Filmakersmovie y Presumiendo México se unen para apoyar el cine y las producciones audiovisuales realizadas por artistas mexicanos a través de Filmakermovie México, un espacio dedicado para exhibir estas piezas en televisión.
Filmakersmovie nace en 2012 en (Xalapa y Puebla, México) con el objetivo de difundir y exhibir el trabajo de realizadores iberoamericanos al rededor del mundo, es por esto que en este nuevo espacio en la televisión se compartirán las piezas mexicanas e iberoamericanas que se han difundido en estos casi 6 años de gestión cultural.
Este espacio se transmite a través del canal de televisión Presumiendo México, con sede en Aguascalientes, Ags., México, y puede verse también por streaming en presumiendomexico.com.mx, todos los miércoles a las 22:00 hrs (centro de México). Las seleccionadas serán transmitidas en el espacio televisivo y todas serán difundidas a través de Filmakersmovie.com
Convocatoria
Importante: la extensión máxima de las piezas deberá ser de 50 minutos, incluidos créditos, dirigidas a todo público sin importar el género. Producida por mexicanas y/o mexicanos en México u otro país, y se debe contar con los derechos para difundirla.
Filmakersmovie y PMTV se reservan el derecho de publicar contenidos que trasgredan los derechos humanos y animales.
Podrás enviar el material para su visionado a contacto@filmakersmovie.com , asunto: «Convocatoria Nacional o Convocatoria México».
¡Sé parte de este lugar común para contar historias!
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.
Yo Sandro | Dir. Miguel Mato | Argentina, 2018
Un Film de Miguel Mato
– Sinopsis-
A mí el sueño me desbordó. Un pibe de barrio transformado en ídolo musical, comparable al mismísimo Elvis Presley, quien fue, a su vez, su ídolo. Sueños y realidades, realidad que desborda los sueños, recuerdos que traen aquellas realidades transformadas en sueños, y ensoñación que transforma la realidad actual en realidades pasadas. Guiada por la voz de Sandro una cámara subjetiva, que lo encarna a él mismo, construye escenas de su vida pasada, recuerdos de su niñez, adolescencia, de su familia, maestros y amigos.
-Synopsis-
I was overwhelmed by my dreams. A kid from poor neighborhoods becoming a musical idol we could only compare him to Elvis Presley who was at the same time his idol. Dreams and reality, reality overwhelmed by dreams, memories bringing these realities transformed in dreams, and a dream state which transforms the current reality in past realities. Lead by Sandro’s voice, a subjective camera builds scenes of his past life, memories from his childhood, and his adolescence, his family, masters, and friends.
Yo Sandro, la película (mí vida)
Dir. Miguel Mato
Argentina, 2018
Trailer: 2:25
En 2016 tuvimos la oportunidad , en Filmakersmovie, de entrevistar al Director Miguel Mato que estaba finalizando el rodaje de la cinta documental «Yo Sandro», en aquella conversación pudimos conocer el porqué decidió adentrarse en la historia de Roberto Sánchez, conocido como Sandro, el ídolo musical que logró lo inimaginable. Traspasó fronteras, llenó el Madison Square Garden siendo el primer artista y cantante latino en presentarse en el corazón de NY. Hoy, un par de años después, celebramos el estreno de esta cinta en la Argentina, que también ha sido presentada en el Festival de Cine de Guadalajara, México, en su más reciente edición.
Entrevista: Daniel Nájera, Vuelve a Mí, el cine y Cannes
Por: Perla Atanacio
Comienza la Semana de la Crítica en Cannes y México, junto con el Festival Internacional de Cine de Morelia, estará presente, en el marco del encuentro el director Daniel Nájera Betancourt exhibirá su film “Vuelve a Mí”. Gracias al productor Arturo Tay tuvimos la oportunidad de conversar con él y esto fue lo que nos dijo…
Hola Daniel, pronto estarás presente en la 57 edición de la Semana de la crítica CANNES, ¿cómo se da esta oportunidad?:
Veníamos de ganar en el Festival de Morelia por cortometraje mexicano de ficción, pasaron los días y al ir a las oficinas del festiva una chica de allí me dice entre broma que ahorre para la Semana de la Crítica y yo sólo me reí sin saber por qué lo decía. Pasó el tiempo y en efecto recibimos una invitación desde allá para ir a exhibir el cortometraje como parte de un genial proyecto que tienen la Semana de la Crítica y el Festival de Morelia que ambos exhiben mutuamente lo más relevante de cada edición.
Qué significa para ti participar, ¿recibiste algún apoyo para asistir?
La verdad desde aquella loca noche cuando me mencionan ganador del premio pues… ¿Qué te digo? El veinte tardó días en caerme, como si estuviera aturdido tras recibir la única buena noticia en años para mí. Después empezaron a caer apoyos por ejemplo para post producción y pues la noticia que exhibirán el corto es quizás irrepetible y por lo tanto muy bella por lo inesperado que van sucediendo las cosas como llegar con tremendo laurel a dicha sede, si me da orgullo. Ya después, la Comisión de Filmaciones de Chihuahua, así como las dependencias culturales y de educación les interesó el proyecto mío de ir allá y finalmente FONCA también nos apoyó.
En la pasada edición del Festival de Cine de Cannes se suscitó la controversia Cannes vs Netflix, ¿cuál es tu postura al respecto?, ¿las películas de Netflix o alguna otra plataforma, tienen, o no tienen derecho a participar en el Festival?
El festival de cine de Cannes a mi parecer no es un festival de cine digital, así mismo creo que el nacimiento de estas nuevas plataformas trae consigo nuevas formas de hacer las cosas y quizás un cambio sea doloroso pero inevitable. Si los derechos los adquirió alguien pensando que se adecuaría mejor a cierta plataforma sería entrar en un largo debate. Al final estamos hablando en sí de cine y películas que por sí solas no las categorizamos por el tipo de plataforma que puedan obtener.
¿Ahora cuéntanos sobre Vuelve a mí, de qué va esta cinta y cómo surge esta historia?
“Vuelve a mí” es un modo de traer a estas personas que ya no están con nosotros de algún modo u otro, digo un modo puesto que no puedo decir “se trata de esto solamente” y ¿Qué trae esa ausencia? a lo mejor aprendizaje, alguna nostalgia o mero crecimiento. Se buscó emular la vida de este niño, sin música para lograr efectos, quisimos realizar una evocación a modo de recuerdos o episodios y pues hay algo que no se expresa allí pero si se resiente. Esta historia salió de una beca que da el PECDA y me tocó ganar en el 2015 y pues estuve trabajando en ir a Chihuahua y tomar fotos y hablar con gente de un mercado que descubrí por encargo familiar, venden unos caldos de res famosos y resultó ser un lugar descuidado, bonito pero olvidado. Así mismo se propuso como proyecto de tesis en mi escuela anterior, INDIe Centro de Estudios Cinematográfico.
Vuelve a mí | Dir. Daniel Nájera Betancourt | México, 2018
¿Cuál ha sido el recorrido en festivales de este film? ¿El público te ha comentado su reacción? ¿Qué te dicen?
Ha tenido un recibimiento moderado, hemos estado también en el Festival Internacional de Cine de Monterrey, en SHORTS México DF, Festival Internacional de Cine de Curaçao, Rotterdam, y pues al final de las proyecciones me comentan acerca el dirigir a niños que nunca habían actuado, que el corto los ha llevado a un estado diferente a cuando llegaron y pues bueno también hay gente que no le agrada la duración (una señora me pidió que hiciera una versión corta personalizada casi casi) o de plano el corto en sí simplemente no les gustó y dentro de esa gente algunos eran los mismos que compartían proyección conmigo (risas).
¿Cómo director cuál fue tu momento más difícil y cuál el más fácil, o bien el más gratificante sobre Vuelve a mí?
Creo fielmente que para todo esto genial que me ha estado pasando tuve que pagar o mejor dicho sufrir. “Vuelve a mí” ha sido mi lección de vida más bonita; antes de filmar era complicado de México a Chihuahua hacer una producción y asegurarle a tu escuela la cual pone en ti toda la confianza, que lograrás tu sueño fílmico. Teniendo luz verde el rodaje salió bien, pero fue lo que vino después lo que significó algo para mí; desde romper una relación sentimental, no tener empleo o que te ninguneen en ellos, el cambiarme constantemente de lugar para vivir, admitir frente a tu familia que quizás este sueño de cine llegó a su fin y contemplar regresarte a tu ciudad porque no había salida, complicaciones aquí y allá que en su momento lo veía como lo peor pero ahora, extraño esos días en los que tenían ese aprendizaje tras aprendizaje, esos días también son lo más gratificante, afortunadamente ahora todo es más estable.
Como director y realizador, cómo ves el panorama de producción en México, ¿es cómo te lo imaginabas?
Bueno Marcelo Tobar justo ganó allá en Morelia por su película hecha con celular lo cual demuestra que no deberías esperar siempre a sacarte la lotería para hacer la película de tus sueños, hay que adaptarse cuando las cosas no salen como deberían, “Vuelve a mí” fue hecho con muy poco dinero.
¿Qué película o momento te inspiró para decidirte por esta carrera?
Creo que canso a la gente cuando les digo que “La Dolce Vita” es mi película favorita, así como “Una pareja de idiotas” hasta “El padrino” o “El color de las granadas” de Parajanov; me gustan todo tipo de películas y aspiro a probar muchas voces, creo que hay que reinventarse. Batallo para confiar en la gente endogámica que despreciando todo lo que no es cierto tipo cine terminan haciendo meros tributos de “poesía visual” sin cierto arriesgue o búsqueda personal.
¿Qué le dirías a los jóvenes que estudian cine o que quieren estudiar o dedicarse a esto, cuál sería tu mejor consejo, el que te hubiera gustado que te dieran o el que crees que se debería dar?
A veces creo que el mejor consejo es no hacer caso a todo los consejos que te dicen; la corazonada te dice que tanto, a quien y cuando hay que escuchar. A mí, me funcionaron las cosas a un modo especifico, ojalá no hubiera pasado por tantas peripecias pero a lo mejor que es por eso disfruto tanto esto. Eso sí, de repente había presión conmigo mismo porque pues oye tenía 28 años no ganando algo, ni siquiera era el ya merito; no hay prisa por lograr algo, pero si muévete caón!!
Algo más que quieras agregar:
Yo estoy muy agradecido con la escuela INDIe Centro de Estudios Cinematográficos porque allí me formé, conocí a mis mejores amigos y me han seguido ayudando en cosas de post producción. Agradezco a Martha Liñán porque fue el soporte ayudándome con subtítulos y el envío en estos meses en los que yo no tenía nada de tiempo por cumplir en el C.C.C. y finalmente agradezco a Filmmakersmovie, Arturo Tay y en especial a Alejandra Villalba por todos los consejos.
Gracias Daniel, agradecemos el tiempo y el espacio para concedernos esta entrevista. Te deseamos lo mejor no sólo en la Semana de la Crítica de Cannes, sino también en cada una de esas historias que deseas contar y que serán contadas.
Gracias Filmakers por su lectura, nos leemos y escuchamos pronto en una nueva entrevista.
Vuelve a mí
Dir. Daniel Nájera Betancourt
Dir. Foto: Alexis Zavala
Ojo a Cortometraje de Ficción Mexicano en el 15° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).
Trailer 00:56
Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.
Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Es Productora Audiovisual y cinematográfica, diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
LUIS MIGUEL BUSCA UNA MUJER, A 30 años del vuelo incondicional
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
En 1988 la música en español vive un torbellino de ritmos y propuestas narrativas que van desde el pop al denominado rock en tu idioma, que cimienta las bases de lo que serán los nuevos ritmos de la década venidera. El rock en tu idioma desde México (Caifanes, Ritmo Peligroso, Bon y los Enemigos del Silencio) hasta Argentina (Charlie García, Soda Estéreo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Laureano Brizuela, Héroes del Silencio) con escala en España (Nacha Pop, Hombres G, Radio Futura, Miguel Ríos) traerá una ola de sugerentes alternativas grupales y solistas que definirán una época.
La balada romántica en sus diferentes acepciones, daba pauta y ritmo a un pop que seducía con líricas y melodías que lo mismo atendían a historias juveniles (Timbiriche, Menudo, Karina, Flans) que a estribos más adultos (Miguel Bosé, Emmanuel, Mecano, Pandora) y es ahí, donde Luis Miguel izaba su bandera con un sonido distinto al que le había puesto en la palestra musical de América Latina en sus primeros años. Heredero de intérpretes masculinos consagrados como Julio Iglesias, Sandro, José José, Juan Gabriel, Camilo Sesto y Raphael, y contemporáneo de los nuevos valores latinoamericanos de la canción como Chayanne, Luis Miguel había conquistado América Latina desde niño a través de su poderosa voz, presencia y dominio escénico, pero muchos temían el cambio de edad pudiera afectar su nivel interpretativo, lo que no ocurrió ni al cambio de voz entre la niñez y la adolescencia, y que menos afectó su desempeño entre la adolescencia y su paso a la adulta juventud que le vio publicar el exitoso “Soy Como Quiero Ser” en 1987.
Así, en medio de la expectativa de continuar una senda gloriosa tras un disco de grandes sencillos “Ahora Te Puedes Marchar”, “Cuando Calienta el Sol”, “Busca Una Mujer” se aprestaba a ser el nuevo disco del ídolo juvenil, una apuesta que dejaba los covers grandiosos por canciones ex profeso para el cantante, quien ya en la independencia creativa, sostendría su voz en las letras del maestro Juan Carlos Calderón. “Busca Una Mujer” se convirtió en un éxito instantáneo, un disco generacional que consagró al cantante y que lo situó, desde entonces, en la cima de la música en español.
“Fría Como el Viento”, “Culpable o No”, “Por Favor Señora” y “El Primero”, comprenden las baladas de alto impacto en la producción grabada en Ibiza, España, y que se hicieran del dominio popular gracias a las constantes repeticiones en las radios de toda Hispanoamérica mediante su exposición vía sencillo, y más aún gracias a las altas ventas que alcanzó el disco, “Busca Una Mujer” se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en la carrera de Luis Miguel y en la historia de México. A las anteriores baladas, “Esa Niña”, “Un Hombre Busca Una Mujer” y la colaboración de Luna Fría para el disco “Pupilas de Gato”, ofrecen una pausa melódica que logra una lista de reproducción equilibrada y del estilo que ya definía al Luis Miguel Pop, Baladas, Up Tempos, y que avistaría los metales que vendrían con fuerza en su disco “20 Años” de 1990. “Soy Un Perdedor” y en especial “Separados”, darían al álbum la fuerza rítmica que permitiría al intérprete desplegar su rango vocal y que le funcionarían a la perfección para el vibrado melódico y emocional de sus conciertos en vivo.
El disco se convirtió en un referente del pop de la década de los ochenta, y a su vez, en un viso de las nuevas tendencias en la balada, y en la forma de conectar con las nuevas generaciones de finales de siglo, Luis Miguel sería la máxima figura de esa etapa histórica, y “Busca Una Mujer” le permitiría sin duda completar la travesía musical, lírica y artística que anhela todo cantante ante los cambios de edad, época y horizonte. Pero fue “La Incondicional”, la canción que envolvería todo adjetivo, la composición perfecta en el momento adecuado, el sencillo ideal para un intérprete y su disco, la balada idónea para un intérprete y su público. “La Incondicional” se convirtió en un himno cargado de magia, fuerza y energía, definiría al cantante y a su audiencia en una relación de complicidad, apego, admiración, agradecimiento y cariño, y tal como la situó el canal VH1, sería considerada la gran balada en español de la década.
Tal consideración, ha recibido por igual el videoclip que en 1989 hizo girar y girar los reproductores BETA Y VHS tratando de grabar y reproducir una y otra vez, las escenas coreografías y el diseño de producción magistralmente diseñados por el director Pedro Torres, para un vídeo clip que, basado en la exitosa cinta de 1986 “Top Gun”, dirigida por Tony Scott e interpretada por Tom Cruise, tendría un recibimiento apoteósico y de dimensiones nunca antes vistas para un vídeo musical en la historia del pop en español, “Tú, la misma de ayer…la incondicional”, el H. Colegio Militar de México, el corte de cabello del cantante como un instante de apertura, las secuencias a modo de servicio militar, la bruma, la graduación del colegio, los lentes de sol, los recuerdos, y el vuelo de un avión de la Fuerza Aérea Mexicana en su momento climático, hicieron de esta iniciativa visual, la más celebrada producción audiovisual de la industria discográfica de su tiempo.
Desde 1988 y hasta ya iniciado 1990, “Busca Una Mujer” se estableció como el disco más vendido, escuchado y reproducido incluso en ediciones especiales de vinil, casete y posteriormente masterizado a cd, prácticamente todas las canciones tuvieron espacio en la radio, los vídeos musicales “Fría Como el Viento” y “la Incondicional” ocuparon las programaciones de los canales de vídeos musicales, y Luis Miguel recorrió varios países para más tarde producir su vídeo material “Un Año de Conciertos”. Sería en 1989, durante un programa televisivo con motivo de la promoción de “Busca Una Mujer”, que Luis Miguel compartiría el escenario con el maestro Armando Manzanero, en lo que al devenir, forjaría el primero de sus discos de boleros, la serie Romances iniciaría en 1991 con Romance, el disco grabado en español más vendido de la historia en su momento, pero antes, Luis Miguel disfrutaría del reconocimiento de crítica y audiencia en 1990 con el ya mencionado álbum “20 Años”, que cerraría tres producciones consecutivas de la mano de Juan Carlos Calderón y que constituirían una de las varias etapas doradas en la vida artística del Sol de México.
En MEMORIA, abordamos anteriormente el veinte aniversario del álbum ganador del Grammy “Romances” 1997, con esta “Busca Una Mujer” 1988 en su treinta aniversario, continuamos el serial de Luis Miguel en Filmakersmovie, celebrando la trayectoria del intérprete mexicano y su exitoso regreso a los escenarios.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Ray y Diego, dos amigos inseparables, ven casualmente a una joven vecina desnuda, lo que les desata por primera vez interés en las mujeres, reflejado en la figura de su amiga Gaby. Esto desata un triángulo amoroso que distancia cruelmente a los amigos y les cambiará la vida para siempre.
Entre las azoteas de la Ciudad de México se desarrolla esta historia de amor, entre los papalotes (volantines o cometas), el baile y los deseos que se piden con cada avión que pasa cerca de los protagonistas, y es que, el de los aviones también, son un personaje, incidental, característico de esta gran urbe que ver pasar entre sus edificios historias de toda la vida.
Póster Un, Dos, Tres, Cuatro, Facebook
“Un, dos, tres, cuatro” escrita y dirigida por Jonathan Hernández, es algunas veces contemplativa, y nos permite escuchar, sin oírlos, los diálogos que están implícitos en cada acción, en escena. El título, pareciera ser un pretexto pero es la indicación para disfrutar el compás del corazón.
Esta es una historia de descubrimiento del amor, se la sexualidad, de la amistad, de lo qué vendrá. Por un momento me recordó, en otros tonos, a “Mariana, Mariana” del director Alberto Isaac y guión de Vicente Leñero (México, 1987) que aborda el descubrir, en la infancia, de «eso» que todavía no sabemos definir.
Un, Dos, Tres, Cuatro | Dir. Jonathan Hernández | Arponera Films | México, 2018
Protagonizada por Eric Luna, Ricardo Manuel Gómez, Daniela Newton y Montserrat de León, “Un, dos, tres, cuatro” se ha presentado en distintas salas de cine en México, y en la CDMX como en la Cineteca Nacional, también forma parte de la programación de Shorts México.
La fotografía, bajo el lente de César Gutiérrez Miranda, nos muestra en distintos ángulos el universo de estos personajes, y cómo este sutil triángulo amoroso se desarrolla en medio de las moles de concreto donde sucede la aventura. Los edificios, los tendederos, los cables, y el cielo, son los testigos de esta historia. Las ventanas indiscretas, los papalotes que en el cielo se ven libres y contentos, los aviones que dan esperanza a estos niños de ver algún día sus sueños vueltos realidad.
En este aspecto, el diseño sonoro, a cargo de Omar Juárez Espino y Alejandro Mallorquín nos envuelve en esta urbe que parece solitaria pero que está llena de todo. La Música Original de Cristóbal Maryán, también es cómplice y motivo. Ésta es una producción de Jonathan Hernández, Lino Quintana y Laura Pino.
Agradezco la recomendación que el productor Arturo Tay me hizo del film, y es que de las recomendaciones se dan a conocer las historias imperdibles.
Esta cinta es, sin duda, una mirada fresca de la inocencia, de la niñez, de la ciudad.
Esperamos tener pronto la oportunidad de compartir «Un, dos, tres, cuatro» con la comunidad mexicana e iberoamericana de Filmakersmovie.
Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Es Productora Audiovisual y cinematográfica, diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.
-Sinopsis-
Lucía es una joven que trabaja como costurera en una fábrica y vive junto a su padre en una vieja casa en Santiago de Chile. La película transcurre en diciembre de 2006, en las semanas que van desde el funeral del ex dictador Pinochet hasta la Navidad. A través de la simple observación de la vida cotidiana de Lucía, el espectador accede al universo olvidado de una generación de chilenos que luchan por recuperarse luego de una dictadura militar.
Lucia
Dir. Niles Atallah
Chile, 2010
1:20:21
Premios y Festivales:
El estreno mundial de LUCIA fue en el 58 Festival de San Sebastián, en la sección de Zabaltegi, Nuevos Directores en Septiembre 2010. En Enero de 2011 se exhibió en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, en la sección “Bright Future”. El estreno nacional de LUCIA fue el 4 de Agosto de 2011, en Santiago de Chile.
LUCIA recibió los premios FIPRESCI de la Crítica Internacional, Premio de Descubrimiento de la Crítica Francesa, y Premio Especial del Jurado Coup de Coeur de la competencia en Rencontres Cinémas d’Amérique de Toulouse en Francia, 2011. También ganó el premio de Mejor Director en la competencia de largometrajes nacionales en el Festival de Cine Internacional de Valdivia en Chile, 2010. Elenco:
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.
Un film de Manfre & Iker Iturria
– Sinopsis-
La humanidad ha perdido el contacto con su pasado biológico y emocional. Ha sustituido el medio natural por uno mecanizado. HUMAN CORE es el nuevo programa de divulgación científica, un experimento televisado en el que cinco pacientes son desconectados de su inteligencia artificial y aislados para estudiar la psique humana fuera del alcance tecnológico.
HUMAN CORE
Dir. Manfre & Iker Iturria
HUMAN PRODUCE
Barcelona, 2012
1:23:25
Festivales:
SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2012 Sección: Noves visions – Discovery
Elenco:
Amanda Goldsmith, Elton Canga, Demian Sabini, Sergio Bernal, Saras Gil, Ben Vinnicombe, Sergi Cervera y Jessica Alonso
Crew:
Director, guión, dirección de arte: Manfre & Iker Iturria
Co producción: Xarxa Audiovisual Local (Xal)
Productor Asociado: Mikel Alonso, Igor Iturria
Dirección de foto: Lucas Pinto
Cameraman: Felipe Contreras Soto
Asistente de cámara: Anna Acebes, Maggie Genovese
Gaffer: Pau Savall
Electrico: Hernan Reyes (Nanook)
Music Editor: Cepuntobandish
Souns Mix Studio: Rec Studio Grabaketa
Sound Mixer y Editor: Koldo Corella
Sound Asst.: Maria Filip
Boom Operator: Guillem Molina, Mery Nieto
Traductor de Diálogos: Uri Planas, Melina Matthews, Vanessa Perez de Somacarrera
Asistente de Producción.: Julia Wilke, Marta Olcoz, Argenis Cardona, Maria Eugenia Espinoza
#WARP Presenta: Birdman musicalizada en vivo por Antonio Sánchez en el Auditorio Nacional
Antonio Sánchez regresará a la Ciudad de México para presentar la música original de Birdman (Or The Unexpected Virtue Of Ignorance, 2014), película de Alejandro González Iñárritu que le otorgó fama internacional al baterista mexicano.
Antonio Sánchez, músico y baterista mexicano | Cortesía: WARP Magazine
El evento se llevará a cabo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México el próximo 13 de junio a las 20:30 hrs. Los boletos están disponibles en las taquillas del foro y a través del sistema Ticketmaster.
La cinta de Alejandro González Iñárritu, ganadora de cuatro Premios de la Academia (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion y Mejor Fotografía) no sólo cuenta con una ejecución infalible técnicamente, su propuesta visual, que crea la ilusión de haber sido filmada en un solo plano secuencia, se complementa con la exquisita banda sonora compuesta por Antonio. El músico creó especialmente para el proyecto un score ejecutado totalmente en batería, una combinación de percusiones viscerales llenas de fuerza y mucha improvisación para ambientar los geniales diálogos y momentos incidentales.
Cortesía: WARP Magazine
El evento es producido por CommonSense, filial de Grupo Sentido, agencia de contenidos editoriales, publicitarios y de branding, con especialidad en contenido audiovisual fundada por Alejandro Franco. De esta se desprende WARP, uno de los medios de comunicación de música y estilo de vida, más importantes de Latinoamérica con más de una década de historia a través de sus diferentes plataformas (web, impreso y televisión).
Boletos a la venta a través del Sistema Ticketmaster y en taquillas oficiales del Auditorio Nacional: Liga de compra.
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos e internacionales.
Un film de Javier Ortíz Alcamí
-Sinopsis-
La mascletà, icono indiscutible de las fallas, se dispara cada día a las 14h en la plaza del Ayuntamiento de Valencia durante sus fiestas. Aquellos que la han presenciado alguna vez saben que el suelo tiembla y mientras esto ocurre su corazón se encoge.
Rodado en la ciudad de Valencia.
Fire Time
Una realización de Javier Ortíz Alcamí
España, 2018
1:58
–Synopsis –
The mascletà, the undisputed icon of fallas, is taken every day at 2 p.m. in the Town Hall Square of Valencia during its festivities. Those who have ever seen it know that the ground trembles and as this happens, its heart shrinks.
Filmed in the city of Valencia.
Ficha Técnica:
Canon EOS 5D Mark IV
Canon 70-200mm f2.8 L IS, Tokina 11-16mm f 2.8 DX Pro
Zoom H4N Audio digital recorder
Music: Honor (reprise) by Ryan Taubert
Shot to 50fps & 100fps – Sequence conformed to 25fps
Canon C-Log Picture profile
Adobe Premiere CC 2018 – AriLuts by AriColour LUT
Agradecimientos: Antonio Zanón & Quique Burriel.
Galería:
Fire Time | Dir. Javier Ortíz Alcamí | España, 2018
Fire Time | Dir. Javier Ortíz Alcamí | España, 2018
Único ganador de tres premios Óscar, afamado por su pericia en la selección de personajes, amparado en una trayectoria de interpretaciones que adjetivan la perfección, y envuelto en un halo de misterio, Daniel Day-Lewis se ha consagrado como el más importante actor de su generación, un histrión de su tiempo, que lejos de pretender los reflectores de la fama, que de suyo ha obtenido, o altas cifras de taquilla, concentró su energía en el fluir del arte actoral. Comparado por muchos con otras leyendas de la actuación como Sir Lawrence Olivier o Marlon Brando, Lewis, hasta el momento, aunque comparte con los anteriores una sólida trayectoria en teatro, no combinó efusivamente su vocación hacia la dirección como Oliver ni fue un sex symbol y ave de tempestades como el gran brando. Lewis es una perfecta combinación del actor clásico británico que atiende las tablas del escenario y que al mismo tiempo se adentra a las profundidades del personaje como un consumado actor de método.
Con “Phantom Thread”, la más reciente cinta de Paul Thomas Anderson, Day Lewis dice adiós a las cámaras de cine como actor, y se aleja de las marquesinas, al menos cinematográficas, dejando una huella indeleble, una carrera excepcional y un sello distintivo que pareciera haber sido trazado a perfectas líneas curvas como traza con perfección su personaje de modisto, un oficio que lo mismo requiere habilidad, diseño y astucia, gusto, precisión y sensibilidad, la que lleva al actor, a sumirse en una profunda búsqueda por la perfección creativa, alejando su vida de la realidad, alejando sus sentidos de sentirlos, alejando sus apegos del sentimiento y olvidándose de sí mismo en franca similitud con el compromiso de vida que un artista de método profiere a sus personajes.
Antes de obtener su primero premio Óscar, Day-Lewis pasó de personajes incidentales como en “Ghandi” 1982 de Richard Atenborough, ganadora de Mejor Película y Mejor Actor con Ben Kingsley, Lewis escaló el protagonismo con pasos agigantados y sutiles en cintas de prestigio, “The Bounty” 1984 de Roger Donaldson; “A Room With a View” 1985 de James Ivory (Quien recién ganó el Óscar por Mejor Guión con la espléndida “Call Me By Your Name”) y “The Unbearable Ligthness of Being” 1988 de Philip Kaufman basada en la exitosa novela de Milan Kundera. Pero fue con “My Left Foot” 1989 de Jim Sheridan, que Lewis alcanzó reconocimiento universal, ganando el Óscar en una de las más cerradas contiendas por Mejor Actor que se hayan visto en la historia de los premios de la Academia.
Tom Cruise “Born in the Fourth of July”, Robin Williams “Dead Poets Society”, Morgan Freeman “Driving Miss Daisy” y Keneth Branagh “Henry V”, compartieron una terna de pronóstico reservado. La década de los años 90, trajo para Lewis nuevos retos y una etapa de mayor introspección ideológica, política y actoral, “The Last of the Mohicans” 1992 de Michael Mann; “In The Name of the Father” 1993 de Jim Sheridan que le daría una nueva nominación de la Academia, y con quien más tarde haría “The Boxer” 1998; “The Age of Innocence” 1993 de Martin Scorssese, con quien repetiría complicidad en su reconocida actuación por “Gangs of New York” 2002, compartiendo créditos con Leonardo di Caprio y perdiendo el Óscar con la sorpresa de la noche, Adrien Brody “The Pianist” 2002 de Roman Polansky, quien se impuso no sólo a Lewis sino también a Jack Nicholson “About Schimidt” 2002 de Alexander Payne.
Acostumbrando a la audiencia a prolongados recesos para preparar sus personajes y a la vez tomar tiempo para sí, en una forma de escape, libertad o cercanía a la interioridad artística, el nuevo milenio ofreció a Daniel papeles memorables, epítome de su talento. En 2007 Paul Thomas Anderson le encomendó el papel principal de su aclamada “There Will Be Blood”, la que para muchos es una de las mejores actuaciones masculinas de la historia, en una de las mejores películas no sólo de su década sino del nuevo siglo. Esa temporada los premios llovieron a ramilletes, incluyendo su segundo Óscar a Mejor Actor. Premio que si bien lo encumbraba, aún aguadaba la compañía de una nueva estatuilla, la tercera, la definitiva.
Con “Lincoln” 2012 de Steven Spielberg, Lewis vuelve a los roles biográficos, pero en esta ocasión, sin mayor referente visual que fotografías, descripciones literarias y referencias orales a modo de tradición, que hicieron de su versión del prócer norteamericano, una auténtica creación actoral, que le valió el estatus de, hasta la actualidad, ser el único actor que haya ganado tres premios de la Academia en la categoría de Mejor Actor.
De esta forma y ante su reciente nominación en la 90ª entrega de los Óscares, los reflectores atendieron en parte los movimientos, expresiones y la imagen en sí de un maestro que, aún a sabiendas de que no recibiría el galardón, pues su compatriota Gary Oldman llegaba con etiqueta de amplio favorito por su extraordinario Winston Churchill en “The Darkest Hours” 2017 de John Wrigth, asistía con la gallardía, caballerosidad y respeto por el oficio que se convirtió en parte de su ser y de la cual, el actor británico, de corazón para muchos irlandés, se despide con “Phantom Thread” dejando en la heredad un testamento de grandeza, amor y pasión por el arte actoral.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Cosmopolis | Dis. David Cronenberg | Estados Unidos, 2012
Estrenada en el Festival de Cannes y dirigida por el talentoso David Cronenberg, Cosmópolis es una película imperdible para nuestro siglo. Basado en el libro homónimo escrito por el galardonado escritor posmodernista Don Delillo, por extraño que parezca, este film es uno de los pocos que sin duda supera a la novela.
Su género es una mezcla entre road movie y thriller; la historia es el retrato de la vida de un joven multimillonario, Eric Packer (Robert Pattinson), que viaja a través del imposible tráfico de Manhattan en su limusina pues quiere ir a su peluquería favorita a cortarse el cabello. Dentro de este curioso espacio en movimiento se suscitarán reuniones de negocios, visitas médicas, encuentros sexuales, llamadas y conversaciones que pretende retratar un día “cualquiera” en la vida de nuestro protagonista. Sin embargo, para Eric ese día es especial pues un hombre lo ha amenazado de muerte.
Lo plástico y superficial del mundo en donde se desplaza; lo absurdo, distante y alienado de sus relaciones; lo mundano de sus inquietudes y deseos, dibuja con bastante exactitud al hombre de negocios de nuestro siglo y logra con su choqueante retrato llevarnos a una profunda reflexión sobre el valor real de nuestra vida en relación con la muerte. Si a veces se nos olvida que somos mortales, “Cosmópolis” llegó para recordárnoslo.
Cosmópolis
Dir. David Cronenberg
Estados Unidos, 2012
Trailer: 2:00
Foto: Montserrat Varela
Montserrat Varela | Escritora y guionista | moonvaliente1q81@gmail.com | México
Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”. Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)” y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.
Ciencia es conocimiento, razonamiento, observación y deducción; aprendizaje estructurado que crea principios explorados, puestos en práctica y comprobados, pero no exentos del debate y el cuestionamiento. La ciencia busca respuestas, explorando e indagando, investigando e interpretando y, a veces, esas respuestas plantean más preguntas, porque el saber no cesa y el mundo cambia, modificando también al hombre y la forma como aborda esos conocimientos.
Interestelar | Dir.Christopher Nolan | Estados Unidos, 2014
“La ciencia explica lo que ignoramos”, dice uno de los personajes de Interestelar (EUA-Reino Unido, 2014), película dirigida por Christopher Nolan y escrita por éste junto con Jonathan Nolan. Ganó un premio Oscar en la categoría de mejores efectos visuales, además de que estuvo nominada en cuatro categorías más: mejor banda sonora, diseño de producción, sonido y edición de sonido.
Protagonizada por Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Mackenzie Foy, Casey Affleck, John Lithgow, Ellen Burstyn, David Gyasi, Wes Bentley y Topher Grace, la película se desarrolla en un futuro en el que el hombre ha deteriorado al mundo a un grado en el que el planeta está a punto de ser inhabitable. Un grupo de científicos de la NASA (Administración Nacional de la Aeronáutica y del Espacio,) son enviados a una misión para determinar si alguno de los planetas en los que se cree posible pueda haber vida son realmente viables para servir como nuevo hogar para la humanidad. La misión tiene sus propias dificultades, pues para llegar a ese sistema solar el equipo deberá cruzar por un agujero de gusano, donde el tiempo y el espacio están alterados, mientras que en la Tierra las familias de los investigadores deben asimilar tanto el efecto personal de la misión de los astronautas como prepararse para la posibilidad de que ellos fallen y, por consiguiente, los habitantes del planeta tengan que enfrentar su posible extinción.
Para la ciencia es clave analizar cómo y por qué suceden las cosas, entender el contexto, su lógica y su funcionamiento para dar conclusiones, es decir, esas explicaciones que permiten al hombre entender su mundo, conocer el proceso de su evolución. A partir de estos lineamientos se crean teorías y conocimiento puesto en práctica. Por ejemplo, la tecnología, que es tanto investigación científica puesta en acción como creación de conocimiento, a través de experimentos y nuevas construcciones, máquinas, fórmulas, teorías o principios, que permitan explorar nuevos enigmas.
Explorar el universo, como lo es explorar el propio planeta, requiere de una base científica que haga posible llegar a rincones nuevos e inimaginables. Querer llegar a Júpiter, por ejemplo, no implica sólo tener conocimiento del universo, la física, la gravedad y el sistema solar, sino también conglomerar teorías sobre la biología humana, la mecánica y la tecnología, para que la máquina que se requiere construir para que un humano pueda viajar esa distancia espacial, sea convertida en una realidad.
La película en este caso pregunta al espectador cómo es que el hombre hace uso de esa tecnología, ¿a su favor, en beneficio de su ignorancia o en beneficio de la ciencia? Si es para conocer más, entonces ¿en qué sentido? El hombre crea las máquinas, por ejemplo un robot, ¿para conocer más sobre el mundo que le rodea o para conocer menos, conformándose con lo que ya sabe? Es imposible dejar atrás el saber, porque un camino inicial puede tener ramificaciones que empujen hacia nuevos fundamentos para debatir. Lo importante es hacia dónde dirigir estos debates, dudas y acciones.
Hay una gran diferencia en cuanto a función y concepción, por ejemplo, entre una máquina que asiste a los doctores durante una cirugía y una máquina que sirve para que dos personas en dos puntos distintos del planeta puedan enviarse mensajes y fotografías. Ambas implican ciencia y tecnología; entender su camino, de la idea a la utilidad, implica profundizar respecto al motivo por el que se creó inicialmente esa máquina (¿cuál fue la inquietante que movió a su creador?) y cuál es el uso que finalmente le da el hombre a ella.
En un punto de la película, cuando Joseph Cooper, protagonista y ex piloto de la NASA, va a la escuela de sus hijos para hablar con sus profesores, ahí comienza a cuestionar la importancia del uso de la tecnología, la ciencia y el conocimiento. Cooper está molesto porque su hijo no podrá entrar a la universidad. Los profesores de la institución le dicen que el chico es más útil, para la sociedad en ese momento, si continúa como campesino, porque la humanidad, el planeta, ha llegado a un estado de deterioro tal que la tecnología ya no es importante, donde lo prioritario es cubrir las necesidades básicas de la población, la alimentación, por lo que los futuros trabajadores que se necesitan son campesinos que sepan sembrar, no ingenieros para los que ya no hay dónde trabajar ni nada que aportar.
Interestelar | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2014
Cooper difiere y dice que aunque las personas que trabajan la tierra son vitales para la supervivencia del hombre, los ingenieros y otros profesionales con sus labores son también importantes para el futuro. Un ingeniero podría, según él lo ve, buscar nuevas respuestas para cómo sobrellevar la situación y resolver el problema. La idea es sencilla, para la sociedad la prioridad es subsistir, para Cooper la prioridad debe ser más que vivir al día, indagar para encontrar respuestas, para ofrecer opciones, para seguir intentando no sólo sobrevivir, sino mejorar y volver a progresar.
Ambas posturas, desde el punto de vista como lo razonan, están en lo correcto; para Cooper es salir en busca de respuestas, para la gente en su mayoría es sacar provecho de lo que se tiene, desde un punto realista de alguna forma. ¿Quién tiene la razón, el que sueña e imagina o el que se plantea la solución de problemas con las herramientas que tiene, tangiblemente a la mano? En corto, la respuesta es, los dos. Pero la verdadera relevancia de esta variedad de pensamiento es no ser necio e intransigente respecto a lo que se cree, sino dejar la puerta abierta al debate, al escepticismo, al análisis, a la búsqueda de nuevos saberes. Hay que aferrarse a algo, pero no tanto como para cerrar las nuevas posibilidades que se presentan.
Cooper responde al problema de la forma como puede hacerlo, como el resto de los personajes, a su manera, conforme a su propia formación y cultura; los hijos de Cooper, los científicos de la NASA y hasta el resto de la población lo hacen también a su modo, porque lo que el mundo necesita es que alguien responda al llamado a corto plazo, trabajar los sembradíos para obtener comida, para que la gente que trabaja en enfrentar la problemática a largo plazo tenga oportunidad de aportar su propuesta.
Eventualmente el ex piloto se topa con la base de la NASA, agencia gubernamental estadounidense supuestamente extinta, donde los científicos que aún laboran ahí están buscando una solución para evitar la extinción de un planeta que muere cada día por una tierra que se hace menos fértil y un clima aún más contaminado que provoca que la esperanza de vida sea cada vez más limitada.
La misión de estos expertos parece sencilla, encontrar un planeta al cual trasladar a todos los sobrevivientes antes de que sea demasiado tarde. El plan tiene sus implicaciones éticas y morales, puede ser visto como una forma de huir, pero también puede ser visto como una solución alterna, para comenzar desde cero. Para Cooper huir significa tanto abandonar la Tierra como abandonar a los muchos que no puedan ser reubicados en el nuevo planeta, si existe, lo que representa darle la espalda al hombre y perder en el proceso parte de la humanidad que hace al hombre un ser empático y social, en sí, humano.
Interestelar | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2014
El plan de viajar a tres potenciales planetas, de donde se han recibido transmisiones de parte de otras misiones anteriores, enviadas a explorar el espacio, es tan riesgoso como aventurero, prometedor pero con un margen grande de error. Lo que Cooper no sabe es que encontrar este nuevo planeta para habitar no es todo el riesgo que la misión implica, pues la NASA aún no ha encontrado cómo trasladar a la población de la Tierra a ese hipotético nuevo hogar, debido a que se han presentado distintas alteraciones en la gravedad que no harían posible que una nave tan grande pueda salir de órbita.
Si el bache persiste las personas serán olvidadas, destinadas a morir junto con la Tierra, mientras que el nuevo planeta será poblado con muestras de embriones que se desarrollarán en máquinas de incubación. Aquí la tecnología da respuestas, pero también implica limitantes, la ciencia no puede resolver todos los problemas pero, irónicamente, es la ciencia misma, o el hombre en su uso de la ciencia, quien creó esos problemas, con sus inventos, su explotación de suelos, la mecanización de los procesos, la creación de energía inestable, etcétera.
El relato también plantea preguntas importantes sobre la forma como el hombre percibe la ciencia y la compara, o contrapone, con la fe y con todos aquellos sentimientos intangibles que motivan a las personas a actuar. Elegir cuál de los tres planetas explorar primero es una decisión que debe basarse en datos recabados que demuestren la viabilidad o probabilidades de la existencia de una superficie que permita a la humanidad establecerse para vivir ahí. Pero la información puede ser incorrecta, insuficiente, o alterada por el hombre, como sucede en la historia, por un astronauta que hace esto, alterar la información, con el fin de cambiar las señales que reciben los otros, engañándolos, para que éstos, considerándolo un potencial candidato, viajen hasta ahí para rescatarlo. Al llegar descubren que el astronauta modificó los datos y que todo fue un engaño, motivado por su instinto de supervivencia.
La misma variante de la ecuación, el sentir humano, entra en juego cuando se toma ésta y otras decisiones a lo largo del relato. La mente analiza los datos, pero la persona no puede dejar de lado sus propios sentimientos, deseos y anhelos, su instinto de supervivencia y lo que ella o él realmente desean hacer, independientemente y no siempre a la par con la misión.
Entender el mundo es entender las explicaciones e interpretaciones que hace el hombre de él, parámetros, leyes y medidas que él mismo establece y dictamina. Entender el espacio y el tiempo es darles lógica a estos criterios estandarizados que el ser intenta encapsular, organizar, medir y, en cierto modo, materializar. ¿Cómo entender, por ejemplo, el tiempo, sin recurrir a las horas, los días y los años? ¿No cuando dos personas se distancian por un largo periodo, aunque no supieran los días exactos transcurridos, habría en ellos una sensación de vacío de su entorno, por la falta de la presencia del otro? ¿Es esta sólo la racionalización de los sentimientos u otra forma de entender la distancia entre un instante y otro, o la velocidad con que éstos suceden? Y si el tiempo es una medida de vida, ¿qué es en cuyo caso la vida o la muerte? Finalmente, estos conceptos también son conceptualizados a partir de la forma como el hombre ha delimitado su forma de entender el mundo. ¿Puede haber otras formas de entender el tiempo, el espacio, el universo, la gravedad o la vida?
La mente realiza un proceso de interiorización e interpretación para racionalizar conceptos, primero en el plano básico, casi lineal, después hacia las tres dimensiones de la física: altura, anchura y profundidad. Para descubrir que, por ejemplo, una nube se mueve y no se cae, es necesario entender tanto las dos dimensiones largo y ancho como el motivo por el que la nube va de un lugar a otro; esto es, entender la gravedad y la rotación de la Tierra, aunque en primera instancia no se les denomine así ni se profundice en sus explicaciones. ¿Cómo entenderlo entonces? Viéndolo y viviendo, a través de la vista, de los sentidos, percibir lo que sucede para después interpretar, para intentar conocer el proceso, el objeto, la cosa.
La lógica, en primera, es nombrarla. Para entender el tiempo hay que darle un nombre y una medida. Esta es una forma de razonarlo, siempre dentro de parámetros, según la ciencia con la que el hombre mismo explica y se explica estos conceptos. Éstos pueden cambiar, expandirse, cuestionarse y retroalimentarse.
En la película, Cooper, en su intento porque Amelia Brand, la última compañera astronauta que queda con vida para completar la misión, llegue al tercer posible planeta donde se pueda establecer la humanidad, queda atrapado en el gusano negro. Debido a las alteraciones del espacio-tiempo, Cooper termina encerrado entre las diferentes dimensiones, flotando entre distintos instantes tridimensionales pero a través del tiempo. Estando ahí logra comunicarse con su hija, ya adulta, a través de la gravedad (la fuerza electromagnética), única forma como puede alterar, desde donde se encuentra, el espacio y el tiempo. La película no profundiza en la forma científica como esto es posible, dejándose llevar más bien por el drama sentimentalista, pero por lo menos ofrece algunos indicios para explicar el concepto de una manera práctica.
Interestelar | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2014
Murphy, su hija, a quien le insiste que su nombre, que se inspira en la Ley de Murphy (una ley empírica para explicar acontecimientos según las posibilidades), no fue elegido porque la regla diga que si algo malo es propenso a suceder, sucederá, sino porque el principio más bien habla de que lo que ha de pasar, pasará, que es una forma de entender la ley en positivo y no en negativo, es quien descubre, siendo aún niña, los mensajes que su padre, de alguna forma en el futuro, atrapado en las cinco dimensiones, envía.
Cuando Cooper queda en medio del agujero de gusano, descubre que debido a esta especie de paradoja, existente por la misma alteración temporal, debe escribir los mensajes que indican las coordenadas de la base de la NASA para, entonces, ser invitado a la misión, en la cual atravesará el agujero negro. Si él en ese momento no entablara esta conexión de comunicación, no encontraría en el pasado la base de la NASA, no formará parte de la misión y no quedará atrapado en el agujero de gusano para enviar este mensaje en primer lugar, cuyo fin último es aún más importante que esto, es darle la ecuación que le falta a la Murphy ya adulta y trabajando en la NASA para lograr construir la nave, según las especificaciones exactas de la física, para salir con éxito de la Tierra y dirigirse hacia otro planeta donde establecer a los sobrevivientes humanos.
Interestelar se refiere a un lugar entre estrellas, un lugar en el espacio que se encuentra rodeado de astros, un lugar donde las posibilidades son infinitas y el tiempo es relativo. La vida es en esencia eso; un momento, un sitio, una vivencia llena de oportunidades, rodeada de muchas más historias y sus posibles resoluciones, esperando en el tiempo y el espacio a ser descubiertas. La ciencia es sólo una de esas posibilidades, pero posiblemente la más viable y objetiva. Corresponde al ser humano darle su dimensión.
Interestelar
Dir. Christopher Nolan
Estados Unidos, 2014
Trailer 2:20
Foto: Diana Alcántara
Diana Miriam Alcántara Meléndez | México
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismoy el cine en general . Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.
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