Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores independientes.
Adornada
Dirigido por: Gustavo Peixoto
– Sinopsis-
«Y tanta será la maldad, que en muchos el amor se enfriará.»
Mateo 24:12
«E, por se multiplicar a iniquidade, o amor de muitos esfriará.»
Mateus 24:12
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Adornada
Basado en la idea Original de: Jhonatta Wesley
Dirigido por: Gustavo Peixoto
Brasil, 2012
5: 11
«Esta película tiene le único objetivo de admitir la realidad bíblica y teológica presente en los evangelios, inspirado en la base de sus enseñanzas y las parábolas de Cristo, no hay lugar para juzgar o denigrar a cualquier conducta o comportamiento moral, sino que más bien apunta únicamente a la exposición de realidad de los hechos desde la perspectiva de los principios bíblicos y la perspectiva cristiana.»
«Este Filme tem como único objetivo admitir a realidade biblica e teológica presente nos evangelhos, baseado nos seus ensinamentos e inspirado nas parábolas de Cristo; Não cabendo aquí, portanto, jugar ou denegrir quaisquer condutas morais ou comportamentais; antes, visando tão somente a exposicão da realidade factual sob a ótica dos principios bíblicos e da perspectiva cristá.»
En un día como hoy, en que la noche se vuelve magia, queremos desearles que en 2013, los sueños que hoy se escriben y re escriben en el alma, se vuelvan realizaciones que contagien al corazón de arte, amor, y que en ellos implícita vaya la trascendencia.
Regresaremos en 2013, con muchas novedades, estrenos y sorpresas.
Por este primer «mitad de año»… GRACIAS
Disfruten de las fiestas, de los amigos, de la familia…de sí mismos.
Filmakersmovie presenta trabajos de realizadores independientes.
O Tesouro Escondido
Dirigido por: Allan Sousa
-Sinopsis-
«Un hombre, un cautivo, un libro y la oportunidad de encontrar un gran tesoro. ¿Cómo estas realidades juntas pueden enseñar una lección de vida emocionante y verdadero? «
«Um homem, Um cativeiro, Um livro e a oportunidade de encontrar um grande tesouro. Como estas realidades, juntas, podem ensinar uma emocionante e verídica lição de vida?»
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O Tesouro Escondido
Dir. Allan Sousa
Brasil, 2012
14:32
«El Reino de los Cielos es semejante a un tesoro escondido en un campo que, al encontrarlo un hombre, vuelve a esconderlo y, por la alegría que le da, va, vende todo lo que tiene y compra el campo aquel.»
Mateo 13:44
«O reino dos céus é semelhante a um tesouro oculto no campo, o qual certo homem, tendo-o achado, escondeu. E, transbordante de alegria, vai, vende tudo o que tem e compra aquele campo.»
Piel Fraterna | Dir. Daniel Salas | Imagen extraída de la página pielfraterna.cl , respetando todos sus derechos de autor.
México | Redacción Filmakersmovie | 29 de noviembre de 2012.- Cada vez es más recurrente crear campañas que soporten económicamente la producción de proyectos, audiovisuales, tecnológicos, multimedia, entre otras ingeniosas ideas que surgen para facilitarnos la vida. Plataformas como Kickstarter , que hace poco se encontró en una demanda a causa de uno de sus usuarios, Idea.me, fondeadora, en México; han aumentado el número de suscriptores que buscan costear sus proyectos, haciendo ideas realidad. Los proyectos audiovisuales son motor de estos sistemas de financiamiento. ¿Pero es necesario ser parte de una red de este tipo para lograrlo? pareciera que si, pero el ingenio, las amistades, las redes sociales, son herramientas fundamentales para lograr el objetivo de manera autónoma, todo depende de que la idea enamore a los potenciales productores de la obra.
——————Este es el caso de Piel Fraterna, una historia que busca a través del crowdfunding, el apoyo de espectador e interesado en el cine. Si bien cuenta con el apoyo de la Escuela de Cine de Chile, el director del film, Daniel Salas, sabe que con ayuda de la audiencia, puede aumentar las posibilidades de producción en el rodaje de esta historia, que le permitiría obtener el grado de Realizador Cinematográfico junto con sus compañeros. El rodaje está previsto para el 7 de enero de 2013.
¿Mi opera prima? ¿Una tesis de escuela? ¿Un extraño experimento con mis compañeros y amigos? Desde el inicio del proceso, a mediados del 2011, hasta la fecha aún no puedo definir este proyecto. Quizás es todo lo anterior e incluso más: una perturbadora pesadilla que alguna vez me atormentó y que inconscientemente fui retratando, recordando… soñando en el papel mientras escribía el guion, que sin entender cómo, llego a un resultado final que me deja tranquilo y (lo fundamental) con el entusiasmo suficiente para grabar. Pero aún falta lo mejor. En el rodaje se jugarán todas las cartas para que esta ensoñación llegue a vuestros ojos.
Daniel Salas.
Piel Fraterna
– sinopsis-
Sebastián, un artista aficionado, acompaña a su madre en sus últimos días de vida. En el transcurso de este periodo vemos que trabaja en una tienda de tatuajes y que en sus tiempos libres pinta recurrentes cuadros del cuerpo desnudo de una joven que aparentemente lo obsesiona. Finalmente su madre muere, lo que trae de regreso, después de muchos años de ausencia a su hermana menor. Cuya presencia es similar a la de los cuadros y con quien de inmediato comienza a revivir una extraña relación de deseo que se ve entorpecida por la marcada moral que Sebastián heredó de su madre. Poco tiempo después del rencuentro de los hermanos, llega al edificio un misterioso vecino quien le mostrará a Sebastián insospechadas verdades sobre sí mismo.
Equipo
Director
Daniel Salas Videla
Director cortometraje 16mm «Púdrete», 2011.
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Productor
Ivo Malinarich
Productor cortometraje 16mm «Benjamín», 2011.
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Director de Fotografía
May Díaz
Dirección de fotografía cortometraje 16mm “Púdrete”, 2011.
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Director de Arte
María Ignacia Hargreaves
Dirección de arte cortometraje 16mm “Tramonti di Sole”, 2011.
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Director de Post- producción y sonido
Eduardo Gálvez
Director de post-producción cortometraje 16mm “Púdrete”, 2011.
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El Director
Sin duda alguna, deseamos y confiamos que este proyecto reciba la participación de muchos patrocinadores que se unan para lograr la realización de esta historia, que a través del financiamiento voluntario, se da a conocer no sólo en Chile, sino en iberoamérica, mostando la entrega, valentía e iniciativa de Daniel Salas y cada uno de los integrantes de su equipo, Ivo Malinarich, May Díaz, María Ignacia Hargreaves y Eduardo Gálvez.
«Se unen voluntades para cumplir un deseo»
El Surco, historias cortas para vidas largasIván Uriel
Te invitamos a sumarte en esta acción, para conocer cómo puedes ser parte de Piel Fraterna, visita su página oficial o interactúa a través de su twitter @PielFraterna
México | IMCINE | 27 de noviembre de 2012.- El Instituto Mexicano de Cinematografía, IMCINE, emite importante aviso sobre EL FONDO DE INVERSIÓN Y ESTÍMULOS AL CINE, FIDECINE.
Imagen extraída de IMCINE, respetando todos sus los derechos de autor.
España | Festival de Cine y derechos Humanos | Filmakersmovie | 28 de noviembre de 2012.-Será el próximo 15 de diciembre cuando se abra, de manera oficial, la convocatoria para participar en el XI Festival de Cine y Derechos Humanos Donostia-San Sebastián, que se llevará a cabo del 19 al 23 de abril de 2013, en donde se prevé aumente el número de espectadores nacionales e internacionales, pues en este año que está por concluir se incrementó en un 9%.
Estos fueron los ganadores de la edición X del Festival de Cine y Derechos Humanos 2012:
Premio del Jurado Joven al mejor cortometraje
Los Monstruos no existen, 2012
Dirección: Paul Urkijo.
Producción: Andrés Torres | Protect.
Guión: Paul Urkijo
Fotografía: Gorka Gómez
Música: Xabat Lertxundi
Montaje: Paul Urkijo
Intérpretes: Nang Nay | Iñigo de la Iglesia | Bin Sothum | Ander Pardo.
Duración: 9 min
IDIOMA: camboyano / SUBTÍTULOS: castellano
País: España
-Sinopsis-
Nai es un niño que vive en Phonm Penh, Camboya. Últimamente está teniendo pesadillas con el Yeak, un monstruo de la tradición jemer que se come a los niños y niñas que se portan mal. Michael, su profesor de inglés en la escuela, le dice que los monstruos no existen.
Mientras una tormenta tropical azota la isla de Cebú (en el archipiélago de las Filipinas), dos hermanas que se dirigen a su domicilio desaparecen. Esa misma noche, en Manila (situada en otra isla a más de 300 kilómetros), el joven Paco Larrañaga, de 19 años, se encuentra en una fiesta, rodeado de docenas de testigos. Será acusado de violar y asesinar a las dos mujeres junto con otros seis hombres.
Ríndete mañana es al mismo tiempo la crónica de un caso de asesinato y el retrato de un sistema corrupto. Centrado en la persona de Paco Larrañaga, el film cuenta una investigación policial y un juicio absolutamente kafkianos, rodeados por un impresionante circo mediático. Pero es también un drama familiar protagonizado por dos madres dedicadas durante más de quince años a ejecutar o a salvar a un joven.
Trailer
Premio Amnistía Internacional
Vol spécial, 2011
Dirección: Fernand Melgar
Producción: Fernand Melgar / Climage
Fotografía: Denis Jutzeler
Música: Aziza Brahim
Montaje: Karine Sudan
Duración:103 min
IDIOMA: francés / SUBTÍTULOS: castellano, inglés
País: Suiza
-Sinopsis-
Después de La forteresse (2008), donde retrataba las condiciones de vida de las personas recién llegadas en busca de asilo a Suiza, Fernand Melgar cuenta aquí el final del viaje de muchos inmigrantes. Esperando su expulsión definitiva del país, muchos hombres permanecen retenidos en el centro de detención administrativa de Frambois. Sus peticiones de asilo han sido rechazadas y van a ser expulsados. Muchos de ellos tras haber pasado varios años en el país, trabajando, pagando sus impuestos y formando una familia. Pueden permanecer detenidos en el centro hasta dos años, según la legislación de 1994. Durante este tiempo esperan entre los muros de esta prisión-residencia su expulsión definitiva. Entre los muros la tensión aumenta. Complejas relaciones de amistad, de odio, de respeto, de humillación a veces, se establecen entre residentes y guardianes. Aquellos que se niegan a abandonar el país son esposados y embarcados a la fuerza en un «vuelo especial».
Trailer
Recuerda que la convocatoria se abre el 15 de diciembre. Visita el Sitio del XI Festival de Cine y Derechos Humanos Donostia-San Sebastián, así como para conocer más detalles sobre la edición número X.
M.A.S.H. – [Mobile Army Surgical Hospital] | Dir. Robert Altman
Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez
Existen momentos históricos que marcan el camino de una nación, de una sociedad o de las personas mismas; la guerra definitivamente es una de ellas.
Los cambios económicos, políticos y sociales que ello conlleva forman parte del desarrollo de la humanidad, del pensamiento de la gente y de su propia evolución. El cine se ha encargado de retratar, reflejar y reflexionar respecto al fenómeno bélico, respecto a cualquier tipo de movimiento que se presenta como revuelta, levantamiento, revolución, lucha social, enfrentamiento o guerra, interna o entre naciones; y lo ha hecho a partir de las diferentes perspectivas que se pueden tener de acuerdo con sus partícipes.
M.A.S.H. (EUA, 1970) cuenta las historias de vida de los personajes que conforman una estación médica durante la guerra en Corea. Sus personajes principales son dos cirujanos que han decidido tomarse la experiencia con el mejor humor posible en lugar de dejar que las circunstancias logren llevarlos a un punto de desesperación o depresión y, junto con ellos, el resto de la unidad de médicos y enfermeras convive en un ambiente de cotidianidad festiva que sólo puede reforzar el mensaje de los realizadores: ante cualquier circunstancia, la vida continúa.
Se encuentran dos puntos esenciales a destacar en este largometraje. El primero es el claro mensaje anti-guerra que se expone gracias al tono satírico y sarcástico en su realización. El segundo es precisamente ese tono de comedia desinhibido que pretende burlarse de la dinámica y labor que realizan y a los que se enfrentan las personas que son enviadas a servir en eventos de tal magnitud.
Para muchos esta película se encuentra catalogada como una de las más grandes comedias jamás realizadas, pero aquí no existen chistes sin sentido ni comedia corporal, en esta película lo que se busca es proyectar, a través de las actuaciones, las relaciones de los personajes y los diálogos, cómo es que incluso la guerra es tan absurda como cualquier otra situación a la que nos enfrentemos, incluidas las bromas entre colegas y la camaradería.
La trascendencia de este proyecto es la postura crítica que se toma en cuestiones como la seguridad, la medicina, las amenazas, la organización y las decisiones de los militares, los esquemas políticos, la importancia de la amistad y la solidaridad, en fin, la vida misma.
Cuando un par de doctores aprovechan una misión para ir a jugar golf, o cuando en medio de sus actividades el personal decide llevar a cabo un competitivo juego de futbol americano, es claro que el espectador se encuentra frente a una película irreverente, divertida, atinada y, de alguna manera, muy seria en su discurso.
Se ha criticado la falta de trama en su argumento, pero el molde que sigue es sólo parte de ese toque único que caracteriza a esta película. Lo que se presenta en pantalla es el desarrollo de un conjunto de experiencias vividas por este grupo de personajes, es decir, situaciones que se viven entre uno y otro elemento de esta tropa de médicos.
El sello del director Robert Altman es también fácilmente palpable, desde improvisaciones hasta diálogos entrecruzados; es esa chispa la que logra que la película se distinga de entre muchos otros proyectos más; son las actuaciones y el relajado modo de expresar cada evento lo que la hace una comedia como tal.
Varios han criticado el papel de la enfermera O’Houlihan, interpretada por Sally Kellerman, uno de los más incomprendidos y cuestionados protagonistas de esta película. Algunos consideran que su transición, evolución y crecimiento como personaje es reflejado en pantalla, mientras otros creen que el cambio es tan súbito que es inexplicable, que una persona asediada y ridiculizada no podría adaptarse y dejar de lado el trato de sus compañeros de manera tan efímera. En cualquier caso, lo cierto es que esta enfermera de carácter duro y estricto está tan perdida como el resto de sus colaboradores; tal vez ella decida madurar o tal vez ella decida someterse, la decisión final la toma el espectador de la película.
Así, experimental, simbólica, alegre e impactante, es M.A.S.H.
Mientras para algunas personas es un clásico, para otros no es más que una película ligera y burlona, pero sin duda, es de aquellos filmes a los que no se les puede ser indiferente, que le deja algo a quien la ve y que, sobre todo, merece ser visto y revisado por las viejas y nuevas generaciones.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.
El cine. La máquina de los sueños. Es como si la vida fuera la gran ficción de la existencia. Entre ficción y realidad los nexos pueden ser indisolubles. La mirada, la mirada del otro. La imagen audiovisual puede corroborar la psicología de la humanidad. Desde que se invento el cine, los seres humanos se reflejaron en el espejo del alma.
ALEGORIAS | Imagen creada por Luis Dionisio Ortega y David Camero
Determinaciones generales. Cuando era niño, me reflejaba en el espejo e imaginaba: Si el espejo tuviese vida, y las situaciones y objetos que inventaba, se reflejasen en un televisor, o en una pantalla de cine; la necesidad buscada, porque vivía enclaustrado en una caja de Pandora. La imaginación me ayudaba a querer mirar lo que no veía, en el mundo de las apariencias. Pero ¡cuidado! mejor hablemos en un sentido colectivo; de la relación de los objetos y los sujetos. El film Amélie dirigido por Jean- Pierre Jeunet, descubre la mirada de las relaciones; es como si hubiera existido un antes y un después, en la percepción de los objetos.
En la maduración de la existencia, cuando empieza el gusto por ver el cine, la amistad femenina dice: Cuando vas al cine, te sumerges en otra historia, como si el mundo que te rodea, no existiese, durante las horas, que te sientas en la butaca de la sala de cine. Vivir una catarsis para limpiar la mente de la rutina cotidiana. El ánimo para vivir la historia, de un personaje que apasione. Si hay que mirar atrás, la nostalgia de lo antaño; como por ejemplo el film La vida en rosa dirigido por Olivier Dahan, sobre la vida de Edith Piaf.
Al ser pensante que vive en un mundo alternativo, no le interesa el cine puramente comercial. Quiere descubrí lo extraño, aquello que no es convencional. Sentado, tomando una copa y fumando un cigarrillo, pretende descubrir el elixir de la existencia; la fortuna y el infortunio de aquellos que vemos en la gran pantalla de la sala de cine; que mejor ejemplo que la recordada Marlene Dietrich, confluencia de todos los sentimientos posibles.
Es una gran pena que muchas salas de cine hayan desaparecido. En el presente se ha perdido la magia de la gran pantalla de cine, que existió durante el siglo XX. Cuando entré por primera vez, a una sala a ver una película muda; no supe hasta el final, que la música provenía de un pianista que estaba en la oscuridad. Parece que en el irrefrenable devenir del tiempo, se corre el riesgo de perder el misterio.
En los años veinte del siglo XX, Charles Chaplin advierte sobre un mundo hipertrofiado por la modernización. No obstante en el advenimiento del caos, el cinematógrafo, descubre el cine sonoro, y los seres humanos pueden verse exactamente como son. El film Sunset Boulevard, o El crepúsculo de losdioses dirigido por Billy Wilder, dejaba lo que fue una sentencia: Decadencia del pasado, auge del presente. Pasadas las décadas del siglo XX, del blanco negro al color, de los efectos especiales, hemos asistido a la historia audiovisual del actor, de la actriz ¿Qué pasará mas allá del siglo XXI?Los efectos especiales y la tecnología, ¿sustituirán a los actores humanos, por seres cibernéticos? Es una suposición ucrónica que no tiene mucha lógica. Volvamos mejor al presente, o al pasado, al menos para preservar la historia.
¿El cine forma al individuo? Cuando las imágenes son manipuladas, por el director de cine, la historia es otra; empiezan a crearse significados; por ejemplo el film Metrópolis dirigido por Fritz Lang. La politización de la imagen audiovisual. El cine comprometido, con las causas sociales, como el realizado por Ken Loach. El uso del poder comunicacional, para manipular las conciencias; como el documental Videocracy, dirigido por Erick Gandini. La mirada desnuda del espectador. ¿Hasta donde llega la intención del director? ¿Qué desea buscar el espectador? Veamos por ejemplo, el cine como objeto, y el espectador como sujeto. Mas allá de la manipulación de los significados, que alteran las sensibilidades; debería existir la finalidad, de encontrar verdaderos sentimientos, libres de prejuicios, que alimenten el espíritu, un ejemplo palpable es el film Caramel dirigido por Nadine Labaki.
Me refiero a ir más allá del villano o del malo de la película, para evitar las etiquetas que califican, como en el film: La vida es bella de Roberto Benigni. Pero si el cine nos remueve un pasado desagradable de la vida, ¿Qué hacemos? El cine como documento histórico, para no olvidar las atrocidades de la humanidad. Muchas historias heroicas, si la imagen audiovisual nos sirviera, para advertir sobre el peligro de la violencia, como en el film: Asesinos por naturaleza de Oliver Stone.
El director, el productor, el espectador, el cinéfilo, ¿Qué finalidad tienen?
Mas allá de los estereotipos cinematográficos, sería loable encontrar un significado psicológico, para los bien pensantes, al menos para sentir un mundo de ensoñación, onírico; en el cine español, encontramos el film Lucia y el sexo de Julio Medem. Al final, el cine es la caja de los sueños, y parece que seguirá siéndolo en el futuro, bajo la influencia de la tecnología audiovisual.
Volviendo al pasado, el film The Artist de Michel Hazanavicius, es una advertencia, para resistirnos a un cambio que no sabemos qué camino puede tener.
En una época convulsa como la que vivimos, el cineasta tendrá que insistir, insistir, para no desfallecer.
La recordada bailarina Pina Bausch dijo: “Danzad, danzad o estaréis perdidos” aleccionador testimonio del documental que dirigió Wim Wenders.
Escritor, lector. Admirador y observador del arte. Filósofo y reflexivo en la memoria. Creador de Humberthouse productions en donde cuentas pequeñas historias a través del «vídeo-arte».
2.000.000 de pasos, recoge la historia de una persona que comprende el Camino de Santiago desde Almería con los pies descalzos, 1420 kms de recorrido y 80 días de viaje. Una lucha contra los elementos y contra sí mismo, un camino de superación que culminará con la llegada a la Plaza de Obradorio.
Dicen que Madre no hay más que una. Un día me dijeron que iba a perder la mía. No puedo describir la impotencia que sentí. Entonces hice una promesa, si ella sabana yo sería capaz de andar miles de kilómetros descalzo, superando los límites de la resistencia y el dolor. De Almería a Santiago de Compostela hay 2.000.000 de pasos. Mi madre se curó y ahora me queda por delante un largo camino.
Antonio Asensio
Profesional por cuenta propia | Asador de pollos
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Trailer de documental
2.000.000 de pasos
Historia de una promesa
2:41
«2.000.000. Historia de una promesa. No sólo es un documental sobre alguien andando en una dirección, sino un paseo por otra cara de nuestra geografía, a través de cañadas reales y caminos centenarios. La vista de los pueblos y su gente será una constante que proporcionará otra visión de la geografía española muy alejada del turista convencional.»
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.
Cuatro Esquinas | Dir_Jorge Marzuca Venegas | Chile, 2009
Cuatro Esquinas
Dirigido por: Jorge Marzuca Venegas
-Sinopsis-
Osvaldo es un joven de 18 años, tiene un enajenante trabajo de hacer calcetines con su padre. En el patio de su casa en la comuna de Puente Alto ha instalado un cuadrilátero de lucha libre junto a un grupo de amigos, que con el tiempo se ha transformado en una familia con quien comparte su vida e intimidad. A través de este deporte Osvaldo busca cumplir sus sueños y ser un luchador profesional junto a sus compañeros de lucha.
Con la participación de: «GENERACIÓN LUCHALIBRE»
Cuatro Esquinas
Dir. Jorge Marzuca Venegas
25:01
Festivales y plazas
Ganador Festival Internacional de Valdivia 2010 – Mejor Cortometraje Escuelas de Cine
Ganador Festival de Cine FORMAT 01 2010 – Mejor Documental
Ganador Festival de Cine Lebu 2011 – Mejor Documental Internacional
España | abcguionistas.com | Redacción Filmakersmovie | 20 de noviembre de 2012.- El pasado jueves 15 de noviembre, en el portal abcguionistas, Valentín Fernández-Tubau, su director, publicó un artículo que desnuda el sentir del guionista en la busca de la equidad y reconocimiento que el guionista imprime en su trabajo para la realización de contenidos. Editorial que ha levantado polémica en el gremio español e iberoamericano.
Con cifras duras da a conocer la situación que vive el guionista español, sin que diste de otros países iberoamericanos. Expone ejemplos y habla desde el fondo del problema.
La Comisión Nacional de la Competencia en España ha impuesto una sanción de 29.700 euros al sindicato de guionistas ALMA «por la elaboración y publicación de recomendaciones colectivas sobre los precios cobrados por los guionistas.» La esencia del «razonamiento» oficial: atenta contra la libre competencia del mercado.
¿Cuál es el efecto real que estos baremos han tenido sobre el mercado audiovisual y su competencia? Ninguno.
A lo largo de los años, ninguna productora ni cadena televisiva se los ha tomado en serio, jamás. Tampoco los guionistas, que han ido rebajando sus honorarios habituales hasta reducirlos a niveles inferiores a los que se pagaban hace 15 años. Solo un porcentaje ínfimo de guionistas -el más reconocido- alcanza a cobrar las otrora tarifas recomendadas que han costado los casi 30.000 euros de multa.
La paradoja es que la realidad plasma lo contrario de lo que se quiere hacer creer. La libre competencia en el mercado audiovisual ha estado y está gravemente amenazada, pero no por los guionistas.
El estudio titulado «Los Guionistas en España» realizado en 2004 llevado a cabo por la Fundación Autor y ALMA, y que un servidor tuvo el placer de coordinar junto con Agustín Díaz Yanes, José Luis Acosta y Rubén Gutiérrez del Castillo, puso de manifiesto que eran las productoras las que, en un porcentaje desgarrador, esgrimían conductas que podrían parecer susceptibles de ser tachadas de monopolistas, por atentar no ya a la libre competencia sino a la directa supervivencia del colectivo de guionistas. Concretamente, de forma constante se movían guiones sin contratos de opción, se encargaban guiones y escrituras sin contrato ni cobro, se supeditaban los cobros a variables inciertas no dependientes del trabajo del guionista (rodaje, estreno…), y algunas lindezas más.
¿Cosa del pasado? Un segundo estudio titulado «La escritura de guion en España», llevado a cabo por la Fundación Autor y FAGA, y coordinado también por Rubén Gutiérrez del Castillo así como por los guionistas Inés París, Henrique Rivadulla, Josep Penya y Carlos Molinero, entre otros, ha sido presentado el pasado día 9 de noviembre. Basado en el anterior, el nuevo estudio ha puesto de manifiesto que poco han cambiado las cosas. Por ejemplo, la cifra de guiones que se ceden sin contraprestación económica sigue siendo alarmante: el 65,4%. Esta situación de trabajo no retributivo o a fondo perdido afecta a 13 de cada 20 guionistas. Solo un 27,7 es retribuido gracias a un contrato de opción y solo un 5% es retribuido gracias a un contrato de guion.
¿Por qué existe una situación masiva de trabajo profesional no retribuido y la Comisión Nacional de la Competencia no hace nada al respecto? ¿No es acaso este abuso masivo el que debería estar bajo el microscopio de los señores que supuestamente deben salvaguardar la libre competencia? ¿Cómo es que en lugar de investigar esa imposición de mercado, se da un sablazo a las gargantas de quienes aconsejaban al guionista que no se dejara aplastar por una situación de explotación decimonónica?
Esta conducta generalizada de trabajo no retributivo o a fondo perdido impuesta a casi el 66% del colectivo de guionistas, ¿no es sospechosa de haber sido pactada entre las productoras? ¿Cuál es la lógica del mantenimiento de tal postura unánime entre tantos productores, cuando en otros sectores de la escritura es común y razonable práctica el contrato de opción?
La penosa situación del guionista impuesta por las prácticas en el mercado audiovisual, no acaba aquí: el 70,4% de los guionistas afirma que los ingresos en los tres últimos años se han reducido significativamente (30,5%) o apenas ha tenido ingresos (39,9%). Solo el 16,3% de los guionistas tiene un sueldo fijo. En el último año, el 45,8% de los guionistas profesionales no ha obtenido ningún ingreso, y el 39% reconoce haber trabajado sin el marco de un contrato.
Y la pregunta es: ¿es ese el guionista que atenta contra la competencia poniendo en jaque a productoras y cadenas televisivas? ¿Es ese el guionista que amenaza contra la libre competencia en el mercado?
…
Sin embargo, hasta el momento y sorpresivamente, pocos se han atrevido a opinar al respecto. Entre ellos, el cienasta Manuel Gutiérrez Aragón que manifiesta:
«Es de suponer que esa ley en favor de la competencia, se inventara para controlar las grandes corporaciones – de telefonía, luz, transportes, compañías de televisión –, pero no contra el hecho de que los asalariados se organicen para evitar ser explotados. ¿O sí? ¿Se inventó precisamente para controlar a los que osan oponerse a los sueldos establecidos a la baja por el uso, la costumbre y la fuerza?…»
¿Eres guionista?, ¿qué opinas al respecto? y ¿cuál es la situación para los profesionales de la creación y las líneas en tu país?
abcguionistas es un portal dedicado a conglomerar noticias destacadas del guión, así como ser un punto de encuentro entre guionistas, productoras, y educación en el arte de contar historias.
Esta noticia ha contado con el consentimiento de su autor para su difusión.
La libertad de las consciencias, el desafío a las leyes o simplemente la búsqueda de algo más.
Iván Uriel
Cassette brinda el universo deductivo que acompaña al espectador y que lo hace cómplice de la misma búsqueda que emprende Marcos Blanco, su protagonista. La audiencia recorre cada uno de los pasillos del laberinto en donde residen las entradas intempestivas y las salidas inexistentes que hacen de lo permitible lo permisible. La memoria permanente de sistemas de convivencia donde nadie convive porque quienes residen el apartadado habitacional no saben pero suponen que alguien los vigila.
Desde los títulos de inicio, Cassette nos hace recordar las películas de ciencia ficción que han marcado la historia como el presente, es un movimiento que se detiene a medida que avanza y encuentra penumbras por el pasillo. La luz se enciende y apaga como la oquedad que zozobra la asfixia post apocalíptica; los interruptores, transistores y conexiones semejan los recovecos de sociedades vacías, distópicas y tan actuales como la temática de esta cinta italo-chilena estrenada en Santiago, Buenos Aires, Río de Janeiro y la Ciudad de México.
Palma Buratta, construye un mundo subterráneo que anhela descubrir el aire y que a la vez procura advertir la búsqueda mientras nos muestra la fotografía de Dalma, la mujer que habita la mente y las pertenencias de Marcos Blanco. Es un aviso que puede reproducir el artefacto rudimentario, el cassette del cual emergen imágenes en verde y sepia, una serie de yuxtaposiciones poéticas, estilizadas a pausas.
El cine latinoamericano acusa de pocas cintas de ciencia ficción que se atrevan a la descripción de paisajes que retraten escenarios cuánticos catastróficos, redentores o de profunda resignación. Cassette se atreve y logra ser una película creíble, sensible y reflexiva al mismo tiempo.
Los diálogos parecen no esgrimirse pero cuando se dan son estrictamente necesarios, así cobra mayor sentido que los personajes hablen o se queden callados; la edición atemporal y no lineal de algunos segmentos, hace un seguimiento al caos y a su resolución desde los fragtales del confinamiento.
Blanco topa con un cautivo que trata de ahuyentar la patrulla de control y que le pregunta si puede contarle algo, si algo puede decirse, Blanco señala con dolor que busca algo que no sabe si todavía existe: esa mujer o lo que queda de ella: nada. Aunque el tiempo vital es relativo para ambos personajes y para la audiencia, Palma Buratta expresa que aún podemos salvar algo antes de que se termine nuestro tiempo vital, antes de que las penas ciudadanas culminen la temporalidad de las reacciones y las patrullas lleguen a las entrañas, donde los trenes se avecinan y pasan de largo.
Imagen que pertenece a la película Cassette | Dir. Andrés Palma Buratta
Las «voces en off » traen de vuelta la ciencia ficción, el gran hermano que todo lo ve y todo lo escucha, la maquinaria de control; la rebelde osadía; el sistema pendiente que interrumpe cualquier sitio porque se adelanta a los sucesos; el ambiente claustrofóbico; la conexión con la realidad, la ficción y viceversa. La marginación autoritaria, todo y más es referente para quien se disponga a disfrutar la coherente ópera prima que provoca.
El totalitarismo de sistemas y oligarquías, la huella de dictaduras y sus fantasmas habitan los pasillos de Cassette, pero para Buratta va más allá y se anida en la psiqué de los personajes y del espectador, haciendo de la libertad y sus complejidades, un tratado para guardar y llevar a casa para seguir reflexionando.
Marcos Blanco recibe instrucciones y debe estar atento a los avisos, los grafitis hablan de dogmas, de murales suburbanos que rodean al sospechoso, su cuerpo no corre ni rompe barreras, las fronteras y la necesidad de recordar son suficientes para ser culpable de intentar manipular el pensamiento humano.
¿Dónde queda la imagen de lo grabado? Como respuesta, Marcos destruye un televisor y en la destrucción de la pantalla, destruye los lares de la metáfora. La banda sonora resuelta de melancolía hace eco de las persecuciones, que pasan como un suspiro en la proyección de casi una hora, auspiciada por la Escuela de Cine de Chile.
Manipular el pensamiento humano acarrea el destierro hacia un paisaje desolador: sociedades maniatadas por sistemas, por la doble moral, por la desintegración y por la fragmentación. La cinta narra hechos que aún están por suceder, como bien nos señala el eslogan de Cassette, un viaje directo y sin escalas a las entrañas de nuestra sociedad posmoderna más allá de posicionamientos políticos, religiosos o sociales.
El cassette contiene represión y libertad, queda en nuestras manos y está en nosotros ponerlo en el reproductor de nuestra propia historia.
La fotografía resulta espléndida, de texturas que dan la sensación de ahogo y respiro aunque tensen la espera, y el final, una épica conclusión. Cassette, una película tan social como personal, así, como la libertad de nuestras consciencias.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
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Elenco:
Bruno Cabral
Jefferson Lemos
Director | Guión | Cámara | Edición: 
Dionisio Ortega | 
Cassette brinda el universo deductivo que acompaña al espectador y que lo hace cómplice de la misma búsqueda que emprende Marcos Blanco, su protagonista. La audiencia recorre cada uno de los pasillos del laberinto en donde residen las entradas intempestivas y las salidas inexistentes que hacen de lo permitible lo permisible. La memoria permanente de sistemas de convivencia donde nadie convive porque quienes residen el apartadado habitacional no saben pero suponen que alguien los vigila.
Iván Uriel | 
