20 abril, 2026

Filmakersmovie

The Terminator

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La ciencia ficción es un género narrativo que combina tanto imaginación como sustento científico. Es algo así como una ‘ficción científica’, o en otras palabras, mundos creados que tienen en el fondo un aval creíble, verosímil, probable conforme al desarrollo alcanzado por la ciencia y la tecnología. Puede ser, por ejemplo, realidad virtual, viajes en el tiempo, existencia de una inteligencia artificial superior o la presencia de vida extraterrestre.

La película Terminator (EUA, 1984), dirigida por James Cameron y protagonizada por Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger y Michael Biehn, toma varios de estos temas y los aborda de una forma que plantea preguntas relevantes para la sociedad actual, desde el cómo avanza la tecnología con relación al desarrollo social, o las implicaciones científicas, éticas y de cambio que conlleva la creación de robots construidos a semejanza física con el hombre.

La historia comienza en un escenario futurista, el año 2029, en el que la humanidad casi ha sido destruida y las máquinas han tomado la mayoría del control sobre lo que sucede en el planeta. A punto de perder la batalla contra los humanos que todavía pelean por su libertad, las máquinas envían al pasado, al año 1984, a un ciborg para asesinar a la madre del líder de la resistencia, John Connor. Para salvar a Sarah Connor los humanos envían a Kyle Reese, un hombre cuya misión es evitar que la máquina cumpla su cometido y de esta manera asegurar la continuidad histórica del proceso de enfrentamiento entre robots y hombres después de la conflagración nuclear, pues en el fondo el objetivo es asegurar que el futuro siga intacto, con los humanos a punto de ganar la guerra.

Una de las preguntas más importantes que esta línea narrativa plantea al espectador es: ¿Se puede cambiar el futuro? Aquí entran en juego distintas variantes, desde el concepto de destino hasta la comprensión de la factibilidad y variantes propias de los supuestos viajes en el tiempo.

Si son las decisiones que se toman las que forman el presente y el futuro de una persona; ¿por qué vivir un mismo momento dos veces haría a alguien cambiar de decisiones? O en todo caso, ¿es posible? La idea lógica de este imaginativo que inquieta al ser, los viajes en el tiempo, explorados a través de la literatura, el cine o la televisión, recae en el deseo de poder hacer las cosas de manera diferente, mejor, en donde entra en juego tanto la incertidumbre como el arrepentimiento, o, en el opuesto, saber qué sucederá en el futuro permite evaluar y determinar si la acción tomada, ya sabiendo sus consecuencias, se considera correcta o no, que empata igual con el temor al terreno de lo indefinido y al error. Desde luego que incluso en este supuesto, tomar una decisión distinta no necesariamente significa que el resultado será ‘mejor’ recibida (de nuestro agrado). En última instancia, es cierto que los humanos construyen su propia historia, a partir de sus decisiones, pero lo hacen en el marco de las condiciones socioeconómicas en que existen y los resultados van evolucionando con niveles de incertidumbre fluctuantes. Los viajes en el tiempo ¿lo modifican?

El concepto de la posibilidad en el cambio temporada entonces se convierte así en un mero deseo provocado por la duda; la posibilidad de una posibilidad. El tema se aborda según los intereses del que lo razona, porque un científico no ve su viabilidad de la misma forma que un matemático, un médico, un atleta o un escritor, por ejemplo. Algunos intentarán entender su sustento científico, pero la mayoría verá el concepto como una ventana hacia segundas oportunidades. ¿Qué cambiaría yo (si el viaje en el tiempo fuera una realidad)? Y también, ¿Cambiaría yo como ser humano con otras vivencias percibidas en el viaje a través del tiempo?

El escenario da paso a otras cuestiones importantes, desde el que el hombre aprende de sus experiencias y el cómo a partir de ellas el ser evoluciona, hasta la realidad práctica y simple que dice que la vida es una secuencia de decisiones. Se vive y se sigue adelante, no se vive para regresar al mismo punto de partida, como para repasar un pasado que en efecto ya ha quedado atrás. No se puede vivir en círculos, porque hacerlo implicaría un estancamiento.

Y es ahí donde entra otra variable en cuestión: el bucle temporal y las verdaderas cuestiones filosóficas que implica el concepto ‘viaje en el tiempo’. La conceptualización de esta dinámica plantea que, si alguien viaja al pasado, cuando ese momento sucedió, en su tiempo, la persona ya había estado ahí, de otra manera en su futuro no habría tenido que regresar al pasado. En este caso, para entenderlo de manera práctica, Kyle Reese viaja  del futuro a 1984 para conocer ahí a Sarah Connor, sin advertir que después se convierte en padre del hijo de ella. John entonces sólo existe porque Reese viajó al pasado. Por tanto, si en 2029 él no fuera enviado a 1984, John no nacería. Un viaje que además sólo sucede como respuesta a la acción de las máquinas de intentar eliminar a Sarah Connor, en primer lugar, porque es la madre del líder de la resistencia humana.

Técnicamente entonces, para ganar, las máquinas no tienen realmente que viajar al pasado para evitar que el líder de los humanos nazca, sólo tendrían que desechar su plan de matar a su madre, porque entonces los hombres no mandarían a Reese a perseguir al ciborg, y si éste no viaja a 1984, John Connor no nacería. Claro que la pregunta sería: ¿Pueden saber las máquinas que el líder es hijo de un hombre del futuro, o mejor dicho, de su propio presente? Esta serie de dimes y diretes, de círculos temporales, funcionan para ahondar un concepto básico, ¿el futuro se construye o es que ya está hecho?

La película además aborda otros aspectos relacionados, pero más inmersos en el tema de la tecnología, específicamente la inteligencia artificial y la creación de máquinas mitad humanas que, por lo menos en la película, se ‘rebelan’ contra sus creadores. Un debate constante en la actualidad, donde ciencia, tecnología,  desarrollo, ética y evolución, convergen en la creación de robots y las habilidades para las que son programados. En este futuro distópico, irreal y ficticio, la máquina ha superado al hombre, pero igual que con muchos otros conceptos de la historia, esta realidad sólo existe por las propias fallas del ser humano, que con sus errores hacen posible el levantamiento de las máquinas y su capacidad de autoconciencia posible. El derecho a la rebelión inherente a su propia transformación en casi humanos y su autocapacidad casi misericordiosa de proteger al humano de sí mismo, de sus debilidades.

¿Es que la máquina realmente ha superado al humano, o es que el hombre ha cometido los suficientes tropiezos como para dejar innumerables huecos en la programación de comandos, de tal forma que es posible a la inteligencia artificial encontrar la forma ‘lógica’, matemática, de resolver la problemática que se les plantea, desde un punto de vista no objetivo, sino a su favor? En este caso, al determinar que la humanidad es un peligro latente que debe ser eliminado. Y si los robots tienen consciencia además de inteligencia artificial, siendo producto de la sabiduría humana, ¿no es lógico que también tengan deseos e intereses humanos? Es la misma lógica como antaño se creaban dioses a imagen y semejanza del hombre, con sus virtudes y defectos, incluso dioses para sentimientos, placeres y vicios específicos.

Si un programa concluye que el hombre debe ser sacrificado porque su presencia se ha vuelto un riesgo, ¿lo ha categorizado realmente así la máquina o es una deducción basada en un análisis de datos programados, organizados por el propio humano? Si es la segunda y el hombre tiene la respuesta a una pregunta que tal vez se ha hecho al menos indirectamente, ¿qué es lo que hace al respecto? Y no en el ayer o en el mañana, sino en el ahora, en su presente. Se plantea entonces la pregunta ética fundamental que ha rondado al desarrollo de la ciencia por lo menos desde la mitad del siglo pasado: ¿Debe el humano jugar a ser Dios? ¿Está el desarrollo científico generando las condiciones para la extinción de la especie humana?

En la narrativa las máquinas ganaron poder gracias a que estaban conectadas a todo sistema operativo, automatizándose incluso los sistemas de defensa y armamento. Controlado un sistema que lo ve y vigila todo, que tiene acceso a la información de millones de personas y que, además, está encargado de la gestión de toda actividad (un ejemplo práctico actual serían las computadoras personales, las casas inteligentes y las redes sociales que monopolizan la información), hablamos de que no es la máquina la que decide el rumbo del futuro, es el hombre quien delega en la máquina el poder de acción de una decisión que toma, mediante programación algorítmica, pero de la que no se hace responsable.

No se trata entonces de una realidad en la que las computadoras y la inteligencia artificial tomen decisiones, sino, más bien, reflexionando sobre el mundo actual, se trata de la importancia de la creación de barreras  y límites para evitar que el hombre siga pensando que con dar directrices a un programa es suficiente como para dejarlo sin supervisión. Es decir, las maquinas obedecen a programación diseñada por el humano y no tienen, ni pueden tener consciencia. ¿Es que realmente después de encender una lavadora o una secadora, ésta nunca ha cometido un error durante su ciclo de trabajo? ¿Nunca falla? La respuesta es que la programación puede tener errores, o que las piezas y los programas utilizados se desgastan, se deterioran, se nulifican, ocasionando, eventualmente, alteraciones en su funcionamiento. El ser humano lo sabe y por eso recurre a la obsolescencia programada. Lo mismo puede suceder con las demás máquinas, con las ensambladoras de partes automotrices y hasta los asistentes inteligentes. ¿Por qué sería diferente con un robot, con un ciborg o un programa de inteligencia artificial?

El viaje en el tiempo no es una realidad posible, sino deseada; así mismo la creación de máquinas inteligentes y la esperanza de que su semejanza con el hombre permita entender tanto el origen como la trascendencia del ser no es algo que corresponda a una realidad futura, sino una preocupación presente que ocupa a miles de científicos e intelectuales de distintas disciplinas. Más que preguntarse entonces qué sucedería si tal o cual cosa pasara, o si fuera cambiada, las personas deben cuestionarse sobre qué está sucediendo hoy, cuál es el posible uso de la tecnología de vanguardia, cómo se instrumenta el manejo de la información personal con fines de vigilancia, control o de lucro, incluso, cómo funciona el panóptico digital para disminuir la capacidad de pensamiento y crítica en la mayoría de la población mundial.  La ciencia ficción es un medio que permite criticar y analizar estas reflexiones, pero para aterrizarlas es vital diseccionar todos sus planteamientos, un siguiente paso que todas las personas deberían estar dispuestas a tomar, respondiéndose siempre la pregunta ¿dónde está la ciencia y dónde está la ficción?

The Terminator

Dir. James Cameron

Estados Unidos, 1984

Trailer  1:58

Foto: Diana Alcántara

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo  y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.

Filmakersmovie  presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Tu Nombre- Artista: Eve Arrow | Dir. Nancy Olguín | Chile, 2018

 

Tu Nombre

Artista: Eve Arrow

Dirección: Nancy Olguín

Chile, 2018

3:10

 

 

Tu Nombre

Letra y música : Eve Arrow

Producción musical : Sebastián Riquelme

(P) (C) 2018

 

Equipo:

Dirección: Nancy Olguín 

Dirección de Fotografía: Nancy Olguín

Montaje: Nancy Olguín

Cámaras y Post producción : German Mellado (Surrender vídeo y fotografía)

Make up and Hair : Karla Vega

 

Galería:

 

Contacto:

Eve Arrow GooglePlay

FB:EveArrowMusic

INST: evearrowmusic

YouTube: Eve Arrow

Spotify: Eve Arrow

contactoevearrow@gmail.com

www.surrender.cl

Chile, 2018

 

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

 

 

 

Eve Arrow estrena el vídeo clip «Tu Nombre»

Santiago de Chile, septiembre 2018.- Evelyn Olguin, quien es reconocida por su nombre artístico Eve Arrow, es música y compositora chilena, desde su irrupción a los escenarios ha llegado a matizar y a entregar su identidad en la escena musical femenina.  En su proyecto es posible saborear el pop rock nacional con algunos toques y gusto alternativo.

 

Filmakersmovie | Cortesía: Eve Arrow | videoclip: Tu Nombre | Dir. Nancy Olguín | Chile, 2018

 

Más allá de su música, cabe mencionar que la cantante destaca por el trabajo artístico que se puede evidenciar en la totalidad de su proyecto y ahora es el turno de admirar su más reciente creación, nos referimos al impecable trabajo de Tu Nombresencillo que además es parte del EP Estocada, lanzado en abril de este año.

 

Tu nombre es una canción de estilo pop melódico con un toque muy sensual y femenino. Esto es precisamente lo que su directora de arte Nancy Olguin , hermana de Eve Arrow,  nos presenta en el videoclip. En él podemos encontrar secuencias fotográficas muy cuidadas para el escenario de esta historia amorosa que raya entre la locura y obsesión.

 

El vídeo ya se encuentra disponible en la plataforma digital YouTube, dispuesto para deleitarnos con su música y arte.

¡Te invitamos a disfrutar de su música!

 

Ver: «Tu Nombre» en Filmakersmovie.

Ver: «Fuego« en Filmakersmovie.

 

Fuente: Eve Arrow

 

Contacto:

Eve Arrow GooglePlay

FB:EveArrowMusic

INST: evearrowmusic

YouTube: Eve Arrow

Spotify: Eve Arrow

contactoevearrow@gmail.com

Chile, 2018

 

Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

Demons Curacaví | Una realización de Francisca Olaeta | Chile, 2016
Demons Curacaví | Una realización de Francisca Olaeta | Chile, 2016

Una realización de Francisca Olaeta

-Sinopsis-

Documental sobre el primer equipo de fútbol americano de la ciudad de Curacaví. Este equipo fue creado por un grupo de jóvenes de la zona que quisieron organizarse para tener la posibilidad de jugar, compartir y salir adelante en el poco apoyado mundo del fútbol americano.

 

Demons Curacaví

Dir. Francisca Olaeta

Chile, 2016

10:43

 

Ficha Técnica:

Realización: Francisca Olaeta

Cámara: Isaac Lizana, Joaquín Pineda

Sonido directo: Rodrigo Soto
Género: Documental
Duración: 10:43 min.
Galería:

Contacto:

Vimeo Francisca Olaeta 

Chile, 2016

 

**Este trabajo se publicó en Filmakersmovie por primera vez el 10 de febrero de 2016**

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Filmakersmovie  presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

Corea – Artista: Delatores | Una producción de Marcelo Parra | Chile, 2018

Corea

Artista: Delatores

Una Producción de: Marcelo Parra

Chile, 2018

3:45

 

 

“Corea” es el título del single extraído del su último disco de Delatores:  “Víctimas del Pánico”, 2016.

 

Equipo:

Producción e idea original: Marcelo Parra

Co-producción: Monogato

Gráficas visuales: Marcelo Parra

Dirección de fotografía: Camila Toro

Asistente de fotografía: Daniel Díaz

 

Galería:

 

Contacto:

Spotify Delatores 

Apple Music Delatores

Álbum «Víctimas del Pánico»

FB: Delatoresmusic

Inst: Delatores

Chile, 2018

 

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México

Por: @pratanacio

Arranca una nueva edición de Pixelatl, el encuentro Internacional de la Animación en México  ( 4 al 8 de septiembre, Cuernavaca Morelos, México),  y en Filmakersmovie tuvimos la oportunidad de conversar con José Iñesta , Director del Festival, ¿Cómo se concibió el proyecto?, ¿Cómo era en México la Animación antes y como es ahora?, ¿Qué nos deparará esta edición? ¡Esto fue lo que nos dijo!

En el marco de una nueva edición del Festival Pixelatl, hablemos de esta celebración de la animación y sus orígenes, ¿cómo surge la inquietud de reunir referentes internacionales de esta disciplina?

México es un país de contrastes. A través del tiempo, su vasto y diverso territorio ha sido escenario para el asentamiento de grupos humanos que, a pesar de compartir muchos rasgos culturales, terminaron diferenciándose unos de los otros de maneras radicales, tanto por las grandes distancias físicas y climatológicas que los separan, como por el diverso grado de contacto e intercambio que esas mismas distancias provocan.

El territorio nacional fue diversificándose de una manera no siempre articulada: tenemos regiones que, al quedar aisladas del resto del país, han preservado mejor sus riquezas culturales y naturales, pero que a la vez padecen problemas de desarrollo superados en otras partes; de manera simultánea hay zonas que experimentan el acelerado avance tecnológico y en calidad de vida, que es propio de las últimas décadas en los países más desarrollados, pero que padecen en cambio los males sociales y medio ambientales de las grandes urbes.

​Pixelatl es una asociación que surge con la finalidad de instrumentar mecanismos que permitan ir cerrando esas grandes brechas que hoy separan a la nación: ya no sólo las distancias físicas, sino también las culturales, educativas y económicas, aprovechando para ello las ventajas de las tecnologías de la información y comunicación, que además de conectar espacios, democratizan la creación multimedia.

Pues no sólo es un asunto de infraestructura para intercomunicar regiones del país, sino de provocar el diálogo y el intercambio, entre nosotros y con el mundo, que sólo puede darse de una manera relativamente simétrica a partir de la creación de contenidos propios, que reflejen igual la visión de las diversas culturas de México, como las grandes contradicciones que nos unen y nos separan, que nos hacen distintos pero universales…

Se trata, en el fondo, de que más mexicanos seamos capaces de construir nuevas narrativas sobre México.

¿Cómo era el México en la Animación entonces y cómo es ahora? comprendiendo que las tecnologías avanzan apresuradamente, y el Festival tiene siete años.

Pues en sus orígenes no había una industria propiamente dicha en México. Estaba Anima estudios, que sigue siendo un pilar de la industria en nuestro país con sus más de 15 años de entrenar e impulsar al sector, pero todavía no incursionaban en propiedades intelectuales originales. En esa época estaban haciendo el “Chavo animado,” una propiedad de Televisa, que de hecho Televisa anunció en nuestro primer evento. Y la tradicional escuela de Guadalajara (Stop Motion) triunfaba con sus cortos con temas oscuros, aunque en esa época se producía un corto cada año de uno de sus afamados directores.

Después de 7 años, sigue estando Anima, que ahora es el estudio más grande de América Latina, que produce 2 largometrajes al año y que ya tiene propiedades propias (Leyendas) o las adquiridas (Don Gato, Cascarrabias, etc.); pero también están Huevocartoon, Mighty Animation, Platypus, Boxel, etc. Y la escuela de Guadalajara (Stop Motion), ha dado un salto importante (sobre todo después del homenaje que hicimos en conjunto con el Festival de Animación de Annecy en 2014) y ahora no sólo están produciendo 2 cortos anuales, sino que ya hay dos largometrajes en camino y están participando más de cerca con estudios del resto del país (como directores de arte, de animación, guionistas, etc.). Siguen triunfando en el mundo pero producen más y ahora están incursionando en largometrajes.

 

En estos años, cuáles han sido o son los momentos críticos que han hecho de Pixelatl sea el festival referente de la Animación en México con gran renombre internacional.

Pues no sé si somos el festival referente de la animación en México… Lo que sí nos diferencia de otros eventos, es que no sólo somos un festival. Desde el inicio concebimos al evento no sólo como un evento de proyecciones donde los artistas o creadores de los proyectos pasan a ser aplaudidos por una audiencia. El proyecto tenía que servir de tres cosas que hacían falta en el 2011 y que todavía siguen haciendo falta pero es en lo que trabajamos año con año para mejorar:

  1. Plataforma de capacitación y profesionalización del sector audiovisual. Que en 2011 no se conocían los estándares de la industria internacional, la forma de crear contenidos, la forma de venderlos, los pipelines de producciones internacionales, etc.
  2. Escaparate para los proyectos mexicanos. Que permitiera a los creadores mexicanos poder llevar sus proyectos y mostrarlos a co-nacionales, medios, distribuidores y posibles socios internacionales.
  3. Que pudiera acercar a los artistas con inversionistas, distribuidores, y canales que pueden invertir en su proyecto y llevarlo a cabo. Hasta el momento somos el único mercado de contenidos audiovisuales en México, impulsamos propiedades intelectuales originales, y ha habido muchos casos de éxito nacionales e internacionales (Mariachi Zombi, Villanous, Molly & the cryptos, Vikingos, Raise the bar, etc.)

 

Hablemos de lo que se vivirá este septiembre, ¿con qué nos encontraremos creativos, artistas y animadores?

Con un evento auténticamente internacional… En la edición 2018 contaremos con la presencia de gente Reino Unido, Estados Unidos, Corea, España, Irlanda, Japón, Holanda, Indonesia, Colombia, Argentina, Francia, Brasil, México, Ecuador, Chile y Canadá. Además, participantes del Salvador, Costa Rica, Uruguay, Bolivia, Guatemala, y muchas personas más que se han inscrito para participar en el evento.

 

También con mucho talento en la parte de formación… Lee Unkirch (Coco), Kat Morris (Steven Universe), Paul Harrod (Isla de Perros), Deanna Marsigliese (Increíbles 2), Elizabeth Ito (Hora de la Aventura), Hilary Florido (Regular Show), y 80 conferencistas. que se encargarán de impartir 800 horas de formación en una semana.

 

 

También veremos un mercado más consolidado con los tomadores de decisiones de diversas cadenas y plataformas para llevar a cabo proyectos audiovisuales: Netflix, Amazon Studios, Disney, Cartoon Network, DreamworksTV, Discovery Kids, Adult Swim, Warner Bros Animation, PBS, etc.

 

Finalmente, podremos encontrar este año muchísimo reclutamiento… Estarán reclutando estudios nacionales de animación y videojuegos (como Anima Studios), pero también vienen 11 empresas de la Provincia de Quebec a tratar de conseguir 100 puestos que requieren. Estarán empresas como RodeoFX (Game of Thrones), Ubisoft, On Animation (Playmobil), Squeeze Animation Studio, Framestore, etc.

 

Una gran sorpresa de este año fue la convocatoria en alianza con Televisa, el gigante de la producción en México, ¿Por qué es imprescindible dar oportunidad a artistas y estudios para mostrar su talento?

 

Es muy importante buscar la conexión de casas productoras y canales con la comunidad creativa. Los contenidos que vemos en pantalla son generalmente los mismos o nuevas versiones de algo anterior y esto se debe a que las nuevas voces no tienen oportunidad de ser escuchadas por los ejecutivos que toman decisiones de producción. Una forma de entrar al negocio de la propiedad intelectual original es a través de trabajos por encargo (como esta convocatoria de Televisa). Es decir, primero trabajas para algún canal de televisión o cadena, maquilas su contenido o los apoyas en sus proyectos y ya que haya cierto nivel de confianza, entonces presentas tus proyectos originales que quizá le puedan interesar al canal. Y el otro camino es desarrollar tu proyecto y moverlo en mercados (como Pixelatl) para que los ejecutivos decidan invertir por tu propuesta.

 

Quién o quiénes, artistas, animadores, creadores, inspiraron e inspiran a los integrantes de Pixelatl para dedicarse a este apasionado e ilimitado mundo de la animación.

 

En lo personal, siempre fui fanático del arte, de los grandes maestros Leonardo, Michelangelo, y también de algunos contemporáneos como Picasso o Dali. De animación y cine, soy fan de animadores tradicionales como Glen Keane (aunque ya ha incursionado a realidad virtual) o de ilustradores como Kim Jung Gi. Me gusta lo que hacen y lo que dejan a la humanidad. Es un reto construir arte a través del tiempo, por lo que los artistas animadores, cineastas, desarrolladores de videojuegos tienen un gran mérito por crear arte a través de estas formas.

 

Nuestro programador, Christian Bermejo, es animador Stop Motion y por eso siempre tenemos a grandes genios de esa técnica en nuestro festival como Henry Selick, Phil Tippett, y en esta edición a Paul Harrod. Es muy importante tener un equipo diverso para poder tener un programa diverso, y Christian sabe balancear muy bien la parte artística de la animación con la parte comercial que genera industria.

 

Algún mensaje para el gremio, para los jóvenes que estudian, para los estudios mexicanos, para quien comienza a descubrir este maravilloso mundo:

 

Lo más importante, que se den cuenta de la importancia de poder contar historias. Es un arte de mucho trabajo y dedicación, pero que puede cambiar al mundo. Siguiendo por la misma línea, es importantísimo prepararse. Contar historias no es subir un vídeo chusco a youtube, hay que conocer los arcos narrativos, el camino del héroe, los diferentes arquetipos de personalidades, la psicología detrás de las personas, las motivaciones del ser humano, narrativa, filosofía, etc. Contar historias es como un músculo que se debe de ejercitar. Hay que entrenarlo, retarlo, desarrollarlo, pero sobre todo usarlo. Un contador de historias debe de estar siempre escribiendo y describiendo.

 

elfestival.mx

Algo más que desees compartir con nuestra comunidad:

Pixelatl es un esfuerzo colectivo. Este proyecto no sería posible sin el equipo que trabaja incansablemente para cambiar a México y al mundo a través de contar historias. Somos un equipo pequeño pero increíblemente apasionado y lleno de esperanza. Trabajamos hasta altísimas horas de la madrugada y estamos de pie antes de que cante el gallo así que no quisiera dejar de agradecer a Jordi, Christian, Ricardo, Diana, Lupita, y Julia por hacer este proyecto posible. Sólo en equipo podríamos llevar a cabo este evento que rebasa fronteras y transforma corazones y es gracias a la labor incansable de cada uno de ellos que Pixelatl palpita y sigue creciendo.

 

Agradecemos profundamente a José el tiempo y espacio para conversar con nosotros y compartir los momentos de Pixelatl. Les deseamos todo el éxito en esta nueva edición que sin duda estará llena de historias de éxito, entrañables y memorables.

 

Cineminuto Pixelatl

Creado por Vanilla Studios.

 

 

Para enterarte sobre las noticias de Pixetatl visita elfestival.mx 

FB: @Pixelatl

Ins: @pixelatl

Tw: @Pixelatl

V:    Pixelatl

YT:  Pixelatl

 

 

Perla Atanacio | Filmakersmovie

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio México

Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks, Camaleón Films, Presumiendo México y Radio Ranchito FM.  Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas. 

 

La premiada novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” que aborda la migración universal, reaviva el género de la radionovela en México

 

Iván Uriel | Fotofrafía: Revista Enlázate, Puebla, México.

La novela “El Surco, historias cortas para vidas largas”, del escritor, politólogo y documentalista mexicano Iván Uriel Atanacio Medellín, que ha recorrido México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa, relanza con fuerza el género clásico de la radionovela, que ha formado parte del entretenimiento cotidiano de las y los radio escuchas mexicanos por décadas. Publicada en 2011 y comentada por escritoras como Elena Poniatowska y Carmen Berenguer, “El Surco” es la primera entrega del proyecto literario “Apología del Encuentro”, que incluye la publicación en 2015 de “El Ítamo” y en 2018 del poemario “Navegar sin Remos”.

 

Dicho proyecto literario, ganador del Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas 2017, ha cautivado a lectores, escritores, investigadores, académicos y activistas a nivel internacional, gracias a su contenido realista, estilo innovador y una técnica narrativa que entrelaza historias que describen las relaciones humanas desde la migración universal. “El Surco” es una novela testimonial escrita sin capítulos, narrada por diferentes voces y acentos de México, y unida en su estructura por el horario en tiempo real de una jornada de trabajo en los campos de cultivo.

 

Para llevar a cabo la adaptación literaria, Iván Uriel colaboró con la guionista Perla Atanacio, Directora General de Filmakersmovie, sitio iberoamericano ganador en tres ocasiones del premio AMIPCI, ahora Asociación de Internet Mx. Perla ha escrito guiones para series de televisión, comerciales y documentales, y como productora fue nominada a Mejores Valores de Producción en la pasada entrega de los Premios Pantalla de Cristal por el comercial “Hazlo UPAEP”.

 

“El Surco”, citada en tesis doctorales, estudios sociales, lingüísticos y migratorios, y que ha inspirado coloquios, obras de teatro y cortometrajes, fue seleccionada para celebrar el “Día Internacional de la Lengua Materna” y representó a México como novela extranjera invitada al Encuentro Nacional de Escritores de Chile, así como en la Semana de Escritores Hispanos en Norteamérica, organizado por las universidades Umass, BU, Harvard y el Instituto Cervantes de España. Entre otros logros, abanderó a América Latina en el Congreso Internacional en Derechos Humanos organizado por la Universidad de Milán y ha sido comentada en instituciones como la UNAM, Universidad Iberoamericana, UV, BUAP, UPAEP, UAEH y recientemente se presentó en Francia e Italia.

 

“El Surco” la radionovela, es una idea original de Arturo Zorrilla e Iván Uriel, quienes al proyecto literario, suman este serial auditivo en homenaje a los senderos migrantes que emprenden un viaje acuestas el dolor, delante la esperanza alrededor del mundo.

 

La serie integrada en su primer temporada por 20 capítulos, cuenta con la coordinación de Enrique Guadarrama, y la producción de Rocío Marín, y Mathew Becerril, quienes desde grupo Ultra y Presumiendo México, se dieron a la tarea de seleccionar, dirigir y adecuar diferentes voces para dar vida a los personajes de la novela.

 

“El Surco”, primera radio novela producida por Radio Ranchito a través del 102.5 FM de Morelia, Michoacán, será transmitida todos los martes y jueves a las 3 de la tarde (centro de México) , con repeticiones sábados (9:30am CDMX) y domingos (7:00am CDMX) en mismo horario, y para México, Estados Unidos, América Latina y el resto del mundo mediante su aplicación en línea.

 

Desde Filmakersmovie nos unimos a este proyecto que nacido desde el testimonio y la literatura, presenta una propuesta auditiva, que de igual forma relanza un género del entretenimiento y hace énfasis en temas por reflexionar de la agenda social de México.

http://www.radioranchito.com.mx/radio

Filmakersmovie

Redacción.

Cena para 3

Por:  @pratanacio

En vísperas de año nuevo Diego se prepara para reencontrarse en la última noche del año con  Carmen, su antiguo amor. El joven arquitecto ha estado en Madrid en los últimos años y parece haber regresado para quedarse. Lo que parece ser una cena de reencuentro será, sin saberlo, un recuento de temas pendientes en el amor, aquí y allá.

 

Cena para 3, escrita y dirigida por Juan Carlos Blanco Ramírez, supone la historia de amor entre Diego, Carmen y su novia española Valentina, que inesperadamente decide emprender la aventura de su encuentro.

 

¿Qué presupone la cena de año nuevo para  los protagonistas? La adrenalina del amor idílico, el platónico, el pasional, mueve los hilos de esta trama donde el pasado va marcando las líneas narrativas que el cineasta propone. Vemos pues tres narrativas contadas desde sus protagonistas.

 

¿Qué presuponen los preparativos de la cena de año nuevo para nosotros? ¿En quién pensamos? ¿A quién visitamos? ¿Con quién brindamos y comemos uvas? ¿Con quién decidimos compartir la vida?

 

Protagonizada por Ramón Medina (Aerosol, Fear the walking Dead, Los Miserables), interpretando a un Diego meditabundo y a veces resolutivo;  por Fabiana Perzabal (Sense 8, Bienes Raíces), una mujer que huye del pasado , y Amparo Barcia (El Tiempo Entre Costuras, Guerra de ídolos), quien da vida a Valentina, una mujer arriesgada; Cena para 3 nos  invita a la reflexión de las relaciones personales y del cómo, una noche como la noche vieja o año nuevo puede ser trascendental para tomar decisiones en nuestra vida, al menos en la de los protagonistas.

 

Un viaje, un reencuentro, un recuento, un pequeño perro llamado Dieguito que nos envuelve en ternura, son algunos de los momentos que a modo de subtexto nos dicen más de lo que los diálogos nos pueden explicar.

 

Esta cinta es producida por el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, A.C., en co producción con CTT Exp & Rentals, con fotografía de Daniel Blanco “Cache” AMC. Cuenta con la colaboración de la artista visual Brisa Vega y de los artistas Eric Ibarra y Juan Blanco V.

 

Cena para 3 se ha presentado en festivales de cine, y recorre México en busca de nuevos espacios para presentarse, si usted quiere conocer si exhibir esta cinta puede contactarse a atay@lanetafilms.com.

Agradezco al productor Arturo Tay el compartirme esta cinta para poder conocer y reconocer el trabajo de los artistas de INDIe.

 

Cena para 3

Dir. Juan Carlos Blanco Ramírez

México, 2015

Trailer: 01:30

Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.

 

 

Foro: Perla Atanacio

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio México

Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks, Camaleón Films, Presumiendo México y Radio Ranchito FM.  Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas. 

 

Misión Imposible: Repercusión, la impactante epifanía de Tom Cruise

 

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

 

Un despliegue de pirotecnia vuelta en secuencias de acción magistralmente dirigidas, el epítome de película de verano, y un portento cinematográfico a su género, hacen que Misión Imposible: Repercusión, brille con luz propia dentro de una saga que acumula cinco entregas previas, consolidando una franquicia que por su inigualable consistencia cualitativa, bien puede considerarse la mejor serie de acción de los últimos 25 años.

 

Misión Imposible: Repercusión | Dir. Christopher McQuarrie | E.U.A., 2018

 

Estrenada bajo el aura de consagración que parecía dibujar como tintes de insuperable, la espléndida Misión Imposible: Nación Secreta, Repercusión cuenta con diversos atributos que la convierten probablemente en la más arriesgada, audaz, ambiciosa y bien ejecutada película dentro del serial de espionaje, que, con Misión Imposible,  iniciara en el verano de 1996 el mítico Brian de Palma.

 

Las primeras cinco parte del serial ofrecieron los visos de cinco directores distintos, que enfocaron sus cualidades en pos de continuar la trama de espionaje, los gadgets sorpresivos, los cambios de identidad, las secuencias coreografiadas desde lo individual y lo colectivo, y el tema musical a inspiración de Lalo Shifrin que encumbra emotivamente a cada clímax operístico dentro de las cintas. Una fórmula que pudiera resultar en destino del tedio, se convirtió en un guión estructural que por lo contrario, representa un reto en cada una de las secuelas porvenir. Así, John Woo y su MI:2, fue mal recibida por la crítica mientras se convirtió en la cinta más taquillera a nivel mundial en el año 2000; J.J. Abrahams hizo de MI:III en 2006, su ópera prima, y a partir de ese momento también se convirtió en productor de las tres postales siguientes, el ahora director élite, ahondó en el personaje de Ethan Hunt de forma más persona, reflejando un lado más vulnerable que incluso la actual misión explora.

 

Brad Bird, galardonado con dos premios Óscar por sus cintas animadas Los Increíbles y Ratatoullie, debuta como director de actores en live motion con Misión Imposible: Protocolo Fantasma, que sin duda, en 2011 catapultó a la saga tras varios años de hiato, y de paso dejó en el imaginario, la espectacular secuencia en donde Ethan Hunt, escala el edificio más alto del mundo para entonces, esa secuencia en Dubai resulta apoteósica. Así, tras el estreno de Jack Reacher en 2012, llegó el turno para Christopher MacQuarrie de abonar su propia visión de la serie al su colaboración con el protagonista.

 

Prevaleciendo en las seis películas únicamente el personaje de Luther, interpretado por Ving Rhames, MacQuarrie continua el ensamblaje de caracteres que prosigue el humor, ahora un tanto más serio, de Simon Pegg, la indómita presencia de Rebeca Ferguson, la elegancia cómplice de Alec Baldwin, y a ellos, suma la acertada participación de Henry Cavill, y de la soberbia Vanessa Kirby, para completar el elenco que hace de Repercusión, una cinta igualmente balanceada entre las espectaculares intervenciones de dobles y actores de reparto en sendas coreografías de acción y actuaciones sólidas, en muchos casos, aunadas a la fiebre ya clásica de la saga por la realización de peligrosas escenas por parte de los propios actores. El resultado, una pieza de increíble precisión que luce por completo en pantalla IMAX.

 

Una cinta llena de maestría, en cuya estructura bien incluye obertura, arias, interludios y epitafios no concluidos, para dar cabida a una probable secuela, MacQuarrie repite sin repetirse, y presenta una versión plena de dinamismo, que vira hacia lo complejo que resulta la trama de espionaje, enredo e intriga internacional, con la solemnidad del relato. Pero si la ejemplar veracidad de la película recae en los efectos prácticos y en su conjunción tecnológica para mostrar el mayor realismo posible, en franca oposición a las ya abundantes películas de súper héroes bañadas hasta el hastío de efectos especiales CGI y pantallas verdes, el mayor efecto visual es su protagonista: Tom Cruise.

 

Misión Imposible: Repercusión | Dir. Christopher McQuarrie | E.U.A., 2018

 

Ícono, leyenda, mito, Cruise, se muestra encomiable, carismático y con el usual profesionalismo que le ha llevado a realizar sus escenas sin necesidad de dobles, y a poner en riesgo el físico hasta sufrir lesiones y detener por un periodo de tiempo el rodaje. Comparado a las veces con Jackie Chan, Cruise se diferencia por el uso de implementos, instrumentos y herramientas de trabajo, lo mismo maneja una moto que un auto, un camión que un helicóptero, escala una montaña, un edificio, aguanta la respiración bajo el agua, se cuelga de un avión o es capaz de arrojarse lo mismo en paracaídas que pilotearlo.

 

En Repercusión, Cruise ha dejado muy alto el listón cualitativo de su heredad, y en esta película especialmente relacionada al ambiente que ofrecen directores como Christopher Nolan en El Caballero de la Noche, o George Miller, Mad Max: Furia en Dos Ruedas, alcanza rasgos de epifanía cinematográfica que recuerda la variedad de rangos donde podemos disfrutarle a lo largo de sus casi cuatro décadas en la industria.

 

El mismo actor nominado a tres premios Óscar, y ganador de tres Globos de Oro, luce con total esplendor a sus 56 años, y logra lo anterior con un despliegue de energía que motiva, evoca e inspira al espectador, que recuerda a Cary Grant en Intriga Internacional de Alfred Hithcock. En Repercusión, cada textura está diseñada al compás de su cinematografía, bellamente compuesta por Rob Hardy, como exquisita resulta la composición de su banda sonora por Lorne Balfe, que trae a la memoria a Hand Zimmer, su maestro. Esa orquesta que conduce con soltura MacQuarrie, representa el espíritu de la serie televisiva – original de Bruce Geller- que irrumpirá los televisores durante la década de los años sesenta, un equipo que se integra en la derivación de un colectivo, y un liderazgo que es capaz de amalgamar y hacer converger los valores de lealtad en favor de una causa que les da origen.

 

Repercusión pone de manifiesto la vulnerabilidad de los personajes ante el discernimiento entre la profesión,  la amistad y el objetivo, que coadyuvan la tensión que hace de lo evidente lo improbable y de lo improbable lo evidente, un juego de búsqueda y encuentro que atiende al principio fundacional de la serie.  MacQuarrie aprovecha su talento como guionista, recompensado en 1995 con el premio Óscar por la magnífica Los Sospechosos Comunes, para dar cuerpo al engranaje y el bien común en vilo para afrontar la prueba, es ahí donde todo adquiere sentido y brinda incluso, un dejo humanidad a la historia, ya que mostrará las razones por las cuales Ethan Hunt se aleja de lo querido, abandona su pasado, y arriesga su misión por aquello que ama, sea la pareja, la institución, o el amigo, ante una la maldad inherente en el escenario perenne de las películas de acción, donde el bien y el mal dirimen fuerzas frente a la ética y la lógica de los sucesos.

 

Ante la inminente amenaza global, el dolor, arrepentimiento, vacío y la desesperación, no tienen cabida en la ejecución del deber ser de los personajes, interconectados con la casualidad, con la casualidad o con el infortunio, quienes portan en sus líneas y sobre todo en sus expresiones, la suma de todos los miedos y ansiedades que la falta de apego más no de motivos corresponden.

 

La búsqueda de un estado de felicidad que parece no existir, la resignación, el sueño lúcido o las máscaras que cubren las secretas intenciones caracterizan los momentos climáticos que para muchos críticos, hacen de Repercusión, la mejor de las películas de la serie y una de las mejores películas de acción de las últimas décadas.

 

Lo cierto es que desde nuestra apreciación, Misión Imposible: Repercusión es la mejor película del verano y se coloca en la competencia directa por los premios especializados en los enormes logros técnicos de su realización, y a su paso, brinda una oportunidad más de seguir reconociendo una de las leyendas más importantes de la historia de Hollywood, y quien se ha mantenido como la estrella más conocida del panorama cinematográfico internacional.

 

Misión Imposible: Repercusión

Dir. Christopher McQuarrie

E.U.A., 2018

 

 

 

Foto: Iván Uriel

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

 

El bebé de Rosemary

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

 

 

El terror psicológico, un subgénero de la literatura y la cinematografía de terror, está sustentado en un miedo o angustia creado a partir de un temor creciente gracias a las supersticiones, las culpas o las inquietudes de los personajes. Se trata de más que un simple susto, provocado siempre por la expectativa o supuesto de algo, el fantasma que sale desde la penumbra por ejemplo, generando una tensión de suspenso que lleva al límite de incertidumbre a los personajes, lo que deriva en una presión que causa inestabilidad emocional en ellos.

 

Este género se alimenta de la ansiedad, una inquietud latente que crece y provoca que los personajes imaginen el peor escenario posible, duden de sus sentidos y permanezcan en un desasosiego que los debilita, física, pero sobre todo, mentalmente.

 

Estas son las bases sobre las que se construye El bebé de Rosemary (EUA, 1968), película escrita y dirigida por Roman Polanski, quien se basa en el libro homónimo de Ira Levin. Protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer, la historia trata de un matrimonio de jóvenes, los Woodhouse, que se mudan a un nuevo departamento en Nueva York. El edificio está rodeado de historias de lo sobrenatural y muertes inexplicables, pero ellos creen que sólo son relatos inventados, leyendas urbanas o chismes de ociosos. Pronto sus vecinos, los Castevet, comienzan a frecuentarlos hasta irse insertando en su vida cotidiana, algo que Guy parece disfrutar pero que a Rosemary inquieta. Cuando ella queda embarazada, comienza a sentir malestares que su doctor, amigo y recomendado de los Castevet, desestima. Sola y sin una figura íntima a su lado, familiar, amigo, colega, conocido o doctor que la apoye, Rosemary comienza a temer por su condición y el futuro de su hijo. Cuando un viejo amigo le da algunas pistas que le indican que tanto sus vecinos como el edificio están relacionados con sectas religiosas de culto a Satán, la joven se da cuenta que puede estar en peligro y que hasta su esposo está inmerso en todo que le está provocando malestar.

 

Hay una piedra angular que permite adentrarse a la psicología del personaje principal: su papel como madre. Su temor hace que se preocupe, más que por su propio bienestar, por el de su hijo, una reacción natural de protección hacia otros, propia de su condición de mujer, de su estado de embarazo y del contexto social que se presenta a partir de conocerse la noticia de su próxima maternidad.

 

El bebé de Rosemary (1968), del polaco Roman Polanski

 

El peligro de amenaza latente a su alrededor aumenta gracias al instinto de protección y sobreprotección que, al mismo tiempo, hace a Rosemary un personaje con el cual brota empatía; ver a una mujer a punto de convertirse en madre involucrada con un grupo religioso que podría estar poniendo su vida y la de su hijo en juego, toca fibras sensibles de solidaridad hacia ella. El débil de una minoría frente al peligro provocado por un grupo con poder; o el indefenso contra un opresor que tiene los medios posibles para ocultar los mecanismos como ejerce presión.

 

Y aunque la amenaza real es indirecta, porque tanto ella como el espectador se preocupan por un ser que aún no ha nacido, ese es el esquema con el que el terror psicológico juega constantemente; la incertidumbre, sobre lo que pueda pasarle, sobre lo que aparentemente quiere o busca ese grupo satánico y, desde luego, sobre la amenaza en sí, así sea real, inventada o imaginada. El propósito es alterar su estado mental, acosarla, debilitarla; lo mismo se hace con el espectador, se busca ponerlo en el lugar de la protagonista, hacerlo dudar, tanto de lo que ve como de lo que cree ver.

 

La pregunta se vuelve inevitable, ¿por qué Rosemary no notó  algo extraño antes o hizo algo al respecto más pronto? Porque se trata de una mujer insegura, sola, débil de carácter, preocupada siempre por complacer al otro y con poca capacidad para cuestionar su entorno. Estas características que forman su personalidad la hacen blanco fácil para manipularla, malearla y engañarla. La joven no es una persona decidida y la constante duda sobre el mundo y sobre sí misma la vuelven vulnerable. Pero más importante, sin un grupo de personas que funja como sustento y apoyo, Rosemary queda desprotegida y sin una voz que, a su lado, cuestione su entorno, en especial cuando ella falla en hacerlo por sí misma.

 

Para cuando lo hace, ya es demasiado tarde y la urgencia propicia que provoque errores. ¿En quién confiar si realmente no se ha relacionado con nadie lo suficiente para esperar consideración de vuelta? ¿A quién pedir ayuda si las únicas personas que se han ofrecido para ayudarle son las mismas de quienes tiene que huir?

 

La confianza se sustenta en un sentir de seguridad respecto a algo o alguien, una persona con la que se tiene familiaridad, alguien con quien, al mismo tiempo, se deposita fe en su juicio. Así mismo la soledad implica la inhabilidad de poder depositar la confianza en algún otro, que es el caso de Rosemary. Ya sea por desconfianza, aislamiento, miedo, precaución o inocencia, la situación lleva a la protagonista a caer en una espiral de focos rojos sin nadie con quien consultar opiniones y reflexiones al respecto, que puedan ayudar a trazar un panorama objetivo en cuanto a aquello que parecen no tener importancia, pero que probablemente la tenga, de acuerdo con el contexto, por ejemplo, la constante intromisión de los Castevet en su quehacer diario. El espectador va entendiendo que su vigilancia extrema trata, más que de otorgarle cordialidad y fraternidad, de un mecanismo de control y vigilancia por parte del grupo religioso, preparando a Rosemary para dar a luz al hijo del Diablo.

 

El bebé de Rosemary (1968), del polaco Roman Polanski

 

Pero, removiendo el enfoque sobrenatural, ¿una actitud como tal de parte de sus vecinos no se sentiría extraña e invasiva en un contexto cualquiera? Lo es, y esa es la verdadera prueba que Rosemary tiene que pasar, el aprender a defenderse de aquellos que amenazan su bienestar, aprender a decir no cuando la situación lo requiere, incluso si aquella persona a la que se le da la negativa es su propio esposo; se trata incluso de saber ´leer´ a las personas; conocerlas sin ‘conocerlas’, así se trate de compañeros de trabajo, conocidos o, como en este caso, vecinos. ¿Qué tanto conocía realmente Rosemary a las personas a las que dejó entrar en su casa y en su vida? Más aún, ¿qué tanto conocía realmente a su esposo, quien accede volverla presa de este grupo a cambio de oportunidades de empleo y finanzas que le benefician más a él que a su familia?

 

Rosemary no es una víctima en sí, porque no es una persona destinada al sacrificio. Sufre, en todo caso, consecuencias dañinas, por dos factores. Uno, la falta de habilidad y astucia. No se trata de carencia de conocimiento, es falta de certidumbre y convicción, incluso respecto hasta de sus propias decisiones. El segundo factor es el medio sociocultural en el que se desenvuelve; una comunidad que minimiza su palabra por estereotipos, por ejemplo de género, personas que la miran y creen que es fácil engañarla con frases como ‘Es normal’, como le dice su doctor cuando se queja de dolores durante el embarazo. Cuando la joven se da cuenta que la desidia de la gente no es normal, o no debería serlo, entonces busca una salida a su problema. El segundo doctor a quien busca, sin embargo, llama a su esposo creyendo que su denuncia, el temer por su vida y creer que su marido es parte de la gente que busca hacerle daño, está infundada. ¿Por qué no creerle o por lo menos darle el beneficio de la duda?

 

¿Qué falta en la vida de Rosemary para sobrevivir? ¿Qué la habría sacado de su apuro? ¿Qué le queda en la vida si los pocos cercanos a ella la han engañado hasta convertirla en un medio para cumplir su verdadero propósito? ¿Cuántas ‘Rosemarys’ hay en la vida real que, como en la película, quitando el elemento ‘culto religioso’, sufren a partir del control excesivo de la gente que miente diciendo actuar en nombre de su bienestar? ¿Cuántas situaciones de la vida diaria son formas de ‘terror psicológico’ disfrazado de cotidianidades, que, se les dice a la gente, son ‘situaciones normales o comunes’, cuando no lo son o, en todo caso, no deberían serlo?

 

El Bebé de Rosemary

Dir. Roman Polanski

Estados Unidos, 1968

 

 

Foto: Diana Alcántara

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo  y el cine en general . Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.

 

Adán y Eva (todavía)

Por: Montserrat Varela

 

Del mito del génesis surge esta interesante película que lleva a tan conocida historia a dar un giro inesperado: Adán y Eva probaron dos de los frutos prohibidos, con el primero, como todos sabemos, se ganaron la expulsión del paraíso, pero con el segundo ganaron la vida eterna. Sin embargo, ¿quién querría vivir para siempre fuera del paraíso?

 

La interesante historia que plantea este film se traduce en una reflexión profunda sobre las relaciones de pareja de largo aliento, como mantener vivo el deseo y sobre todo cómo mantener viva esa motivación que nos impulsa a desear seguir viviendo y a continuar sintiendo asombro.

 

Del director y guionista mexicano Iván Áviles Dueñas, este largometraje nos hará viajar por un México decadente y kitch en donde sus protagonistas buscarán día tras día nuevas experiencias que los alejen del letargo y del aburrimiento. Así, experimentarán con lo cotidiano creando por ejemplo su propia ropa o haciendo del decorado de su habitación un collage, adoptando las nacionalidades que más les apetecen e intentando obtener placer sexual de formas cada vez más torcidas. Pero para nuestros protagonistas les es difícil vencer la apatía que además parece arrastrar a toda la humanidad en pleno arranque del siglo XXI.

 

Finalmente, la tan ansiada vida eterna se convierte en una maldición para estos amantes que ya no optan por compartir su vida juntos sino tendrán que estar juntos por el resto de sus días sin alternativa.

 

Eva y Adán (Todavía)

Dir. Iván Avilés Duelas

México, 2004

 

 

 

 

Foto: Montserrat Varela

Montserrat Varela | Escritora y guionista | moonvaliente1q81@gmail.com | México

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León

 

Nuk en el Lunario

Por: @pratanacio

Hoy se presenta NUK en el Lunario del Auditorio Nacional en la CDMX. Esta banda de Funk y Rock están listos para deleitarnos con un concierto donde se celebrará la música.

En Filmakersmovie tuvimos la oportunidad de entrevistar en exclusiva  a Manson Töyen ( Charlie Gamboa, músico, productor musical nominado al Grammy), keytarits en NUK, quien nos habló de lo que se vivirá esta noche en el santuario de la música. 

 

 

Hablemos de NUK, ¿Qué significa el nombre? ¿Cuál es su género?

NUK viene del idioma Maya y significa grandeza. Nuk apoya su sonido rock en diferentes tendencias de música de vanguardia, aunque siempre con el funk y rock como hilos conductores.

 

¿Cómo se conocieron y cómo deciden armar la banda?

Aunque NUK surge en 2014, es  hasta ahora en 2018 cuando logra un sonido más orgánico y completamente análogo, regresando a los fundamentos del funk en las bases rítmicas, el soul en la armonía e interpretación y el rock en su potencia y libertad.  

Listos para presentarse en el Lunario ¿Cómo se viven los días antes de una presentación?

Nos reunimos hasta más de tres veces por semana en el estudio de grabación donde tenemos todo listo para solamente llegar y ensayar. Los chicos de las cámaras siempre llegan a levantar tomas, mientras los de producción coordinan un sinfín de de pendientes con los de styling, ingenieros de audio, logística etc. Por supuesto los tacos en banda saben mejor, tenemos nuestros lugares favoritos alrededor. Realmente la pasamos muy bien.

 

¿Qué temas escucharemos en esta noche de funk y soul?

Tocaremos canciones como “Tormenta”, la cual pueden encontrar el vídeo clip en Youtube, “Peligro”, “Cápsula de Tiempo”, etc. Para este concierto NUK tiene preparado un show que integra talento nacional de clase mundial con mucha esencia de Funk y versiones nuevas de nuestras canciones más conocidas. El sonido de NUK sigue siendo profundo y dimensional, con profundas y espaciales armonías apoyadas en una estructura rítmica sólida que integra lo suave y armónico con las potentes frecuencias de la guitarra distorsionada, las deleitosas melodías de la flauta transversal y el saxofón al estilo Dave Matthews band.

 

¿Cuáles son los planes para Nuk y dónde podemos escuchar su música?

Planeamos lanzar un DVD en vivo de este concierto. Pueden escucharnos en todas las redes sociales.

 

 

 

Pueden hacer una invitación abierta al público para asistir a su concierto en el lunario…

¡Vengan, se la van a pasar genial. Nos abrirán nuestros hermanos de “Funker”!

Agradecemos a todo el equipo que se ha sumado para poder hacer realidad esto, a todo nuestro staff. No podríamos mencionarlos a todos ya que somos demasiados.

Puedes adquirir tus boletos en Ticketmaster.com.mx 

Agradecemos a Manson Töyen el tiempo y espacio para concedernos esta entrevista a pocas horas de su concierto.

¡Que siga la música!

 

Puedes seguirlos en:

Facebook Nuk Army Club

Instagram @nukarmy

Youtube Nuk Army

 

 

Filmakersmovie: Perla Atanacio

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio México

Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks y Camaleón Films. Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas.