20 abril, 2026

Filmakersmovie

Metrópolis

 

Por: Diana Miriam Meléndez Alcántara

 

Metrópolis | Dir. Fritz Lang | Alemania, 1927

Lo mecanizado implica un proceso mecánico, que significa automático, es decir, programado y sin reflexión sobre las acciones que se realizan. Por la forma operativa como las máquinas funcionan, la palabra bien sirve para definirlas, pero a veces el hombre, en su organización y respuesta predispuesta, sin consciencia, también actúa de esta manera.

 

La película Metrópolis (República de Weimar, 1927), considerada ‘Memoria del Mundo’ por la Unesco y exponente de la corriente del expresionismo alemán, fue dirigida por Fritz Lang y escrita por éste junto a Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de ella. Protagonizada por Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel y Rudolf Klein-Rogge, la historia trata de una sociedad futurista en la que las clases sociales están marcadamente divididas. La clase adinerada y en el poder vive los lujos que obtiene del trabajo de la clase obrera, que literalmente viven bajo tierra, trabajando excesivamente con jornadas de explotación laboral. La ‘alienación del trabajo’ en términos de Karl Marx (1818-1883), cuya teoría dice que en el sistema capitalista, el trabajador, la fuerza de trabajo, no es tratado como una persona, sino una mercancía, utilizable y equivalente a dinero.

 

Los obreros en la película, sin embargo, reciben esperanza de María, la hija de uno de estos trabajadores, cuyo discurso de unión y solidaridad mantiene a la clase social de abajo deseando un cambio y, más importante, la posibilidad de éste.

 

El señor Fredersen, el dirigente de la ciudad, intenta encontrar una forma de mantener a sus trabajadores alineados, poniendo medidas que limitan la libertad de pensamiento de los obreros, específicamente con jornadas laborales excesivas y trabajos mecanizados que han vuelto a las personas sumisas, obedientes y automáticas. Su hijo por su parte, aprende de la realidad del mundo en el que vive cuando un día decide seguir a María, de quien se enamora. Allí descubre una verdad que hasta entonces desconocía, tanto por desidia como por ignorancia, que sus similares no viven en un mismo ambiente como él, que sus similares son tratados diferente, que la gente, que es, vive y piensa como él, tiene un estilo de vida muy distinto sólo por provenir de una clase social que la organización social considera ‘inferior’.

 

Freder se pregunta cómo es que su padre es capaz de tratar así a las personas y someterlas a una explotación laboral como la que viven los obreros. Le pregunta entonces qué pasaría si los obreros se unieran y se pusieran en su contra, sabiendo no sólo que los trabajadores son mayoría, sino que ellos son quienes con sus manos han edificado la ciudad.

 

 

María, que lidera a un grupo de obreros que buscan mejores oportunidades, menciona que, en efecto, la ciudad es producto de su trabajo; ellos, los obreros, construyeron los edificios y hacen a la ciudad funcionar porque son ellos quienes manejan las máquinas que hacen que la ciudad tenga ‘vida’; alguien tiene que activarla, encender los generadores de luz, por ejemplo, o los sistemas de transporte, etcétera.

 

Ella insiste que la clave es el balance, que se logre alcanzar un entendimiento entre el planeador y el constructor, es decir, entre el dueño de los medios de producción y los obreros que los trabajan. En esta ciudad, Metrópolis, esto aún no sucede y el resultado es un grupo de empleados explotados, descontentos y condicionados, frente un grupo de empleadores que en su afán de hacer su proyecto funcionar, han recurrido a un sistema falto de humanidad y de ética hacia las personas que para ellos trabajan.

 

Tanto María como Freder llaman a los otros ciudadanos ‘hermanos’, porque son gente como ellos, que respira, sonríe, anhela y sufre. Estos dos personajes muestran empatía por la gente que les rodea, porque los ven como similares, no más, no menos, sino equivalentes. Y como tal se preguntan, ¿por qué algunos tienen más o menos que otros, si todos somos iguales? ¿Por qué hay privilegiados y explotados, si todos en Metrópolis son ciudadanos que conviven en un mismo mundo?

 

Pero el señor Fredersen tiene un nuevo plan de control, gracias a la llegada de las máquinas y específicamente de los robots, uno además muy similar, en especial físicamente, a los humanos. “He creado una máquina a imagen del hombre, pero que nunca descansa ni comete errores. Ya no necesitamos trabajadores”, le dice el inventor de este robot al señor Fredersen.

 

Este robot que el inventor propone, presentándolo como la máquina que no se equivoca y tampoco descansa, implica un ‘trabajador’ al que se le puede explotar, creyendo que esto es mejor para humano, o para un grupo exclusivo de ellos; no previendo las fallas que la máquina pueda sufrir, a corto, mediano o largo plazo. Las personas miran el beneficio, su beneficio, al usar la máquina, el invento, pero no vislumbran los contras que su presencia y su uso puedan traer consigo, sino hasta que ya es demasiado tarde y lo hayan ya rebasado a él y su sociedad.

 

La idea de Fredersen es reemplazar con máquinas, a las cuales controle mejor y más precisamente, a todos los trabajadores; sustituirlos, aprovechando que el sistema ya está mecanizado en muchos sentidos, en una ciudad que trabaja gracias a tecnología e industria masiva que ha vuelto al mundo y los medios de producción una serie de procesos coordinados, con reglas estrictas diseñadas para beneficiar a pocos a costa del trabajo de los muchos.

 

Metrópolis | Dir. Fritz Lang | Alemania, 1927

 

Lo que la clase pudiente en esta sociedad quiere es construcciones que les beneficien a ellos, no a la mayoría; lo que quieren es trabajadores que obedezcan, que no piensen, que hagan lo que les dicen. Lo han logrado explotando a los obreros, pero pretenden dar el siguiente paso con las máquinas, esperando que éstas, debido a sus programas, piensen aún menos que el hombre.

 

El problema de los obreros no es rebelarse, es hacerlo sin entender el panorama que esto implica. Están tan predeterminados a actuar y pensar de una cierta forma, la que la clase alta les dice, que no saben cómo expresarse o cómo conseguir lo que desean. María pide paz y empatía, cordialidad y diálogo entre las partes, pero lo que el señor Fredersen logra, convirtiendo al robot a semejanza de María y haciéndole tomar el lugar de la chica, es despertar el caos entre las personas, incitándolas a la violencia.

 

Lo que el señor Fredersen busca alcanzar no sólo es crear conflicto para después mostrarse él como el salvador, sino lograr que los propios obreros se destruyan a ellos mismos, como personas actuando en contra de su sociedad, pero también como medio de producción primordial. Que su fuerza se convierta en su perdición y que la destrucción, en lugar de dar paso a la revolución, haga a la gente más dócil, más manipulable.

 

Lo que se espera es destruirlo todo para reconstruir desde cero, según los deseos e intereses de una clase exclusiva y sin tomar en cuenta lo que la mayoría de la población necesita.

 

El plan que María propone es enmendar errores, cambiar, adaptarse en lugar de voltear la cara al problema. Frederse llama, a través del robot María, a destruir a las máquinas viejas para que las nuevas y mejores lleguen a sustituirlas, incluso éstas aún son funcionales. Su pensamiento no sólo es el de reemplazar, sino que la máquina está por encima del hombre, y específicamente del obrero.

 

Cuando los obreros se deciden destruir su ciudad, bajo suelo, tampoco entienden que el sistema en que viven, en el que han dejado reinar a la máquina por sobre ellos, depende tanto ya de estos inventos que, destruir a las máquinas significa ahora destruirlo todo, destruirse ellos.

 

En un mundo lleno de aparatos industrializados, es el hombre el que actúa como robot, de forma mecanizada, como bien lo representa la película con el actuar de los obreros. Son ellos los que ya no se detienen a pensar, porque trabajando más de diez horas al día, limitan su tiempo de recreación y reflexión, reaccionan sin crítica y omiten el análisis, porque ya están tan acostumbrados a hacer lo que se les dicta que ellos mismos no saben cómo observar el contexto para entonces tomar decisiones.

 

Uno de los ejemplos que explica María, para demostrar la calidad de su situación, es el de la Torre de Babel, una edificación que promete unificación pero que al final, es construida por la mayoría, para complacer a una minoría; un lugar donde haya un solo lenguaje, pero en donde los arquitectos no pueden si quiera comunicarse para hacerla una realidad. “Alabanza de pocos, tormento de muchos”, explica la joven, señalando que el profesar un estado de unión y hermandad no debe limitarse a las palabras y las promesas, sino que debe traducirse también en acciones.

 

Cuando María dice que debe haber un entendimiento entre quienes planean la construcción y quienes la llevan a cabo, ella habla de un elemento clave para que esto suceda, corazón; algo que, no sólo no tiene la máquina, y no lo entiende tampoco, sino que no es mecánico, más bien cambiante, porque se adapta a la realidad del contexto y de la gente, como valor humano, reflexivo, que requiere de análisis y empatía.

 

Metrópolis

Dir. Fritz Lang

Alemania, 1927

Transformación de María  3:00

 

 

Foto: Diana Alcántara

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Hard to Be a God

Trudno byt bogom (2013) dir. Aleksey German

Por: Andrés Palma Buratta

¿Qué tan difícil es ser dios? es la premisa para esta difícil,  sobrecargada y bizarra película de Aleksey German basada en la novela homónima de los hermanos ArkadyBoris Strugatsky, autores de importantes títulos de ciencia ficción rusa, como la novela Piknik na obochine (Roadside Picnic) que Andrei Tarkovsky adaptara para su obra maestra Stalker (1979).

Y Hard to Be a God tiene mucho de Tarkovsky, pero más de su Andrey Rublev y las cuestiones teológicas que deambulan la época medieval, o de Ivan Groznyy (Iván el Terrible) de Eisenstein en clave ciencia ficción dirigida por los Monty Python.

 

Hard to Be a God | Dir. Aleksey German | Rusia y República Checa, 2013

 

La historia transcurre en el planeta Arkanar, dentro del universo Noon, creado y desarrollado por los hermanos Strugatsky a lo largo de su obra como escape a la censura de los gobiernos totalitarios rusos. Un planeta muy similar a la tierra, donde llega un grupo de científicos comandados por el científico Don Rumata para ayudar a la civilización local, que se encuentra en la fase medieval de su propia historia, a encontrar el camino correcto para el progreso. Algunos lo denigran y persiguen, otros lo consideran Dios.

Similitud o exégesis histórica de las varias conquistas a los “nuevos mundos” de parte de occidente, puede ser. Inevitable es pensar en Aguirre, der Zorn Gottes de Herzog. En la superficie, el viaje de inanidad espiritual  que atraviesa Don Rumata es muy similar al de Don Lope de Aguirre, aunque Herzog bucea más en profundidad en el retrato de todas las aristas mentales de su protagonista explorando la locura terrorífica de la sique humana, que en la carga imaginaria, dualidad entre ficción o realidad, de creerse o que te crean Dios que enfrenta Rumata.  Ambos, sin duda, construyen personajes con capas multidimensionales, aunque el primero a nivel humano, por tanto frágil y expuesto a la demencia, mientras que el último a nivel metafísico, el cual debe familiarizarse con esa fragilidad y demencia para entender al humano.

La pregunta entonces que plantea German es ¿qué harías en el lugar de Dios?

Los hermanos Strugatsky crearon una historia sobre juegos de poder y mostraron cómo un científico/dios se convirtió en un asesino, finalmente prevaleció lo humano sobre lo divino. Pier Paolo Pasolini ya en Il vangelo secondo Matteo plantea que Jesús, Dios, viene a traer una espada, no paz. Y en efecto su interpretación del discurso bíblico es bastante irreverente, radical, incluso brutal. En ambos autores, se plantean figuras divinas ininteligibles, viscerales, cada uno tiene su cristo o por lo menos la idea de él, dioses capaces de amar y odiar al mismo tiempo, ambiguos moralmente, supersticiosos, temerosos del caos y por ende urgidos en forjar su verdad absoluta por la razón o la fuerza.

El cosmos de la historia, perfecta en la construcción del auténtico ambiente medieval  pestilente y putrefacto, reconfiguran la idea del cuánto y el cómo hemos avanzado,  «existencialmente», de la edad media hasta el día de hoy.  ¿Qué tanto Dios ha sido el arquitecto de ese progreso? ¿Será la sociedad realmente digna de progreso, o si podemos llamar a esto progreso? considerando que no distamos mucho de un estilo de vida medieval con ciertos avances éticos y sobre todo económicos, pero que en su avasallador avance ha destruido las grandes ideologías que mantenían ciertas coherencias sobre la realidad.

¿En esa “realidad” entendida como el interior del hombre, existe algún dios? Lo que finalmente convierte a Hard to be a God, no en una película sobre la crueldad de la religión, sino sobre el descubrimiento, sobre el renacimiento. Un renacimiento que ha estado allí, oculto en el barro, pero tangible, vivo, y que ha resistido las condiciones más difíciles de la evolución humana, el oscurantismo grotesco digno de pintura de El Bosco llamado Capitalismo que pisada a pisada lo ha hundido en la mierda de los autómatas del desarrollo. Resulta sugestivo, siguiendo esa ambigüedad moral antes mencionada, que la mayor preocupación de Don Rumata, un dios venido de la tierra (y no del cielo) bajo las vestes de un lascivo y borracho noble de la época, sea la de salvar a esos intelectuales, esas ideologías, esa ciencia de las garras de la humanidad. La necesidad o necedad de salvación,  transforman a Rumata, de una despreocupada e irresponsable deidad, a  un “científico” y/o antropólogo encargado, de preservar la ideas sobre el desarrollo social, sobre la moralidad y sobre el papel del pensamiento independiente en el progreso de la inteligencia, justamente las dificultades a las que debería verse enfrentado todo dios.

Hard to Be God (Trudno byt bogom)

Dir. Aleksey German

Rusia, República Checa, 2013

Trailer 1:53

 

 

Andrés Palma Buratta

Andrés Palma Buratta |  IMDb @andrespalmab

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks, fue director de Camaleón Films, dirige Filmakers Media Content.

Julien Donkey-Boy

Por: Montserrat Varela

 

Julien Donkey-Boy | Dir. Harmony Korine | Estados Unidos 1999

Con el mismísimo Werner Herzog como el cínico padre del protagonista, la impactante cinta de Harmony Korine causa el efecto deseado: perturbar y al mismo tiempo conmover al espectador. Ya lo había logrado antes el director con Gummo, otra gran cinta digna de su propia reseña, pero en este largometraje adscrito al movimiento Dogma95, Korine explora no nada más una familia disfuncionalwhite trash como lo hizo antes, sino a la abrumadora enfermedad de Julien, la esquizofrenia, que sorprendentemente parece no rebasar a las viciosas actitudes de sus familiares y la gente a su alrededor. El caos reina la cabeza de Julian así como en toda la película.

 

Basado en la experiencia personal que vivió con su tío esquizofrénico, Korine arma un guión que retrata a una familia rota donde la madre muere al dar a luz al hijo menor así que solamente existe un padre bastante intolerante, un hijo mayor obsesionado con su aspecto, una hija embarazada probablemente del protagonista y Julien, poeta y argonauta en un mundo que pareciera muy distinto al de todos los demás por estar partido en diversas personalidades, conflictos y fobias pero que finalmente se nos revela muy parecido al mundo de todos los que nos consideramos “sanos mentales”.

 

Dentro de lo podrido, lo sórdido y lo perturbador de sus personajes y sus historias, Korine siempre nos deja un atisbo de esperanza, una salvación. Así, Julien nos conmueve profundamente cuando recita para toda la familia a la hora de la comida un poema sobre “el caos”; nos conmueve cuando habla por teléfono con una madre imaginaria que le permite sostenerse y sentirse aceptado; nos conmueve viéndolo luchar sobre el suelo con sus hermanos, jugando… Julien es casi un hombre pero inevitablemente seguirá siendo también un niño para siempre y un enfermo en un mundo tan esquizofrénico como él.

 

Julien Donkey-Boy

Dir. Harmony Korine

Trailer 2:31

 

 

Foto: Montserrat Varela

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México | moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

 

MACARIO, el convite con la muerte y sus designios

“Algo ha muerto en  mí para que siga vivo”

El Ítamo

 Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

La muerte ha sido explorada en la historia de la cinematografía universal desde distintas ópticas, emociones, creencias y propuestas tanto narrativas como visuales, que han legado un serial de cintas memorables. En México, la muerte protagoniza como impronta, diversas celebraciones cuyo cenit habita la fiesta del Día de Muertos el día 2 de noviembre, fecha en la que, como una pila intercultural del mestizaje, comulgan el recuerdo, la nostalgia y el apego en la memoria de aquellos sabores, aromas e imágenes, que nos permiten hacer vívidos a los seres queridos que han partido, y convidarles a un convite de dispuestas ofrendas.

 

Ignacio López Tarso brilla intensamente en esta película que dejó su huella indeleble en el imaginario mexicano, si Los Hermanos del Hierro, El Hombre de Papel, Pedro Páramo, El Gallo de Oro, incluso Los Albañiles, son muestra viva de su legado,  es Macario la pieza por excelencia que añade al historial del histrión, una aportación de indispensable consulta para quien se avoque al estudio de la cosmovisión mexicana desde la cinematografía. Pletórico de misticismo y enmarcado en el humo de leyendas a copales e inciensos, el ambiente visual de Macario es capaz de resaltar en la fantasía del blanco y negro, lo que en la realidad de una costumbre, asiste con las flores de amarillo afán acompañan las tumbas a cementerios, y el cariño se extraña para abrazarlo en el presente del recuerdo.

 

Macario | Dir. Roberto Gavaldón | México, 1960

 

El Día de Muertos evoca nítidos recuerdos de mi infancia,  no sólo porque nací un 2 de noviembre, sino porque en las anécdotas de altares, no pudiera definir desde las sensaciones a otra festividad que más defina la cosmovisión mexicana de la vida desde la muerte. Así, bajo el sustento de una confrontación con la alteridad inextricable, con el misterio del incierto devenir y en certeza de la finitud, diversos directores han vertido en sus propuestas cinematográficas, en reminiscencia de la tradición mexicana hacia la muerte. Macario refleja las distintas formas de abrazar la muerte y simbolizar el diálogo entre vivos y muertos.

 

Su heredad refleja significativas imágenes de reflexión, mediante secuencias anecdóticas, duelen y celebran haber compartido la vida con quienes ya no están, que afrontan la muerte como sendero, y averiguan el espacio que habita más allá de ellas. Obra cumbre de la cinematografía nacional, Macario, filmada en 1959 y estrenada en los albores de 1960, es la pieza indispensable para comprender desde el cine la relación del mexicano con la muerte, una película fundamental para comprender la interculturalidad de nuestra costumbre, la valía de la tradición, las bases prehispánicas y coloniales, el mestizaje que le da fuerza a su propia creación simbólica.

 

Roberto Gavaldón acusa la aceptación de que, por más que el protagonista sea generoso y convide lo que ha reservado en codicia, por más que busque el engaño, la burla o la ausencia, la muerte aparece al final para concluir su encargo. Macario, encarnado en la soberbia actuación de Ignacio López Tarso, solicita a su esposa, interpretada por la poeta y actriz Pina Pellicer, el egoísta y quejoso deseo por comerse un guajolote (pavo) para sí solo, después de tener que compartirlo con sus varios hijos, a partir de esa ida al campo, se suceden una serie de acontecimientos que hacen de la película un mosaico de mexicanidad único.

 

Macario | Dir. Roberto Gavaldón | México, 1960

 

Macario encuentra al diablo, a dios, y a la muerte, quienes le solicitan les comparta un pedazo a cambio de diversas compensas, él acepta pactar con la muerte por la compasión de verle desvalida en el peso. A cambio de su solidaria acción, recibe el don de saber dónde podrá y no podrá aparecerse la muerte en los enfermos y en los sanos al mismo tiempo,  y de esa manda, Macario recibe insospechados y provechosos beneficios, que le llevarán a un final angustioso, lleno de velas que representan vidas, una de ellas la de él que se agota como se agotan todos con el tiempo.

 

Con un guión basado en el relato de B. Traven, Macario fue la primera película mexicana nominada al Premio Óscar a Mejor Película Extranjera, e igualmente nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes donde resultó ganadora de Mejor Fotografía para Gabriel Figueroa. Gavaldón rescata la dualidad del México rural y el urbano, con las creencias y cosmovisiones mestizas, tal como hiciera en otras de sus cintas, en especial El Rebozo de Soledad 1952 por citar un ejemplo. En Macario, Gavaldón retrata la sociedad mexicana, con referencia  a la colonia, pero sin dejar de hacer puntilla de la dual realidad que el México aspirante al urbanismo vivía.

 

De esta manera, tras los dejos revolucionarios y post revolucionarios del México de mediados de siglo, con sus temas pendientes y un incierto devenir de velas encendidas en las grutas y en la expectativa de su relación con la muerte, la película logra el cometido se volverse atemporal. Macario sigue siendo un referente en diversas plataformas para celebrar desde el cine el Día de Muertos, y se ha convertido en un clásico referencial de la cosmovisión del mexicano.

 

Macario

Película completa

1:30:50

 

 

 

 

Foto: Iván Uriel

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

 

 

Celebramos a todos aquellos médicos que se preparan para ofrecer sus conocimientos en beneficio de la humanidad, cualquiera que sea su grado de especialización, sin duda, la mejor de todas es el trato que le brindan a sus pacientes.

¡Gracias a todos los médicos en su día!

Tienen fama de galanes, rompe corazones y tiernos, pero sobre todo grandes seres humanos.

Aquí algunos de ellos…


DR. YURI ZHIVAGO | Omar Shariff

Doctor Zhivago

Dir. David Lean | Estados Unidos 1965 | Basada en la novela homónima escrita por Borís Pasternak

 

doctor-zhivago-slideshow-pic

 

DR. ALBERTO ROBLES | Arturo de Córdoba

El Rebozo de Soledad

Dir. Roberto Gavaldón | México 1952

3525-B

 

DR. JOHN FRANCIS XAVIER «Trapper John» McINTYRE,  DR. AUGUSTUS BEDFORD»Duke» FORREST y DR.BENJAMIN FRANKLIN «Hawkeye» PIERCE

Elliot Gould, Tom Skerrit, y Donald Sutherland

MASH  | Dir. Robert Altman , Estados Unidos 1970

Mash-3

 

 

DR. BOCK | George C. Scott

The Hospital

Dir. Arthur Hiller | Estados Unidos, 1971

HkfdF

 


DR. MALCOM SAYER | Robin Williams

Awakenings

Dir. Penny Marshall | Estados Unidos, 1990

MCDAWAK EC015

 

DR. MATTHEW CLARK | Burt Lancaster

A Child is Waiting

Dir. John Cassavetes | Estados Uniodos 1963

child_is_waiting

 DR. HUNTER «Patch» ADAMS | Robin Williams

Patch Adams

Dir. Tom Shadyac | Estados, Unidos, 1998 | Basada en la novela Gesundheit: Good Health is a Laughing Matter, de Adams y Maureen Mylander

3_midi

DR. SALVADOR MEDINA | Mario Moreno «Cantinflas»

El Señor Doctor

Dir. Miguel  M. Delgado | México, 1965

el-senor-doctor-promo_0

DRA. MICHAELA QUINN «Dr. MIKE»

Dr. Quinn, Medicine Woman

Serie creada por Beth Sullivan | Estados Unidos,  1993-98

promo-doctora-quinn-frikarte

DR. GREGORY HOUSE

House. M.D.

Serie creada por  David Shore | Estados Unidos, 2004 – 2012

472149

 

 

 

DR. APOLO ATANACIO

Apolo Atanacio MD

 

Médico real, de carne y hueso.

Cine y salud | Filmakersmovie.com | Chinaco Broadcasting

Médico que combina el cine y la medicina a través de cortometrajes y artículos.

ARTÍCULOS

 

 

¡Nuestro reconocimiento a todos los médicos en su día!

CINESCOPIO: Christopher Nolan

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

 

Christopher Nolan explora desde su fuerza visual, nuevas formas de plasmar las imágenes en movimiento mediante la innovación del guión cinematográfico que posiciona la emotividad por encima del sentimiento, y que de alguna forma, logra conectar la intensidad de los sucesos con lo sensible, para hacer de la oscuridad ominosa y a la vez expectante de la salas de cine, una luz de asombro y expectativa constantes al proyectarse su obra. Desde que “El Seguidor” 1997 emergiera en los circuitos de culto a finales de la década de los 90, el acecho por cada nuevo proyecto del director nacido en Westminster, Inglaterra en 1970, quedaría de manifiesto con la obra maestra que dejaría su nombre en legado permanente -“Memento”- 2000, obra temprana y cumbre que revolucionó la estructura narrativa y la dirección con audacia cinematográfica, capaz de generar debates explicativos desde su trama, como lo hiciera en el amanecer del nuevo siglo la cinta “Mulholland Drive” 2001 del maestro David Lynch.

 

Christopher Nolan | Foto: thecinematic.com

 

Nolan logra proponer nuevas formas de expresar el ímpetu visual del cine, enmarcadas en la fascinación del impacto creativo, y al mismo tiempo de generar una audiencia que acude a sus cintas más por el propio Nolan que por el reparto o la historia, casi todas sus películas han tenido efecto de atracción en la taquilla y la unánime aclamación de la crítica y premios consecuentes. Su nombre se une al de otros directores que a lo largo de la historia, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, George LucasSteven Spielberg o Quentin Tarantino, por mencionar algunos, han logrado ser una marca registrada no sólo de audiencia o reconocimiento, sino desde un punto de vista mercadológico, que hace de sus piezas un acontecimiento, una experiencia ineludible para disfrutarse en la más grande pantalla posible de cualquier complejo.

 

En “Interestellar” 2014, Ópera espacial y destino manifiesto, espacio y tiempo relativos en la inmensidad del universo, agujeros negros, dimensiones planetarias y horizontes de sucesos, cohabitan la lírica cinta que Nolan ofrece como un viaje necesario, impostergable y a la vez íntimo. La misión ineludible de la humanidad por hallar un hogar cuando ésta haya terminado con el mundo que nos convoca y al que lentamente consumimos, representa la comanda loable y el renacer de la conquista de territorios no explorados a los que se ha temido volver una vez concluida la Guerra Fría en plena globalización. “El Gran Truco” 2006, ahonda una constante en Nolan: la obsesión. Una rivalidad creativa, constante y a la vez leal hacia los rivales, comprende el éxito y el fracaso, la gloria y la tragedia ambientadas hacia finales del Siglo XIX, cuando la Revolución Industrial en sus dejos y el Colonialismo en sus ambiciones, han dejado el escenario propicio para incentivar inventos y de creaciones la competencia.

 

Uno de los principales retos de un cineasta que aboga por ser original y presentar ideas revolucionarias, innovadoras o inquietantes, es no ceder ante la tentación de una industria que seduce mediante presupuestos y posibilidades difusoras, a los directores con ansia de difundir su arte. Los siguientes sellos tienen relación con esta premisa, aunque con la afortunada y no siempre común resolución a favor del creador. El director explora las motivaciones como disyuntiva y las posibilidades del heroísmo como una carga cuyo peso radica en la visibilidad de la bondad en una ciudad cubierta de sombras, las sombras del mal, de la violencia y la ambición, características de la urbanidad, el poder y la avaricia fundidas en la noche.

 

Quizá la mayor sorpresa que haya causado hasta el momento la elección de proyectos del director británico no haya sido propiamente “Batman Inicia” 2005 sino “Insomnio” 2002, un remake que encendía alarmantes señales a las luces de la originalidad mostrada por Nolan en sus primeras cintas, las cuales habían dado a su lente unánime prestigio.

 

Alaska es el paraje donde conviven el blanco de la nieve y el rojo de la sangre derramada por accidente, en la persecución misma del criminal por el que se inicia la trama y el delito no admitido por el detective que se ha pasado de incriminador a culpable en la búsqueda del asesino, quien al medio de este juego del destino, se ha convertido en testigo del infortunio. El insomnio será ahora la nueva compañía, la dubitación entre asumir el accidente por el que ha muerto su compañero y atrapar al criminal, osarán la débil línea que separa el accidente de lo intencional.

 

El Origen” 2010 es la película más compleja del director desde su variopinta construcción cinematográfica, una sinfonía compuesta por enfáticas secuencias a tiempo y a destiempo entre personajes y lugares de forma simultánea, ya sea entre sueño y realidad o entre imaginación y fantasía, ofreciendo en este sello una apuesta por la indefinición, donde la inserción de una impronta que no fenece o la implantación de una idea que sí genera, conforma una espiral que abre dimensiones y perspectivas. Hans Zimmer, compañero de Nolan, quien capta con total empatía la intencionalidad sonora del director británico, acompasa los sucesos con una música extraordinaria, cimentada en la cresta por la canción Non, je ne regret rien en voz de Edith Piaf, caracterizada en “La Vida en Rosa” por la misma Cotillard, y cuya duración 2 minutos 28 segundos, coincide la numeralia de la cinta, 2 horas, 28 minutos. “El Origen” integra dos universos que gravitan la dual órbita de Christopher Nolan: la imaginación como alternativa de la realidad y la idea como alternativa de los sueños.

 

En “El Caballero de la Noche” 2008, la muerte inesperada como antesala de una actuación memorable, el emotivo adiós a un actor entregado a la posteridad de su talento como legado, y una representación vívida, emocional y profundamente explorada del súper héroe, no desde sus causas y consecuencias sino desde sus circunstancias, llevaron a “El caballero de la noche” a dar verosimilitud, continuidad y enlace a la trilogía de Nolan sobre Batman, como un interludio único, desbordante y magistral. Estrenada tras el duelo sorpresivo en el público por el aparente suicidio de uno de los más prometedores y confirmados talentos de su generación, Heath Ledger, en la que sin duda es la mejor actuación que haya visto el celuloide de Nolan a lo largo de sus ya diez cintas, “El Caballero de la Noche” es una perturbadora y reflexiva inquisición desde la confrontación ético moral ante el discernimiento que conlleva la bifurcación de dos caminos y la dualidad de una moneda lanzada al aire. La tensión y el suspenso envuelven a los personajes que dubitan cada toma de decisión, donde la maldad obliga desde los contextos y la bondad se muestra como una debilidad más que como una fortaleza incólume, el ser humano es llevado al límite de las alternativas y sus escasas opciones, la exploración de los rincones de la maldad en lo bueno y de lo bueno en la maldad, son algunas de las caleidoscópicas temáticas que hacen de esta segunda entrega de la trilogía, una cinta fundacional del género de súper héroes.

 

En “El Caballero de la Noche Asciende” 2012, Nolan concluye su trinomio épico a través de un mensaje que resultó un tanto polémico, como aterrador fue el entorno de su estreno luego de un tiroteo de supuesta inspiración en la oscura maldad de esta saga. Una crítica social, un villano que atisba la repartición inequitativa de la riqueza pero en la concentración de poder, un alegato político que enfunda las causas y las consecuencias del heroísmo y la inmolación del héroe, convergen para dejar un final abierto que acusa la bondad y la persigue, pues los tintes de la percepción cambian dependiendo de dónde se mire. Finalmente “Dunkerque” 2017,  generó desde su anuncio como proyecto una expectativa punzante que fue confirmada tras las reveladas escenas de sus avances, donde una tripulación aglomerada en un pequeño buque, giraba la mirada hacia el cielo en angustia, el sonido de la amenaza se aproxima y el estupor de lo que vendrá dejaba su proclama en suspenso. Aunado a dicha secuencia, así como a un elenco en secrecía de complicidad creativa, rumores y ansias acrecentaron el interés por ver lo que el director resguardaba desde sus expresos deseos por filmar una película de guerra, el resultado: una obra impactante que celebra el décimo sello de su filmografía.

 

Aunque la batalla acontecida durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial fue llevada al cine por Leslie Norman en 1958 con un cuadro de lujo encabezado por Richard Attenborough, “Dunkerque” no es propiamente un remake sino una nueva forma de contar la historia, una película que desde ya, ocupa un lugar de privilegio en el cine bélico de nuestro tiempo. Nolan despliega su talento mediante la dirección de un portentoso equipo técnico que coreografía una poética obra maestra. Si sus cintas innovadoras son admiradas, sus películas de ciencia ficción éxitos de taquilla y sus versiones fantásticas aclamadas, “Dunkerque” como su primera cinta histórica, no sólo se encamina hacia todas las cualitativas calificaciones anteriores, sino quizá finalmente, a la premiación del director como un merecido reconocimiento a quien ha logrado aportar al cine, una propia visión estética, poética y emocional.

 

Leer sección Cinescopio

 

Foto: Iván Uriel | Filmakersmovie.com

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

 

 

Happy-go-lucky

Por: Montserrat Varela

Como una bocanada de aire fresco llega Poppy a mostrarnos un pedazo de su vida. Alguien robó su bicicleta así que para ella es momento de aprender a manejar. Nuestra protagonista, personificada por la excelente actriz inglesa Sally Hawkins, es una mujer de treinta años extrañamente feliz. Esto, para muchos que no conocen el cine de Mike Leigh, director de este film, puede resultar inquietante o hasta molesto, esa misma molestia que el antagonista instructor de manejo siente al relacionarse con Poppy hasta causarle rechazo. Así, la historia transcurre durante unos cuantos días de la vida de esta chica maestra de kínder, soltera, que constantemente se procura una vida agradable mientras que en el camino se va topando con personajes que se frustran ante lo que parecería su «buena fortuna«.

 

Un tema poco explorado, una anécdota sencilla y fresca y una visión de la vida en donde se incita hacia la reflexión, a preguntándonos cuál es nuestra necesidad de complicarnos, de pasar malos momentos, de amargarnos cuando la verdad es que gran parte del camino que recorremos lo construye nuestra actitud ante los problemas que se nos presentan.

 

Aleccionadora pero sin caer en un tono didáctico, manteniendo la astucia para abordar estos temas, Happy-go-lucky es la historia de la felicidad posible dentro de la simplicidad de la vida y la perspectiva positiva. Para muchos, Poppy es un personaje irritante pues no permite perturbarse demasiado por su entorno, hay un equilibrio interno y una seguridad en atreverse a ser quién es que inspira.

 

Happy-go-lucky

Dir. Mike Leigh

UK, 2008

Trailer 2:01

 

 

Foto: Montserrat Valera

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México | moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

Filmakersmovie  presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos e internacionales.

Un film escrito y dirigido por: Jiajie Yu Yan

Sinopsis-

Una joven llega a una ciudad por primera vez. Observa a la gente de su alrededor y se da cuenta que no pertenece a ese mundo, todo le resulta ajeno. Aun así, ella intenta simular ser una de ellos, encajar en ese extraño lugar.

-Synopsis-

A young woman arrives in a new city. She looks at the people around her and realizes that she doesn’t belong to that world, that everything is alien to her. Even so, she tries to pretend to be one of them, to fit into this strange place.

 

Aliens

Dir. Jiajie Yu Yan

Idioma Inglés

Subtítulos en español

España, 2017

5:26

 

Reparto

Lina Gorbaneva

 

Voz

Karina Matas Piper

 

Crew:

Guión, Producción y Dirección: Jiajie Yu Yan

Dirección de Fotografía:  Miguel Gayoso

Producción y Diseño De Producción: Mimi Margalef

Montaje: Jiajie Yu Yan

Diseño de Sonido: Helena Placencia

Banda Sonora Original: Joan Carles Cardell & Sergio Llopis

Texto: Nerea Arrojería

Traducción: Karina Matas Piper

Etalonaje: Jiajie Yu & Miguel Gayoso

Grafismo: Mimi Margalef

Duración 5:26 Minutos

Género: Drama

País De Producción: España

Fecha De Producción: Abril 2016

Formato Original Digital: Full Hd

Formato De Proyección Apple Prores, H264

Aspect Ratio 2.35:1

Idiomas Inglés

Subtítulos Español, Francés, Inglés

 

Galería:

 

Ver más films de  Jiajie Yu  en Filmakersmovie.

 

Contacto:

Jiajie Yu 

Vimeo:/ jiajieyu

Barcelona/ Madrid, España

Tailandia

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Series maratoneadas NO son las más vistas de la plataforma.

Por: Netflix 

Netflix ha cambiado la forma en la que el mundo disfruta las historias: los espectadores pueden verlas cuando, donde y como quieran, al paso que prefieran y, al hacer esto, han creado un nuevo tipo de fanáticos: los supermaratoneros. Lograr en un día lo que a otros les toma semanas es la misión de los supermaratoneros, quienes aspiran a ser los primeros en terminar una serie, y ven una temporada completa en menos de 24 horas a partir de su momento de lanzamiento 1.

En total, 8.4 millones de miembros2 han elegido maratonear alguna serie en Netflix y lo único más veloz que su forma de ver televisión es el crecimiento del comportamiento en la plataforma. Entre 2013 y 2016 la cantidad de personas que termina una temporada el día de su lanzamiento creció más de 20 veces 3.

Y, antes de asumir que todos los maratoneros son ermitaños que no se levantan del sillón, deben saber que para estos superfanáticos la velocidad a la que pueden ver un programa es un logro del cual pueden sentirse orgullosos.

BrianWright, VP de Series Originales | Netflix

«Para nuestros miembros, terminar una serie —sin importar a qué velocidad lo hagan— se ha convertido en una insignia de honor, una fuente de orgullo», dijo Brian Wright, vicepresidente de Series Originales. «Netflix te permite ver el contenido de una forma que antes era imposible, y es increíble ver cómo un programa los engancha y despierta su pasión por verlo».

Ya sea por el amor que le tienen a una serie en específico (cinco miembros en Estados Unidos han maratoneado las cinco temporadas de House of Cards en su día de lanzamiento) o por el amor que le tienen a muchas series (un miembro de Francia ya ha maratoneado 30 series en lo que va del año), los espectadores están abrazando esta nueva forma de fanatismo en todo el mundo. Sin embargo, el lugar en el que viven estos supermaratoneros (pista: en todo el mundo) y qué están eligiendo ver (pista: de todo), podría sorprenderte.

Programas de todo tipo, género y formato despiertan el instinto maratonero. Claro, las comedias de 30 minutos como Santa Clarita Diet, GLOW y The Ranch se pueden ver más rápidamente, pero algunos thrillers de una hora como Stranger Things, House of Cards Orange is the New Black, o anime, como The Seven Deadly Sins, son consumidos con fervor también.

Gilmore Girls: A Year in the Life tiene la mayor cantidad de maratoneros globales a 24 horas de su debut (culpamos al café); pero el primer lugar de la lista varía según el país: Club de Cuervos quedó en primer lugar en MéxicoFuller House es el rey supremo en Ecuador y Marvel –  The Defenders se corona triunfador en Corea. México además tiene el porcentaje más alto de supermaratoneros para las series Club de Cuervos e Ingobernable.

Hay maratoneros viendo series velozmente en busca de la gloria en todo el mundo, pero Canadá es quien tiene el más alto porcentaje de miembros que las acaban en menos de 24 horas (culpamos a la nieve). Los mexicanos no se quedan atrás: son el país con mayor número de supermaratoneros en América Latina y el número 7 en la lista global:

 

Top 20 de programas maratoneados4

Top 20 de países maratoneros competitivos5

1. Gilmore Girls: A Year in the Life

2. Fuller House

3. Marvel – The Defenders

4. The Seven Deadly Sins

5. The Ranch

6. Santa Clarita Diet

7. Trailer Park Boys

8. F is for Family

9. Orange Is the New Black

10. Stranger Things

11. Friends from College

12. Atypical

13. Grace and Frankie

14. Wet Hot American Summer

15. Unbreakable Kimmy Schmidt

16. House of Cards

17. Love

18. GLOW

19. Chewing Gum

20. Master of None

1. Canadá

2. Estados Unidos

3. Dinamarca

4. Finlandia

5. Noruega

6. Alemania

7. México

8. Australia

9. Suecia

10. Brasil

11. Irlanda

12. Reino Unido

13. Francia

14. Nueva Zelanda

15. Perú

16. Holanda

17. Chile

18. Portugal

19. Italia

20. Emiratos Árabes Unidos

Top 20 de series más maratoneadas en México:

1. Club de Cuervos

2. Marvel’s The Defenders

3. The Seven Deadly Sins

4. Gilmore Girls: A Year in the Life

5. Santa Clarita Diet

6. El Chapo

7. The Ranch

8. Ingobernable

9. Stranger Things

10. Atypical

11. Anne with an E

12. Glitch

13. Fuller House

14. Frontier

15. Las chicas del cable

16. Orange Is the New Black

17. Love

18. White Gold

19. Friends from College

20. The Mist

 

Entonces, en resumen:

¿Eres un supermaratonero?

 

Fuente: Netflix, octubre, 2017

Filmakersmovie  presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.

 

Un autre que moi – Artista: Fishback | Dir. Manfre & Iker Iturria | Francia 2017

Un autre que moi

Artista: Fishbach

Dir. Manfre & Iker Iturria

3:04

 

 

Artista: FISHBACH

Tema: UNE AUTRE QUE MOI

 

Crew:

Compañía Productora : HANDSOME

Productora Local: HUMANPRODUCE

Productora Ejecutiva: Mélodie Saba

Directores: MANFRE & IKER ITURRIA

Dir. Foto: Lucas Pintos

Production Manager: Michael Tot Fong

Cámara:  Felipe Contreras 

Focus Puller: Pablo Suárez

Asist. Cámara: Sandra Roca

Gaffer: Pau Savall

Spark: Geraldo Souza

DIT: Ignasi Rodriguez

Stylist: Ana Menendez

Accesorios: Manuel Albarrán

MAKE UP & HAIR: Sheila Serrano

Edición:  MANFRE & IKER ITURRIA & AITOR BIGAS

Prop Buyer: Paola Gonzalez

Hero Car: Spotcar

Color: Ignasi Gonzalez

GRADING STUDIO: MOONLIGHT BARCELONA

Foto Fija: Sofía Fernández Stenstrom

LABEL Les Disques Entreprise / Sony Music France

 

Ver más trabajos de MANFRE & IKER ITURRIA en Filmakersmovie.com

 

Galería:

Un autre que moi – Artista: Fishback | Dir. Manfre & Iker Iturria | Francia 2017

 

 

Contacto:

HUMANPRODUCE

FB/ HUMANPRODUCE

INST/ bymanfre

INST/ikeriturria

 

Fishback itunes

YouTube/ Fishback 

 

 

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

 

 

Filmakersmovie  presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

Una serie realizada por: Mako Animation Studio

-Sinopsis-

La muerte intentando llevar una vida normal en el mundo de los vivos.

 

Capítulo 6: John Death salva vidas

 Temporada 2

Guión y Dir. Juan Rivera

Mako Animation Studio

México, 2016

1:34

 

Sinopsis del capítulo:

John Death muestra su agilidad como guardián de la bahía.

John Death demonstrates his agility as a baywatcher.

 

Ficha Técnica del capítulo:

Dirección y Dirección: Juan Rivera

Edición: Frank Rivera y Juan Rivera

Producción: Juan RiveraCarmen Zaldívar y Daniela Gloss

Animación  y Clean Up: Héctor GuerreroToño León, Lorena Espina y Felipe Corona

Batería: Frankie Mares

Productora: Mako Animation Studio

 

Galería:

 

 

Ver temporada 1  John Death  en Filmakersmovie.

 

Contacto:

Mako Animation Studio

YouTube Mako Animation Studio

contactomakoanimation@gmail.com

Tel. +52 33 36168962

Guadalajara, Jalisco, México

Apoya el proyecto en Patreon

 

 

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

DUNKERQUE

Por : Iván Uriel Atanacio Medellín

 

Dunkerque” generó desde su anuncio como proyecto una expectativa punzante que fue confirmada tras las reveladas escenas de sus avances, donde una tripulación aglomerada en un pequeño buque, giraba la mirada hacia el cielo en angustia, el sonido de la amenaza se aproxima y el estupor de lo que vendrá dejaba su proclama en suspenso. Aunado a dicha secuencia, así como a un elenco en secrecía de complicidad creativa, rumores y ansias acrecentaron el interés por ver lo que el director resguardaba desde sus expresos deseos por filmar una película de guerra, el resultado: una obra impactante que celebra el décimo sello de su filmografía.

 

Dunkerque | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2017 | Internet

 

Aunque la batalla acontecida durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial fue llevada al cine por Leslie Norman en 1958 con un cuadro de lujo encabezado por Richard Attenborough, “Dunkerque” no es propiamente un remake sino una nueva forma de contar la historia, una película que desde ya, ocupa un lugar de privilegio en el cine bélico de nuestro tiempo. Pero antes de comentar esta nueva oferta en la exclusiva relación de los Estudios Warner con Nolan, y que bien vale disfrutar en la mejor sala de cine posible.

 

Dunkerque”, décima cinta en el canon cinematográfico de Christopher Nolan, conmemora un momento crucial de la Segunda Guerra Mundial, un instante definitivo de resistencia, aplomo y solidaridad, en los más tensos intervalos de retroceso, invasión y derrota que sufrían los ejércitos aliados. Amén del suceso histórico que fuese llevado al celuloide en 1958 por Leslie Norman, Nolan presenta su propuesta narrativa desde una concatenación de sucesos heroicos, enmarcados en el acontecimiento histórico que detonó en parte una segunda etapa de la guerra.  Varios elementos del cine clásico de guerra que tuviera su auge justamente durante la Segunda Guerra Mundial y en los años posteriores a ella, aparecen en la película, la causa manifiesta, el heroísmo de los protagonistas, el sacrificio y la inmolación del regimiento, el enemigo indolente, el sentido patriótico y propagandístico de los sucesos, los discursos políticos y la crueldad reflejadas con suma realidad en las batallas, destacando la valentía de soldados británicos y franceses, así como de los voluntarios inmersos en la batalla al unísono de bombardeos y metrallas.

 

Dunkerque | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2017 | Internet

 

Dunkerque” es una proeza de la cinematografía desde su manejo de los tiempos narrativos y visuales, donde los recuerdos del pasado y presente se conjugan para resaltar la importancia del acto, y el reconocimiento en conmemoración de los caídos y sobrevivientes del hecho histórico. Desde que inicia hasta que termina, la película no da tregua, ni siquiera en los silencios de sus personajes encarnados por un coral elenco encabezado por el joven Fion Whitehead y los experimentados Kenneth Branagh, Cillian Murphy (el ya citado fetiche del director) Mark Rylance y Tom Hardy entre otros. La banda sonora de Hans Zimmer alienta el sonido de las manecillas del reloj que avanzan como avanzan los aviones que surcan los cielos, los torpedos que hunden los buques y la tierra que ve sucumbir a regimientos ante los estallidos.

 

La duda y la suspicacia ante el propio aliado, el temor de volver a la guerra en quien la ha vivido y de quien avanza hacia ella sin uniforme pero con un ideal a cuestas, la gallardía de un comandante y su convicción por auxiliar al aliado a pesar de la muerte como amenaza, el honor de un piloto hasta aterrizar con dignidad su caza, y el instinto de supervivencia de los jóvenes soldados, hacen de esta película un artístico y solemne homenaje como vestigio. La derrota es mostrada como la unificación que inspiró continuar la guerra a pesar de las tendencias poco alentadoras en esa etapa del conflicto, y para asirse a ese objetivo, Nolan despliega su talento mediante la dirección de un portentoso equipo técnico que coreografía una poética obra maestra. Si sus cintas innovadoras son admiradas, sus películas de ciencia ficción éxitos de taquilla y sus versiones fantásticas aclamadas, “Dunkerque” como su primera cinta histórica, no sólo se encamina hacia todas las cualitativas calificaciones anteriores, sino quizá finalmente, a la premiación del director como un merecido reconocimiento a quien ha logrado aportar al cine en cada una de sus cintas, una propia visión estética, poética y emocional.

 

Dunkerque

Dir. Christopher Nolan

Estados Unidos, 2017

Trailer 2:24

 

 

Foto: Iván Uriel

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com