que alzar los brazos y disfrutarla.

Fantasmaníacos, 2016 | Dirección: Brendan Mertens

Hay películas que pasan a formar parte de la cultura popular y Los Cazafantasmas sin duda es una de ellas. Este documental explora el afecto de los fans por esta historia y todo lo que engloba. Te hará pasar un buen rato.

La Muerte de Freddy: La pesadilla final, 1991 | Dirección: Rachel Talalay

Protagonistas: Robert Englund y Lisa Zane.

Ok, Freddy ya no espanta a nadie, pero esta versión que fue la última que se grabó en su momento sobre la saga, la recomendamos solo por una razón: Cuando decidan qué película ver, pueden decirle a alguien “¡Hey¡ ¿Sabes en qué película salió Alice Cooper actuando?”

El Orfanato, 2007 | Dirección: Juan Antonio Bayona

Protagonista: Belén Rueda.

Hay grandes cintas de terror en español. Esta cinta proveniente de la madre patria y producida, entre otros, por Guillermo del Toro es bastante buena y como se caracterizan algunas de las historias que produce, no solo entra en lo terrorífico, sino que presenta personajes con toques muy humanos y por lo mismo con finales que dejan un sabor diferente.

Es así como llegamos al final de esta recomendación. Escojan la que más les atraiga y apaguen la luz… o préndanla, ¡para ver que no se les caigan las palomitas! ¡Hasta la próxima!

Un tal Luis | México

Publicista de formación académica. Ha participado desde hace algunos años en varios proyectos en el mundo de la Producción audiovisual, desarrollando funciones de Storytelling y Post-producción, entre otras. Cinéfilo por convicción, disfruta de las buenas historias y charlar sobre cine.

Tiempos Modernos Tiempos Modernos | Charles Chaplin, 1936

Tiempos Modernos

Filmakersmovie 9 febrero, 2019

Tiempos Modernos

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Si bien la crítica puede definirse como un comentario negativo, la ‘crítica social’ en realidad es un concepto que se refiere a un juicio de análisis, un comentario que señala aquello en lo que la comunidad puede trabajar para mejorar en su desarrollo social.

Se trata de recalcar o enfatizar, pero no descalificando sino haciendo notar los puntos en los que el hombre flaquea, como comunidad, para invitarle a cambiar fallas, erradicarlas, evitar que sigan creciendo o se conviertan en un obstáculo para el crecimiento evolutivo.

Tiempos Modernos (EUA, 1936) es una película de comedia y crítica social. Escrita, dirigida y protagonizada por Charles Chaplin, con Paulette Goddard coprotagonizando en pantalla. La historia sigue la vida de Charlot, el personaje más famoso de Chaplin, adaptándose a un mundo en constante cambio que pasa en esos momentos por la industrialización y la mecanización de los sistemas, provocando, en consecuencia, desempleo, pobreza y explotación, como una reacción en cadena que proviene de un modelo capitalista que da oportunidades a algunos y promueve la acumulación de la riqueza entre los sectores de población dueños de los medios de producción en detrimento del nivel de vida la mayoría.

La película, que inicia con el protagonista trabajando en una fábrica, haciendo ahí una única tarea, atorar tuercas, representa con ello, de forma exagerada y cómica, la mecanización del trabajo y, en consecuencia, la mecanización también del hombre. Las fábricas, como la de la historia, que se centran en la producción en cadena, crean una dinámica tan automatizada que terminan preocupándose más por la producción de mercancías que por el hombre mismo, que es quien la hace posible, el que la consume a fin de cuentas, llámese un auto, un refrigerador o una lata de refresco, por mencionar ejemplos.

Cuando Charlot se convierte en sujeto de prueba para demostrar la utilidad de una máquina que pretende usarse para suprimir la hora del almuerzo, para que el trabajador siga con su labor mientras come (un invento presentado al dueño con la promesa de que su uso lo pondrá por encima de sus competidores, porque mientras más trabajen sus empleados y menos descansen, más se produce en la fábrica), la historia realiza una demostración de cómo la principal preocupación del sistema es la productividad, no las condiciones que hacen posible esa productividad, tanto con la gradual mecanización de los sistemas como, incluso, en la explotación del trabajador, a quien, en este escenario, se le priva de sus derechos, su dignidad y su humanidad. Proceso de funcionamiento en que descansa el conjunto del sistema capitalista basado en la propiedad privada.

El panorama que se presenta también permite abordar temas como la forma en que esta dinámica causa una alienación que lleva al hombre a perder su propia identidad, individualidad y cordura. Chaplin no sólo se ríe de la mecanización y de la producción en serie, con un Charlot que sigue apretando tuercas incluso fuera de la fábrica, porque su cuerpo y su mente ya se han sometido a una rutina mecánica que le impide razonar, sino que recalca cómo ese único proceso al que el hombre es reducido en su trabajo termina por afectar su desarrollo físico y mental. El hombre deja de pensar porque su trabajo lo empuja a ello, ocasionando un desgaste en su esencia de ser humano, porque su trabajo rige su vida, su pensamiento y sus acciones, lo que puede hacer y lo que no puede hacer; con la presencia de la máquina para el almuerzo se pretende incluso determinar cuándo y cómo una persona puede comer, como propone la historia. En suma, se quiere expropiar al trabajador de todo tiempo para sí, convirtiéndolo en un apéndice de las máquinas.

El eco que produce la depresión económica y la revolución industrial, panorama social en el que se ambienta el relato, también se hace evidente conforme avanza la historia. Desempleo, protestas que exigen libertad y derechos para las minorías, bajos salarios e injusticia social son sólo algunos de los puntos que se tocan. El personaje principal, por ejemplo, no sólo termina con un trauma que lo lleva al hospital, producto en gran medida del estrés de su ambiente laboral, que deriva de la repetición mecánica de las acciones y del trato inhumano, arbitrario y controlador como los dueños de la fábrica tratan al personal, considerándolos semejantes a máquinas, sino que, tras su estancia en el hospital, Charlot termina también sin empleo.

Es entonces cuando el joven conoce a una chica que vive en la pobreza, de quien se enamora por su espíritu de lucha, su bondad y su cordialidad. Esto sucede después de que, por cierto, Charlot acaba de salir de la cárcel, lugar al que inicialmente el protagonista prefiere regresar, razonando que por lo menos ahí tiene asegurada alimentación diaria y un lugar dónde dormir, algo que, afuera, en un mundo agobiado por las condiciones de pobreza extrema, no podrá encontrar.

Charlot y la chica intentan lo posible por subsistir y la película plantea, en varias ocasiones, que las personas en la misma posición socioeconómica que ellos infringen la ley como única vía para la subsistencia. No se justifica, pero, la historia al menos plantea que su crimen no es provocado por la maldad de pensamiento o una intención de perjudicar al otro, sino porque se convierten en víctimas de una sociedad que, a favor del capital, ha reemplazado al hombre con la máquina y ha dejado al ciudadano promedio, de la clase media y media baja, desprovisto de oportunidades para sobrevivir, esto además sin darles a las personas por lo menos las facilidades para cubrir sus necesidades básicas; los ciudadanos hacen filas para poder conseguir trabajo en la fábrica y la gente se vuelca para poder ganarse una de las comidas gratuitas que se ofrecen, pero en ningún caso la oferta es suficiente a la demanda.

La chica que conoce Charlot roba fruta para dar a sus hermanas un poco de alimento y luego roba un pan cuando no tiene nada de qué alimentarse. No se trata de una persona que vague en busca del oportunismo y la vida criminal, sino de una mujer a quien su gobierno no provee las oportunidades para su desarrollo o crecimiento; ni trabajo, salud, educación, alimentación o vivienda. Ni el Estado ni los dueños de los sistemas de producción tienen un espacio que ofrecerle o una oportunidad para permitirle acoplarse a la dinámica del sistema moderno. Ella, Charlot, el resto de los desempleados, ¿qué pueden hacer si la organización social, política y económica en la que viven no previó qué sucedería con todas aquellas personas a las que la maquinaria reemplaza? ¿Dónde pueden trabajar si hay más personas en edad productiva en el mundo, que espacios de trabajo disponibles? Si el sistema los ‘desecha’ cuando no les ubica como materia de productividad, ¿qué pueden esperar de su futuro, cómo pueden mejorar, suponiendo que tienen aún algo qué ofrecer?

La comedia en este caso es el mejor vehículo de crítica porque se alimenta de la exageración, pero construida a partir de una realidad evidente. Lo interesante es observar cómo el relato logra reírse, no burlarse, de estas situaciones. Se trata de un reclamo sutil en medio de la adaptación como la historia aborda estos escenarios; hombres convertidos en ovejas, analogía literal que hace el filme y el momento en que es importante levantar la voz, reclamar y cambiar, como sucede en la historia.

Cuando Charlot dice que prefiere la cárcel, o que prefiere ayudar, o que comprende que los hombres que han entrado al centro comercial donde trabaja cono vigilante nocturno no son ladrones que están ahí para llevarse comida por el simple hecho de aprovecharse del otro, o de vengarse del que tiene oportunidades diferentes a ellos, sino porque ellos mismos sufren hambre, producto del desempleo y la pobreza que esto ha traído consigo, la historia hace énfasis en dos puntos clave: uno, que la actitud positiva y solidaria de una persona no puede malearse por los infortunios de la vida, porque los valores son eje que hacen al hombre un ser sensible, compasivo, luchador, respetuoso, ético, empático, en corto, ‘humano’. Y dos, que las clases sociales más bajas son las primeras y las que más sufren cuando el sistema de organización comienza a marcar tan diferenciadamente los límites de la división entre el dueño de los medios de producción y los trabajadores que hacen posible que esa persona pueda poner su fábrica, su medio de producción, en marcha.

“Tiempos modernos es una historia sobre la industria, sobre la iniciativa de la humanidad, la cruzada en busca de la felicidad”, señala la película. En efecto, la historia demuestra, de una forma cómica, catártica y crítica la realidad de un sistema más orientado en la rápida producción mercantil que en el hombre, más en la ganancia económica que en la forma como se hace que esto sea posible, que muchas veces implica (y lo hace) la explotación del trabajador. Una enajenación que minimiza la importancia del humano, haciéndolo insignificante en un mundo lleno de máquinas en donde el ser es consumido por ellas, muchas veces literalmente, por lo menos en la película, escenas cuya función metafórica dicen al espectador que esta dinámica terminará por hacer al sujeto presa de su propio invento, un humano consumido por un aparato mecánico más grande que él, realidad que desemboca en, o por lo menos así sucede a Charlot, volverlo loco. Forma metafórica de decir que la enajenación ideológica es una forma de trastorno mental, es decir, la salud usada como pretexto para encubrir los efectos de la explotación laboral en la fábrica.

Se trata, en pocas palabras, de un sistema de opresión del que no todos pueden salir a flote. Charlot y la chica lo hacen, tanto a través del quehacer artístico como por un motivador forjado en valores y su voluntad por mantener su humanidad intacta, ya sea alegrándose por los pequeños detalles, sacando lo mejor de la peor situación posible o peleando por lo que es correcto, manteniéndose unidos porque se preocupan por el otro, no a costa del otro. La unión con sus similares exigiendo derechos a aquellos que se los han coartado.

La temática trata de un hombre sobreviviendo a los cambios, específicamente a los cambios de la modernización y la industrialización. La historia no sólo aborda el cómo la mecanización se hace presente en la vida diaria de las sociedades, unas simples escaleras eléctricas por ejemplo, sino que profundiza, con ojo crítico y a favor de que este hincapié provoque en el espectador una concientización de su realidad, aspectos como el papel de la maquinaria en los procesos de producción. ¿A quién beneficia la máquina? ¿A quién perjudica? ¿Y por qué dejamos que este desplazamiento suceda incluso sabiendo sus consecuencias y cómo afectan éstas directamente al hombre, tanto de forma personal como socialmente, en su entorno y su evolución?

https://www.youtube.com/watch?v=yMZlW5CK8yE

Trailer: Tiempos Modernos
Director: Charles Chaplin
Estados Unidos, 1936
Duración: 5:06

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’

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CINESCOPIO: Ingmar Bergman

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

CINESCOPIO : INGMAR BERGMAN

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Un viaje sin remos amparado en bregar la brega del amor ideal y anclar la utopía de la fuga como una liberación más que un escape, así resuenan las imágenes del canon que legado el maestro Ingmar Bergman, en él convergen materia y naturaleza representadas por sus personajes, situados en el espacio tiempo de sendas tiendas de abacería, donde la cotidianidad hace de las estaciones y sus cambios, los giros de cuerda que aguardan suceda el sol ante el frío y las estaciones se hagan.

Ícono máximo del cine sueco, maestro de lo íntimo vuelto universal, Ingmar Bergman reflejó las relaciones humanas como un viaje a la interioridad e hizo de la mirada, un espejo que confluye, envuelve y recita desde su reflejo, las aristas más vulnerables del ser humano y su relación con la existencia que habita y comparte. Su cine se convirtió en un referente de la insatisfacción que se vierte cuando las preguntas perennes encuentran respuestas sin reacción, o por lo contrario, del gozo que genera la inmediata resolución de los conflictos que les anteceden, en todo caso, es un cine de viaje, de búsqueda y encuentro.

Ingmar Bergman | Foto: http://www.ingmarbergman.se

Bergman dedicó varias décadas de su vida a proyectar en la pantalla, el ansia de la persona por asumirse como tal, por inquirir ante la duda, y concluir la expectativa ante el desencanto. Su viaje alcanzó lo más profundo del ser hasta cimbrarlo frente al mar y ante la muerte, y a llevarlo por una revisión de lo vivido, captando el sentido de la vida ante el desahucio, mostró la valía de una sonrisa que se esconde bajó la alcoba ante el drama, o del deseo que prevalece rente al letargo de las relaciones nacidas de lo que fuese alguna vez amor y concluyó siendo un acuerdo.

Oriundo de Upasala, Suecia, Bergman recibió los galardones más codiciados de la industria y crítica fílmicas, los cuales por más que merecidos, no alcanzan a medir el grado de admiración de su público, ni la valía igualmente profunda, analista y expectante de su auditorio. Bergman se adentró a los rincones de la mente, ahondó en los rincones de la subjetividad, plasmó las inquietudes existenciales, las angustias religiosas, las ávidas respuestas espirituales y los senderos profusos de la muerte con la paradoja de la vida en sufrimiento.

El director delineó los parámetros de quien se hace a la vera del deseo, de la libertad y del reflejo, para encontrar el sentido a los andares, a la confrontación con el hastío, la vivencial dependencia del sentimiento y la imaginación como un escape al dogma.

Su cine hizo una oda la institución humana del amor, que se rebasa por los instintos e ilusiones que no pueden atraparse por las leyes, aguzó la distancia y la lejanía como una decisión y la necesidad de compasión como una consecuencia de la modernidad que razona y no atiende el sentido último de la existencia; situó a la mujer como estandarte, al azar como circunstancia, al devenir como escenario y al arte como centro decisivo de las emociones humanas, y lo hizo desde el silencio, desde el desahogo, desde el susurro y desde el discernimiento como una posibilidad ante la determinación que resigna la propia voluntad.

Bergman asocia la convivencia desde planos diversos de la dualidad, al amor y al deseo, al matrimonio y al divorcio, a la prisión y a la libertad, a la enfermedad y a la cura, a la vida y la muerte, a lo familiar y a lo extraño, a lo propio y a lo ajeno, a las estaciones como estado de ánimo, a una partida de ajedrez como la última jugada del destino, y a la persona como centro y significado de la existencia. Bergman logró que su mirada, fuese un puente entre el asombro y el hastió, entre el dolor y el alivio, entre el sufrir y el consuelo, entre la pregunta y la respuesta, entre un director y su audiencia.

Sus personajes cohabitan entre sí una dualidad latente, genera uniones o rupturas al tenor de la reflexión como gestora de las posibilidades, encuentros y desencuentros de la condición humana. Bergman prioriza la interacción humana que soslaya el amor lo idílico por el deseo que al no contenerse conduce a la infidelidad, dejando el aura de duda, ¿será el deseo no es sólo carne sino amor? y ¿será que la infidelidad es hacia la institución del matrimonio pero no al sentimiento? En todo caso, la doble moral se hace presente como bujía de un juicio que sólo sucede y deja pensando al espectador, causando la duda y atisba el caleidoscopio de la figuración, el enredo, la intriga y la resolución pasional de los entresijos amatorios de sus personajes.

Con pericia de cirujano, con la astucia de un abogado y la introspección a provocación del psicólogo, el director genera en su audiencia una experiencia vivencial a modo de retrato de la relación simple y compleja de una pareja que asienta los sentimientos mientras descubre y redescubre, sin un ápice de impaciencia, la paciente espera de su tedio. La inocencia, el temor, las desavenencias, los intereses equidistantes, las peleas, las miradas obtusas, los posicionamientos irreconciliables, la habitación, la seducción y el aplomo ante las decisiones, detallan las que cierran el círculo de las relaciones desde los secretos que, a modo de una verdad que se oculta, prolonga el letargo del vacío sentimental que convoca pero no une.

El maestro atiende a los tópicos poéticos para expresar la angustia de la vida y la resolución en calma de vivirla, atiende al carpe diem y al tempus fugit, dejando así el avenimiento en víspera de una conclusión temporal, que otorga a las estaciones la cualidad de embellecer las hojas secas, hacer del viento música, y las expresiones en notas musicales. Liv Ullman como musa, la muerte como sentido y la vida como palestra, circundan las décadas en que sus películas definieron un estilo y encumbraron un género propios, Bergman revisita el regreso como el revulsivo que desencadena confrontar el pasado desde un ánimo de clausura, pues no hay cabida para el lamento si el regreso en sí mismo, es sólo la momentánea inspiración de la consciencia por volver a lo dejado.

La exploración de lo femenino, adquiere una voz que se hace coral a medida que avanza la película, y se convierte en una lucha incontestable por definirle desde el sufrimiento de sus personajes. Sus protagonistas, sufren por encontrar el significado a sufrir como si fuese la ineludible conclusión de la vida o un componente indispensable de la misma para vivirla intensamente desde el grito y el susurro. Su obra es lo mismo existencialista que espiritual, espiritual que nihilista, atea en la argumentación que bíblica en su referencia, la película se anida en la maternidad desde el simbolismo del cáncer de útero, en la decisión a libre albedrío de experimentarla, y en la libertad de ni siquiera pensar en una pareja como la obligatoria consecuencia del cariño.

La muerte como presente acuse del destino, aparece en el dolor de una madre tras la pérdida de su hija, y en la esperanza que Dios le ofrece ante la otredad que le confronta. El matrimonio como presa del hastío, parece concluir que tras el enamoramiento no hay manera de dar marcha atrás a la primera inclinación por el romance, y que una vez que el amorío se instituye, termina el enamoramiento por arroparse en la costumbre. Bergman aborda la superficialidad de la vida mundana y la doble moral de quien enjuicia ante el designio del prejuicio, la enfermedad es un motivo, la voluntad la consecuencia. En Bergman los secretos que se develan, van uniendo poco a poco los lazos más personales de forma extraordinaria, concatena de forma extraordinaria mediante la edición y la aparición de signos, claves y dejos, fotografías, recuerdos y sonidos, los cuales, luego abandona para hacer que la audiencia los una en la manera de los posible, mientras sus personajes avanzan sin más giro que la intimidad que progresa hacia la otredad que confronta y la interioridad que libera.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com

Filmakersmovie presente en el 7mo Maratón Nacional de Lectura MARATONES

Filmakersmovie presente en el 7mo Maratón Nacional de Lectura

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

FILMAKERSMOVIE presente en el SÉPTIMO MARATÓN NACIONAL DE LECTURA

Filmakersmovie estuvo presente en la séptima edición del Maratón Nacional de Lectura Poesía y Cuento Corto 24hrs coordinado por la Asociación Poesía Sin Permiso y llevado a cabo en la Biblioteca Carlos Fuentes de la ciudad de Xalapa, situada en el estado de Veracruz, México. Dicho evento, que celebra la literatura, la cultura y las artes, es reconocido como uno de los más importantes eventos literarios de México y situado como el pionero de la lectura continua en el mundo. El Maratón Nacional de Lectura convoca a distintos escritores de México y América Latina, quienes comparten de forma ininterrumpida durante 24 horas consecutivas, poemas, relatos, ensayos y un sinnúmero de variantes genéricas que hacen de este evento cultural una auténtica celebración a las obras literarias y a sus autores.

Convertido en toda una tradición, el maratón inició su periplo en punto de las 17:00hrs con una breve inauguración; acto seguido, en punto de las 17:30hrs, dió comienzo al cronometro que pautó sendas mesas de lectura conformadas por las y los escritores invitados, además de lectores que se sumaron al compartir una gran diversidad de textos durante la jornada que concluyó justo a las 17:30hrs del día siguiente. Para esta séptima edición participó la Academia Literaria de la Ciudad de México, presidida por el galardonado escritor José Antonio Durand Alcántara, y Filmakersmovie, ganador a Mejor Sitio de Entretenimiento en México, por la Asociación Mexicana de Internet, filmó un cortometraje sobre la justa literaria.

Entre otras actividades se dieron entrega de los dos más importantes reconocimientos nacionales que otorga el certamen, por una parte el Premio Nacional a la Gestión Cultural, que fue entregado a Mario Alonso López, mientras que el premio Aportación a las Letras Mexicanas estuvo destinado a María Dolores Guadarrama quien hizo lectura de varias de sus obras poéticas. En el mismo evento Filmakersmovie entregó reconocimientos a los escritores Miguel Soto, José Durand y Gustavo Ponce Maldonado, por su participación en el serial “Detrás de la Pluma”, que conduce el escritor Iván Uriel Atanacio Medellín, quien a su vez estuvo presente durante la lectura de su obra “El Surco”, por parte del sector magisterial veracruzano y presentó su poemario “Navegar Sin Remos”, acompañado por el director Andrés Palma Buratta.

El maratón se deriva de una serie de actividades que como parte de su difusión cultural ha generado la escritora Nohemí Briones Guzmán, directora de la Asociación Poesía sin Permiso, la cual realiza periódicamente presentaciones de libros, lecturas y talleres de escritura, que durante seis ediciones se han convertido en un referente de la promoción cultural en México.

La cita tuvo lugar los días viernes 3 y jueves 4 de agosto, y contó con una entusiasta participación de escritores, periodistas y público en general tanto en las lecturas llevadas a cabo en el citado recinto, como en El Gusto Divino, lugar asiduo a los proyectos culturales que emprenden las instituciones convocantes.

Galería:

38855429_1841917912541684_2663676830795431936_n — Foto: Internet | 7mo Maratón de Lectura Poesía y Cuento Corto | Poesía sin Permiso | 2018

38936200_1841888142544661_4739884315402305536_n — Foto: Internet | 7mo Maratón de Lectura Poesía y Cuento Corto | Poesía sin Permiso | 2018

Portada Iván Uriel Navegar sin remos — Navegar Sin Remos | Iván Uriel | México, 2018

Filmakersmovie se enorgullece de formar parte de esta celebración literaria y espera continuar colaborando en pos de la difusión literaria de las letras iberoamericanas.

Redacción

Filmakersmovie

contacto@filmakersmovie.com

Terminator Terminator Imagen1

Terminator

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

The Terminator

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La ciencia ficción es un género narrativo que combina tanto imaginación como sustento científico. Es algo así como una ‘ficción científica’, o en otras palabras, mundos creados que tienen en el fondo un aval creíble, verosímil, probable conforme al desarrollo alcanzado por la ciencia y la tecnología. Puede ser, por ejemplo, realidad virtual, viajes en el tiempo, existencia de una inteligencia artificial superior o la presencia de vida extraterrestre.

La película Terminator (EUA, 1984), dirigida por James Cameron y protagonizada por Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger y Michael Biehn, toma varios de estos temas y los aborda de una forma que plantea preguntas relevantes para la sociedad actual, desde el cómo avanza la tecnología con relación al desarrollo social, o las implicaciones científicas, éticas y de cambio que conlleva la creación de robots construidos a semejanza física con el hombre.

La historia comienza en un escenario futurista, el año 2029, en el que la humanidad casi ha sido destruida y las máquinas han tomado la mayoría del control sobre lo que sucede en el planeta. A punto de perder la batalla contra los humanos que todavía pelean por su libertad, las máquinas envían al pasado, al año 1984, a un ciborg para asesinar a la madre del líder de la resistencia, John Connor. Para salvar a Sarah Connor los humanos envían a Kyle Reese, un hombre cuya misión es evitar que la máquina cumpla su cometido y de esta manera asegurar la continuidad histórica del proceso de enfrentamiento entre robots y hombres después de la conflagración nuclear, pues en el fondo el objetivo es asegurar que el futuro siga intacto, con los humanos a punto de ganar la guerra.

Una de las preguntas más importantes que esta línea narrativa plantea al espectador es: ¿Se puede cambiar el futuro? Aquí entran en juego distintas variantes, desde el concepto de destino hasta la comprensión de la factibilidad y variantes propias de los supuestos viajes en el tiempo.

Si son las decisiones que se toman las que forman el presente y el futuro de una persona; ¿por qué vivir un mismo momento dos veces haría a alguien cambiar de decisiones? O en todo caso, ¿es posible? La idea lógica de este imaginativo que inquieta al ser, los viajes en el tiempo, explorados a través de la literatura, el cine o la televisión, recae en el deseo de poder hacer las cosas de manera diferente, mejor, en donde entra en juego tanto la incertidumbre como el arrepentimiento, o, en el opuesto, saber qué sucederá en el futuro permite evaluar y determinar si la acción tomada, ya sabiendo sus consecuencias, se considera correcta o no, que empata igual con el temor al terreno de lo indefinido y al error. Desde luego que incluso en este supuesto, tomar una decisión distinta no necesariamente significa que el resultado será ‘mejor’ recibida (de nuestro agrado). En última instancia, es cierto que los humanos construyen su propia historia, a partir de sus decisiones, pero lo hacen en el marco de las condiciones socioeconómicas en que existen y los resultados van evolucionando con niveles de incertidumbre fluctuantes. Los viajes en el tiempo ¿lo modifican?

El concepto de la posibilidad en el cambio temporada entonces se convierte así en un mero deseo provocado por la duda; la posibilidad de una posibilidad. El tema se aborda según los intereses del que lo razona, porque un científico no ve su viabilidad de la misma forma que un matemático, un médico, un atleta o un escritor, por ejemplo. Algunos intentarán entender su sustento científico, pero la mayoría verá el concepto como una ventana hacia segundas oportunidades. ¿Qué cambiaría yo (si el viaje en el tiempo fuera una realidad)? Y también, ¿Cambiaría yo como ser humano con otras vivencias percibidas en el viaje a través del tiempo?

El escenario da paso a otras cuestiones importantes, desde el que el hombre aprende de sus experiencias y el cómo a partir de ellas el ser evoluciona, hasta la realidad práctica y simple que dice que la vida es una secuencia de decisiones. Se vive y se sigue adelante, no se vive para regresar al mismo punto de partida, como para repasar un pasado que en efecto ya ha quedado atrás. No se puede vivir en círculos, porque hacerlo implicaría un estancamiento.

Y es ahí donde entra otra variable en cuestión: el bucle temporal y las verdaderas cuestiones filosóficas que implica el concepto ‘viaje en el tiempo’. La conceptualización de esta dinámica plantea que, si alguien viaja al pasado, cuando ese momento sucedió, en su tiempo, la persona ya había estado ahí, de otra manera en su futuro no habría tenido que regresar al pasado. En este caso, para entenderlo de manera práctica, Kyle Reese viaja del futuro a 1984 para conocer ahí a Sarah Connor, sin advertir que después se convierte en padre del hijo de ella. John entonces sólo existe porque Reese viajó al pasado. Por tanto, si en 2029 él no fuera enviado a 1984, John no nacería. Un viaje que además sólo sucede como respuesta a la acción de las máquinas de intentar eliminar a Sarah Connor, en primer lugar, porque es la madre del líder de la resistencia humana.

Técnicamente entonces, para ganar, las máquinas no tienen realmente que viajar al pasado para evitar que el líder de los humanos nazca, sólo tendrían que desechar su plan de matar a su madre, porque entonces los hombres no mandarían a Reese a perseguir al ciborg, y si éste no viaja a 1984, John Connor no nacería. Claro que la pregunta sería: ¿Pueden saber las máquinas que el líder es hijo de un hombre del futuro, o mejor dicho, de su propio presente? Esta serie de dimes y diretes, de círculos temporales, funcionan para ahondar un concepto básico, ¿el futuro se construye o es que ya está hecho?

La película además aborda otros aspectos relacionados, pero más inmersos en el tema de la tecnología, específicamente la inteligencia artificial y la creación de máquinas mitad humanas que, por lo menos en la película, se ‘rebelan’ contra sus creadores. Un debate constante en la actualidad, donde ciencia, tecnología, desarrollo, ética y evolución, convergen en la creación de robots y las habilidades para las que son programados. En este futuro distópico, irreal y ficticio, la máquina ha superado al hombre, pero igual que con muchos otros conceptos de la historia, esta realidad sólo existe por las propias fallas del ser humano, que con sus errores hacen posible el levantamiento de las máquinas y su capacidad de autoconciencia posible. El derecho a la rebelión inherente a su propia transformación en casi humanos y su autocapacidad casi misericordiosa de proteger al humano de sí mismo, de sus debilidades.

¿Es que la máquina realmente ha superado al humano, o es que el hombre ha cometido los suficientes tropiezos como para dejar innumerables huecos en la programación de comandos, de tal forma que es posible a la inteligencia artificial encontrar la forma ‘lógica’, matemática, de resolver la problemática que se les plantea, desde un punto de vista no objetivo, sino a su favor? En este caso, al determinar que la humanidad es un peligro latente que debe ser eliminado. Y si los robots tienen consciencia además de inteligencia artificial, siendo producto de la sabiduría humana, ¿no es lógico que también tengan deseos e intereses humanos? Es la misma lógica como antaño se creaban dioses a imagen y semejanza del hombre, con sus virtudes y defectos, incluso dioses para sentimientos, placeres y vicios específicos.

Si un programa concluye que el hombre debe ser sacrificado porque su presencia se ha vuelto un riesgo, ¿lo ha categorizado realmente así la máquina o es una deducción basada en un análisis de datos programados, organizados por el propio humano? Si es la segunda y el hombre tiene la respuesta a una pregunta que tal vez se ha hecho al menos indirectamente, ¿qué es lo que hace al respecto? Y no en el ayer o en el mañana, sino en el ahora, en su presente. Se plantea entonces la pregunta ética fundamental que ha rondado al desarrollo de la ciencia por lo menos desde la mitad del siglo pasado: ¿Debe el humano jugar a ser Dios? ¿Está el desarrollo científico generando las condiciones para la extinción de la especie humana?

En la narrativa las máquinas ganaron poder gracias a que estaban conectadas a todo sistema operativo, automatizándose incluso los sistemas de defensa y armamento. Controlado un sistema que lo ve y vigila todo, que tiene acceso a la información de millones de personas y que, además, está encargado de la gestión de toda actividad (un ejemplo práctico actual serían las computadoras personales, las casas inteligentes y las redes sociales que monopolizan la información), hablamos de que no es la máquina la que decide el rumbo del futuro, es el hombre quien delega en la máquina el poder de acción de una decisión que toma, mediante programación algorítmica, pero de la que no se hace responsable.

No se trata entonces de una realidad en la que las computadoras y la inteligencia artificial tomen decisiones, sino, más bien, reflexionando sobre el mundo actual, se trata de la importancia de la creación de barreras y límites para evitar que el hombre siga pensando que con dar directrices a un programa es suficiente como para dejarlo sin supervisión. Es decir, las maquinas obedecen a programación diseñada por el humano y no tienen, ni pueden tener consciencia. ¿Es que realmente después de encender una lavadora o una secadora, ésta nunca ha cometido un error durante su ciclo de trabajo? ¿Nunca falla? La respuesta es que la programación puede tener errores, o que las piezas y los programas utilizados se desgastan, se deterioran, se nulifican, ocasionando, eventualmente, alteraciones en su funcionamiento. El ser humano lo sabe y por eso recurre a la obsolescencia programada. Lo mismo puede suceder con las demás máquinas, con las ensambladoras de partes automotrices y hasta los asistentes inteligentes. ¿Por qué sería diferente con un robot, con un ciborg o un programa de inteligencia artificial?

El viaje en el tiempo no es una realidad posible, sino deseada; así mismo la creación de máquinas inteligentes y la esperanza de que su semejanza con el hombre permita entender tanto el origen como la trascendencia del ser no es algo que corresponda a una realidad futura, sino una preocupación presente que ocupa a miles de científicos e intelectuales de distintas disciplinas. Más que preguntarse entonces qué sucedería si tal o cual cosa pasara, o si fuera cambiada, las personas deben cuestionarse sobre qué está sucediendo hoy, cuál es el posible uso de la tecnología de vanguardia, cómo se instrumenta el manejo de la información personal con fines de vigilancia, control o de lucro, incluso, cómo funciona el panóptico digital para disminuir la capacidad de pensamiento y crítica en la mayoría de la población mundial. La ciencia ficción es un medio que permite criticar y analizar estas reflexiones, pero para aterrizarlas es vital diseccionar todos sus planteamientos, un siguiente paso que todas las personas deberían estar dispuestas a tomar, respondiéndose siempre la pregunta ¿dónde está la ciencia y dónde está la ficción?

The Terminator

Dir. James Cameron

Estados Unidos, 1984

Trailer 1:58

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.

Tu Nombre – Artista: Eve Arrow

Tu Nombre – Artista: Eve Arrow

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Tu Nombre

Artista: Eve Arrow

Dirección: Nancy Olguín

Chile, 2018

3:10

Tu Nombre

Letra y música : Eve Arrow

Producción musical : Sebastián Riquelme

Equipo:

Dirección: Nancy Olguín

Dirección de Fotografía: Nancy Olguín

Montaje: Nancy Olguín

Cámaras y Post producción : German Mellado (Surrender vídeo y fotografía)

Make up and Hair : Karla Vega

Galería:

EVE ARROW TU NOMBRE Filmakersmovie — Tu Nombre- Artista: Eve Arrow | Dir. Nancy Olguín | Chile, 2018

Contacto:

Eve Arrow GooglePlay

FB:EveArrowMusic

INST: evearrowmusic

YouTube: Eve Arrow

Spotify: Eve Arrow

contactoevearrow@gmail.com

www.surrender.cl

Chile, 2018

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

¡Eve Arrow estrena Tu Nombre!

¡Eve Arrow estrena Tu Nombre!

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

Eve Arrow estrena el vídeo clip «Tu Nombre»

Santiago de Chile, septiembre 2018.- Evelyn Olguin, quien es reconocida por su nombre artístico Eve Arrow, es música y compositora chilena, desde su irrupción a los escenarios ha llegado a matizar y a entregar su identidad en la escena musical femenina. En su proyecto es posible saborear el pop rock nacional con algunos toques y gusto alternativo.

Más allá de su música, cabe mencionar que la cantante destaca por el trabajo artístico que se puede evidenciar en la totalidad de su proyecto y ahora es el turno de admirar su más reciente creación, nos referimos al impecable trabajo de Tu Nombre, sencillo que además es parte del EP Estocada, lanzado en abril de este año.

Tu nombre es una canción de estilo pop melódico con un toque muy sensual y femenino. Esto es precisamente lo que su directora de arte Nancy Olguin , hermana de Eve Arrow, nos presenta en el videoclip. En él podemos encontrar secuencias fotográficas muy cuidadas para el escenario de esta historia amorosa que raya entre la locura y obsesión.

El vídeo ya se encuentra disponible en la plataforma digital YouTube, dispuesto para deleitarnos con su música y arte.

¡Te invitamos a disfrutar de su música!

Ver: «Tu Nombre» en Filmakersmovie.

Ver: «Fuego« en Filmakersmovie.

Fuente: Eve Arrow

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YouTube: Eve Arrow

Spotify: Eve Arrow

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Chile, 2018

Demons Curacaví Demons curacavi 1

Demons Curacaví

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

Una realización de Francisca Olaeta

-Sinopsis-

Documental sobre el primer equipo de fútbol americano de la ciudad de Curacaví. Este equipo fue creado por un grupo de jóvenes de la zona que quisieron organizarse para tener la posibilidad de jugar, compartir y salir adelante en el poco apoyado mundo del fútbol americano.

Demons Curacaví

Dir. Francisca Olaeta

Chile, 2016

10:43

Ficha Técnica:

Realización: Francisca Olaeta

Cámara: Isaac Lizana, Joaquín Pineda

Sonido directo: Rodrigo Soto

Género: Documental

Duración: 10:43 min.

Galería:

Demons curacavi 2 — Demons Curacaví | Una realización de Francisca Olaeta | Chile, 2016

Demons curacavi 4 — Demons Curacaví | Una realización de Francisca Olaeta | Chile, 2016

Contacto:

Vimeo Francisca Olaeta

Chile, 2016

**Este trabajo se publicó en Filmakersmovie por primera vez el 10 de febrero de 2016**

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Corea – Artista: Delatores delatores slide

Corea – Artista: Delatores

Filmakersmovie 12 septiembre, 2018

Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Corea

Artista: Delatores

Una Producción de: Marcelo Parra

Chile, 2018

3:45

“Corea” es el título del single extraído del su último disco de Delatores: “Víctimas del Pánico”, 2016.

Equipo:

Producción e idea original: Marcelo Parra

Co-producción: Monogato

Gráficas visuales: Marcelo Parra

Dirección de fotografía: Camila Toro

Asistente de fotografía: Daniel Díaz

Galería:

Delatores Filmakersmovie — Corea- Artista: Delatores | Una producción de Marcelo Parra | Chile, 2018

Contacto:

Spotify Delatores

Apple Music Delatores

Álbum «Víctimas del Pánico»

FB: Delatoresmusic

Inst: Delatores

Chile, 2018

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México Pixelatl 2018 Filmakersmovie

Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México

Filmakersmovie 4 septiembre, 2018

Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México

Por: @pratanacio

Arranca una nueva edición de Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México ( 4 al 8 de septiembre, Cuernavaca Morelos, México), y en Filmakersmovie tuvimos la oportunidad de conversar con José Iñesta , Director del Festival, ¿Cómo se concibió el proyecto?, ¿Cómo era en México la Animación antes y como es ahora?, ¿Qué nos deparará esta edición? ¡Esto fue lo que nos dijo!

En el marco de una nueva edición del Festival Pixelatl, hablemos de esta celebración de la animación y sus orígenes, ¿cómo surge la inquietud de reunir referentes internacionales de esta disciplina?

México es un país de contrastes. A través del tiempo, su vasto y diverso territorio ha sido escenario para el asentamiento de grupos humanos que, a pesar de compartir muchos rasgos culturales, terminaron diferenciándose unos de los otros de maneras radicales, tanto por las grandes distancias físicas y climatológicas que los separan, como por el diverso grado de contacto e intercambio que esas mismas distancias provocan.

El territorio nacional fue diversificándose de una manera no siempre articulada: tenemos regiones que, al quedar aisladas del resto del país, han preservado mejor sus riquezas culturales y naturales, pero que a la vez padecen problemas de desarrollo superados en otras partes; de manera simultánea hay zonas que experimentan el acelerado avance tecnológico y en calidad de vida, que es propio de las últimas décadas en los países más desarrollados, pero que padecen en cambio los males sociales y medio ambientales de las grandes urbes.

Pixelatl es una asociación que surge con la finalidad de instrumentar mecanismos que permitan ir cerrando esas grandes brechas que hoy separan a la nación: ya no sólo las distancias físicas, sino también las culturales, educativas y económicas, aprovechando para ello las ventajas de las tecnologías de la información y comunicación, que además de conectar espacios, democratizan la creación multimedia.

Pues no sólo es un asunto de infraestructura para intercomunicar regiones del país, sino de provocar el diálogo y el intercambio, entre nosotros y con el mundo, que sólo puede darse de una manera relativamente simétrica a partir de la creación de contenidos propios, que reflejen igual la visión de las diversas culturas de México, como las grandes contradicciones que nos unen y nos separan, que nos hacen distintos pero universales…

Se trata, en el fondo, de que más mexicanos seamos capaces de construir nuevas narrativas sobre México.

¿Cómo era el México en la Animación entonces y cómo es ahora? comprendiendo que las tecnologías avanzan apresuradamente, y el Festival tiene siete años.

Pues en sus orígenes no había una industria propiamente dicha en México. Estaba Anima estudios, que sigue siendo un pilar de la industria en nuestro país con sus más de 15 años de entrenar e impulsar al sector, pero todavía no incursionaban en propiedades intelectuales originales. En esa época estaban haciendo el “Chavo animado,” una propiedad de Televisa, que de hecho Televisa anunció en nuestro primer evento. Y la tradicional escuela de Guadalajara (Stop Motion) triunfaba con sus cortos con temas oscuros, aunque en esa época se producía un corto cada año de uno de sus afamados directores.

Después de 7 años, sigue estando Anima, que ahora es el estudio más grande de América Latina, que produce 2 largometrajes al año y que ya tiene propiedades propias (Leyendas) o las adquiridas (Don Gato, Cascarrabias, etc.); pero también están Huevocartoon, Mighty Animation, Platypus, Boxel, etc. Y la escuela de Guadalajara (Stop Motion), ha dado un salto importante (sobre todo después del homenaje que hicimos en conjunto con el Festival de Animación de Annecy en 2014) y ahora no sólo están produciendo 2 cortos anuales, sino que ya hay dos largometrajes en camino y están participando más de cerca con estudios del resto del país (como directores de arte, de animación, guionistas, etc.). Siguen triunfando en el mundo pero producen más y ahora están incursionando en largometrajes.

En estos años, cuáles han sido o son los momentos críticos que han hecho de Pixelatl sea el festival referente de la Animación en México con gran renombre internacional.

Pues no sé si somos el festival referente de la animación en México… Lo que sí nos diferencia de otros eventos, es que no sólo somos un festival. Desde el inicio concebimos al evento no sólo como un evento de proyecciones donde los artistas o creadores de los proyectos pasan a ser aplaudidos por una audiencia. El proyecto tenía que servir de tres cosas que hacían falta en el 2011 y que todavía siguen haciendo falta pero es en lo que trabajamos año con año para mejorar:

Plataforma de capacitación y profesionalización del sector audiovisual. Que en 2011 no se conocían los estándares de la industria internacional, la forma de crear contenidos, la forma de venderlos, los pipelines de producciones internacionales, etc.
Escaparate para los proyectos mexicanos. Que permitiera a los creadores mexicanos poder llevar sus proyectos y mostrarlos a co-nacionales, medios, distribuidores y posibles socios internacionales.
Que pudiera acercar a los artistas con inversionistas, distribuidores, y canales que pueden invertir en su proyecto y llevarlo a cabo. Hasta el momento somos el único mercado de contenidos audiovisuales en México, impulsamos propiedades intelectuales originales, y ha habido muchos casos de éxito nacionales e internacionales (Mariachi Zombi, Villanous, Molly & the cryptos, Vikingos, Raise the bar, etc.)

Hablemos de lo que se vivirá este septiembre, ¿con qué nos encontraremos creativos, artistas y animadores?

Con un evento auténticamente internacional… En la edición 2018 contaremos con la presencia de gente Reino Unido, Estados Unidos, Corea, España, Irlanda, Japón, Holanda, Indonesia, Colombia, Argentina, Francia, Brasil, México, Ecuador, Chile y Canadá. Además, participantes del Salvador, Costa Rica, Uruguay, Bolivia, Guatemala, y muchas personas más que se han inscrito para participar en el evento.

También con mucho talento en la parte de formación… Lee Unkirch (Coco), Kat Morris (Steven Universe), Paul Harrod (Isla de Perros), Deanna Marsigliese (Increíbles 2), Elizabeth Ito (Hora de la Aventura), Hilary Florido (Regular Show), y 80 conferencistas. que se encargarán de impartir 800 horas de formación en una semana.

También veremos un mercado más consolidado con los tomadores de decisiones de diversas cadenas y plataformas para llevar a cabo proyectos audiovisuales: Netflix, Amazon Studios, Disney, Cartoon Network, DreamworksTV, Discovery Kids, Adult Swim, Warner Bros Animation, PBS, etc.

Finalmente, podremos encontrar este año muchísimo reclutamiento… Estarán reclutando estudios nacionales de animación y videojuegos (como Anima Studios), pero también vienen 11 empresas de la Provincia de Quebec a tratar de conseguir 100 puestos que requieren. Estarán empresas como RodeoFX (Game of Thrones), Ubisoft, On Animation (Playmobil), Squeeze Animation Studio, Framestore, etc.

Una gran sorpresa de este año fue la convocatoria en alianza con Televisa, el gigante de la producción en México, ¿Por qué es imprescindible dar oportunidad a artistas y estudios para mostrar su talento?

Es muy importante buscar la conexión de casas productoras y canales con la comunidad creativa. Los contenidos que vemos en pantalla son generalmente los mismos o nuevas versiones de algo anterior y esto se debe a que las nuevas voces no tienen oportunidad de ser escuchadas por los ejecutivos que toman decisiones de producción. Una forma de entrar al negocio de la propiedad intelectual original es a través de trabajos por encargo (como esta convocatoria de Televisa). Es decir, primero trabajas para algún canal de televisión o cadena, maquilas su contenido o los apoyas en sus proyectos y ya que haya cierto nivel de confianza, entonces presentas tus proyectos originales que quizá le puedan interesar al canal. Y el otro camino es desarrollar tu proyecto y moverlo en mercados (como Pixelatl) para que los ejecutivos decidan invertir por tu propuesta.

Quién o quiénes, artistas, animadores, creadores, inspiraron e inspiran a los integrantes de Pixelatl para dedicarse a este apasionado e ilimitado mundo de la animación.

En lo personal, siempre fui fanático del arte, de los grandes maestros Leonardo, Michelangelo, y también de algunos contemporáneos como Picasso o Dali. De animación y cine, soy fan de animadores tradicionales como Glen Keane (aunque ya ha incursionado a realidad virtual) o de ilustradores como Kim Jung Gi. Me gusta lo que hacen y lo que dejan a la humanidad. Es un reto construir arte a través del tiempo, por lo que los artistas animadores, cineastas, desarrolladores de videojuegos tienen un gran mérito por crear arte a través de estas formas.

Nuestro programador, Christian Bermejo, es animador Stop Motion y por eso siempre tenemos a grandes genios de esa técnica en nuestro festival como Henry Selick, Phil Tippett, y en esta edición a Paul Harrod. Es muy importante tener un equipo diverso para poder tener un programa diverso, y Christian sabe balancear muy bien la parte artística de la animación con la parte comercial que genera industria.

Algún mensaje para el gremio, para los jóvenes que estudian, para los estudios mexicanos, para quien comienza a descubrir este maravilloso mundo:

Lo más importante, que se den cuenta de la importancia de poder contar historias. Es un arte de mucho trabajo y dedicación, pero que puede cambiar al mundo. Siguiendo por la misma línea, es importantísimo prepararse. Contar historias no es subir un vídeo chusco a youtube, hay que conocer los arcos narrativos, el camino del héroe, los diferentes arquetipos de personalidades, la psicología detrás de las personas, las motivaciones del ser humano, narrativa, filosofía, etc. Contar historias es como un músculo que se debe de ejercitar. Hay que entrenarlo, retarlo, desarrollarlo, pero sobre todo usarlo. Un contador de historias debe de estar siempre escribiendo y describiendo.

Algo más que desees compartir con nuestra comunidad:

Pixelatl es un esfuerzo colectivo. Este proyecto no sería posible sin el equipo que trabaja incansablemente para cambiar a México y al mundo a través de contar historias. Somos un equipo pequeño pero increíblemente apasionado y lleno de esperanza. Trabajamos hasta altísimas horas de la madrugada y estamos de pie antes de que cante el gallo así que no quisiera dejar de agradecer a Jordi, Christian, Ricardo, Diana, Lupita, y Julia por hacer este proyecto posible. Sólo en equipo podríamos llevar a cabo este evento que rebasa fronteras y transforma corazones y es gracias a la labor incansable de cada uno de ellos que Pixelatl palpita y sigue creciendo.

Agradecemos profundamente a José el tiempo y espacio para conversar con nosotros y compartir los momentos de Pixelatl. Les deseamos todo el éxito en esta nueva edición que sin duda estará llena de historias de éxito, entrañables y memorables.

Cineminuto Pixelatl

Creado por Vanilla Studios.

Para enterarte sobre las noticias de Pixetatl visita elfestival.mx

FB: @Pixelatl

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YT: Pixelatl

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks, Camaleón Films, Presumiendo México y Radio Ranchito FM. Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas.

“Marilyn” se estrena en Chile

Cinescopio: Kurosawa

Peliculas de Terror Diferentes

Donnie Darko, 2001 | Dirección: Richard Kelly

Juan of The Dead, 2011 | Dirección: Alejandro Brugués

Boogeyman: el nombre del miedo, 2005 | Dirección: Stephen T. Kay

Le Temes a la Oscuridad, 2000 | Película: 3 Capítulos de la Séptima temporada

Los Parecidos, 2015 | Dirección: Isaac Ezban

La Serpiente y el Arcoíris, 1988 | Dirección: Wes Craven

Apollo 18, 2011 | Dirección: Gonzalo López Gallego

Rito terminal, 2000 | Dirección: Óscar Urrutia Lazo

Montando la bala, 2004 | Dirección: Mick Garris

Fantasmaníacos, 2016 | Dirección: Brendan Mertens

La Muerte de Freddy: La pesadilla final, 1991 | Dirección: Rachel Talalay

El Orfanato, 2007 | Dirección: Juan Antonio Bayona

Tiempos Modernos

CINESCOPIO : INGMAR BERGMAN

FILMAKERSMOVIE presente en el SÉPTIMO MARATÓN NACIONAL DE LECTURA

The Terminator

Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Eve Arrow estrena el vídeo clip «Tu Nombre»

Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México

En el marco de una nueva edición del Festival Pixelatl, hablemos de esta celebración de la animación y sus orígenes, ¿cómo surge la inquietud de reunir referentes internacionales de esta disciplina?

¿Cómo era el México en la Animación entonces y cómo es ahora? comprendiendo que las tecnologías avanzan apresuradamente, y el Festival tiene siete años.

En estos años, cuáles han sido o son los momentos críticos que han hecho de Pixelatl sea el festival referente de la Animación en México con gran renombre internacional.

Hablemos de lo que se vivirá este septiembre, ¿con qué nos encontraremos creativos, artistas y animadores?

Una gran sorpresa de este año fue la convocatoria en alianza con Televisa, el gigante de la producción en México, ¿Por qué es imprescindible dar oportunidad a artistas y estudios para mostrar su talento?

Quién o quiénes, artistas, animadores, creadores, inspiraron e inspiran a los integrantes de Pixelatl para dedicarse a este apasionado e ilimitado mundo de la animación.

Algún mensaje para el gremio, para los jóvenes que estudian, para los estudios mexicanos, para quien comienza a descubrir este maravilloso mundo:

Algo más que desees compartir con nuestra comunidad:

Imperdibles