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Entrevista: Daniel Nájera, Vuelve a Mí, el cine y Cannes

Por: Perla Atanacio

Comienza la Semana de la Crítica en Cannes y México, junto con el Festival Internacional de Cine de Morelia,  estará presente, en el marco del encuentro el director Daniel Nájera Betancourt exhibirá su film “Vuelve a Mí”.  Gracias al productor Arturo Tay tuvimos la oportunidad de conversar con él y esto fue lo que nos dijo…

Hola Daniel, pronto estarás presente en la 57 edición de la Semana de la crítica CANNES, ¿cómo se da esta oportunidad?:

Veníamos de ganar en el Festival de Morelia por cortometraje mexicano de ficción, pasaron los días y al ir a las oficinas del festiva una chica de allí me dice entre broma que ahorre para la Semana de la Crítica y yo sólo me reí sin saber por qué lo decía. Pasó el tiempo y en efecto recibimos una invitación desde allá para ir a exhibir el cortometraje como parte de un  genial proyecto que tienen la Semana de la Crítica y el Festival de Morelia que ambos exhiben mutuamente lo más relevante de cada edición.

Qué significa para ti participar, ¿recibiste algún apoyo  para asistir?

La verdad desde aquella loca noche cuando me mencionan ganador del premio pues… ¿Qué te digo? El veinte tardó días en caerme, como si estuviera aturdido tras recibir la única buena noticia en años para mí. Después empezaron a caer apoyos por ejemplo para post producción y pues la noticia que exhibirán el corto es quizás irrepetible y por lo tanto muy bella por lo inesperado que van sucediendo las cosas como llegar con tremendo laurel a dicha sede, si me da orgullo. Ya después, la Comisión de Filmaciones de Chihuahua, así como las dependencias culturales y de educación les interesó el proyecto mío de ir allá  y finalmente FONCA también nos apoyó.

En la pasada edición del Festival de Cine de Cannes se suscitó la controversia Cannes vs Netflix, ¿cuál es tu postura al respecto?, ¿las películas de Netflix o alguna otra plataforma, tienen, o no tienen derecho a participar en el  Festival?

El festival de cine de Cannes a mi parecer no es un festival de cine digital, así mismo creo que el nacimiento de estas nuevas plataformas trae consigo nuevas formas de hacer las cosas y quizás un cambio sea doloroso pero inevitable. Si los derechos los adquirió alguien pensando que se adecuaría mejor a cierta plataforma sería entrar en un largo debate. Al final estamos hablando en sí de cine y películas que por sí solas no las categorizamos por el tipo de plataforma que puedan obtener.

¿Ahora cuéntanos sobre Vuelve a mí, de qué va esta cinta y cómo surge esta historia?

“Vuelve a mí” es un modo de traer a estas personas que ya no están con nosotros de algún modo u otro, digo un modo puesto que no puedo decir “se trata de esto solamente” y ¿Qué trae esa ausencia? a lo mejor aprendizaje, alguna nostalgia o mero crecimiento. Se buscó emular la vida de este niño, sin música para lograr efectos, quisimos realizar una evocación a modo de recuerdos o episodios y pues hay algo que no se expresa allí pero si se resiente. Esta historia salió de una beca que da el PECDA y me tocó ganar en el 2015 y pues estuve trabajando en ir a Chihuahua y tomar fotos y hablar con gente de un mercado que descubrí por encargo familiar, venden unos caldos de res famosos y resultó ser un lugar descuidado, bonito pero olvidado. Así mismo se propuso como proyecto de tesis en mi escuela anterior, INDIe Centro de Estudios Cinematográfico.

 ¿Cuál ha sido el recorrido en festivales de este film? ¿El público te ha comentado su reacción? ¿Qué te dicen?

Ha tenido un recibimiento moderado, hemos estado también en el Festival Internacional de Cine de Monterrey, en SHORTS México DF, Festival Internacional de Cine de Curaçao, Rotterdam,  y pues al final de las proyecciones me comentan acerca el dirigir a niños que nunca habían actuado, que el corto los ha llevado a un estado diferente a cuando llegaron y pues bueno también hay gente que no le agrada la duración (una señora me pidió que hiciera una versión corta personalizada casi casi) o de plano el corto en sí simplemente no les gustó y dentro de esa gente algunos eran los mismos que compartían proyección conmigo (risas).

¿Cómo director cuál fue tu momento más difícil y cuál el más fácil, o bien el más gratificante sobre Vuelve a mí?

Creo fielmente que para todo esto genial que me ha estado pasando tuve que pagar o mejor dicho sufrir. “Vuelve a mí” ha sido mi lección de vida más bonita; antes de filmar era complicado de México a Chihuahua hacer una producción y asegurarle a tu escuela la cual pone en ti toda la confianza, que lograrás tu sueño fílmico. Teniendo luz verde el rodaje salió bien, pero fue lo que vino después lo que significó algo para mí; desde romper una relación sentimental, no tener empleo o que te ninguneen en ellos, el cambiarme constantemente de lugar para vivir, admitir frente a tu familia que quizás este sueño de cine llegó a su fin y contemplar regresarte a tu ciudad porque no había salida, complicaciones aquí y allá que en su momento lo veía como lo peor pero ahora, extraño esos días en los que tenían ese aprendizaje tras aprendizaje, esos días también son lo más gratificante, afortunadamente ahora todo es más estable.

Como director y realizador, cómo ves el panorama de producción en México, ¿es cómo te lo imaginabas?

Bueno Marcelo Tobar justo ganó allá en Morelia por su película hecha con celular lo cual demuestra que no deberías esperar siempre a sacarte la lotería para hacer la película de tus sueños, hay que adaptarse cuando las cosas no salen como deberían, “Vuelve a mí” fue hecho con muy poco dinero.

¿Qué película o momento te inspiró para decidirte por esta carrera?

Creo que canso a la gente cuando les digo que “La Dolce Vita” es mi película favorita, así como “Una pareja de idiotas”  hasta “El padrino” o “El color de las granadas” de Parajanov; me gustan todo tipo de películas y aspiro a probar muchas voces, creo que hay que reinventarse. Batallo para confiar en la gente endogámica que despreciando todo lo que no es cierto tipo cine terminan haciendo meros tributos de “poesía visual” sin cierto arriesgue o búsqueda personal.

¿Qué le dirías a los jóvenes que estudian cine o que quieren estudiar o dedicarse a esto, cuál sería tu mejor consejo, el que te hubiera gustado que te dieran o el que crees que se debería dar?

A veces creo que el mejor consejo es no hacer caso a todo los consejos que te dicen; la corazonada te dice que tanto, a quien y cuando hay que escuchar. A mí, me funcionaron las cosas a un modo especifico, ojalá no hubiera pasado por tantas peripecias pero a lo mejor que es por eso disfruto tanto esto. Eso sí, de repente había presión conmigo mismo porque pues oye tenía 28 años no ganando algo, ni siquiera era el ya merito; no hay prisa por lograr algo, pero si muévete caón!!

Algo más que quieras agregar:

Yo estoy muy agradecido con la escuela INDIe Centro de Estudios Cinematográficos porque allí me formé, conocí a mis mejores amigos y me han seguido ayudando en cosas de post producción. Agradezco a Martha Liñán porque fue el soporte ayudándome con subtítulos y el envío en estos meses en los que yo no tenía nada de tiempo por cumplir en el C.C.C. y finalmente agradezco a Filmmakersmovie, Arturo Tay y en especial a Alejandra Villalba por todos los consejos.

Gracias Daniel, agradecemos el tiempo y el espacio para concedernos esta entrevista. Te deseamos lo mejor no sólo en la Semana de la Crítica de Cannes, sino también en cada una de esas historias que deseas contar y que serán contadas.

Gracias Filmakers por su lectura,  nos leemos y escuchamos pronto en una nueva entrevista.

Vuelve a mí

Dir. Daniel Nájera Betancourt

Dir. Foto: Alexis Zavala

Ojo a Cortometraje de Ficción Mexicano en el 15° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

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Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural.  Es Productora Audiovisual y cinematográfica,  diseñadora publicitaria.  Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida. 

LUIS MIGUEL BUSCA UNA MUJER, A 30 años del vuelo incondicional

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En 1988 la música en español vive un torbellino de ritmos y propuestas narrativas que van desde el pop al denominado rock en tu idioma, que cimienta las bases de lo que serán los nuevos ritmos de la década venidera. El rock en tu idioma desde México (Caifanes, Ritmo Peligroso, Bon y los Enemigos del Silencio) hasta Argentina (Charlie García, Soda Estéreo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Laureano Brizuela, Héroes del Silencio) con escala en España (Nacha Pop, Hombres G, Radio Futura, Miguel Ríos) traerá una ola de sugerentes alternativas grupales y solistas que definirán una época.

La balada romántica en sus diferentes acepciones, daba pauta y ritmo a un pop que seducía con líricas y melodías que lo mismo atendían a historias juveniles (Timbiriche, Menudo, Karina, Flans) que a estribos más adultos (Miguel Bosé, Emmanuel, Mecano, Pandora) y es ahí, donde Luis Miguel izaba su bandera con un sonido distinto al que le había puesto en la palestra musical de América Latina en sus primeros años. Heredero de intérpretes masculinos consagrados como Julio Iglesias, Sandro, José José, Juan Gabriel, Camilo Sesto y Raphael, y contemporáneo de los nuevos valores latinoamericanos de la canción como Chayanne, Luis Miguel había conquistado América Latina desde niño a través de su poderosa voz, presencia y dominio escénico, pero muchos temían el cambio de edad pudiera afectar su nivel interpretativo, lo que no ocurrió ni al cambio de voz entre la niñez y la adolescencia, y que menos afectó su desempeño entre la adolescencia y su paso a la adulta juventud que le vio publicar el exitoso “Soy Como Quiero Ser” en 1987.

Así, en medio de la expectativa de continuar una senda gloriosa tras un disco de grandes sencillos “Ahora Te Puedes Marchar”, “Cuando Calienta el Sol”, “Busca Una Mujer” se aprestaba a ser el nuevo disco del ídolo juvenil, una apuesta que dejaba los covers grandiosos por canciones ex profeso para el cantante, quien ya en la independencia creativa, sostendría su voz en las letras del maestro Juan Carlos Calderón. “Busca Una Mujer” se convirtió en un éxito instantáneo, un disco generacional que consagró al cantante y que lo situó, desde entonces, en la cima de la música en español.

“Fría Como el Viento”, “Culpable o No”, “Por Favor Señora” y “El Primero”, comprenden las baladas de alto impacto en la producción grabada en Ibiza, España, y que se hicieran del dominio popular gracias a las constantes repeticiones en las radios de toda Hispanoamérica mediante su exposición vía sencillo, y más aún gracias a las altas ventas que alcanzó el disco, “Busca Una Mujer” se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en la carrera de Luis Miguel y en la historia de México. A las anteriores baladas, “Esa Niña”, “Un Hombre Busca Una Mujer” y la colaboración de Luna Fría para el disco “Pupilas de Gato”, ofrecen una pausa melódica que logra una lista de reproducción equilibrada y del estilo que ya definía al Luis Miguel Pop, Baladas, Up Tempos, y que avistaría los metales que vendrían con fuerza en su disco “20 Años” de 1990. “Soy Un Perdedor” y en especial “Separados”, darían al álbum la fuerza rítmica que permitiría al intérprete desplegar su rango vocal y que le funcionarían a la perfección para el vibrado melódico y emocional de sus conciertos en vivo.

El disco se convirtió en un referente del pop de la década de los ochenta, y a su vez, en un viso de las nuevas tendencias en la balada, y en la forma de conectar con las nuevas generaciones de finales de siglo, Luis Miguel sería la máxima figura de esa etapa histórica, y “Busca Una Mujer” le permitiría sin duda completar la travesía musical, lírica y artística que anhela todo cantante ante los cambios de edad, época y horizonte. Pero fue “La Incondicional”, la canción que envolvería todo adjetivo, la composición perfecta en el momento adecuado, el sencillo ideal para un intérprete y su disco, la balada idónea para un intérprete y su público. “La Incondicional” se convirtió en un himno cargado de magia, fuerza y energía, definiría al cantante y a su audiencia en una relación de complicidad, apego, admiración, agradecimiento y cariño, y tal como la situó el canal VH1, sería considerada la gran balada en español de la década.

Tal consideración, ha recibido por igual el videoclip que en 1989 hizo girar y girar los reproductores BETA Y VHS tratando de grabar y reproducir una y otra vez, las escenas  coreografías y el diseño de producción magistralmente diseñados por el director Pedro Torres, para un vídeo clip que, basado en la exitosa cinta de 1986 “Top Gun”, dirigida por Tony Scott e interpretada por Tom Cruise, tendría un recibimiento apoteósico y de dimensiones nunca antes vistas para un vídeo musical en la historia del pop en español, “Tú, la misma de ayer…la incondicional”, el H. Colegio Militar  de México, el corte de cabello del cantante como un instante de apertura, las secuencias a modo de servicio militar, la bruma, la graduación del colegio, los lentes de sol, los recuerdos, y el vuelo de un avión de la Fuerza Aérea Mexicana en su momento climático, hicieron de esta iniciativa visual, la más celebrada producción audiovisual de la industria discográfica de su tiempo.

Desde 1988 y hasta ya iniciado 1990, “Busca Una Mujer” se estableció como el disco más vendido, escuchado y reproducido incluso en ediciones especiales de vinil, casete y posteriormente masterizado a cd, prácticamente todas las canciones tuvieron espacio en la radio, los vídeos musicales “Fría Como el Viento” y “la Incondicional” ocuparon las programaciones de los canales de vídeos musicales, y Luis Miguel recorrió varios países para más tarde producir su vídeo material “Un Año de Conciertos”. Sería en 1989, durante un programa televisivo con motivo de la promoción de “Busca Una Mujer”, que Luis Miguel compartiría el escenario con el maestro Armando Manzanero, en lo que al devenir, forjaría el primero de sus discos de boleros, la serie Romances iniciaría en 1991 con Romance, el disco grabado en español más vendido de la historia en su momento, pero antes, Luis Miguel disfrutaría del reconocimiento de crítica y audiencia en 1990 con el ya mencionado álbum “20 Años”, que cerraría tres producciones consecutivas de la mano de Juan Carlos Calderón y que constituirían una de las varias etapas doradas en la vida artística del Sol de México.

En MEMORIA, abordamos anteriormente el veinte aniversario del álbum ganador del Grammy “Romances” 1997, con esta “Busca Una Mujer” 1988 en su treinta aniversario, continuamos el serial de Luis Miguel en Filmakersmovie, celebrando la trayectoria del intérprete mexicano y su exitoso regreso a los escenarios.

Luis Miguel

La Incondicional

Dir. Pedro Torres

Álbum: Busca Una Mujer

México, 1988

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINESCOPIO: Daniel Day-Lewis

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Único ganador de tres premios Óscar, afamado por su pericia en la selección de personajes, amparado en una trayectoria de interpretaciones que adjetivan la perfección, y envuelto en un halo de misterio, Daniel Day-Lewis se ha consagrado como el más importante actor de su generación, un histrión de su tiempo, que lejos de pretender los reflectores de la fama, que de suyo ha obtenido, o altas cifras de taquilla, concentró su energía en el fluir del arte actoral. Comparado por muchos con otras leyendas de la actuación como Sir Lawrence Olivier o Marlon Brando, Lewis, hasta el momento, aunque comparte con los anteriores una sólida trayectoria en teatro, no combinó efusivamente su vocación hacia la dirección como Oliver ni fue un sex symbol y ave de tempestades como el gran brando. Lewis es una perfecta combinación del actor clásico británico que atiende las tablas del escenario y que al mismo tiempo se adentra a las profundidades del personaje como un consumado actor de método.

Con “Phantom Thread”, la más reciente cinta de Paul Thomas Anderson, Day Lewis dice adiós a las cámaras de cine como actor, y se aleja de las marquesinas, al menos cinematográficas, dejando una huella indeleble, una carrera excepcional y un sello distintivo que pareciera haber sido trazado a perfectas líneas curvas como traza con perfección su personaje de modisto, un oficio que lo mismo requiere habilidad, diseño y astucia, gusto, precisión y sensibilidad, la que lleva al actor, a sumirse en una profunda búsqueda por la perfección creativa, alejando su vida de la realidad, alejando sus sentidos de sentirlos, alejando sus apegos del sentimiento y olvidándose de sí mismo en franca similitud con el compromiso de vida que un artista de método profiere a sus personajes.

Antes de obtener su primero premio Óscar, Day-Lewis pasó de personajes incidentales como en “Ghandi” 1982 de Richard Atenborough, ganadora de Mejor Película y Mejor Actor con Ben Kingsley, Lewis escaló el protagonismo con pasos agigantados y sutiles en cintas de prestigio, “The Bounty” 1984 de Roger Donaldson; “A Room With a View” 1985 de James Ivory (Quien recién ganó el Óscar por Mejor Guión con la espléndida “Call Me By Your Name”) y “The Unbearable Ligthness of Being” 1988 de Philip Kaufman basada en la exitosa novela de Milan Kundera. Pero fue con “My Left Foot” 1989 de Jim Sheridan, que Lewis alcanzó reconocimiento universal, ganando el Óscar en una de las más cerradas contiendas por Mejor Actor que se hayan visto en la historia de los premios de la Academia.

Tom Cruise “Born in the Fourth of July”, Robin Williams “Dead Poets Society”, Morgan Freeman “Driving Miss Daisy” y Keneth Branagh “Henry V”, compartieron una terna de pronóstico reservado. La década de los años 90, trajo para Lewis nuevos retos y una etapa de mayor introspección ideológica, política y actoral, “The Last of the Mohicans” 1992 de Michael Mann; “In The Name of the Father” 1993 de Jim Sheridan que le daría una nueva nominación de la Academia, y con quien más tarde haría “The Boxer” 1998; “The Age of Innocence” 1993 de Martin Scorssese, con quien repetiría complicidad en su reconocida actuación por “Gangs of New York” 2002, compartiendo créditos con Leonardo di Caprio y perdiendo el Óscar con la sorpresa de la noche, Adrien Brody “The Pianist” 2002 de Roman Polansky, quien se impuso no sólo a Lewis sino también a Jack Nicholson “About Schimidt” 2002 de Alexander Payne.

Acostumbrando a la audiencia a prolongados recesos para preparar sus personajes y a la vez tomar tiempo para sí, en una forma de escape, libertad o cercanía a la interioridad artística, el nuevo milenio ofreció a Daniel papeles memorables, epítome de su talento. En 2007 Paul Thomas Anderson le encomendó el papel principal de su aclamada “There Will Be Blood”, la que para muchos es una de las mejores actuaciones masculinas de la historia, en una de las mejores películas no sólo de su década sino del nuevo siglo. Esa temporada los premios llovieron a ramilletes, incluyendo su segundo Óscar a Mejor Actor. Premio que si bien lo encumbraba, aún aguadaba la compañía de una nueva estatuilla, la tercera, la definitiva.

Con “Lincoln” 2012 de Steven Spielberg, Lewis vuelve a los roles biográficos, pero en esta ocasión, sin mayor referente visual que fotografías, descripciones literarias y referencias orales a modo de tradición, que hicieron de su versión del prócer norteamericano, una auténtica creación actoral, que le valió el estatus de, hasta la actualidad, ser el único actor que haya ganado tres premios de la Academia en la categoría de Mejor Actor.

De esta forma y ante su reciente nominación en la 90ª entrega de los Óscares, los reflectores atendieron en parte los movimientos, expresiones y la imagen en sí de un maestro  que, aún a sabiendas de que no recibiría el galardón, pues su compatriota Gary Oldman llegaba con etiqueta de amplio favorito por su extraordinario Winston Churchill en “The Darkest Hours” 2017 de John Wrigth, asistía con la gallardía, caballerosidad y respeto por el oficio que se convirtió en parte de su ser y de la cual, el actor británico, de corazón para muchos irlandés, se despide con “Phantom Thread” dejando en la heredad un testamento de grandeza, amor y pasión por el arte actoral.

Leer sección CINESCOPIO por aquí.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

LA BERLINALE: La Europea Celebración al Cine que Viaja

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Fundado en 1951, la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Berlín, se ha convertido en uno de los más importantes eventos cinematográficos del orbe, una palestra que combina el contenido del cine de autor, el bagaje de la industria y el encuentro de realizadores que retratan desde su óptica distintos tópicos, así como sucesos sociales y políticos. Nacido justo entre las cenizas de la Segunda Guerra Mundial, inmerso en la disyuntiva ideológica que construiría un muro y que le vería derrumbarse, el festival fraguó por convertirse en un punto de unidad mientras la ciudad se dividía.

De esta forma ofreció un espacio de expresión para el cine alternativo, sugerente, atrevido, denunciante y reflexivo sobre temas que difícilmente exploraban las grandes producciones de la industria. Y aunque el medio de los distribuidores habitó desde su inicio el festival, con el paso del tiempo dio cabida a las producciones comerciales para que desde su patrocinio, financiaran actividades coyunturales que reforzaron la exhibición de películas de autor con miras más artísticas que comerciales.

Esta mezcla de arte y glamour, ubicó a la Berlinale al nivel de los certámenes de Venecia y Cannes, convirtiendo el periplo organizativo en una plataforma para los cineastas conceptuales y para quienes atienden la promoción de contenidos. La Berlinale, a reserva de su agendada duración, genera eventos alternos durante todo el año en la mítica ciudad alemana, pues desde su inicio se propuso redimensionar el cine alemán que había tenido a finales de los años veinte y principios de los años treinta un tope creativo, cuya influencia expresionista, vería tras la guerra la llegada del neorrealismo italiano y otras corrientes cinematográficas, converger en un universo paralelo pero simétrico en su necesidad de expresar los dejos del conflicto armado y la división ideológica del pensamiento.

Este año, la edición 68 del célebre festival, atestiguó el triunfo polémico de la película Touch Me Not, dirigida por la rumana Adina Pintilie, que se alzó con el Oso de Oro, máximo reconocimiento del festival, y que ha sido otorgado a cintas míticas y a realizadores legendarios que han hecho de la Berlinale, una de las más importantes celebraciones del séptimo arte.  La primera etapa del festival vio coronarse a La Decisión de Hopson del británico David Lean, consagrado director que en el pico de su carrera alcanzaría en dos ocasiones en Premio Óscar, en 1957 con El Puente Sobre el Río Kwai y en 1962 con la épica Lawrence de Arabia.

Ópera prima del director Sidney Lumet, 12 Hombres en Pugna 1952, se convirtió en un clásico instantáneo, gracias a su argumento dubitativo, que lo mismo pondera los posicionamientos y el prejuicio que la suposición y la vocación por la justicia basada en las evidencias de un asesinato. Un joven acusado de ultimar a su padre, es el argumento que Reginald Rose escribió para televisión, y que en su adaptación cinematográfica catapultó no sólo al director sino al cine policial sustentado en juicios orales a un nivel superlativo, enmarcado en una sala en cuyos asientos convergen la certeza, la duda, la suspicacia, el sentido común, el debate, el diálogo y los acuerdos.

La década de los años cincuenta fue testigo del auge creativo y filosófico del maestro sueco Ingmar Berman, El Séptimo Sello 1957 y Fresas Salvajes 1958 son muestra de ello, y es ésta última la que pobló de halagos la Berdinale concediéndole el premio máximo y alabando las vetas estéticas e interpretativas en el estilo cinematográfico del director oriundo de Upsala. El viaje como escenario narrativo, recurrente en las películas laureadas del festival a lo largo de su historia, muestra un periplo existencial que enhebra argumentos y el pensamiento que deriva en la reflexión constante sobre la vida, la muerte y la existencia humanas.

Francia irrumpiría con fuerza en las postrimerías de la primera década del festival alemán, Claude Chabrol sería reconocido por Los Primos 1959 antes de lograr un despliegue afortunado en el género del suspenso, y abriría la puerta para que Jean-Luc Godard, máximo representante de esa nueva ola que cubriría y se derramaría por completo en el mundo alentando la creatividad lírica, técnica y creativa en el manejo de la imagen, la música, y la voz, Alphaville ganaría el festival justo al medio de la década de los años sesenta, que incluso vería el triunfo de John Schlesinger con Una Manera de Amar 1962; Godard, plantea si la felicidad o si la posibilidad de ser felices, atiende a soslayar aquello que nos brindan los sentidos, el ser humano y sus emociones desde la ciencia ficción, y presenta un futuro distópico donde no es permitido preguntar ni sentir. Berlín premió al estandarte de la nueva ola francesa y por añadidura, hace una crítica social que advierte la premisa de prevenir el advenimiento de nuevos totalitarismos justo cuando la juventud se hace presente y expresa generando movimientos sociales nacidos en la juventud que definirán en mucho los años sesenta, representada en una nueva generación de realizadores, como Roman Polanski, que con Cul-de-Sac 1966, concluiría una etapa de formación y convencimiento de la crítica.

Italia también tendría un papel predominante en la Berlinale durante los años sesenta, Michelangelo Antonioni ganaría el Festival en 1961 con La Noche, y Gian Luigi Polidoro con El Diablo haría lo mismo en 1963, antecediendo el triunfo durante la década de los setenta, años de un profundo caleidoscopio de surrealismo y realismo cinematográfico.

Es entonces cuando el legendario Vittorio De Sica ganaría con El Jardín de los Finzi Contini 1971, y Pier Paolo Pasolini, presentaría Los Cuentos de Cantenburry 1972, segunda entrega en la trilogía de la vida, que incluye El Decamerón de Bocaccio y Las Noches Árabes del popular libro Las Mil Una Noches, como un testamento de literatura medieval, a la que vierte una irreverencia, provocativa, sugerente y surreal, presenta su propuesta visual añadiendo a su adaptación, los presupuestos prosaicos, líricos y poéticos que caracterizaron sus potentes y polémicas secuencias.

Los años setenta serían escenario del triunfo de grandes leyendas como el hindú Sayajit Ray Trueno Distante 1973 y Robert Altman Buffalo Bill y Los Indios 1976, antes de aplaudir al cine español en una seguidilla de galardones consecutivos que se extendió hasta la década de los años ochenta con el triunfo de Carlos Saura y su Deprisa, deprisa 1981. Ícono del cine alemán y de la propia Berlinale, Rainer Werner Fassbinder compartió el resurgimiento del cine alemán desde las nuevas ópticas de su generación, las épicas realistas, histriónicas y casi documentales de Werner Herzog, la propuesta alusiva de la nostalgia y el anhelo como si fuesen un viaje en Win Wenders, y la acción exuberante de Wolfgang Petersen por citar algunos, posicionaron al cine alemán en una palestra que lo mismo ocuparía el televisor que las salas de cine de arte y taquilla.

Fassbinder, construye una visión del mundo desde el realismo social, en la denuncia, en el esfuerzo por situar las nuevas problemáticas y fenómenos sociales que advertía en la naciente globalización y en la migración continua, y a su vez, explora los sentimientos de sus protagonistas y la trama de la cotidianidad a lo largo de constantes vaivenes dramáticos. En La Ansiedad de Veronika Voss, Fassbinder explora la realidad devastada de Alemania tras la guerra y el cómo se posiciona en una nueva ventana de crecimiento económico atenida al proteccionismo y a la dual ideología que lo mismo atemoriza las influencias, que desarrolla la industria y potencializa la economía generando contrastes que resultan indolentes a quienes los habitan desde los sentimientos, el amor o la infancia.

Si el festival pudiera más tarde ser criticado por apoyar cintas de estudio hollywoodense, el propio festival se encargó de difuminar las críticas con el triunfo del cinema independiente que se abría paso en Hollywood al medio de una década caracterizada por el dictamen de los blockbusters. Pionero de la realización alternativa, actor y director, John Cassavetes hizo de La Fuerza del Amor un retrato profuso de la filial relación entre dos hermanos, Robert y Sarah, interpretados intensamente por el propio Cassavetes y Gena Rowlands respectivamente, que tras las vicisitudes del amor, la paternidad, el abandono, la ausente inspiración y el desgaste de la búsqueda de un regazo fraterno, se hayan cual salvavidas en el sentido del amor.

Un serial de cuentos acompasados al peregrinaje de la fe y las creencias que conllevan el viaje a la Catedral de Cantenburry en el Reino Unido, conforman el corolario narrativo escrito por Geoffrey Chaucer entre finales del siglo XIV y el siglo XV, obra cumbre de las postrimerías de la Edad Media, donde un banquete aguarda a los comensales viajeros que confluyen la travesía como una promesa.

Protagonizada por Dustin Hoffman y Tom Cruise, Cuando los Hermanos se Encuentran de Barry Levinson, continuó una década histórica para la Berlinale, por una parte el estruendo que causó la victoria de Zhang Yimou, Sorgo Rojo 1987, y por otra parte el advenimiento de la caída de un muro en que había separado la ciudad por casi treinta años en 1989, amén de la caída de igual forma del régimen comunista. En ese entorno, Cuando los Hermanos se Encuentran 1988, logró un hito artístico y comercial que incluso han puesto en duda su valía cinematográfica.

Y es que las críticas van de la acusación de una trama armada para el sentimentalismo, a la caricaturización del autismo, no obstante, el carisma de sus protagonistas, la emotividad de las imágenes, la música de Hans Zimmer, el recorrido por una carretera, ciudades, parajes, un juego del pícaro sitio en Las Vegas, el desliz por las escaleras eléctricas de dos atuendos gemelos o un baile al elevador, hicieron de la película un auténtico triunfo taquillero que logró no sólo ganar la Berlinale sino también el Premio Óscar a Mejor Película y ser, al mismo tiempo, la película más taquillera de ese año. Situaciones divertidas, angustiantes, desafíos, triunfos, rabietas, ataques y ansiedades, brindan un corolario de imágenes que Ray va capturando en la furtiva travesía, en una cámara fotográfica que captura los cruces de caminos, las señales, y los sentimientos fraternales que al final, dejan abierta la puerta para futuros reencuentros.

Los años noventa recibieron películas variopintas, Costa Gravas, Casa de Música 1990, Ang Lee, El Banquete de Bodas 1992, Jim Sheridan, En El Nombre del Padre 1993, Milos Forman, El Escándalo de Larry Flynt 1996 y Walter Sales, Estación Central 1998, fueron algunos de los realizadores ganadores. Casi veinte años después de su última película, Terrence Mallick, mítico cineasta y filósofo estadounidense, presentó en la Berlinale, su épica visión de la Segunda Guerra Mundial, envuelta en una fotografía dinámica, pero con la misma poética de fondo que en cada palabra suelta los dolos y la recurrente voz en off de los personajes que lo mismo interactúan la supervivencia y la estrategia, que recuerdan y evocan lo querido. Un regreso triunfal para el director texano que tras dos obras maestras Malas Tierras 1973 y Días de Gloria 1978, decidió avocarse hacia el silencio cinematográfico y alternar su pasión a la búsqueda de respuestas filosóficas que definirían un giro a su oferta creativa.

No obstante, con el paso del tiempo la consideración de La Delgada Línea Roja como una obra superior a las anteriores, ha dominado la discusión polifónica, como polifónica es la narrativa de esta extraordinaria película que triunfó en Berlín y consolidó aún más a su legendario director. El Oso de Oro del Festival Internacional de Berlín tendría de esta forma destinatarios suigéneris y a la vez altamente reconocidos, fuese por su trayectoria, propuesta o innovación cinematográfica-conceptual, lo que sin duda, daría pauta para el festival de cara al nuevo siglo.

Y justo en esos albores cuyas lindes dibujan el fin del milenio y el inicio de uno nuevo, los temores, angustias, las filias y fobias dominaban las incipientes pero nacientes redes sociales y los medios masivos de comunicación; la internet por completo se ponía a prueba para anunciar el cambio de siglo y sus consecuencias probables de caos y trasformación; el advenimiento de un futuro incierto, del devenir y de su locura, de la incertidumbre. El fin de la historia, su reescritura, o el fondo de un agujero negro sin fondo, matizaron los últimos meses del año, la esperanza no era una constante, el miedo una posibilidad, la matemática caería y el mundo sucumbiría a sus propias reglas mediante siglas indescifrables. Nada de esto sucedió, al menos como estaba estipulado al darse las cero horas del primer día del año 2000.

Paul Thomas Anderson condensa la caída de la posmodernidad y su pesquisa de identidades en una pieza de dolor, arrepentimiento, vacío y desesperación; cada uno de los personajes interconectados con la casualidad, con la casualidad o con el infortunio, portan en sus líneas y sobre todo en sus expresiones, la suma de todos los miedos y ansiedades que la falta de cariño, apego y motivos corresponden. La búsqueda de un estado de felicidad que parece no existir, la resignación, el sueño lúcido o las máscaras que cubren las secretas intenciones caracterizan las notas musicales de una canción compartida, de una risa amable, de una petición rota, de un intento fallido y de las buenas acciones sin objeto ni sentido.  Magnolia es una bella página en la historia del cine contemporáneo, bella aunque duela, bella aunque asuste, bella aunque en sí misma parezca deplorable o poco atractiva.

La pléyade de grandes actuaciones deja su huella como si el papel fuese ese lienzo en donde caben las mareas, los temblores y el arcoíris al final de la tormenta. Julianne Moore, John C. Reilly, Phillip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman, Jason Robards -en su último papel- entre otros, acompañan la poderosa, cínica, sensible y quizá mejor actuación en la carrera de Tom Cruise, para hacer de “Magnolia” una de las mejores películas de la década, una reflexión individual y colectiva a la paradoja, a los sentimientos, apegos, a la confirmación de un gran director y al advenimiento de una lluvia impregnada de los más vacíos aromas posmodernos.

Continuando con el cine asiático y su impacto en la Berlinale, Hayao Miyazaki cimbró los límites de la narrativa cinematográfica en el festival, cuando en el año 2001 conquistó Berlín y todas las ciudades y países donde fue mostrada la obra maestra de la animación del Siglo XXI. Miyazaki ahonda la vida y la muerte como un viaje, los sueños, anhelos e ilusiones ante la pérdida del ser humano y la búsqueda de la libertad como una metáfora que surge desde la imaginación que la posibilita.

Los padres de Shihiro parecen transformarse en cerdos al internarse en una ciudad mágica, que de noche parece cobrar vida y afectar a modo de hechizo a los visitantes, Shihiro lucha entonces por terminar las maldiciones que liberen el entorno y a sus padres, mientras da cuenta de que el imaginario sucede en sus sueños, o en una realidad alterna en la que sus padres aguardan sin haber sido hechizados. El viaje de Shihiro representa un punto climático en la cinematografía de Miyazaki, y en una de las más celebradas películas en la historia del cine animado. Paul Greenbrass, Domingo Sangriento 2002, Fatih Akin, Contra la Pared 2004, Claudia Llosa, La Teta Asustada, 2009, serían algunos de los ganadores que cerraban una primera década alternativa, la más quizá, de toda la historia del festival hasta ese momento.

La presente década se ha caracterizado por una continua pluralidad narrativa pero también por la fuerte carga política de muchos de los títulos que conforman la muestra, y que dan cuenta de la globalización cultural y contracultural que acompañan, derivan y causan los nuevos contextos internacionales. De esta forma la tecnología comunicacional, así como el auge y determinación de las redes sociales, coexisten con los distintos movimientos que surgen e inspiran películas alrededor del mundo. César Debe Morir 2012, de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani, Taxi 2015, de Jafar Panahi y Fuego en el Mar 2016, de Gianfranco Rosi, causaron estupor y revuelo en cada una de las ediciones donde fueron premiadas.

El cine asiático ha estado representado por diversas cintas y directores de culto en la Berlinale, pero sin duda fue Una Separación de Asghard Farhadi, la que hasta el momento cimbró no una sino varias categorías del prestigiado festival alemán. La separación como tópico, la situación política como circunstancia, y la migración como consecuencia de un contexto que determina la clase media de Irán a la que pertenecen sus protagonistas, envuelven una historia de amor que se traba entre los anhelos, la desesperación, la resignación y la posibilidad como una difusa alternativa. Farhardi plantea la irresoluble decisión de divorcio en una pareja que ante una pléyade de situaciones y conflictos, debe ponderar su devenir a la decisión de un niño que asume sobre sus hombros ya no la separación, sino el silencio que se avecina como respuesta.

Una poesía lírica, emotiva, profunda, desgarradora desde sus silencios, tenue de dolor en sus no dados abrazos y una original pieza romántica no convencional, hacen de En Cuerpo y Alma, una aproximación a las relaciones humanas desde la empatía y los sueños. Ildiko Enyedi presenta un marco visual enmarcado en un ambiente obrero, un rastro, donde la crueldad o la necesidad humana cohabitan, como cohabitan los sentimientos inexpresivos de la cotidianidad que sin pretenderlo, asiste al milagro de la mutualidad. Enyedi, hace de esta película húngara un viso de ambigüedad que porta por una parte, las imágenes desafiantes de un rastro donde la muerte de animales y la sangre derramada por los procesos sanitarios, puede ser la misma que en una tina de baño pudiera derramarse por la astenia. En Cuerpo y Alma apunta con celeridad que cualquier espacio puede albergar la esperanza, el amor y la salvación para el abandono, así sean los sueños.

Hacia el aniversario 70 del festival, los nuevos retos de la Berlinale incluyen el posicionamiento de nuevas técnicas de creación cinematográfica, diferentes plataformas de exhibición y complejos contextos que delimitarán los distintos perfiles del certamen.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com