Contextos: Los avatares poéticos de Miguel Soto

Lo que amamos concluye

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Lo que amamos concluye, fue la primera obra que tuve el gusto de compartir en el ciclo “Detrás de la Pluma” que junto a Poesía sin Permiso, la Biblioteca Carlos Fuentes y Filmakersmovie, llevamos a cabo en México.

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Con el rostro posado en la mirada, esa que de frente alienta los últimos suspiros, los suspiros de nosotros, de los otros, de aquellos, los suspiros de las huellas, de la muerte que habita como la vida en la memoria, así habitamos la inmortalidad de la poesía donde se forjan las huellas de nuestros pasos, esa poesía insolente que lo mismo reta que afirma, que lo mismo goza que duele, la de Miguel Soto. Lo que amamos concluye, segundo poemario del autor coahuilense, es la metamorfosis de la muerte que recuerda, que llora, que libera, en sus versos encontramos el lago deshabitado que en su soledad deja escapar un aire silencioso que envuelve al llano, donde la muerte es nuestra, es invierno y es el resplandor del humo impregnado de penas.

La poesía de Miguel Soto, en Lo que amamos concluye refleja la trascendencia de la caricia, la ausencia que pacta con el dolor, que pacta con el espíritu, que pacta con el alma del yo lector. En cada verso de Miguel Soto, somos lienzo, la lluvia, el aguacero y sus gotas, la muerte no parece muerte, y las aves especulan hielo y desierto, son el desconsuelo de los rezos, el cobijo del dolor que consume o renace, donde podemos soñar a las doce en punto justo ahí, donde Soto nos sugiere abrazar la evocación de Don Quijote y Dulcinea.

Para el poeta somos polvo y extrañamiento, somos silencio, somos eco, el mismo eco que se escucha y pacta salidas en callejones sin retorno. En sus brotes funestos encontramos que, como afirma, sugiere o invita Miguel sin errar la existencia y sus designios, lo que amamos concluye, y en esa finitud, nos encontramos desnudos ante el canto de las alondras donde comienza y termina la vida, donde pactamos con la muerte porque la vida trasciende como una raíz, como el amor, y esa sinergia el amor concluye y deviene.

La raíz es para Miguel inexorable como lo es para nosotros el descifrar los misterios del alma, pero a diferencia de las preguntas sin respuesta que recurren nuestros días, el poeta ofrece la respuesta del verso como un amuleto que sólo es posible obtener en la poesía.

Los suspiros ancestrales para Miguel representan una apología a los muertos que forman figuras de sal y polvo, que nuevamente se anidan en lugares de todos propios, donde inicia y termina el mundo, como un círculo que se regenera desde la línea y sus inexistentes puntos. Justo en ese lugar donde morimos un poco sobre la tierra, donde respiramos el olor a sangre porque estamos vivos, y a los muertos somos caos y somos poemas.

En Miguel Soto gana la herida que abierta lacera el alma y la aquieta en la ironía del dolor que celebra y lamenta lo vivido, que explora la profundidad de la muerte y sus rincones para continuar esos pactos recurrentes en Miguel sobre los tiempos, los ojos y hasta prontos. Es Miguel una conciencia clara que brinda luz en la penumbra de la partida, que al abandono acompaña, que a lo fraterno empatía, su poesía libre, lo es porque abraza los versos acompasados de insolencia, denuncia e ideales, que debate la injusticia sí, pero aboga la respuesta de abrazar la vida desde la poesía.

Lo que amamos concluye no es una sentencia, no es una consigna, no es una afirmación o amenaza, es una invitación a darnos por entero y sin reservas a lo amado, con su fugacidad y plenitud con lo finito y lo eterno de la vida.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINESCOPIO: GUILLERMO DEL TORO

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

A mediados de los años ochenta, el suspenso y la sorpresa se conjugaron en sendos capítulos del serial televisivo La Hora Marcada, donde a paso firme irrumpía un joven director jalisciense para explorar desde entonces, distintas formas de plasmar imágenes en movimiento mediante una narrativa que describe oníricos mundos y que transmite el sentir de una narrativa propia: Guillermo del Toro. Apegado a la reacción de su audiencia mediante secuencias que van del terror al suspenso, de la aventura al heroísmo, de la ficción a la historia y del duelo al amor, las emociones humanas se condensan en un universo tan genuino como tradicional, tan universal como íntimo, y en todo caso, rebasa los géneros para posicionarse como una forma única de contar experiencias de vida desde la creatividad, la condición humana y la imaginación que lo mismo evoca clásicas realizaciones cinematográficas, que genera el impacto consecuente de un asombro continuo.

Guillermo del Toro, nacido en 1964, profiere características simbólicas que confieren un sustento significativo a su estilo que vuelca escalofríos, provoca reacciones impredecibles y apela sin cuartel a la condición humana que es capaz de generar dolor, crueldad, ternura, compasión y a su vez dibujar horizontes compartidos en la vía de la esperanza que fluye como fluyen en sus tramas las experiencias de vida. En CINESCOPIO celebramos la trayectoria de del Toro inició hace 25 años con el estreno de su ópera prima Cronos, al tiempo que reflexionamos su más reciente cinta La Forma del Agua, su décima entrega fílmica. Ganadora del León de Venecia a Mejor Película, La Forma del Agua impregna a la audiencia de una macabra belleza que cautiva, una obra maestra definitiva en el canon del realizador mexicano que se ha convertido en un estandarte del cine de autor, capaz de crear una atmósfera que resulta familiar al espectador acorde a sus elementos característicos, y a su vez, innovadora por la forma en que cada uno de ellos aparece, emerge o se transforma, sea desde el ámbito narrativo o desde el ámbito visual, en todas sus películas.

Invención y Supervivencia

 En Cronos revoluciona la narrativa visual latinoamericana al mecanismo de engranes de reloj, la forma elegida por el ser humano para encapsular el tiempo continuo sin detenerlo y sólo medirlo, propone una concepción borgiana del espacio, explora las posibilidades creativas desde el mito hacia la inmortalidad y la aspiración del ser humano por suspender al espacio el tiempo de la vida y prolongarlo en la eternidad. La invención como un proceso creativo y manipulador de la existencia, cohabita con la vampiresa tendencia que otorga un poder energético a la sangre, que en su fluir genera, multiplica y rejuvenece, que es mocedad y muerte, tiempo y vida.

En Mimic, 1997, su primera incursión en Hollywood, el director hace una declaratoria a modo de ratificación de que, amén de los monstruos, fantasmas, espectros, hadas, seres mágicos y robots, los insectos serían un sello peculiar de su propuesta lírica. Adaptada del relato Mímica de Donald A. Wollheim, Mimic ofrece una aproximación literaria a la metáfora argumental de Metamorfosis de Frank Kafka, donde los insectos pueden mimetizarse incluso con los humanos o los humanos transformarse en insectos ante el vacío, la incertidumbre o la monotonía, algo que David Cronenberg lograría desde un enfoque más científico, donde con maestría refleja la manipulación de la natura para la transportación de moléculas y que concluye accidentalmente en la metamorfosis de especies en su remake de La Mosca de 1986. Guillermo Del Toro, también Fundador del Festival de Cine de Guadalajara, sitúa la enfermedad que contagia y una investigación que busca la cura que sane, como dos procesos simultáneos donde el segundo culmina primero e incrementa los alcances del primero. El integumento de los insectos, los límites y alcances de la evolución, el presupuesto del súper hombre que caracteriza la modernidad y las resoluciones especializadas y divergentes de la posmodernidad, se aprestan al mito de la autodestrucción de la humanidad ante la natura que muta y la acción humana que manipula.

En Pacific Rim del Toro concibe portales interdimensionales que permiten que dos especies puedan unirse en desagravio, y por ese portal la población de las ciudades más grandes del Pacífico, San Francisco, Santiago, Tokyo, ven caer sus edificios, construcciones, puentes vía las garras de colosales monstruos (Kaijus) que gigantes destruyen todo a su paso.

Para combatir a estos descomunales seres, es preciso desarrollar puentes que no unan dimensiones sino la mente de dos pilotos que conduzcan el movimiento acompasado en supervivencia sobre los denominados jaergers, el heroísmo exacerbado en la dicotomía del fracaso y el éxito, del temor y la valentía, brindan una fortaleza descriptiva al guión que el propio del Toro co escribe con Travis Beacham. Titanes del Pacífico es una de las películas originales más impactantes de la ciencia ficción de la presente década, épica, audaz, dinámica y emotiva, demuestra el manejo que el director puede tener de un alto presupuesto para plasmar su imaginario al cinema y no sólo entretener sino impactar a las distintas audiencias del mundo.

El Terror y la Guerra

La Guerra Civil Española (1936-1939) se presenta por vez primera en la filmografía de del Toro a través de El Espinazo del Diablo, 2001, una palestra donde las emociones humanas alcanzan el límite del dolor y la desesperanza. Es quizá, la primera cinta de del Toro que hace de su narrativa una poesía épica, donde los elementos característicos del director se plasman con total naturalidad desde la prosa,  en esta producción de Pedro Almodóvar y hermanos encontramos dos dimensiones, el contexto histórico de la guerra, y la circunstancia de la inocencia ante ella.

Los fantasmas y apariciones, así como los momentos de confrontación que definen el inicio y el final de la trama, coadyuvan el discernimiento que bifurca los senderos que los personajes deben alcanzar para sobrevivir no sólo la orfandad sino al ataque de la milicia por ideologías que ellos desconocen. Las creaturas del horror representan símbolos que confrontan a los personajes con la otredad, la maldad y la bondad intrínsecas en el universo de las posibilidades, el mito en diferentes acepciones y los artefactos u objetos como símbolos. Pero el espinazo más que un hueso de la maldad o un referente de territorio, es en realidad la búsqueda de un refugio republicano ante las cientos de muertes ocasionadas por el franquismo durante la guerra, y en donde los huérfanos sobrevivientes entre los niños abandonados y vulnerables, aguardan la justicia y el descubrimiento de secretos inconfesables. El dolor de la guerra se muestra desde sus consecuencias, la dualidad de un conflicto fratricida argumenta la ausente incomprensión y la crueldad ante la violencia y el poder.

Si bien El Espinazo del Diablo profundiza el terror del conflicto armado, será El Laberinto del Fauno 2006, la cinta que consumará en asunción climática a del Toro, obra maestra de la cinematografía de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, la película se adentra en la estructura narrativa en dos planos que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero también rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, quien suma a sus reconocimientos los premios Ariel y Goya, permitirá que Ofelia, su protagonista, de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda a vivir su propia fábula de princesas, seres mágicos e inmortalidad, que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos, cuando ella, quizá, quiere habitar el mundo de la fantasía, esa misma que la fábula del director mexicano presenta con angustia, dolor y esperanza.

Cada una de las pruebas conjuga un riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Dos dimensiones, dos mundos, dos desenlaces, la vida y la muerte como únicas posibilidades determinadas por la guerra, conforman el ambiente decorado por árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja la enfermedad y su cura,  una acción que provoca dolor y que genera la acción de sanar la herida. En El Laberinto del Fauno, aparecen el relato que une la fantasía con la realidad, la historia y la leyenda, así como diversos símbolos.

En tanto encontramos o interpretamos referencias en búsqueda sobre la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.

Heroísmo y Movimiento

Guillermo del Toro ha grabado su nombre con peculiar fuerza en el cine de súper héroes, lo hizo incluso en los albores, del tercer boom de los mismos, si consideramos que Superman 1978 Richard Donner, Batman 1999 Tim Burton, y Spiderman 2002 Sam Raimi, relanzaron el cine de súper héroes, que viera su clímax con El Caballero de la Noche 2008 Christopher Nolan, y su ser sólo industria en Los Vengadores 2012 Josh Whedon. Secuela de la cinta Blade de 1998 dirigida por Sthepen Norrington, Blade 2 ofrece a diferencia de su antecesora, una visión de autor que convierte una cinta de comic convencional en una propuesta narrativa de mayor profundidad filosófica. La sangre como alimento, la necesidad de beberla y del ser humano por tenerla, generan una diatriba por demás interesante que sostiene la ética del híbrido protagonista, mitad humano, mitad vampiro, en su afán vocativo por combatir a una cepa de vampiros que atentan no sólo con ambas especies si pudieran así denominarse en diferencia.

Guillermo del Toro plantea dos elementos clave, la amistad en la búsqueda casi apostolar por su amigo Whistler, aunado al compañerismo encarnado en el personaje Scud, y la definición como un componente ineludible del desenlace, es decir, los personajes toman decisiones pero hay un destino que los alcanza al tomarlas. La sangre como elemento y el ímpetu monstruoso por alimentarse de ella, remite al origen del mito de los vampiros una visión que debate el presupuesto literario del siglo XIX en la creación de vida por el hombre que encumbraran Mary Shelley y Bram Stoker, y logra que la visión originaria del mito como relato, actualice una visión posmoderna del cambio de milenio que apela la urgencia ética del deber ser.

En Hellboy 2004, sembrar el mal y cosechar el bien resultaría una suma de factores cuyo resultado pareciera imposible o de origen perverso, irreversible, incomprensible a la luz de la ética y del bien como propósito, una siembra de mal que cosecha bien debido a la circunstancia, al contexto, al azar y a una suma de situaciones que derivan en la formación de un súper héroe diferente, genuino, que lo mismo es un adulto cercano a la tercera edad, que un rebelde sin causa debitando entre la adolescencia y la juventud. Guillermo del Toro hace de su trabajo en Blade 2, un pasaje portentoso de tonos oscuros que en Hellboy dará un color cobrizo a su pasaje por los comics.

Si alguna historieta hubiera estado elaborada para que el director mexicano pudiera ofrecer una visión de dos dimensiones, esa es Hellboy, donde su protagonista no envejece y debe adaptarse al paso de la historia al cruce de pasajes mágicos que separan el tiempo real con el fantástico de la historia y que construye portales entre el  mal y el bien como dos mundos opuestos pero incluyentes, en los que cohabitan seres mágicos y seres humanos. Una dualidad clave que se suma a la concatenación de pareos, despliega una confabulación que coloca en diferentes planos las dudas existenciales sobre la secrecía de la identidad, lo público y lo privado como ámbitos, ser y no ser parte de dos mundos y al mismo tiempo cobijarlos, así como atender a una vocación contraria para lo que se fue creado, hacer el mal y terminar haciendo el bien.

A diferencia de la primera entrega de Hellboy, Hell Boy 2 ofrece una aproximación más íntima del personaje hacia los mudos que habita, sea de forma sobrenatural, pluridimensional o el asumir la responsabilidad de una identidad oculta o de un heroísmo anónimo en un mundo pero reconocido en otro, Hellboy recuerda y anida los recuerdos de navidades que en la compañía de su padre, atesoran sentimientos recelosos, rebeldes pero siempre enternecedores en lo que pudiera considerarse una cinta con tintes políticos que  explora la guerra, la tregua, los acuerdos y desacuerdos de facciones al tiempo que da cuenta del amor y del sentido de la vida. da vida con una actuación de movimientos sugerentes al arte cual mimo, y a partir de él crea una atmósfera de introspección filial y fraterna que interrelaciona el amor como una motivación que el propio Hellboy experimentará desde su deseo de formar un hogar, construir una casa y ser resguardo de sus gemelos.

De Intriga y Amor 

Pero no sólo es la fantasía, el horror, la supervivencia desde las invenciones, los monstruos y seres capaces de habitar dos dimensiones, tampoco es el suspenso per se o el horror sorprendente, no es la guerra como un detonante de la realidad en la fantasía ni la aventura como encargo del destino, no es la ciencia y la tecnología en su avance dicotómico, es también la vida, la muerte y el amor que en diversas dimensiones se manifiesta para cimentar las variopintas bases narrativas y visuales del genio mexicano.

En La Cumbre Escarlata, Crimson Peak 2015, una trama sustentada en la fantasmagórica misiva que a modo de advertencia, da cuenta de la arcilla y los jales donde ésta se encuentra o se vislumbra, el director ganador del Premio Ariel, asienta las bases de la expectativa en la imaginación de quien anhela por una parte ser escritora, y por otra, afronta el desengaño como premisa de la vivencia que relatará tras su experiencia paranormal como guía.

La Cumbre Escarlata entrelaza la habilidad del director para manejar los engaños y secuencias del suspenso, que atienen a su influencia directa de Alfred Hithcock y Francois Truffaut, con la transformación de los fantasmas ante los descubrimientos que la protagonista confirma poco a poco, el fantasma negro es ahora una cofradía de espectros escarlatas como escarlata es la arcilla que ante la nieve baña el blanco por el rojo. Ilusión, ambición, incesto, tradición, engaño, espejismos, apariciones y una extraña infusión de la culpa como condena, conforman un serial de acciones continuas que convergen al color del dolor y de la tierra. No obstante la tragedia de la trama, del Toro presenta una alternativa redentora del fantasma en la libertad del personaje principal, y a la vez la delegación cual herencia de una pena que se sienta a tocar el piano por la eternidad, aquello que podemos hacer por amor hasta que alguien más pose sus pasos en el rojo de la arcilla que baña de sangre la nieve al invierno. Y es a través del amor donde el director despliega toda su sensibilidad y la empatía con la profundidad del amor irrealizable pero posible gracias a la capacidad de los amantes por sentirlo, La Forma del Agua, The Shape of Water 2017 es una película que conjuga un guión bellamente trazado por del Toro junto a Vanessa Taylor tanto en sus secuencias como en la profundidad de sus reflexiones, expuestas cual si fuesen soliloquios en diálogo.

Situada en la Guerra Fría, al medio de los avances científicos y tecnológicos que se desarrollaron tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, La Forma del Agua narra una historia íntima que pudiera resultar la simple historia de amor tras un encuentro fortuito, y que sin embargo, es la compleja manifestación de los sentimientos del corazón que de tanto sentir no sabe cómo cualificar las intensidades que remembran sus historias televisivas; una niña se adentra en las profundidades de la superficie y topa monstruos ante la inocencia.

Sus personajes permiten una relación de amistad y anhelos que fenecen en la eternidad como presenta El Laberinto del Fauno, es La Bella y la Bestia de Jean Cocteau la que viene a mi recuerdo al presenciar La Forma del Agua y sentir en la conexión de los personajes el fluir de una relación pluridimensional entre dos seres. En La Forma del Agua fluye una historia de amor entre dos seres vulnerables que contrastan la invisibilidad con la visibilidad y el alarido contenido con la mudez de las palabras que no pueden expresarse más sí sentirse en la caricia.

Sally Hawkins logra una actuación extraordinaria que bien cimienta su multifacética trayectoria y que alcanza matices oníricos, acompañados por las actuaciones igualmente soberbias de Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, y una vez más de Doug Jones, quien junto a Federico Luppi y Ron Perlman conforma el tridente de actores fetiches del director mexicano, Jones da vida a la criatura en esta propuesta fílmica que, tal como hemos enunciado anteriormente, revisita el debate teórico entre el romanticismo, el positivismo, la guerra y la paz, el avance dual de la ciencia y la tecnología, la modernidad y la posmodernidad en todas sus dimensiones narrativas y filosóficas desde el séptimo arte. La Forma del Agua es una trama de persecución que devela los sentimientos y avatares de la condición humana, el odio y la ambición, el amor y la compasión, que abre una pregunta generadora sobre los límites del ser humano ante sus acciones, ante su capacidad de sentir y abrazar los sentidos sin el prejuicio, que bien le valdrán sólidas nominaciones al Premio Óscar a Mejor Película, Guión Original y Director. En La Forma del Agua del Toro despliega un climático arcoíris de claroscuros temáticos que van de la ciencia ficción a la fantasía, de la fantasía al drama, del drama al thriller, y del thriller al suspenso para volver la trama hacia los acontecimientos históricos y a la imaginación de un amor que es libre porque se ama, y de una vida que aprisiona situaciones que al vivirlas se liberan.

Nota: Fotografía de portada Guillermo del Toro El Clarin.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

¡Gracias 2017, bienvenido 2018!

Faltan pocos días para despedir a 2017, en el ambiente la esperanza por lo que vendrá en 2018 se contagia.

Durante este año seguimos conociendo y compartiendo trabajos de realizadores iberoamericanos que desde cualquier lugar del mundo nos comparten sus historias en vídeo, documental, en largo o cortometraje, la música ha sido una constante en Filmakersmovie en estos 365 días que se nos van. Tailandia fue un país clave en nuestra internacionalización pues desde ahí nos llegaron sus historias.

Afianzamos nuevas alianzas de difusión con Universal, Corazón Films, Plaza Espectáculos, y Netflix Latinoamérica por mencionar algunas, siendo un referente para compartir sus noticias y artículos. Asistimos a premieres exclusivas para traerles la mejor información, cubrimos la visita de Tom Cruise a México. Si bien no somos una página de noticias rápidas, si somos un canal de comunicación especializada para la industria fílmica y cinéfilos dedicados.

Gracias al apoyo del FONCA – CONACULTA  México, estuvimos presente en el Primer Encuentro Internacional de Mujeres Trabajadoras de las Culturas y las Artes, realizado en Santiago de Chile y organizado por Gestoras en Red, donde tuvimos la oportunidad de presentar nuestro trabajo de difusión y producción a mujeres comprometidas por la cultura, el arte y la sociedad, audiovisuales, artistas y artesanas que esculpen el presente del “artivismo” en sus regiones y países.

Este año, recibimos físicamente el Reconocimiento de Mejor Página de Entretenimiento otorgado por la Asociación de Internet MX, por la estrategia digital “un lugar común para contar historias”, si bien la entrega se realizó en diciembre del año pasado, por fin podemos tocar esta presea que reconoce el esfuerzo no sólo de todo el equipo, sino el gusto de las personas que nos ven, nos leen y nos visitan.

Seguimos de cerca y colaboramos con la difusión solidaria de avisos importantes que pudieran brindar la información necesaria a los voluntarios que se hicieron presentes en las labores de rescate en los sismos de septiembre ocurridos en nuestro país.  El cine nos une.

Por primera vez se incluyó una muestra de Filmakersmovie dentro de la programación del Festival de Cine de Irapuato que se realizó los primeros días de diciembre, donde invitamos a participar a algunos de los realizadores que han compartido sus producciones con nosotros, del mismo modo estrenamos producciones originales como “El Ítamo” y “La Voz Humana” que sólo se habían exhibido en televisión. Estamos muy agradecido con los organizadores por incluirnos e invitarnos a este esfuerzo por festejar y celebrar el cine en México.

Nuestra extensión Filmakers Media Content, dedicada a la producción comercial de piezas publicitarias audiovisuales se vio reconocida por la nominación obtenida en los reconocidos premios Pantalla de Cristal, con el film Hazlo UPAEP, en la categoría de Mejores Valores de Producción en Pantalla.

Galería

Estamos seguros que el nuevo año nos traerá nuevas historias, historias plenas de logros obtenidos, de lucha, de satisfacciones pero sobre todo de amor en todas las manifestaciones.

Gracias por acompañarnos un año más, que se venga un 2018 espectacular y #QueSigaElCine.

¡Felices Fiestas!

Perla Atanacio

CEO Filmakersmovie / Filmakers Media Content

Equipo Filmakersmovie.com

México, 2017

ECUADOR, los hemisferios poéticos de Ana Jimena Sánchez

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Ecuador, segundo poemario en el periplo literario de Ana Jimena Sánchez Ruiz, prosigue las amarras soltadas a la fragata de Intradiegético, su ópera prima. Ana Jimena hace del Ecuador una totalidad y un fragmento de muchos que circundan y desprenden paralelos, que convergen puntos equidistantes, que son norte, que son sur, que son centro y periferia, meridianos en la palabra, polos en verso donde habitan las estaciones cual primavera. Ecuador es una estación que de suyo invita, incita y permanece como poema sin pausa y sin prisa. Ecuador es un latido del corazón envuelto en la alegría de la noche, en su tristeza, en la melancolía del hambre en el río, en el gozo que hierve las venas del cauce que alimenta lagunas luminosas y mares brillantes, como brillante es esa estrella que entre muchas despunta para única mirarse como la vida se mira, como la vida se vive, desde el Ecuador de los sentidos.

Ana Jimena despliega la libertad de quien es libre para correr hacia los ejes de la tierra en un viaje de ida y vuelta, para volar en sus alas abiertas, como abiertas son las alas de quien es libre porque su pensamiento emancipa razones y en su actuar se vuelca como un torrente poético que siente, que sabe, que prueba, que en la humedad suplica, que es petición y pregunta, que es siembra y respuesta, que cosecha el renacer del maracuyá  en la sequía. Las mujeres  al Ecuador amaron, las mujeres aman y no hay mayor tropiezo que no ceder a la cercanía de la caricia ni más virtud que no dejarse cobijar por el asombro, por el gozar del gozo, por el aroma de la tierra.

Sánchez Ruiz inquiere al verso, el cómo sabrá esa uva que no se atreve uno a morder, pero que retoza, pero que seduce, pero que ansía, el cómo sabrá ese deseo que habita como la palabra en el silencio cuando se expresa. Países hechos a dos sendas que se encuentran en Guaratenco y Yucamaní, en los ejércitos que devoran ilusiones donde hogares abrazan. Jimena al Ecuador arenga porque el ardor no se vaya de nuestras bocas como no se vaya la noche cuando hay un beso, las coplas, los cantos, los amores, los pueblos, las notas. Los fierros oxidados de una vida sin tu nombre en Ecuador se nombra, en esa lluvia que desnuda, que será veneno, que será el amor, el paraíso, del sol las fotos, de árboles  imágenes, sonidos, las voces.

En Jimena Sánchez la palabra es cuerpo y es carne, es espíritu y alma que se bebe y comparte, es ese río donde cohabitan los éramos dispares. El Ecuador de los paisanos, de los extraños, de los amores, de los amantes, de la confesión a la hermana por la amada extranjera que al Ecuador navega pero aquieta, pero lejana calma. Es Ana Jimena Sánchez la poeta que detalla el Ecuador sin detalle y a pura poesía pura, un otoño que desaparece hacia la piel del cristal, de lo deseado, de palíndromos capicúas en la métrica libre y de versos exactos. El poema 26 sugiere el temblor de la vida y el poema 28 define: «Es río, irse», y define porque fluimos porque vamos, porque de sus versos renacen veranos largos.

Las  bellas imperfecciones que Ecuador sugiere,  residen donde duele la nostalgia por extrañar el pasado, tu pasado, nuestro pasado, donde la poeta quiere que nunca se vaya la poesía de nosotros, donde la poeta recita e implora navegar al ecuador en esa barca que inspira, abrazar de la vida sus luces, sus sombras, sus versos, armonías,  porque al vivir el mundo en poesía, sea otoño sea invierno, se viven las estaciones cual primavera, esa primavera perenne cuando se ama, como Ana ama su poesía.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com