Filmakersmovie – ¡Lugar común para contar historias!
Plataforma Iberoamericana de exhibición y difusión audiovisual y cinematográfica.
Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.
Llévame
Artista : Carnaval
Dirigido por: Álvaro Paredes
Chile, 2014
4:20
Video del tema Llévame, extraído del primer LP de Carnaval «Circo Romano»
Carnaval:
Voz & Guitarra: Sebastián Etcheverry
Guitarras: Juan Pablo Luarte
Bajo & Coros: Gonzalo Ulloa
Batería: Eugenio Marín
Contacto:
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Chile, 2014
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Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos: contacto@filmakersmovie.com
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Filmakersmovie presenta la propuesta de realizadores independientes:
Romper el Silencio
Artista: Carnaval
Dirigido por: Nicolás Canobra
3:08
Tema: Romper el Silencio
Artista: Carnaval
Álbum: Carnaval
Sello: Idependiente
Chile, 2011
Montaje: Nicolás Canobra.
Producción y Montaje: Gonzalo Ulloa.
Post-Producción: Leo Diaz.
Sebástian Etcheverry: Voz & Guitarra
Juan Pablo Luarte: Guitarras.
Gonzalo Ulloa: Bajo & Coros.
Eugenio Marín: Bateria.
Para mayor información visite: Myspace:http://www.myspace.com/carnavaldelrock y Facebook:https://www.facebook.com/carnaval.rock
Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos: contacto@filmakersmovie.com
Estrenada con aplausos en la Berlinale, y proyectada en San Sebastián y Sanfic, la película dirigida por Martín Rodríguez Redondo llegará a salas chilenas el jueves 21 de marzo.
“Marilyn” de la casa productora chilena Quijote Films, se basa en un caso policial real ocurrido en Argentina en el año 2009, pero toma vuelo propio. Dirigida por el cineasta trasandino Martín Rodríguez Redondo, y proyectada en festivales prestigiosos como Berlín, San Sebastián, Sanfic y Seattle, entre otros, sigue a Marcos, un adolescente que buscará ser fiel a su identidad sexual en medio de un pueblo marcado por la homofobia y la discriminación.
Protagonizado por los argentinos Walter Rodríguez, Germán de Silva, la participación de Andrew Bargsted, además de la actriz chilena Catalina Saavedra, el filme se estrenará en salas de Chile el próximo jueves 21 de marzo.
“El cine es un excelente medio para visibilizar los problemas de nuestras ciegas y sordas sociedades”
Catalina Saavedra
Aunque la historia que inspiró la cinta tuvo lugar en Argentina, “Marilyn” retrata la violencia homofóbica con una universalidad que, lamentablemente, podemos reconocer en estos tiempos.
La víctima es Marcos, quien ayuda a su madre en las tareas hogareñas mientras su familia se encarga de las labores pesadas en una estancia. Hasta que la repentina muerte del padre dejará a la familia sumida en una situación vulnerable. El patrón del campo los presiona para que se vayan y la madre, a su vez, presiona a Marcos para que se ocupe del campo. Él no es feliz y espera con ansias el carnaval para poder vestirse de mujer.
Apodado Marilyn por otros adolescentes del pueblo, será objeto tanto de deseo como de discriminación. En un clima de creciente opresión, acorralado por su familia y por el pueblo, Marcos se verá́ confrontado a la imposibilidad de ser quien quiere ser.
“Me motivó el entusiasmo de su director Martín Rodríguez en querer contar esta historia y el desafío de grabarla completamente en Argentina, con un equipo argentino y en argentino”, cuenta Catalina Saavedra, quien interpreta a Olga, la madre del protagonista. “También me motivó el tema. Creo que hasta que esto de las opciones de cada uno, de hacer y ser quien se quiera en la vida no sea tema, será siempre un aporte hablar de ello”.
La actriz no solo se vio enfrentada a las exigencias dramáticas del filme, sino que también a los pormenores en la forma de hablar. “Lo más agradable fue de encontrarme con un equipo que me apoyó en este desafío”, recuerda. “Un equipo argentino que era el mejor juez que yo podía tener para lograr este objetivo que era convencer de que el personaje fuera de allá. Lo otro que me ayudó mucho fue que el personaje era una mujer de las afueras, de una zona rural, y allá como acá, saliendo de capital, empiezan a modificarse las entonaciones y te puedes encontrar con un montón de formas de hablar en argentino”.
Para ella, su personaje es “una víctima. Una mujer sin mucha educación y ambiciones tan básicas como ver un programa de TV. Olga no entiende nada porque nadie se lo explicó antes. Su reacción hacia la realidad es totalmente pobre, ciega. Pero aun así es una madre preocupada que intentará sacar a su familia adelante”.
El tema es relevante y urgente en una sociedad en la que seguimos lidiando con la discriminación. “Creo que cualquier tema no resuelto en nuestro país y en cualquiera, hay que apurarlo para que se resuelva”, destaca Saavedra. “El cine es un excelente medio para visibilizar los problemas de nuestras cada vez más ciegas y sordas sociedades. Además, siempre es interesante constatar que nada supera a la realidad”.
“Me interesan los personajes que se salen de la norma y que ante esa desviación su entorno realiza esfuerzos violentos para re encauzarlos. El cuerpo de Marcos hace ruido e incomoda en el mundo heterosexual del campo. Y de acuerdo a esa idiosincrasia machista, las travestis y transexuales están en una jerarquía inferior a las mujeres. Y por eso son sometidas”.
Martín Rodríguez Redondo
El punto de partida de “Marilyn” fue cuando el director Martín Rodríguez Redondo se enteró de un crimen cometido en una localidad rural de Argentina. Más tarde conocería al verdadero protagonista de los hechos, aunque su intención no fue reproducir los acontecimientos con fidelidad.
“Nunca quise ser fiel al pie de la letra con el caso real”, confiesa el cineasta. “Lo que me interesó desde un comienzo era este acorralamiento de la familia por parte del patrón y del pueblo, y a su vez el acorralamiento que sufría Marcos por parte de su familia”.
Desde su estreno en Berlín, “Marilyn” ha cosechado una seguidilla de elogios internacionales.
“El final es bastante impactante (…) Rodríguez Redondo tiene un entendimiento maduro del poder de lo inesperado”, escribió el crítico Jay Weissberg en las páginas de “Variety”.
“Ofrece una conmovedora actuación de Walter Rodríguez en su debut”, destacó, por su parte, Richard Ross de “Breaking Glass”.
“Intensa y devastadora. Vale cada minuto del tiempo del espectador”
View of the Arts
“Rodríguez Redondo es un más que interesante nuevo director en un filme polémico”
Isabel Croce “La Prensa”.
“El debut de Rodríguez es asombroso”
Cinergia
“Cuesta creer que se trate de un realizador dando sus primeros pasos»
Fernando Sandro, Espectador Web
«Martín Rodríguez Redondo es el último cineasta revelación de la nueva ola latinoamericana”
Carlos Loureda, Fotogramas
Marilyn
Dir. Martín Rodríguez Redondo
Argentina y Chile, 2018
Agradecemos a:
Andrea A. Carvajal Sandoval
Plaza Espectáculos
Fuente.
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
La lengua de las mariposas dirigida por José Luis Cuerda, está basada en el compendio de relatos ¿Qué me quieres, amor?, publicado en 1995 por Manuel Rivas. Este equipo creativo adaptó el guion ganador del Premio Goya en 1999 que narra la historia de Moncho, un niño que habita una localidad gallega en vísperas de la Guerra Civil española y que se apresta a iniciar clases en el colegio. Entrar a la escuela le genera zozobra, ya que la imagen de los maestros es represiva, autoritaria, el terror se apodera de él a tal grado que finge estar enfermo para no asistir, sin embargo, su contacto con Don Gregorio, su profesor, cambiará la dinámica de su vida, y dará sustento a la trama donde la ciencia, el conocimiento, la curiosidad, la amistad, la pérdida de la inocencia, los posicionamientos ideológicos, la doble moral de la curia, las ideologías, el amor, el sexo y la naturaleza, convergen como un coral caleidoscopio que refleja la cosmovisión de la España de julio de 1936.
La lengua de las mariposas revisita el suceso histórico apelando a la memoria. La recepción de su guion adaptado, le celebró como una obra artística que redimensionó las posibilidades cinematográficas para abordar la guerra desde sus causas y consecuencias, sin necesidad de describir la guerra en sí. El título de la película como hemos mencionado, se deriva de uno de los cuentos de ¿Qué me quieres, amor?, pero en realidad es la adaptación de tres cuentos del mismo libro, Un saxo en la niebla y Carmiña que completan la terna de relatos entrelazados por Moncho como hilo conductor que enhebra una misma trama. Su estructura narrativa muestra las diferencias y similitudes entre los relatos y la adaptación cinematográfica sin voz en off ni narradores externos, es directamente contada por sus personajes. En la película Moncho vive la historia en el presente, mientras que el cuento es narrado por su protagonista desde un presente que recuerda. La adaptación en todo caso, no es una traducción directa del texto, sino una adecuación de la interpretación plasmada a través de las imágenes. Cuerda y Azcona en relación con Rivas dirimen una íntima correspondencia con el argumento, de esta forma la intervención del autor de la obra primigenia en la adaptación brinda legitimidad al proceso creativo, ya que el autor sustenta su observación espacio-tiempo desde el contexto.
Moncho no quiere ir a la escuela y asume su identidad con el gorrión que como apodo le define, “es un gorrión y acaba de salir del nido” le dice don Gregorio al introducirlo a sus compañeros, papel interpretado por el espléndido actor Fernando Fernán Gómez. Actor, escritor, director, miembro de la Real Academia de la Lengua, Fernán interpreta de forma magistral al profesor que se dirige con respeto y cariño ante el pardal. El cuento es un recuerdo infantil, como el mencionado poema de Antonio Machado que refiere la película. La monotonía de lluvia es la metáfora que semeja llover sobre mojado, un preludio de lo que vendrá. La represión de quienes apoyan al fascismo, aparece en la sugerencia a coerción que el padre de familia solicita al maestro “hay que meterle las cuentas como sea”. El idealismo de don Gregorio se enuncia desde su definición de la libertad que para él, “es el espíritu de los hombres”. Los límites dispuestos están determinados y son cuantitativos, esto es, las páginas que integran los tres cuentos en el texto, y la duración de la película, una hora treinta y siete minutos. Su música es melancólica y nostálgica, se quiebra al compás de la fotografía bellamente trazada al montaje por Ignacio Cayetano.
Cuando el cine coloca esos recursos para nosotros, el impacto de la obra original desvanece o se enriquece porque permea a profundidad la experiencia sensitiva de la audiencia, en La lengua de las mariposas sucede lo último. La lengua de las mariposas implica todos los procesos anteriores, apela a un suceso histórico, atiende a algunos testimonios y a su vez, implica la imaginación del autor para crear una historia que empalme el suceso con la creación literaria. Cuando fue publicado el libro ¿Qué me quieres, amor?, recibió el Premio Torrente 1995 y el Premio Nacional de Narrativa 1996, un reconocimiento instantáneo que también logró la cinta que recibió trece nominaciones al Premio Goya, resultando ganadora como se ha mencionado, en la terna de Mejor Guion. Encomiable fue para la crítica y la audiencia reaccionó de igual forma en el ámbito comercial, pues con La lengua de las mariposas el cine abría una arista para explorar la revisión de la memoria, es sin duda, una película fundacional.
La película también ofrece un paisaje costumbrista de Galicia, las fiestas, las verbenas de Semana Santa, la música, los juegos, las máscaras y los disfraces. Las tradiciones en rutina fenecen tras el fervor del carnaval, del baile y de la orquesta que con cierta melancolía entona las últimas notas, el espectador sabe que vendrá.
En la novela, la tristeza se advierte como un recuerdo presente anclado en la memoria, es la remembranza, la reminiscencia de lo vivido, en la película el niño no sabe lo que vendrá, lo que significa la salida intempestiva del padre de familia en pleno discurso de don Gregorio. El niño debe mentir, aprende a mentir, no sabe por qué debe hacerlo, después, al ver a su padre, sabe que debe hacerlo por supervivencia, anunciando así el devenir del caos. El cuento presenta la mirada legítima de la preguerra, bandos en pugna y acciones rebeldes ostentan el recelo como una amenaza que lacera más que cualquier reprimenda, la Guardia Civil asienta fusiles dispuesta a coaccionar a los republicanos. Los niños conciben prejuicios de oídas, atienden las obsesiones delegadas por sus padres, la afirmación a costa de enfatizar las diferencias, las dimitidas comparaciones inocentes que no quieren sentir aunque sientan, los niños quieren jugar en la ribera, chapotear en el río, hacer bromas en la escuela, hacer ruido sin atender al maestro y al mismo tiempo suspender cualquier travesura ante el asombro del silencio.
La lengua de las mariposas muestra el presentimiento latente, el devenir incierto, la guerra cubrirá todo por igual y no habrá vencedores ni vencidos, sólo quedarán los sueños rotos y el adiós del primer amor. Dos ideologías confrontadas desde la percepción de ambos bandos, el niño tiene la división en casa, uno de sus padres cederá a sus convicciones por supervivencia. Los colores naturales se hacen más oscuros y termina por el dominando el negro fúnebre en las vestimentas. Las miradas son fundamentales, así como las manos y los objetos que se resaltan como referentes pasivos de sus referentes activos, los personajes. Cuerda y Rivas volvieron a colaborar en la cinta Todo es silencio del 2012, aunque el legado de La lengua de las mariposas quedará grabado en la historia contemporánea del cine español, es una película que hace consciencia, recupera la memoria de un doloroso hecho histórico y explora las vivencias de quienes fueron separados de sus afectos, ilusiones e ideales por motivos de la guerra. La cinta aborda el vacío de la esperanza cuando esta se esfuma ante la pérdida de la inocencia y se afirma ante la madurez de contar lo sucedido, es un llamado a no repetir la historia al recuperar la experiencia desde el compromiso social de sus realizadores. Moncho corre detrás del vehículo que se lleva a su maestro y le grita la palabra más dolosa que ciñe su dolor y complicidad: ¡Espiritrompa!
La Lengua de las Mariposas
Dir. José Luis Cuerda
España, 1999
Película completa: 01:31:32
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
ROMANCES, la variopinta joya de Luis Miguel
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
En el otoño de 1991, emblemático año del eclipse solar que vistió de claroscuros a varios países en el mundo, el año de la muerte de Freddy Mercury, y a su vez el año de la “Tormenta del Desierto”, la industria musical de habla hispana se iluminaría con notas que décadas atrás habían ocupado los anhelos, deseos y suspiros románticos ahora vueltos nostalgia: los boleros. “Inolvidable”, bolero de 1944, autoría del pianista cubano Julio Gutiérrez, cimbraba con total estruendo las radiodifusoras latinoamericanas. Luis Miguel, el mismo intérprete que consolidaba su estatus de gran figura con el disco “20 años” 1990, sorprendía a toda la comuna sonora. Los acordes de “Inolvidable” eran solo el inicio de un disco fundacional que, envuelto en el pasado, definía el presente musical latinoamericano. Noviembre de 1991 será recordado por el lanzamiento de “Romance”, primera entrega del serial romántico del cantante mexicano, que combinaría en sus diferentes ediciones, boleros, baladas y tangos. En otra entrega hablaremos de Los Romances como un concepto que derivó cuatro álbumes, “Romance” 1991, “Segundo Romance” 1994, “Romances” 1997 y “Mis Romances” 2001, aunados al compendio “Todos los Boleros” 1998 y “Mis Boleros Favoritos” 2002. Nadie hubiese imaginado que esa mágica noche de 1989, en pleno furor del disco “Busca una Mujer” 1988, cuando Luis Miguel y el compositor Armando manzanero compartirían algunos boleros en un programa nocturno conducido por la actriz Verónica Castro, produciría a posteriori, uno de los discos más vendidos en la historia de la música grabada en español -aproximadamente 15 millones de copias- y contando, una serie de joyas musicales que a modo de concepto, son ya parte de la fonoteca nacional. Y es justo “Romances”, tercera entrega del premiado romancero, a la que celebramos en su vigésimo aniversario, un álbum que destaca como ninguno en el serial romancero, la calidad interpretativa, el registro vocal y la riqueza referencial del mejor álbum del catálogo.
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En “Segundo Romance” Luis Miguel produjo el álbum en colaboración de tres compositores vitales de su carrera, Juan Carlos Calderón, responsable de varios álbumes del astro mexicano, el ya citado Manzanero y Kiko Cibrián, quien alcanzaría su cenit como compositor y arreglista con “Aries” 1993, uno de los mejores álbumes pop de la década de los noventa. Esta colaboración diversa, brindó un corolario interesante al disco, le imprimió un sello muy particular, y logro posicionar varios éxitos con gran impacto, como “La Media Vuelta” de José Alfredo Jiménez, “Todo y Nada” de Felipe Garrido, “Delirio” de César Portillo de la Luz a inspiración visual del bossannova en homenaje a Joan Carlos Jobim, y “El Día que me Quieras” el clásico por excelencia del cancionero argentino, compuesto por Lepera y el inmortal Carlos Gardel. Esta suma de colaboradores del pasado y presente, volvió a presentarse en la carrera de Luis Miguel en 2006, cuando el disco “Navidades” presentó la participación de Juan Carlos Calderón y Armando Manzanero. “Romances” dio un viraje hacia la obra primigenia e 1991, y presentó por una parte el regreso del maestro argentino Bebú Silvetti, quien incluso aporta una canción de su autoría, y varias composiciones de Manzanero donde sobresale “Por Debajo de la Mesa”, que tal como sucediera con “No sé Tú” en el primer Romance, brindaría un sello distintivo al disco. A diferencia de “No sé Tú” que fue un sencillo de confirmación, “Por Debajo de la Mesa” enarboló la nueva producción lanzada en 1997. La epifanía del álbum fue premiada con el Grammy Estadounidense, reconocimiento que había alcanzado ya el “Segundo Romance” y que injustamente no alcanzara el mítico “Romance” a pesar de ser nominado.
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La innovadora introducción de “Romances”, comienza con una canción doble de Armando Manzanero, “Voy a Apagar la Luz” y “Contigo Aprendí” suave y evocador aviso del armonioso contenido que devendría con “Sabor a Mí” de Álvaro Carrillo. El disco avanza hacia la multiplatino “Por Debajo de la Mesa”, y para entonces el escucha está ya cautivo, esta canción además es el único sencillo que tuvo videoclip de promoción, un elegante audiovisual lleno de clase, distinción y a la vez vulnerabilidad del cantante como personaje, una propuesta de nostalgia que recordaría los años de las bandas y orquestas nocturnas neoyorkinas.
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José Antonio Méndez y su bella “La Gloria Eres Tú”, prosigue la pausa y recuerda los acordes que Chamín Correa había dado a “La Barca” en la primera entrega. La quinta canción es un portento estilo Manzanero, “Amanecer” que da continuidad a la celebración del amor y su circunstancia, misma que justo a la mitad del disco, da paso al desamor, a la asimilación de la costumbres, de la necesidad y el desamparo amoroso mediante “Encadenados” de Carlos Arturo Briz, y para cerrar la primera mitad del disco, no nos abandona sino da el productor un guiño de esperanza tras la separación, Consuelito Velásquez aparece con la canción que a vox populi acumula mayor cantidad de versiones, desde la inicial con Emilio Tuero 1941, pasando por la versión melodiosa de Pedro Infante en “A Toda Máquina” 1951, de Ismael Rodríguez, hasta las versiones que Frank Sinatra y Los Beatles realizaran a la misma. El disco ha ya cumplido con creces la expectativa, y es entonces donde se adentra en la segunda mitad del álbum y que, para mi gusto, es la que ofrece el más complejo, rico y variopinto mosaico interpretativo del cantante en un disco de boleros. Luis Miguel la interpreta de forma rítmica, alegre y bailable, haciendo de su versión una alternativa apuesta, a la que continua la poderosa balada “Contigo” de Silvetti y Silvia Riera, mi favorita del disco, para después retar a la crítica con un clásico monumental, “Noche de Ronda” de Agustín Lara. Prueba superada para aliviar un poco la tensión y deleitar al escucha a través de “El Reloj” de Roberto Cantoral. Una vez que el disco ha cumplido su decena y satisfecho la obra, irrumpen las canciones de ofrenda, “Júrame” de María Grever, que tanto se ha especulado se compusiera durante la estancia de la compositora en Xalapa, Veracruz, y “De Quererte Así”, composición traducida del gigante francés Charles Aznavour. Dolosa y sensible, esta canción hace del álbum un siendo homenaje a diferentes exponentes de la canción internacional. Luis Miguel sella su “Romances” con dos clásicos arriesgados y que de igual forma aprueban el reto, “Uno” el tango legendario, elegía e introspección a soliloquio de Enrique Santos y Mariano Mores, y finalmente “Mañana de Carnaval” la brasileña retórica de Luiz Bonfá y Antonio María que en la paradoja festiva lamenta y aspira la vuelta de la razón de vivir, el sentido de la vida que aguarda la espera.
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En esta primera entrega de varias sobre la herencia musical de Luis Miguel en los diversos géneros que el cantante ha explorado en su trayectoria de ya 35 años, celebramos los veinte que cumple “Romances”, un disco único y por demás disfrutable que suma al legado del cantante mexicano. Sean las composiciones, los arreglos, la interpretación o la variedad creativa del álbum, “Romances” abre la puerta de la nostalgia y solicita el riesgo del amor sea frontal o por debajo de la mesa, la declaratoria de amor es en este disco, una confesión.
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La Media Vuelta
Luis Miguel
Segundo Romance
1994
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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
Por: Un tal Luis
Con motivo del Día del músico, (22 de noviembre), me di a la tarea de armar una pequeña lista de músicos que de una u otra forma se han involucrado en el cine: a unos les fue muy bien, otros le dieron fama a la cinta por haber participado en ella. Y en otros casos, se trata de películas no tan mencionadas, pero que resultan curiosas por ver lo que hicieron las estrellas musicales en ellas, ¡Comencemos!
Normalmente lo primero que nos viene a la mente es la cinta de fantasía Labirynth (1986), en donde el británico además de actuar, se encargó de hacer los temas que interpreta a lo largo de la película. Pero David Bowie fue tan multifacético con sus actuaciones como lo fue con la música, por lo que hay ejemplos como Absolute Begginners(1986), en donde realiza números musicales, o Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), donde interpreta a un militar de origen australiano en la Segunda guerra mundial, y cuya trama toca el tema de la homosexualidad. Pero no sólo hizo eso, Bowie también interpretó a personajes históricos como Andy Warhol en Basquiat(1996) y Nicola Tesla en The Prestige (2006). Incluso incursionó en la Ciencia ficción con la aclamada cinta The man who fell to Earth (1976); en el cine como en la música, ¡Bowie le entró a todo!
El violinista alemán interpretó nada más y nada menos que al enigmático Niccolo Paganini: músico del cual surgieron mitos a causa de su impresionante talento para tocar el violín, de ahí el título de la película. El mismo Garret es quien ejecuta piezas clave del músico italiano como El Caprice No 24 y El carnaval de Venecia. Esta película cuenta la vida de Paganini desde el enfoque de lo que hoy conocemos como estrella de rock. Sin duda David Garret pasa la prueba como actor y como músico.
David Summers proviene de una familia en la que se encuentran guionistas y directores de cine, por lo que no es de extrañar que Hombres G se haya ligado a esta industria en algún momento. Como en muchas ocasiones ha pasado en el mundo del rock pop, la banda decidió estelarizar dos películas en el mejor momento de su carrera, ambas basadas en sus canciones: Sufre mamón (1987) y Suéltate el pelo (1988). Manuel Summers, padre del cantante, fue el director de las dos cintas; en la primera el argumento se apegó a la letra de la canción; la segunda tuvo como trama el encuentro ficticio entre David Summers y una de sus fans, y fue filmada en Acapulco. Como dato curioso, en esta última aparece la cantante mexicana Tatiana antes de que se dedicara a la música infantil.
Fito Páez no sólo escribe canciones; también ha escrito cine, comenzando con el mediometraje inspirado en su tema La Balada de Donna Helena (1994), en la que participó su pareja de aquel entonces, Cecilia Roth. Más tarde trabajó de nuevo con ella en su primer largometraje, Vidas privadas (2001), en donde también actúan Gael García Bernal y Héctor Alterio. Tiempo después presentó ¿De quién es el portaligas? (2007) con Romina Ricci, Julieta Cardinali y Leonora Balcarce, en donde las actrices usaron sus propios nombres, pero sin sus respectivos apellidos para cada personaje. En todos los casos, Páez participó tanto en la dirección como en el guión.
La líder de la banda Hole se acercó a la actuación incluso antes de ser una estrella de Rock, ya que apareció en algunos vídeos, como I Wanna Be Sedated de Los Ramones, por ejemplo. Ya en el cine sobresalió con películas como The people vs Larry Flint (1996), con lo que incluso se ganó una nominación al Globo de Oro a mejor actriz. También actuó al lado de Jim Carrey en Man on the moon (1999), y tuvo dos protagónicos en Julie Johnson (2001) y Trapped (2002). Por otro lado también ha aparecido en documentales como 1991: The year punk broke (1992) y Hit so hard (2011), además del afamado y reciente documental Cobain: Montage of Heck (2015).
Hasta aquí dejaré esta primera parte de la lista. Aún hay más que comentar.
¡Nos vemos en la próxima!
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Un tal Luis 
| México
Chile / Pulsar / 5 de marzo de 2015.- Como una forma de reconocer y premiar lo mejor de la música chilena en un año de creación, nacen en el 2015 los Premios Pulsar Música Chilena.
Creados por la Sociedad Chilena del Derecho de Autor SCD, y con la colaboración de varios actores de la industria de la música, se convierten en los únicos galardones que realzan el trabajo musical chileno en todos sus géneros y expresiones, sumando a otras artes vinculadas a la música como el audiovisual o la literatura.
Premios Pulsar Música Chilena buscan potenciar la industria local, haciendo partícipes a sus diferentes representantes, tanto desde la premiación como en el ámbito de los jurados, los que están conformados por especialistas en los distintos rubros que la industria involucra.
Los premios toman su nombre de la Feria Pulsar, realizada desde el año 2010 y que reúne anualmente a toda la industria en un evento de tres días, en el cual la música es la protagonista.
Para conocer más sobre el proyecto visita: premiospulsar.cl
Población Parlante, Bernardita, Gepe, Jiminelson, Francisca Valenzuela, Los Bunkers, Felipe Schuster, Epicentro, Carnaval, Chinoy, Mariel Mariel, y Los tres, son algunos de los músicos chilenos que hemos compartido en Filmakersmovie.
¡Mucho éxito en la primer entrega de Premios Pulsar! El premio que reconoce el talento de los artistas y la música Chilena.
