Cassette | Dir. Andrés Palma Buratta

Por: Iván Uriel

La libertad de las consciencias, el desafío a las leyes o simplemente la búsqueda de algo más.

Iván Uriel

Cassette brinda el universo deductivo que acompaña al espectador y que lo hace cómplice de la misma búsqueda que emprende Marcos Blanco, su protagonista. La audiencia recorre cada uno de los pasillos del laberinto en donde residen las entradas intempestivas y las salidas inexistentes que hacen de lo permitible lo permisible. La memoria permanente de sistemas de convivencia donde nadie convive porque quienes residen el apartadado habitacional no saben pero suponen que alguien los vigila.

Desde los títulos de inicio, Cassette nos hace recordar las películas de ciencia ficción que han marcado la historia como el presente, es un movimiento que se detiene a medida que avanza y encuentra penumbras por el pasillo. La luz se enciende y apaga como la oquedad que zozobra la asfixia post apocalíptica; los interruptores, transistores y conexiones semejan los recovecos de sociedades vacías, distópicas y tan actuales como la temática de esta cinta italo-chilena estrenada en Santiago, Buenos Aires,  Río de Janeiro y la Ciudad de México.

Palma Buratta, construye un mundo subterráneo que anhela descubrir el aire y que a la vez procura advertir la búsqueda mientras nos muestra la fotografía de Dalma, la mujer que habita la mente y las pertenencias de Marcos Blanco. Es un aviso que puede reproducir el artefacto rudimentario, el cassette del cual emergen imágenes en verde y sepia, una serie de yuxtaposiciones poéticas, estilizadas a pausas.

 El cine latinoamericano acusa de pocas cintas de ciencia ficción que se atrevan a la  descripción  de paisajes que retraten escenarios cuánticos catastróficos, redentores o de profunda resignación. Cassette se atreve y logra ser una película creíble, sensible y reflexiva al mismo tiempo.

Los diálogos parecen no esgrimirse pero cuando se dan son estrictamente necesarios, así cobra mayor sentido que los personajes hablen o se queden callados; la edición atemporal y no lineal de algunos segmentos, hace un seguimiento al caos y a su resolución desde los fragtales del confinamiento.

Blanco topa con un cautivo que trata de ahuyentar la patrulla de control y que le pregunta si puede contarle algo, si algo puede decirse, Blanco señala con dolor que busca algo que no sabe si todavía existe: esa mujer o lo que queda de ella: nada. Aunque el tiempo vital es relativo para ambos personajes y para la audiencia, Palma Buratta expresa que aún podemos salvar algo antes de que se termine nuestro tiempo vital, antes de que las penas ciudadanas culminen la temporalidad de las reacciones y las patrullas lleguen a las entrañas, donde los trenes se avecinan y pasan de largo.

Las «voces en off » traen de vuelta la ciencia ficción, el gran hermano que todo lo ve y todo lo escucha, la maquinaria de control; la rebelde osadía; el sistema pendiente que interrumpe cualquier sitio porque se adelanta a los sucesos; el ambiente claustrofóbico; la conexión con la realidad, la ficción y viceversa. La marginación autoritaria, todo y más es referente para quien se disponga a disfrutar la coherente ópera prima que provoca.

El totalitarismo de sistemas y oligarquías, la huella de dictaduras y sus fantasmas habitan los pasillos de Cassette, pero para Buratta va más allá y se anida en la psiqué de los personajes y del espectador, haciendo de la libertad y sus complejidades, un tratado para guardar y llevar a casa para seguir reflexionando.

Marcos Blanco recibe instrucciones y debe estar atento a los avisos, los grafitis hablan de dogmas, de murales suburbanos que rodean al sospechoso, su cuerpo no corre ni rompe barreras, las fronteras y la necesidad de recordar son suficientes para ser culpable de intentar manipular el pensamiento humano.

¿Dónde queda la imagen de lo grabado? Como respuesta, Marcos destruye un televisor y en la destrucción de la pantalla, destruye los lares de la metáfora. La banda sonora resuelta de melancolía hace eco de las persecuciones, que pasan como un suspiro en la proyección de casi una hora, auspiciada por la Escuela de Cine de Chile.

Manipular el pensamiento humano acarrea el destierro hacia un paisaje desolador: sociedades maniatadas por sistemas, por la doble moral, por la desintegración y por la fragmentación. La cinta narra hechos que aún están por suceder, como bien nos señala el eslogan de Cassette, un viaje directo y sin escalas a las entrañas de nuestra sociedad posmoderna más allá de posicionamientos políticos, religiosos o sociales.

El cassette contiene represión y libertad, queda en nuestras manos y está en nosotros ponerlo en el reproductor de nuestra propia historia.

La fotografía resulta espléndida, de texturas que dan la sensación de ahogo y  respiro aunque tensen la espera, y el final, una épica conclusión. Cassette, una película tan social como personal, así, como la libertad de nuestras consciencias.

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Cassette

Largometraje Sci-Fi

Dir. Andrés Palma Buratta

Chile 2010

Trailer: 2:05

Ver  película completa.

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Iván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Sucedió una noche | It happened one night | Frank Capra

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Sucedió una noche (EUA, 1934) es una comedia romántica estelarizada por Claudette Colbert y Clark Gable  en los roles protagónicos. La película relata la historia de Ellie, una heredera renuente a someterse a su padre y deseosa de casarse con un joven caza fortunas. Después de huir de su padre, Ellie toma camino hacia Nueva York para encontrarse con su prometido, pero esta chica de sociedad, mimada y acostumbrada a los servicios, tendrá que enfrentarse al mundo real, topándose en su camino con Peter, un reportero recién despedido, quien busca una historia para escribir y que está dispuesto a ayudar a Ellie a cambio de la exclusiva de su boda.

Existen diversos elementos que sobresalen en ésta que, con el paso del tiempo, se ha convertido en un largometraje referente dentro del género de comedia romántica. Las situaciones y dinámica de los personajes son clave para el desarrollo de la historia y, por tanto, clave en el impulso de otras películas similares. La gracia y choque entre ambos personajes a lo largo de la historia ha sido base de películas variadas que se catalogan dentro del mismo rubro cinematográfico, desde “Dos bribones tras la esmeralda perdida” (México-EUA, 1984), hasta “Cómo perder a un hombre en diez días” (EUA-Alemania, 2003). La relación entre dos opuestos que terminan por complementarse.

En este caso Ellie es la representante de la comodidad, la hija mimada de un heredero, pero con encanto, postura, ingenuidad y vivacidad; contrastante con Peter, un hombre, conocedor, metódico, dicharachero e ingenioso, con absoluta sinceridad respecto a sus intenciones y absolutamente nada que perder.

La gran sorpresa de la historia es un guión, escrito por Robert Riskin y basado en la historia corta de Samuel Hopkins Adams, en donde, después de juntar a estas dos personalidades opuestas, se las ingenia para dirigirlos a una serie de aventuras y desventuras en el transcurso de las cuales tanto Ellie como Peter presumen de saberlo todo.

El tono es cómico, inteligente, ingenioso, dinámico, absurdo, aventurero y romántico, que hace de éste un material tan atrayente para el público de ayer y de hoy; pero en especial, para el público de aquella época, que gracias a su contexto económico, político y social, permitió que la película tomara un significado y una importancia de legado cultural como pocas lo logran hacer.

 En aquel tiempo, según cuenta la historia, ni Colbert ni Gable se encontraban contentos por ser partícipes del largometraje; además, Columbia Pictures era considerado un estudio demasiado pequeño como para arriesgarse a un proyecto como tal. La productora estaba a punto de lanzar un enorme proyecto al mercado, incluso tal vez sin saberlo.

 La película se convirtió en un gran éxito entre los espectadores y un gran éxito en las premiaciones. Nominada y ganadora de las cinco categorías más importantes de los premios de la Academia de 1935 (mejor actriz y actor principal, mejor guión, mejor dirección y mejor película).

“Sucedió una noche” fue y sigue siendo llamada una de las más importantes películas dentro del género de la “comedia excéntrica” (llamada “screwball comedy” en inglés) que se hiciera popular durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, alrededor de las décadas de los años treinta y cuarenta, previo a la Segunda Guerra Mundial.

 El ambiente depresivo y decadente alentaba a la sociedad a buscar entretenimiento fresco y alegre por lo que las comedias de este corte progresaron en los estudios y entre el público; pero previo a “Sucedió una noche”, pocos creían en la “seriedad” de este tipo de películas, o en la potencialidad de las mismas.

Con elementos que resaltan la diferencia entre clases económicas y entre el género masculino y femenino, así como la inserción de escenarios excéntricos y agudeza en la historia, se consideran entre otras películas de esta categoría: The Philadelphia Story (EUA, 1949), con Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart, Cómo casarse con un millonario (EUA, 1953) con Marilyn Monroe y Lauren Bacall, Mr. & Mrs. Smith (EUA, 1941), dirigida por Alfred Hitchcock, What’s up, Doc? (EUA; 1972) con Barbra Streisand y Ryan O’Neal. Raising Arizona (EUA, 1987) de los hermanos Coen, o  Tienes un e-mail (EUA, 1998), de Nora Ephron; dentro del género de la farsa, también se incluyen algunas de las obras de William Shakespeare llevadas a la pantalla grande como “Sueño de una noche de verano” y “ La importancia de llamarse Ernesto”.

Sin duda, “Sucedió una noche” ha dado paso a muchas historias para ser contadas; si bien su estructura mantiene al espectador en una relación amigable, cordial y amena con los protagonistas, es su presencia y legado adaptable a cualquier época lo que la hace tan fresca, incluso más de 70 años después de haberse estrenado en las salas de cine.

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Sucedió una noche | It Happened One Nigth | Frank Capra

Estados Unidos, 1934

www.michaelmapel.com

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

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Vértigo | Dir. Alfred Hitchcock | Estados Unidos, 1958

Por: Iván Uriel

No dejes que el silencio se apodere de las palabras… Deja que las palabras habiten nuestras miradas, y que la muerte sea sólo su silencio.

Iván Uriel

Debo morir pero no quiero…Madeleine dice a John. Diálogo de una película simple y a la vez compleja: Vértigo. Así se suceden las pasiones, la iracunda intensidad y la profunda historia de amor envuelta en la obsesión.

 Alfred Hitchcock hace de las filias y fobias, de los temores, angustias y ansiedades, un lienzo donde convergen los accidentes involuntarios, el romanticismo y sus misterios, los estragos presentes e inesperados. Un cinema puro cuyo fundamento reside  en los supuestos, y en los confines de lo sagrado y lo profano.

En Vértigo atestiguamos la trampa y el engaño al amante cautivo John «Scottie» Ferguson, interpretado por James Stewart, que se rinde ante el encargo de su amigo Gavin (Tom Helmore). Una tarea difícil para un detective retirado tras el incidente en donde un policía muere sin ser su culpa aunque se apropia de ella. Así inicia la película tras los acordes de una banda sonora potente, y un ojo que omnipresente impacta desde el principio. Madeleine, extrañamente poseída, cree ser Carlota, una mujer que vivió cien años atrás, y con quien  tiene un asombroso parecido. Los temores de Galvin supuestamente no radican en lo sobrenatural, sino en que Madeline quiera seguir a Carlota hasta la muerte sin reparos. El suicidio involuntario como amenza, y la posibiilidad de una increíble reencarnación, dejan sin balance al insospechado culpable de un destino manifiesto.

Escrita por Alec Copel y Samuel A. Taylor, Vértigo está basada en la novela francesa «De Entre los Muertos» de Boileau-Narcejac, 1954, con todas las obsesiones y paranoias de la posguerra, es quizá, la pieza más grande entre las obras maestras de Hitchcock. Las emociones se suceden tras seguir Ferguson a Madeleine, interpretada por Kim Novak, se hacen notar y luego desaparecen como gestos inexplorables, aumentan a medida que el personaje se adentra en su propio temor: el vértigo al amor. Madeleine cree ser Carlota y en esa dualidad va la introvertida y extrovertida marea de sus secretos, la atracción es poderosa, la seducción habita el ambiente, cada rincón de la Bahía se viste de un sutil erotismo, pero la perdición aparece y Ferguson se enamora de Madeleine, hasta que su apasionamiento yace tendido sobre el techo de la Misión donde más fuerza tenía su pasado, donde todo inicia y todo termina.

 A partir de ese momento, el director nos abre ventanas que nos dejan entender la historia, y aunque parece que sabemos que ocurrirá, en sus argumentos lo que sucede no es todo y las verdades nunca aparecen completas aunque lo sean.

La pantalla proyecta en el rostro de Stewart la más extraordinaria muestra del caleidoscópico talento de Hitchcock, la secuencia de colores, círculos, redondeles, y con la efigie que sustenta el afiche oficial, creación de Saul Bass.

La secuencia hace que los instantes fugaces se vuelvan eternos, y que la fuerza de la mirada de Stewart, quede para siempre en la memoria colectiva de los espectadores.

Y cuando parece que vendrá la calma, la trama nos trae a Judy, que no es Carlota, que no es Madeleine, pero que parece serlo. Las preguntas perennes que Ferguson hace a Madeleine, dónde, cuándo; el  reclamo a su procedencia que denuncia el porque ella llegó a su vida, es un reclamo a sí mismo. Él quiere saber quién es ella, y quién es él; lavar la culpa infiel de la amistad, y después de la tragedia serle infiel con Judy al recuerdo de Madeleine y Carlota. Recuperado del vacío en que también ha quedado tras la penumbra, Ferguson es asistido por el amor que ahí está pero que no ve, su amiga Midge (Barbara Bel-Geddes), sin embargo ahora el oscuro objeto de su obsesión se centra en Judy, Ferguson anhela que ningún detalle se escape al haberla encontrado aunque sea alguien más, debe ser ella, ella y nadie más, ella y todas juntas.

Alfred es lo suficientemente audaz para descubrir el misterio a medida que avanza la película: las víctimas son ahora victimarios, lo eran pero les dimos una oportunidad para la mentira o para el escondite, el director nos hizo cómplices, y nosotros seguimos el juego, nosotros segumos el juego y acompañamos la trama hasta el descenlace.

Deambulan entonces los protagonistas por todas partes como los fantasmas que porta el pasado, que no saben quienes son y buscan reconstruirse.

Los espejos reflejan la ansiedad de la falsa belleza y del arrepentimiento, la loca Carlota que recorre las calles del infortunio, Madeleine que la sigue y Judy que la ahuyenta. Todos los efectos posteriores son una especie de encrucijada conducida sin reparos por aquellos instantes que pasan desapercibidos, por los hubieras y las tendencias mordaces de árboles que siguen viviendo mientras los personajes han muerto. La pesadilla es que al despertar, el vértigo siga ahí.

Las telarañas de la mente hacen de Vértigo una cinta de lugares simbólicos, de ventanas que se abren, de puertas que se cierran y escaleras que conducen a donde la verdad cobra sentido, el director a pesar de haber descubierto la trama, nos tiene destinado un giro de cámara que se descubre para la audiencia pero no para los protagonistas. Los amantes no se dejarían, pero el amor es tan vago como vaga es la sensación de saberse, esos labios que quedaron sellados porque se dieron a la humedad a destiempo. La mente y sus recovecos, por donde el subconsciente encuentra una salida y el  psicoalísis su motivo.

La poesía es acompañada de una partitura excelsa, compuesta por Bernard Herrmann, el tema perfecto para la intensidad de un romance furtivo, Vértigo después de todo, es una profunda historia de amor.

La revista británica Sight and Sound, en su edición 2012, situó a Vértigo en la posición de honor de las mejores películas de la historia y la AFI la ubicó entre las mejores diez de su lista.

Vértigo es una cinta provocadora porque perturba más que el terror, que el voyerismo o que la acción continua que abundan en otras cintas del gran maestro, quizá porque esta película es más personal, tanto, como su propia obsesión.

Vértigo

Dir. Alfred Hitchcock

Estados Unidos, 1958

Trailer : 2:19

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Iván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com