MTV se fue, ¡simplemente se desenchufó! Atrás quedaron décadas de música en imagen y movimiento, de historias, conteos, programas documentales, la realidad de un mundo que fue cambiando según el paso del tiempo. La libertad, la sin censura, ¡la irreverencia!, intercambio de cultura proveniente de todos los rincones del mundo en un lenguaje universal ¿la música? Sí, pero acompañada de un instrumento maravilloso: el videoclip.
Y en este mundo cada vez más complejo e incierto, tenemos que darnos un tiempo para homenajear, de algún modo, esas horas de entretenimiento…esos programas, esa música que veíamos y escuchábamos en una realidad muy distinta a la que vivimos hoy.
MTV fue el templo de artistas con grandes trayectorias, talentos emergentes o con one-hit wonder. Sus entregas de premios emblemáticas, éxitos mundiales, lanzamientos…sin duda alguna, fue parte del soundtrack de la vida, para todas y todos esos jóvenes y adolescentes que tuvimos la oportunidad de adentrarnos en su universo. Al menos para esta “millenial” nostálgica que acompañaba sus tardes- de tierna juventud – viendo y escuchando música, cerrando la semana , con broche de oro, disfrutando el top 20.
Recuerdo esa tarde. Después de volver de la escuela, le dije a mi mamá que unos amigos tenía televisión de cable en su casa, – mamá, hay canales para ver películas como Hallmark y música…como MTV – ¡por favor, por favor, contratemos el cable! – sí, así le dije- Era el año 1997, fue así que a finales de ese año un mundo lleno de posibilidades de entretenimiento -en ese momento infinitas – se abrió para mí. Al año siguiente llegaría la Internet a casa.
Con MTV, recorrí él mundo, conocí artistas, canciones, me enteré de noticias, fui testigo y asistí a tributos y conciertos “desenchufados”, escuché diferentes acentos y culturas que abracé, lo mismo Ruth o Leandro en Argentina, Lavin en Estados Unidos, o Judith y Arturo (nuestro Capitán Hernández, años después) en México, conociendo a distintos conductores a lo largo de Europa, Asia y América -refiriéndome a América como continente-.
Nunca olvidaré aquel conteo emblemático de 1999 al año 2000. Y es que sí, yo también fui junto a mis hermanos, de esos televidentes que ponían la casetera para grabar sus videos favoritos, con la ilusión de verlos…”después”.
Los jóvenes de esa época, y anteriores a la nuestra, valorábamos el poder que el botón de “rec” / o grabar / daba en nuestra vida, la posibilidad de inmortalizar esos sagrados momentos cargados de emoción y sentimientos, de épocas que pasaron en otro siglo, pero que siguen vigentes en el corazón y la memoria.
Mencionar todas las bandas, artistas, cantantes y figuras peculiares que aparecieron en MTV sería injusto para las que no logré mencionar, sólo puedo hablar de las emociones que sentí, y que revivo mientras escribo este artículo, de aquellos días donde la televisión se prendía en un solo canal.
Telehit, por su parte, o MuchMusic – años más tarde –, tenían su rollo, pero MTV era otra cosa, era un universo, como se dice ahora, un ecosistema, donde uno era quien debía ser… escuchando y viendo tu música favorita.
Con la llegada de los «2miles» cambiaron muchas cosas, nueva música, nuevas figuras, nuevas realidades, poco a poco fui creciendo, el canal fue evolucionando o involucionando, según donde se mire, y atrás dejé esa necesidad de verle.
De vez en cuando me daba una vuelta para ver propuestas nuevas, ver qué narrativas se contaban en lo audiovisual, y es que gran parte de mi cultura visual , también, provino de MTV.
Con nostalgia y tristeza recibí la noticia de su “desenchufe”, pero también con agradecimiento por esos hermosos recuerdos que van conmigo. Ahora MTV ha migrado a las redes sociales, donde ofrece contenidos para nativos digitales, muy a su estilo, para esa nueva generación que ha desarrollado su lenguaje y atención en el “scrolleo”.
Leí también que un aficionado, o al menos así se dio a conocer, desarrolló MTV rewind para los nostálgicos. Plataforma que veo y escucho mientras escribo este artículo.
Lo que puedo notar es que los contenidos están divididos por década, y al ponerle “play” o seleccionar un periodo en el tiempo, la reproducción de los clips es automática; video tras video , te regresa a ese momento en la historia donde el azar, y el control remoto te daba la autoridad de cambiar o apagar, de prender y sintonizar un video en la televisión.
Te comparto la página para que la explores, tiene controles para adelantar y regresar. Los videos no están enlistados, así que la suerte y la paciencia te acompañen para sintonizar tu favorito. Por el momento la página es gratuita y puedes donar a sus creadores.
Doy un suspiro antes de terminar este texto, deseando que, alguna vez, cuentes a los más jóvenes esos momentos importantes de tu vida, donde MTV te acompañó y era el rey.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
De la novela El Surco, historias cortas para vidas largas de Iván Uriel
Sinopsis
¡“El Surco” la historia de los senderos migrantes! ¡En esta serie conoceremos a José Guadalupe, un campesino de San Hipólito, que busca cruzar la frontera para darle lo mejor a su familia! ¿Podrá Lupe cruzar al otro lado? Acompañemos a Lupe en su aventura, y recordemos el sentir de nuestra tierra ¡Aquí todos somos paisanos!
CAP. 1 LOS SURCOS
“Los surcos no se caminan ni se recorren: se labran…” Iván Uriel
José Guadalupe, Lupe, un campesino de San Hipólito, tiene la inquietud de irse al norte para cruzar la frontera. María, su esposa no está de acuerdo y tratará de persuadirlo. La fiesta del pueblo se aproxima, cuando termina muchas personas emprenderán el viaje ¿Qué decisión tomará José Guadalupe?
El siglo XXI ha presentado un corolario de propuestas cinematográficas mexicanas que podríamos delimitar en tres bloques, primero, el cine que prosigue la denominada -nueva época de oro del cine mexicano- o -nuevo cine mexicano- y que surgiera hacia finales de los años ochenta y principios de los años noventa; segundo, las películas mexicanas realizadas con fines meramente comerciales, y que continúan en calidad narrativa con el flujo de películas con esos fines que pulularon la década de los años ochenta protagonizadas por figuras de la televisión o de la industria musical; y para concluir, las obras dirigidas por directores mexicanos que, habiendo surgido en el ya citado renacer del cine mexicano, emigraron al extranjero junto a fotógrafos, histriones, artistas visuales y editores, quienes eventualmente dirigen alguna cinta cuyo prestigio abona al reconocimiento y a la distribución de sus trabajos.
Desde 1896 en la Ciudad de México ya se hacían proyecciones, incluso durante el movimiento revolucionario se producían cintas de corte propagandístico o informativo, el cine mexicano alcanzó un pico de difusión y realización cinematográfica a mediados de los años treinta, cuando varias producciones lograron posicionarse con firmeza en las primeras ediciones de festivales internacionales de cine como Venecia, Berlín o Cannes. Las décadas de los años cuarenta, cincuenta y sesenta vieron encumbrar la denominada época de oro, directores como Roberto Gavaldón, Emilio Fernández, o Ismael Rodríguez entre otros, acompasaron la plenitud de una industria que iniciara sus primeras proyecciones en 1896 en el Castillo de Chapultépec de la Ciudad de México, y que con el Automóvil Gris de 1919 iniciara una senda creativa que convocó grandes directores como Sergei Eisenistein en los años treinta y a Luis Buñuel o Luis Alcoriza en los años cincuenta y sesenta. Si atendemos a las innumerables cintas emblemáticas del cine mexicano, encontramos Santa, Vámonos con Pancho Villa, Allá en el rancho grande o Águila o Sol en los años treinta. María Cadelaria, Una familia de tantas, Ahí está el detalle, Campeón sin corona, Nosotros los pobres, Ustedes los ricosEnamorada, La oveja negra, Flor silvestreo La perla en los años cuarenta.
Los años cincuenta iniciaron con Los olvidados, transitaron a El rebozo de Soledad, y culminaron con Macario, como ejemplo, para adentrarse al epítome de Ánimas Trujano, Los hermanos del hierro, Viento negro, Tiburoneros, El ángel exterminador, Tlayucan, Nazarín, El esqueleto de la señora Morales; transitar de El gallo de oroa Los Caifanes, y hacer un broche con Mecánica nacional hacia un cine más realista, crudo y quizá artístico en los años setenta, El apando, El tunco Maclovio,Actas de Marusia,El topo,Canoa, El castillo de la pureza, Frente al cadáver de un líder, o Los albañiles.
Los años ochenta se caracterizarán por el cine ya enunciado, pero es posible hallar sendas obras maestras como Doña Hermelinda y su hijo, La pasión según Berenice, El lugar sin límites, Frida, naturaleza viva, Vidas errantes, y el cruce generacional con Rojo amanecer que sería a su vez una de las cintas fundacionales del nuevo cine mexicano. Se sumarían al legado La tarea, Pueblo de madera, Solo con tu pareja, La mujer de Benjamín, Danzon, El callejón de los milagros, Dos crímenes, El coronel no tiene quien le escriba, Como agua para chocolate, Bajo California, La invención de cronos, Sexo, pudor y lágrimas y la Ley de Heródes.
En el año 2000, la posmoderna Amores perros de Alejandro González Iñárritu irrumpió la cinematografía, sumando atención internacional hacia el cine mexicano, cintas como El infierno, Un día sin mexicanos, Y tu mamá también, Arráncame la vida, Año bisiesto, Temporada de patos, El violín, Güeros, Perfume de violetas, Su alteza serenísima, Japón, Voces inocentes, Luz silenciosa, Lake Tahoe, Cinco días sin Nora, El premio, Las oscuras primaveras, Las elegidas, La zona, Los herederos del Pueblo que no existe, Del olvido al no me acuerdo, Después de Lucía, Sueño en otro idioma, La camarista, y documentales como Presunto culpable, En el hoyoy Promesas, entre otros, han sido reconocidas en festivales y entregas de premios. El Crimen del Padre Amaro, El laberinto del Fauno, Biutiful y Roma fueron incluso nominadas al premio Óscar en la categoría de Mejor Película Extranjera (hoy de habla no inglesa).
A continuación, en MEMORIA, hacemos un breve recorrido a través de 11 películas que dejaron huella, tuvieron impacto internacional y se posicionaron como referentes del cine mexicano durante las primeras décadas del siglo XXI. La selección apela por una parte al cumplimiento de los anteriores rubros, y por otra al apego que incide en la apreciación artística.
BIUTIFUL 2010
Una reflexión acerca de la migración, el devenir incierto, la consigna de la vida a punto de concluir, y la delegación del abandono por el auspicio de peregrinos, es la resulta de la primera experiencia de Alejandro G. Iñárritu en la cinematografía como guionista en solitario, lo que inaugura una nueva etapa en su canon fílmico. “Biutiful” contendió contra dos imponentes obras maestras, la canadiense “Incendios”, de Denis Villeneuve, y “En un mejor mundo” de Susanne Bier, que por Dinamarca, coronó el dogma con el retrato de una crisis familiar en medio de la crisis humanitaria, oda de profunda interioridad desde el reflejo que la adultez infiere en la infancia.
“Biutiful” al igual que sus principales rivales en la categoría, explora la interioridad desde el personaje, lo cual abonó a la nominación del actor Javier Bardem a Mejor Actor. Una descripción de Barcelona con aguda conexión histórica de momentos fundacionales en la relación de Uxbal, su protagonista, con México, La Guerra Civil, la Posguerra, las chabolas, y la playa que lleva y trae del mar anhelos migrantes. La película es un trazo donde fluye la capacidad del protagonista próximo a la muerte con otros que han partido, así su relación con espíritus funge como un emisario del anhelo que recién ha partido. A medida que disminuyen las fuerzas en Uxbal, la astenia permanente adquiere tintes de supervivencia y redención individual, brindando una cuita de oportunidad manifiesta y supervivencia colectiva a su problemática social. Lo anterior, permite al director ahondar en las relaciones humanas, anhelos y vicisitudes que caracterizan el fenómeno migratorio. Las miles de historias de tragedia, muerte e indignas condiciones humanas derivadas del hacinamiento y la clandestinidad coaccionada por la ley, son apuntadas al horizonte y la profundidad del mar en la mirada de Uxbal, donde las situaciones, contextos, desigualdad y desamparo universales cohabitan el entorno del filme como una consciencia latente.
Biutiful / Dir. Alejandro G. Iñárritu y Javier Bardmen / Foto: Shot On What
SUEÑO EN OTRO IDIOMA 2017
Ganadora del premio de la audiencia del Festival de Sundance, Sueño en otro idioma , dirigida por Ernesto Contreras, presenta una aproximación de alteridad que nos permite explorar la cosmovisión de los pueblos originarios mexicanos desde la construcción, significado y sentido del lenguaje.
La historia de una vivencia intercultural, provee a la audiencia del conocimiento urgente de lenguas que parecen perderse o habitar la soledad de pueblos relegados o perdidos por la ignorancia o ambivalencia del desarrollo, pero que logra profundizar a fondo la existencia de un idioma que puede existir mientras dos personas puedan comunicarse, comprenderse y mirarse al corazón desde sus palabras, desde sus letras. Fernando Álvarez protagoniza una historia que narra la vocación lingüista de Martín, quien acude a entrevistar en una comunidad del estado de Veracruz, a los hablantes que aún quedan de una lengua en vías de extinción –zikril.
Y tal como la interculturalidad explora los saberes, sentidos, las historias, la cultura vertida en los símbolos y en su significado, Martín puede anidarse a conocer la vivencia de Isauro y Evaristo, quienes a pesar de hablar el idioma no lo hacen debido a un conflicto que ha durado décadas, y que no les permite dirigirse la palabra. Reconciliar los mundos de una persona, los rencores y resabios a redimirse, los apegos y el cariño a recobrarse, un lenguaje que les une más allá de la palabra, es una misiva que asume el lingüista, pero que el director delega en franca complicidad con el espectador que a través de su trama, disfruta conocer el fondo de las raíces que configuran la identidad ante el prejuicio. La película logra narrar la trama de una vieja amistad que debe recobrarse a través de la lengua que solo hablan quienes han sentido los afines, pero en ese recorrido es vestigio y denuncia, donde a discriminación, la desigualdad,, la marginación, la diversidad, los derechos humanos, la dignidad, el género, haciendo de la cinta un mosaico que no se detiene por los asuntos pendientes sino por el anhelo de volver a hablar.
Y sobre las temáticas que confieren los asuntos pendientes y la resolución de sus efectos, la cinta brinda un faro de atención de la vejez, no como oda a la sabiduría que confiere la posición de quien la ostenta en las comunidades, sino por la necesaria comunicación de las lenguas que nuevas generaciones no conocen o abandonan, el sueño es un lenguaje, un llamado, lo sueña quien lo habla, quien escucha, y se hace realidad cuando el lenguaje logra que podamos comprendernos, hablemos o no el mismo idioma.
Sueño en Otro Idioma
Y TU MAMÁ TAMBIÉN 2001
No hay nada más difícil que vivir sin ti…, reza la estrofa principal de la canción compuesta por Marco Antonio Solís, y que forma parte de su álbum de 1999 Trozos de mi alma, lírica que se convirtió en el juglar coral de la película que definió en mucho el cine generacional de principios de siglo en México y América Latina.
Y tu mamá también fue recibida por la crítica como una cinta fundacional, y por la taquilla como fenómeno social, que agitaron fibras sensibles y proyecciones expuestas con la película nominada al Premio Óscar a Mejor guion original, y que consagrara la pareja actoral del denominado movimiento –charolastra-, Gael García Bernal y Diego Luna, quienes al lado de la estupenda Maribel Verdú, protagonizan esta cinta, para unos irreverente, para otros íntima, para muchos universal. Dos amigos emprenden un viaje que les descubre desde la alteridad que confronta y la individualidad que abandona en compañía, el anhelo curioso del ímpetu, el deseo, la liberación y la represión de los instintos, se muestran como un panegírico lazo de la fraternidad. Carlos y Tenoch unidos por la amistad forjada en la camaradería de los cuates que comparten principios delineados por su propia actitud ante la vida.
Un clima de convulsas realidades políticas, la corrupción propia de la política, la clase media liberal inserta en el cambio de siglo, un proceso electoral que se aproxima, y el mar como fresco ideal para emprender su periplo hacia la Boca del cielo. Es ahí donde habitan las formas de abrazar los placeres, pero en su paso, atestiguan tensión social, la pobreza, la desventura de la realidad que les implica como parte del recorrido. Las injusticias, abusos de poder, los movimientos sociales, son parte dela cotidianidad del país que habitan, donde para muchos resulta imposible mirar, como imposible les resulta darse a la mirada a los amigos, una vez que los juegos del placer desembocan en lo inesperado.
El dúo convertido en trío, imprime en los amigos el deseo carnal de su nueva compañía, 10 años mayor, que se adentra más que la carne en sus vidas, como si estos fuesen los últimos días de una mortífera sentencia. Pletórica de significados en los nombres, apellidos, lugares y manifiestos, Y tu mamá también se convirtió en una película definitiva del cine mexicano, una irónica y cruda visión de los derechos humanos desde una historia juvenil que advierte la adultez para después negarse en el remedio del silencio y de la muerte inesperada ante el asombro. El viaje del desenfreno es más el viaje del descubrimiento, y el sentido de la evasión es más el viaje del conocimiento, el cambio de sistema que se avizora es un guiño histórico que no aclara el cobrizo horizonte de los protagonistas, sino que deja en ellos, tras avistar el encuentro con Lisa, la viva experiencia de la vida y sus confines.
Y tu mamá también
GÜEROS 2015
Güeros se sitúa entre las cuitas inciertas y las vicisitudes del cambio de siglo, justo medio del manifiesto estudiantil que hiciera de los años 1999 y 2000, años clave para la comunidad universitaria mexicana; en medio de ese contexto, Alonzo Ruiz Palacios ambienta una historia que viajará por los procesos de búsqueda y espera que hacen de Sombra y Santos, compañeros de licenciatura, dos cómplices de una comanda. Al paso de las semanas y meses de huelga estudiantil, inmersos en los cuadrantes llenos de apartamentos destinados a estudiantes en Copilco, al sur de la Ciudad de México, ambos jóvenes reciben la visita de Tomás, hermano de Sombra, quien ha sido enviado desde Veracruz por su madre. Pero lejos de quedarse en el apartamento o de hacer de las tardes sin mucha comida o actividad un letargo, emprenden un viaje para encontrar al ídolo musical de su padre, quien se encuentra internado en un hospital.
Esa búsqueda, como un pendiente que se asume a heredad, presenta la sinergia de un viaje al que se unirá Ana, activista del movimiento estudiantil, y quien les mostrará a suerte de documentación, la forma de vida de quienes sostienen la huelga, las ideas, ideologías y premisas del movimiento, mientras la música de Epigmenio, el ídolo que hiciera memorable su actuación en el mítico Festival de Avándaro, y al que incluso llegó a reconocer Bob Dylan, confiere a la trama razones que la admiración provee al periplo. Tenoch Huerta, Sebastián Aguirre e Ilse Salas protagonizan esta ópera prima que como tal recibió el Oso de Oro en la categoría del Festival de Berlín, así como fue galardona en el Festival de San Sebastián. La fuerza de la narrativa en Ruiz Palacios, se mueve con la premura de los encuentros y las razones de un momento histórico, los jóvenes no buscan aislarse de la universidad ni del movimiento, sino hallar su motivo.
Güeros
LUZ SILENCIOSA 2007
Carlos Reygadas ya había conseguido gran reconocimiento con las cintas Japón y Batalla en el cielo, así que Luz silenciosa tendría de su lado atención de la crítica y de la audiencia, que reconoció la valía de una cinta hablada en –plautdietsch- conjunto de dialectos del bajo alemán utilizados en comunidades menonitas de varios países.
La película está filmada en el estado de Chihuahua, al norte de México, la cinta comparte la historia de las relaciones humanas que por amor, deseo o liberación o descuido, no solo irrumpen la dinámica y vínculos de una pareja, sino la cotidianidad de un entorno, donde los dogmas y leyes capitulares de la religión y la comunidad, son violentadas por los ardores que condensan el deseo. Wall Fehr, Maria Pankrats, Miriam Toews, Peter Wall, Jacobo Klassen y Elizabeth Ferh, integran un elenco afianzado en el conocimiento vivencial de la tradición y símbolos culturales que comparte la cinta, lo cual caracteriza el cine de Reygadas, esto brinda un sentir de autenticidad para la audiencia, y que sin duda es uno de los grandes valores de esta realización ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes.
Al igual que sucede con Japón, el director apela a largas secuencias contemplativas, donde la historia se describe de forma llana, clara y sin pretensiones, las reacciones a consecuencia de los actos, no buscan a los pecados perdones ni a los errores castigos, sino que van develándose a medida que los sentires asoman. Considerada incluso por el New York Times como una de las mejores películas del siglo XXI, Luz silenciosa otorga desde su título un viso de la condición humana que perdona y enjuicia, y sin pronunciar palabras, con las actitudes y miradas, tiende a la comprensión o al prejuicio. Una aproximación a la profundidad de los vínculos sagrados de una comunidad con sus creencias, con su cultura y relación a la tierra, y a todo aquel símbolo y dogma que les une, donde el silencio es un sonido constante que les recuerda su cometido. La muerte y la resurrección se dan en la fe, y en ese caminar el amor y el deseo parecen no ir de la mano sino en su propio camino. La redención como una posibilidad latente, habitan a medida que avanzan las secuencias que parecen susurrar los devenires.
Luz Silenciosa
YA NO ESTOY AQUÍ 2019
En Ya no estoy aquí, Fernando Frías expone la búsqueda de un lugar propio, y lo hace desde la exploración profunda de la identidad como un sendero abierto, que transita diferentes aristas de prejuicio y circunstancias de un contexto determinado que parece construirse desde indolencia que ignora y la indiferencia que no advierte la proximidad del anhelo por ser distinto y a su vez por formar parte de una comunidad que comparte sentires y olvidos.
A lo largo de secuencias vertidas en las expresiones musicales nacidas en la periferia y en el corazón mismo del urbanismo que hierve de sangre las venas, asume a través de la danza, el corte de cabello, la vestimenta, y la actitud frente a la vida que expresa a voces corales su protagonista. Ulises debe migrar por asunto del azar adverso, y en medio de una confusión que le atisba ser testigo involuntario, se ve obligado a huir en la consigna de supervivencia que, como ironía del cadalso, también implica a su propia cultura, esa que él representa a unicidad de un grito contenido.
Ulises no solo debe irse de su territorio porque la amenaza reside en quien le persigue, debe irse porque las respuestas no aparecen a las cuestiones que el lugar le ha hecho a constante marginación u obcecación de no aceptar lo que semejamos distinto. Monterrey como palestra de las luchas violentas y de las armas que laceran como lacera el prejuicio, Frías presenta una vívida postal documental en la fotografía de Damián García, cuya magnífica ambientación hace del vestuario de Magdalena de la Riva y Gabriela Fernández, una estampa referente que le permite a la audiencia llenarse del espacio que Ulises cavila.
Nominada a Premio Goya y ganadora del Festival de Cine de Morelia y del premio Ariel a Mejor Película, Ya no estoy aquí es una de las mejores cintas mexicanas de los últimos años, y deja en rueca reflexiva, la diferencia que aún permea en México, y que no permite vernos como uno siendo distintos, haciendo del diálogo, la inclusión y la empatía, un pendiente, una suerte de promesa, una utopía.
Ya no estoy aquí
ROMA 2018
En Roma, Alfonso Cuarón versa temáticas contemplativas, procedidas de acciones que dan cauce a un proceso narrativo donde confluyen supervivencia y destino, cada cuadro parece dibujarse con la tensión permanente entre el personaje y su acontecer, compleja realización de una historia íntima que retrata prejuicios de clase y describe posicionamientos políticos que, de forma indirecta, coinciden con la historia de un país que lo mismo parece avanzar y retroceder con los años.
Roma, describe movimientos sociales derivados de la trágica gresca estudiantil de finales de los años setenta, el México urbano, las guerrillas ocultas y expresas, así como los grupos paramilitares insertos en el decenio populista que iniciaba, la violencia contra la mujer, y el sitio que laboralmente han tenido las trabajadoras del hogar, especialmente quienes laboran en contrato, lo cual abonó en la difusión de la cinta a su actual lucha.
La reacción de la audiencia fue aprobatoria, la crítica la catalogó como una de las mejores películas de la década, recibiendo estatuillas en los premios BAFTA, Globo de Oro, así como varios premios Óscar en las categorías de Mejor Director, Fotografía y Película Extranjera, primera película en recibirlo en el canon del cine mexicano. Aunque para algunos cinéfilos y críticos el impacto de la cinta fue sobredimensionado, lo cierto es que el impacto de la película fue global, y posicionó el camino al devenir de películas producidas por la plataforma Netflix en su sendero por obtener premios en la industria, a pesar de una distribución solo simbólica en los las salas de cine.
Así el director ofrece una suerte de autoficción, ahondando en los recuerdos de su infancia, recorre las calles, parques, esquinas y edificios, posa su película en el banco y negro evocador de la nostalgia y provocador de un entorno social que bien podría incluir los tintes rojos de su tiempo. De ahí que la referencia desde el realismo social que aborda el director, me pareció por demás destacable al reflejo de quien habita un hogar a salario, el testimonio de quien migra por el estipendio, y que al tiempo que pasan sus días en casa ajena, limpiando lo que no es ni será suyo más allá de sus propias emociones, vive el amor, el desamor y los sueños. Los sucesos históricos desde su vivencia y el colectivo que la implica, la mirada de Cleo representa una invisibilidad que se hace visible desde el otro lado de una misma historia.
Políticamente es un repaso que no esconde y expone dolorosos sucesos armados que entre movimientos estudiantiles y guerrillas alternas siguen mismas tendencias y vicios, populismo, dictaduras, desigualdad de crecimiento, monopolios, la incertidumbre anclada en la mirada de una mujer y su oficio, de una familia y su conclusión, del amor con todo y su engaño, con todo y su ilusión, de una realidad, sus desencuentros, sus promesas.
Roma, tal como comenté en el apartado dedicado a La nana, aborda un tema muy especial para mí, no sólo por el afecto hacia la zona habitacional que le intitula en la Ciudad de México, sino también por los tópicos que resguardan sus andares, y por la cercanía que tuve con mujeres trabajadoras del hogar en su lucha por sus derechos humanos y laborales cuando realizamos Día de descanso, de hecho Marcelina Bautista, quien narra el documental, presentó Roma en México, y aunque la película no aborda de suyo ni a fondo el tema, le permitió tener mayor notoriedad a su lucha.
Roma
EL LABERINTO DEL FAUNO 2006
Obra maestra de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, recibió el Premio BAFTA a Mejor Película No Inglesa y fue nominada a Mejor Película Extranjera en los premios Óscar representando a México, incluyendo sendos galardones para artistas mexicanos como Eugenio Caballero en arte y Guillermo Navarro en fotografía. Guillermo del Toro, haría de la cinta, ambientada en la Guerra Civil Española, su vuelta al cine latinoamericano. Ivana Baquero, Sergi López, y Maribel Verdú, ofrecen un trinomio de extraordinarias actuaciones que generan lo mismo empatía que repulsión, atendiendo a las intenciones de sus motivos.
Guillermo del Toro se adentra en la estructura narrativa en dos planos, que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad.
La banda sonora de Javier Navarrete, melancólica y sentida, modera los meandros que explora por los confines de la fantasía que sigue su paso entre las persecuciones republicanas por el franquismo que extermina los últimos suspiros de sublevaciones, y su nueva vida de Ofelia, la protagonista, en un poblado norteño de España. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, permitirá que Ofelia de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda vivir su propia fábula de seres mágicos que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos. Cuando ella quiere habitar el mundo de la fantasía, esa fábula presenta angustia, dolor y esperanza. Ofelia bajo la cueva de la curiosidad encuentra un Fauno que será su puente con el mundo de las hadas, la magia, la inmortalidad y la muerte de su padre, y en la ilusión por habitar ese lugar de encuentro, accede a la tercia de pruebas que le solicita el Fauno, interpretado por Doug Jones en una coreográfica actuación sinfónica de quien será a la postre el actor fetiche de del Toro como Andy Serkis lo es para Peter Jackson.
Cada una de las pruebas conjuga riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Y mientras el resistir es un elemento de resiliencia, la madre de Ofelia vive su propio rosario de dolores al estar embarazada del Capitán y no valer para él nada más que el vientre donde se anida el bebé que viene en camino. Es la maldad del Capitán un elemento revulsivo en la percepción de Ofelia, que contrasta con su inocencia, bondad e ilusiones; y es la tiranía de su causa beligerante la que contrasta con los anhelos de libertad de los republicanos.
Dos dimensiones, desenlaces, la vida y la muerte son las únicas posibilidades determinadas por la guerra, que conforma un ambiente de árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja su cura. Todos los elementos que dan forma al cine de Guillermo del Toro aparecen el Laberinto del Fauno, el relato que une fantasía realidad, historia y leyenda, la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.
Del Toro, dirigirá La forma del agua, cinta que le dará el Óscar a Mejor Director y Película, una trama que por igual combina la fantasía con los anhelo desde la realidad que tienen sus protagonistas, la libertad que no existe, las angustias de la vida, los conflictos bélicos como corolario, y la plástica de la belleza vertida en la percepción, también forman parte de esa entrega, sin embargo, a mi consideración, El laberinto del fauno brinda una mejor aproximación al cine del director mexicano.
LA CAMARISTA 2019
La camarista es una de las mejores películas que el cine mexicano ha entregado en recientes años, y acorde a la experiencia que he tenido respecto a la lucha de las mujeres trabajadoras del hogar por sus derechos humanos y laborales, es la que mejor explora el tema. Años después de haber filmado el documental Día de descanso, tuve ocasión de ver esta estupenda cinta dirigida por Lila Avilés, había ya conocido otras propuestas como Hilda y Roma, pero en La camarista, encontré una aproximación de la trabajadora del hogar desde una perspectiva aspiracional, que dista de la resignación y el hastío, una honesta, sincera y realista historia de vida que no se ancla en el trabajo que realiza su protagonista, sino que se anida en el ser humano, en la mujer, de ahí su valía existencial, de quienes busca un sitio donde parece no tendrá oportunidad de hallarlo, o que al no encontrarlo, deberá hacerse un sitio. Protagonizada por Gabriela Cartol, Agustina Quinci y Teresa Sánchez, La camarista se narra desde el trabajo de quien a conserje labor, asea las habitaciones y pasillos de un hotel en la Ciudad de México, pero que, más allá de las vicisitudes, anhela estudiar, y hacerse de ese espacio propio.
Con la bella fotografía orquestada por Carlos Rossini, la cinta retrata la desigualdad, la inequidad y la ironía de los espacios que a lujo y pobreza, que a riqueza y miseria, que a paz e incertidumbre, se habita en los espacios cubiertos de vacilación y expectativa. Eve, protagonista de una voz coral, adusta la monotonía y la cotidianidad de los días que semejan ser largos a medida que las horas de trabajo se abrigan en las cansadas manos. Los significados de una mejor vida, se describen más allá de los salarios, del dinero o de los bienes materiales que le permiten acequiarse, el significado de una mejor vida reside en la dignidad de su trabajo, de vivir la vida y sentirse parte, de saber y saberse, de anhelar, y en la vía de los anhelos, es donde Avilés apuntala con maestría la resolución de una historia por demás universal.
La camarista
AMORES PERROS 2000
Fue justo en el año 2000, en pleno cambio de siglo y milenio, entre los blockbusters y las cintas de autor orientadas a festivales, en la exploración que agonizaba en la posmodernidad con sus matices eclécticos, fragmentarios y contraculturales, Amores Perros irrumpió el escenario fílmico como un torbellino. Locutor, publicista, y director del experimento televisivo Detrás del dinero, con Miguel Bosé en su elenco, Alejandro González Iñárritu aguardó cinco años tras su primera incursión como director para hacer su debut con una de las mejores óperas primas del cine mexicano, equiparable a Tiempo de morir con Arturo Ripstein.
Amores Perros, es una extraordinaria aproximación a las relaciones humanas desde los instintos, a la violencia depositada en los sentimientos cuando son viscerales más que sentidos, aducida por la pelea de perros como significado de la reacción irracional del ímpetu. La película converge su trama unida por un accidente de tráfico que funge como palestra para la resolución de conflictos en sus personajes, Octavio y Susana, Daniel y Valeria, así como El chivo y Maru, son las tres historias que comulgan espacio y tiempo para derivar sus pasados y presentes dejados a vera de la audiencia. Gael García Bernal, Adriana Barraza, Emilio Echavarría, Jorge Salinas y Vanessa Bauche, integran el elenco de esta película fundamental del cine mexicano del nuevo milenio. Amores perros, epítome sumario de la relación director-autor que Iñárritu consolidó con el guionista Guillermo Arriaga, alcanzando nominaciones al Globo de oro y al premio BAFTA, antes de competir por el premio Óscar. Amores perros rompió un hiato de 25 años para México sin ser nominado en lo colectivo al Premio de la Academia, y la atención hacia el cine nacional y sus histriones fue notorio.
Amores Perros
EL VIOLIN 2005
Ángel Tavira, Dagoberto Gama y Gerardo Taracena, encabeza el elenco de una ópera prima extraordinaria que desde su estreno tuvo un gran impacto social y en la industria cinematográfica con grandes reconocimientos, destacando el premio a Mejor Actor para Ángel Tavira en el Festival de Cine de Cannes. El violín es un vestigio vivo del cine que aborda el documental que sin tiempo versa atemporal las páginas de la historia y que puede ubicarse en el contexto de países diversos, su poesía es música y es vida, interpretada por el maestro Ángel Tavira, quien con una sola mano y apoyando su arte al hombro, hace de cada melodía el deleite músical y el profundo dolor del caso que interpreta, la trama de una película aguda y crítica que se desborda como torrente en la denuncia, en el testimonio, en la memoria.
Don Plutarco, interpretado por Tavira, es en sí mismo una historia aparte, en la vida real era un talentoso músico y compositor, poeta y juglar del son calentano, en la denominada “Tierra Caliente”, que acompases, síncopas y contratiempos brindaba su arte al folklore arraigado entre los estados de Michoacán y Guerrero. Don Plutarco también era profesor rural, e incluso a los sesenta años se inscribió en el Conservatorio de música de Morelia. Su personaje, Plutarco, se ve inmerso en -la Guerra Sucia- acontecida en México, su hijo Genaro y su nieto Lucio, libran la vida entre el campo y la guerrilla hasta ser descubiertos, por tal deben esconder sus armas, para lo cual recurren a Don Plutarco, quien hace de “mula” para trasportar las armas escondidas en su violín. Pero la trama cautiva desde el arte mismo, ya que el único modo de supervivencia que tendrán será la voz de su violín que cautiva al capitán militar y que le permite tanto llevar las armas de un lado a otro como sobrevivir hasta que la música, como el mismo enuncia, viva o muera, inicie, dure o termine su ritmo. El violín destaca por su magnífica dirección, actuaciones sumamente realistas, su fotografía en blanco y negro superlativa y la banda sonora que tiene el mismo poder de los diálogos. El instrumento como arte y como idioma, hace recurso de la cultura expresada en la tradición del son unido a la tierra, defensa de ideologías, acción represora, grupos armados, populismos políticos, milicias y un violinista que ama con su vida con la dignidad que interpreta su música.
El violin
Iván Uriel
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Escrita por Juan Rulfo y publicada en 1955, Pedro Páramoes una de las novelas más significativas de la literatura universal del Siglo XX. Su influencia ha generado investigaciones, ensayos y artículos a lo largo de cinco décadas, que han explorado los sentidos y significados que contiene su narrativa. La novela sin ser una obra histórica sino una exploración atemporal de las causas, consecuencias y efectos que caracterizaron a la Revolución Mexicana, brinda una profunda visión de la situación social y política de México antes, durante y después del conflicto armado. La obra de Rulfo, que ahonda sus días bajo el impacto de la denominada Guerra Cristera, impactó las letras hispanoamericanas por su lenguaje construido a observación y testimonio, así como sus referencias contextualizadas en la ficción que define su glosa y que posibilitan aproximarse a la novela desde numerosos ámbitos.
Y al cariz de seguir tras las huellas dejadas a los pasos sobre la tierra, el llano, o a la tolvanera del tiempo, emerge la obra visual del reconocido director mexicano Juan Carlos Rulfo, quien desde los avatares de su historia de vida, hace un recuento de vivencias, razones y motivos de la obra de su padre, expone visos artísticos de su construcción lingüística y prepara la escena para un encuentro con quien murió en 1986, dejando su nombre grabado en letras indelebles y eternas de las artes mexicanas en el mundo. Estrenado en 2017, Cien años con Juan Rulfo, se presenta en plataformas digitales para envolver de nostalgia, evocación y memoria, los testimonios más sugestivos que nos describen la valía de su obra, exploran los impulsos de su pluma, y aborda la historia de vida del autor jalisciense que, de suyo, es una novela misma. Ganador de diversos festivales de cine, del premio Ariel en México, miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y director de obras referentes del cine latinoamericano como Del olvido al no me acuerdo, En el hoyo, Los que se quedan, Carriére 250 metro, Lorena la de pies ligeros, entre otras, reúne un serial de voces que a coral eco, como el célebre escritor Eduardo Galeano que al director alemán Werner Herzog, lo mismo a la escritora Elena Poniatowska que al primer actor Ignacio López Tarso, quienes forman parte del elenco que recorre a través de seis episodios, las distintas vertientes y aristas que integran la película, como un estacional recuadro de recuerdos.
A través de Juan Carlos Rulfo viajamos al Comala que nace a fuego, interpretación y premura en la creación literaria, pero también al interior de las dimensiones, sombras, fantasmas, espacios sin tiempo y pasajes de una historia que entrelaza no solo la literatura y la historia misma, sino el pasado de las otras vidas que rodean al autor y al director en una suerte de conexión espiritual reflejada en su obra, en sus lectores, y en su herencia reflexiva. Así los oficios, los trazos y la lente del también artista fotográfico, que hizo de sus capturas auténticos paisajes de un México que habla a través de sus montañas, de su gente, de sus letras, de su cine y de su magia, aparecen durante cada episodio como un vestigio que a cada recuerdo renace y vibra.
Cien años con Juan Rulfo es una serie indispensable para las y los amantes de las letras, y una aproximación sensible, humana y epistolar a destiempo, de los tiempos pasado y presente que se unen a la promesa inmortal de una obra al devenir, y de un autor que encontró la trascendencia de vida desde una obra escrita por los muertos. Juan Rulfo ha sido una influencia por demás importante en mis textos, especialmente en las novelas “El Surco” y “El Ítamo”, y qué novela mexicana que explora los entornos sociales y los contextos históricos sin tiempo, no es hija de Pedro Páramo, de ahí que ver la serie resulto revelador, y en sinergia, causa de recomendación para MEMORIA.
Próximamente tendremos en Encuentros, una entrevista con el director Juan Carlos Rulfo, donde exploraremos no solo la serie Cien años con Juan Rulfo, sino varias de sus distintas cintas, su inspiración, anécdotas y proyectos entorno a su quehacer fílmico incluso durante la pandemia que vivimos; cuando una serie documental, explora los días como acontecimientos, logra dejar en cada jornada una gráfica emotiva, plena de un suceso que a través de la cámara remembra, preserva, y activa.
Si Pedro Páramo, crea una realidad que da rostro a los olvidados y hace un reclamo hacia los artífices causantes de un sistema de campos abandonados como consecuencia de la marginación, el abuso de poder y las fuerzas de la naturaleza, y Comala está habitada por fantasmas errantes que abren los sentidos dispuestos a creer en la vida no después de la muerte sino desde la muerte, el documental explora el tiempo, inquiere la historia del llano y posibilita vivir a sus personajes. Una serie espléndidamente dirigida, que invita a conocer una obra, a su autor, y en esa epifanía creativa, estimula conocer a un padre, que desde las huellas de su pasado, reencuentra a un hijo que busca miradas, ángulos y percepciones del llano en todos los llanos, los puntos en que ambos se encuentran para dialogar a través de las imágenes en movimiento que les configuran.
Cien años con Juan Rulfo
Un Film de Juan Carlos Rulfo
México, 2017
Ahora en Prime Video
Trailer 5:56
Iván Uriel
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
A los pasos errantes que confieren aislarse de un mundo que no les incluye pero obliga, Fern afronta la vida misma a partir de sucesos contiguos que determinan el devenir como una suerte de ajuste de cuentas cuyo saldo no debe, pero debe pagar como la impronta que conlleva adentrarse a los planos y estepas de un territorio sin rumbo ni sitio definido. Tras la muerte de su esposo y la pérdida de su trabajo, Fer, interpretada por la extraordinaria Frances Macdormand, decide bregar una vida en viaje, con el peregrinaje nómada de quien al escapar de su pasado encontrar nuevas vetas a la vida; así es como va de un lado a otro, laborando lo mismo en una empresa de compra y paquetería, que en una granja o en un campo habitacional donde limpia baños o hace el aseo sin dejar de preguntarse el devenir y respondiéndose así misma una respuesta que también viaja.
En su trayecto forja amistades tanto errantes como sedentarias en el mismo peregrinaje, es decir, quienes no se alejan del mismo viaje, y sobreviven a las profundas crisis económicas al tiempo que resuelven sus días a través de la filosofía de la vida, de los cuestionamientos que no posponen porque también migran. David Strathairn, Dave, aparece y a su vez desvanece como una figura que, desde la misma vida nómada, le invita hacer paraje y asentar su andar en una oportunidad de vida conjunta, pero previo al dilema, sitúa duelos, encuentros y pérdidas que no hacen sino gravitar un discernimiento al modo de vida.
Con un elenco en su mayoría de habitantes de los colectivos, zonas y territorios que recorre su protagonista, Nomadland presenta sendas confesiones, arengas y evocaciones sentidas en el eco de las voces juglares de Swankie, Gay de Forest o el propio Bob Wells, un portavoz de los sentires nómadas, líder de una legión de seguidores que aproximan a sus lecciones y experiencias. Dirigida por la espléndida Chloé Zaho, quien y había entregado una de las mejores cintas de los años recientes, ”El Jinete”, nos ofrece una palestra de sentido y vacío que habitan entornos que no niegan pero comparten, pero no entregan porque no se posee lo que no se tiene ni puede darse. Gracias a una extraordinaria fotografía, la ganadora del Festival de Cine de Venecia, “Nomadland” asume a sobrados méritos el torrente de críticas positivas que ha tenido para con su viso del mundo, la mejor película del año 2020, gracias a su trama sentida, aguda, reflexiva, por demás reveladora y urgente, agresiva y calma en el movimiento que avanza por que no puede quedarse, como condena, destino y salida.
Nomadland
Dir. Zoe Chloé
E.U.A., 2020
Trailer 2:05
Foto: Iván Uriel | Filmakersmovie.com
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Hacemos un recuento de algunas películas que nos muestran el sentido de la «mexicanidad», ¿Cómo vive un mexicano? ¿Qué siente? ¿Qué sueña? ¿Qué significa ser mexicano?
En la verbena popular y con motivo del puente, que sean una reflexión del México que fuimos, somos y el que queremos lograr.
¡Viva México y los mexicanos de aquí y de allá! Lo que importa es el amor a la tierra, a nosotros y a nuestros hermanos, sólo así construiremos una nación solidaria, consiente, auto crítica y próspera.
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México 2000
México, 1983
Dirigida por Rogelio A. Gonzalez, esta cinta cómica de ciencia ficción, nos presenta la visión de México en el año 2000, donde una sociedad respetuosa convive en armonía, respetuosa de las leyes, la constitución, la pluralidad, alejada de la realidad que se vivía en los años 80, cuando fue rodada. Tras una junta de Dioses del Olimpo, donde se decide si la humanidad debe o no seguir existiendo, un Dios Azteca, exige una oportunidad para mostrar que la raza humana puede cambiar. Protagonizada por el actor Héctor Lechuga y Chucho Salinas, entre otros, esta película, además de divertirnos, nos invita a reflexionar para construir una mejor nación. Un astronauta mexicano, un sistema de transporte público digno que ofrece conciertos de la filarmónica, el respeto de las vialidades, son algunos tintes de sátira que sin duda nos harán querer ser mejores ciudadanos.
Fragmento
4:16 mins
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Mecánica Nacional
México, 1971
El dueño de un taller mecánico decide ir con su familia, esposa, hijos, y con su “mamacita”, a la final de una carrera de autos, un evento concurrido. En la aventura del viaje, acontecen situaciones que exponen la idiosincrasia, las creencias religiosas y morales del mexicano contemporáneo, siendo un retrato fiel de personajes urbanos que encontramos día con día en la vida real, incluso nosotros mismos. Este film cómico dirigido por Luis Alcoriza, cuenta con las actuaciones de Manolo Fábregas, Lucha Villa, Héctor Suárez, y la abuela de México, Sara García. La figura materna, en la vida del mexicano, se ve representado en plenitud, haciendo que los diálogos de esta cinta sean memorables.
Héctor Suárez, manolo Fábregas y Sara García | Foto: http://anahuacalli.tumblr.com/page/32
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Lagunilla mi barrio
En 1980, nuevamente Luis Alcoriza reúne a Manolo Fábregas y Lucha Villa, esta vez para dar rostro a los personajes que transitan en los barrios más representativos de la ciudad de México. Tras algunos inconvenientes familiares, un anticuario, hombre culto y educado, llega a vivir en el barrio de la Lagunilla, donde se enamorará de doña Lencha, una taquera del barrio que sufre el abandono de su esposo, llevando a cuestas el encargo de su negocio y la formación de su hija veinteañera. Uno de los personajes más destacados de esta trama es “El Tirantes”, interpretado por Héctor Suárez, que repite nuevamente con el elenco de Alcoriza, siendo el reflejo del mexicano pícaro, mujeriego, “valedor”, sin miedo a nada.
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El Mil Usos
México, 1981
La década de los 80s nos traerá historias comunes, corrientes, que muestran la situación del México en crisis, la misma que llegó para quedarse. Héctor Suárez, esta vez, da vida a un entrañable personaje, “Tránsito”, un campesino proveniente del estado de Tlaxcala que llega a la Ciudad de México a buscar una oportunidad de desarrollo, enfrentándose a la falta de oportunidades, al caos, a los campos de asbesto, y a la incomodidad de los capitalinos por el que llega de otro lugar. Esta cruda realidad se diluye con tintes de humor, un humor que si bien nos hace reír, nos llena de un dolor profundo por reconocer el sentir de este hombre, al que todos llaman Mil Usos, por tener la capacidad de ejercer muchos oficios. Esta cinta dirigida por Roberto G. Rivera, tendrá luego su secuela, cuando Tránsito, decide emigrar a Estados Unidos para buscar suerte. De esta película se desprende el tema «Ya no vengan para acá» , canción que solicita a los pobladores del interior de la república que no vayan a vivir a la capital, pues «no es lugar para habitar».
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Solo con tu pareja
México, 1991
La ópera prima de Alfonso Cuarón, nos muestra un México pujante, contemporáneo, cosmopolita, e innovadora, al tocar el tema del VIH SIDA, tabú para la época. La historia cuenta la vida de Tomás Tomás, interpretado por el actor Daniel Giménez Cacho, un publicista exitoso y mujeriego que tiene un fugaz romance con Silvana, enfermera del consultorio de su mejor amigo. Al verse en una situación embarazosa, donde Tomás tiene que salir de su departamento por la ventana para llegar al de sus amigos, vecinos de a lado, conoce a Clarisa, una sobrecargo que vive en el departamento intermedio y que le robará el aliento. Silvana, resentida le jugará una broma que lo hará repensar su vida, su presente y su futuro. En esta cinta, podemos, también, disfrutar de la dirección de foto de Emmanuel Lubezki.
Amores Perros
México, 2000
Un antes y un después del cine mexicano y latinoamericano. Dirigida por el director Alejandro González Iñárritu, con el guión de Guillermo Arriaga, Amores Perros es la primera película de la llamada “trilogía de la muerte” y del director y guionista sobre historias cruzadas y circunstancias que nos obligan a ver y reconocer al otro. A raíz de un choque automovilístico los personajes de las tres historias coinciden entre sí, aunque no se conocen nunca, están conectados por las circunstancias. Esta cinta universal bien pudo desarrollarse en cualquier otro lugar del mundo, pero el contexto que nos presenta, es el de un México del nuevo siglo, donde la música, también, es un referente del cambio cultural y social del nuevo momento que vivía nuestra sociedad.
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María Candelaria
México, 1943
Esta es sin duda, uno de los retratos más bellos y dolorosos de México, cinta fotografiada por el maestro Gabriel Figueroa y dirigida por Emilio “el Indio” Fernández. Una reportera pregunta a un viejo artista sobre el retrato de una hermosa mujer indígena desnuda, el artista narra entonces la historia de la modelo, María Candelaria, una mujer que vivió a la sombra de su comunidad, señalada, relegada por el pasado de su madre que era prostituta. Su único apoyo será Lorenzo Rafael, otro indígena que le ofrece su amor, cuidado y compañía. Cada toma pareciera un cuadro pintado a mano del México rural de principios del siglo XX. La trama se desarrolla en Xochimilco, entre las trajineras, los lirios, las flores y la esperanza. Ganadora de la Palma de Oro del Festival de Internacional de Cine de Cannes. Cuenta con las actuaciones de Dolores del Río y Pedro Armendáriz, iconos del cine nacional.
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Macario
México, 1960
La primera película mexicana nominada al premio Oscar como Mejor Película Extranjera. Este filme nos cuenta la vida de Macario, interpretado por Ignacio López Tarso, un campesino indígena que debe llevar sustento a su esposa y a sus hijos, ha pasado mucha hambre y su único deseo es comerse él solo un “guajolote” (pavo), es entonces cuando en los campos, se encuentra con un hombre que al parecer le conoce de toda la vida, la Muerte. Este diálogo lo llevará a la reflexión del ser y estar. Esta película está basada en la novela de B. Traven quien escribió mucho sobre México y su mexicanidad, la historia se desarrolla en la época del virreinato, en la Nueva España. Sin duda. El director Roberto Gavaldón, hace un retrato místico de la filosofía de vida y muerte en el mexicano.
Película completa
1:30:50
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Dos tipos de cuidado
México, 1952
Esta película reúne a dos grandes figuras del cine mexicano, Pedro Infante, querido, amado y proclamado por el pueblo como un ídolo por su voz y su carisma, y Jorge Negrete, elegante y distinguido actor y cantante de la época. La cinta, escrita y dirigida por Ismael Rodríguez es, por decirlo de algún modo, la serenata de México. Cuenta la historia de dos amigos, Jorge Bueno y Pedro Malo, quienes comparten parrandas, aventuras, música, ambos tienen novias formales, Jorge es novio de Rosario, prima de Pedro. Tras un año de ausencia, Jorge regresa al pueblo y se encuentra con la noticia de que su novia se ha casado con su amigo Pedro. Herido, Jorge no parará hasta hacer pagar a Pedro el mancillar su orgullo, sin saber las verdaderas razones por las que se dio este matrimonio. Esta historia reúne, no sólo a dos figuras del cine, sino también a la música, el mariachi, el tequila y la parranda, siendo un retrato del México campirano, alegre y trovador. Una de las escenas más representativas de la cinta y del cine mexicano es el duelo entre Jorge Bueno y Pedro Malo en un “palomazo” de coplas, es decir, por medio de “dimes y diretes” que cuentan lo ocurrido.
Película Completa
1:49:20
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¡Viva México!
Estados Unidos, México y la Unión Soviética, 1930
Sin duda, el gran Sergei Eisenstein, llega a México envuelto en la aventura para rodar una cinta que contara en 6 episodios del México prehispánico al revolucionario. No imaginó que este viaje se complicaría y le impediría terminar el proyecto, lo que sí sabía es que en cada toma, estaba inmortalizando la historia de un pueblo. Rodada en la Ciudad de México, Xochimilco, Acapulco, Oaxaca y Yucatán, podemos encontrar la estructura de cada capítulo. Prólogo, en esta parte se aborda Chichen Itzá, un México envuelto en el misticismo del tiempo eterno de las pirámides. Este capítulo estará dedicado a David Alfaro Siqueiros. La segunda parte, titulada Sandunga, muestra la vida cotidiana en Oaxaca, con una boda en Santo Domingo Tehuantepec, muestra la vida indígena que describe como matriarcado; la tercera parte, Fiesta, muestra la celebración hacia de la Virgen de Guadalupe y la sangre derramada en la conquista, también presenta la fiesta de toros; Maguey será el cuarto episodio, dedicado a Diego Rivera. Se muestra cómo unos peones dolidos por el abuso de la novia de uno de ellos por su patrón, buscan venganza y el pago de la humillación y el dolor. Los episodios Soldadera y Epílogo que abordaría la festividad de muertos, no se filmarán, al ser cancelado el filme. Tiempo después Grigori Alexandrov realiza un montaje final del material filmado por Sergei, titulándola ¡Viva México!
Película completa
1:24:15
Subtítulos en Inglés
¡Que viva México!
¡Que vivan los realizadores que todos los días impulsan nuestro cine, y aquellos que no dejan de luchar para ver sus historias vueltas realidad!
Imaginaria Mexicana. Guionista y productora audiovisual. Filmakersmovie combina sus pasiones, el arte de contar y producir historias, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando testimonios de vida.
En esta semana de reflexión y de vacación, te recomendamos 15 películas para ver en esta temporada, esperamos que nos cuente qué le parecieron.
15.- Cristo 70
Después de cometer un robo, cuatro jóvenes escapan y se esconden en un pueblo, en donde se preparan las representaciones de la Pasión de Cristo, sin saber lo trascendente de su llegada al pueblo.
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Esta película fue estrenada en jueves Santo, causando revuelo en México.
Guión: Alejandro Galindo y Enrique Rosado
Dir. Alejandro Galindo
México, 1970
14.- El Cristo del Océano
Pedrito es un niño huérfano que ha crecido con un pescador, quien lo ha tratado como si fuera su hijo. Un día el pescador no vuelve del mar. Pedrito no pierde las esperanzas de que regrese, y va a esperarlo en la playa, uno de esos días se encuentra la figura de un Cristo, al tiempo que conoce a un foráneo que le pide ayuda, Manuel.
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Guión: Federico de Urrutia, Keith Luger, Alfredo Mañas y Luciano Martino.
Dir. Ramón Fernández
España, Italia, México, 1971
CanalYouTube: UnCatolico2
13. Barrabás
Barrabás nos cuenta la vida del delincuente que es salvado de la crucifixión en donde se condena, también a Jesús, y cómo se desarrolla su vida después de la muerte de éste a lo largo de los años.
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Guión: Christopher Fry, basado en la novela de Pär Lagerkvist
Dir. Richard Fleischer
Italia, 1961
CanalYouTube: Jalido 4x
12.- The Robe
Marcellus Gallio es un tribuno romano que recibe la encomienda de supervisor la crucifixión de Jesús, evento que le cambiará la vida, cuando al pie de la cruz gana la túnica de Cristo en un juego de apuestas, sin saber lo que le pararía el camino ni su conciencia.
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Guión: Albert Maltz, Phillip Dunne, Gina Kaus, Lloyd C. Douglas
Dir. Henry Kosner
Estados Unidos, 1953
CanalYouTube: DVDmaniaMx
11.- Quo Vadis?
Cuando regresa victoriosamente a Roma, después de tres años en el campo de batalla, el general Marco Vinicio se enamora de Ligia. Pero ella es cristiana y sus creencias le impiden enamorarse de un guerrero. Aunque fue adoptada por un general retirado, jurídicamente es un rehén de Roma, de modo que Marco consigue sin dificultad que el emperador Nerón se la ceda en pago por sus servicios.
Guión: S.N. Behrman, Sonya Levin, John Lee Mahin
Dir. Mervyn LeRoy
Estados Unidos 1951
Canal YouTube: Movieclips Classic Trailers
10. Ten Commandments
Moisés, un pequeño bebé hebreo, es encontrado en el río Sinaí por Bithia, hija del Faraón, criándolo como su hijo, ocultando su origen. Moisés pronto gana la simpatía del Faraón Seti, así como el de su hija Nefertari, lo que disgusta a Ramsés, hijo del faraón, pues pondría en riesgo sus aspiraciones al trono. Cuando Moisés descubre su origen busca a su familia, desencadenando una serie de eventos que repercutirán sobre los esclavos, a quienes pertenece y que piensa liberar.
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Guión: Æneas MacKenzie, Jesse L. Lasky, Jr., Jack Gariss, Fredric M. Frank
Basada en : La Biblia, Prince of Egypt de Dorothy Clarke Wilson, Pillar of Fire de J. H. Ingraham y On Eagle’s Wing de A. E. Southon
Dir. Cecil B. DeMille
Estados Unidos, 1956
Canal YouTube: HistoryMovies
9. Nazarín
En México, a principios del siglo XX, el humilde cura Nazarín comparte su pobreza con los necesitados que habitan alrededor del mesón de Chanfa. Después de proteger a una prostituta que provoca el incendio del mesón, Nazarín se ve obligado a abandonar el lugar. A lo largo de su camino, sus acciones, determinadas por su concepto de la caridad cristiana, provocarán una serie de conflictos.
Guión: Julio Alejandro, Luis Buñuel, Emilio Carballido, Benito Pérez Galdós
Dir. Luis Buñuel
México, 1959
Canal YouTube: Elizabeth Casillas
8. El Mártir del Calvario
Jesús rodeado de sus discípulos hace andar a un paralítico, pronuncia el sermón de la montaña, multiplica los peces, devuelve la vista a un niño, redime a la pecadora Magdalena, resucita a Lázaro y arroja del templo a los mercaderes. Luego Judas lo vende y él celebra con los apóstoles la última cena. Después es apresado y coronado de espinas. Judas arrepentido se ahorca. Jesús es crucificado. Muerto, resucitado y sube al cielo al tercer día.
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– Guión: Miguel Morayta, con una historia de Gonzalo Elvira Sánchez de Aparicio
Dir. Miguel Morayta
México, 1952
Canal YouTube: alro alropa
7. Spartacus
Un esclavo llamado Spartacus, es llevado por Léntulo Batiato, un mercader de esclavos, a Capua, para que luche como gladiador, en donde conocerá a Marcelo, un tirano y provocador entrenador. Spartacus va preparando una rebelión para liberarse del tirano abandonando la ciudad reducida a cenizas.
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Guión: Dalton Trumbo, basado en la novela homónima de Howard Fast, con, Calder Willingham, Peter Ustionov
Dir. Stanley Kubrick
Estados Unidos, 1960
Canal YouTube: Movieclips Classic Trailers
6. The Passion of the Christ
No apta para personas hiper sensibles.
En la provincia romana de Judea, un misterioso carpintero llamado Jesús de Nazareth comienza a anunciar la llegada del «reino de Dios» y se rodea de un grupo de humildes pescadores: los Apóstoles. Las enseñanzas de Jesús atraen a una gran multitud de seguidores que lo reconocen como el Mesías. Alarmado por la situación, el Sanedrín, con la ayuda de Judas Iscariote, uno de los doce Apóstoles, arresta a Jesús. Acusado de traición a Roma, Cristo es entregado a Poncio Pilatos, quien, para evitar un motín, lo condena a morir en la cruz como un vulgar criminal.
Guión: Mel Gibson y Benedict Fitzgerald
Dir. Mel Gibson
Estados Unidos, 2004
Canal YouTube: AMBI Distribution
5. Andréi Rublev
A comienzos del siglo XV, el monje pintor Andrei Rublev acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, Rublev comenzará a percatarse de las torturas, crímenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso.
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Guión: Andrei Konchalovsky y Andrei Tarkovsky
Dir. Andrei Tarkovsky
Unión Soviética, 1966
Canal YouTube: VignoniAlto
4. The Last Temptation of the Christ
Jesús, un carpintero de Nazaret, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor de las tentaciones y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres.
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Guión: Paul Schrader, basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis
Dir. Martin Scorcese
Estados Unidos, Canadá 1988
Canal YouTube: WorleyClarance
3. Ben-Hur
Judá Ben-Hur es hijo de una familia noble de Jerusalén, y Mesala , tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación, son dos antiguos amigos, pero un accidente involuntario los convierte en enemigos irreconciliables: Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Cuando Ben-Hur es trasladado a galeras para cumplir su condena, un hombre llamado Jesús de Nazaret se apiada de él y le da de beber.
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Guión: Karl Tunberg de la novella de Lewis Wallace
Dir. William Wyler
Estados Unidos, 1959
Canal YouTube: KevinrspBelieves
2. Il Vangelo secondo Matteo
Pier Paolo Pasolini, nos lleva de la mano por la vida de Jesús desde la visión de Mateo en su evangelio.
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Guión y Dirección: Pier Paolo Pasolini
Italia, 1964
Canal YouTube: Vittorio Argentino
1. Jesus of Nazareth
Miniserie que cuenta desde la anunciación del ángel a María, hasta la reaparición de Jesús frente a sus discípulos después de su muerte en la cruz.
Hasta la fecha, el rostro de Jesús más comercial y conocido en todo el mundo, interpretado por el actor Robert Powell.
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Guión: Anthony Burgess, Suso Ceccehi d’Amico, y Franco Zeffirelli
Dir. Franco Zeffiirelli
Reino Unidos e Italia, 1977
Canal YouTube: elkeeek
Independiente de la religión que se profese, estas producciones gozan de contar con grades actores, guiones, y direcciones que vuelven a la producción parte de la historia del cine.
Nota:
Algunas sinopsis han sido consultadas en FilmAffinity y Wikipedia.org para ser publicadas en este artículo.
Hermosa venganza, cinta dirigida por Emerald Fennell, irrumpe con fuerza en el serial de películas que han cautivado a la audiencia y crítica en la reciente temporada de premios, y no es casualidad, su pertinente trama ahonda una problemática universal y la profunda huella que deja como una cicatriz indeleble la violencia de género, el abuso y los delitos que se cometen en torno a las relaciones humanas no consensuadas; en plena denuncia de la mujer ante el imperante machismo y la cultura que sigue siendo desigual, inequitativa e inquisidora, Fennell nos conduce mediante una película que muestra vaivenes en el humor, en el drama y en la acción que desata la interioridad cuando se expresa.
Carey Mulligan and Bo Burnham star in a scene from the movie «Promising Young Woman CNS photo/Merie Weismiller Wallace, Focus Features)
Nominada a varios premios Óscar, destacando Mejor Actriz, Mejor Guion Original, Mejor Directora y Mejor Película, Promising Young Woman, cuenta con la poderosa actuación de Carey Mulligan, y el coral acompañamiento de la propia Emerald Fennell, Bo Burnham, Alison Brie, Jennifer Coolidge y Adam Brody entre otros histriones que acompasan las vicisitudes, los motivos, las acciones y consecuencias que a través del tiempo enhebran las resoluciones de un delito y de los delitos que se evitan al porvenir.
En Filmakersmovie recomendamos ampliamente esta cinta que al ritmo de música, secuencias y evocaciones, gravita a su género entre el suspenso, el humor negro y el drama, tal como la vida misma.
Lo sentidos son los mecanismos mediante los cuales el cuerpo percibe estímulos; son algo así como receptores de todo aquello que está alrededor de una persona y que ésta distingue mediante distintos órganos, que mandan la información al sistema nervioso y de ahí al cerebro. Los seres humanos tiene cinco sentidos: olfato, oído, tacto, gusto y vista. Cada uno recoge información del medio ambiente que le otorga a la persona la capacidad para conocer y entender sus alrededores. El cerebro interpreta cada sensación y así se construye una imagen del mundo, lo que le permite entender su contexto y también tomar decisiones. Los sentidos operan en conjunto para dar un panorama suficientemente amplio al individuo; así, si alguno llega a faltar, los otros se agudizan para compensar y seguir dando a la persona toda la información que necesita.
¿Cómo sobrevivir sin uno de los cinco sentidos? ¿Cómo confiar en uno mismo cuando existe la sensación de no tener claro el panorama completo? En la película Bird box: a ciegas (EUA, 2018), la humanidad debe prescindir del uso de la vista cuando unos extraños entes, a través de este sentido, llevan a las personas al suicidio. Para evitarlo la gente debe dejar de usar la vista, pero esto acrecienta el reto de sobrevivir. Con un guión de Eric Heisserer, que se basa en la novela homónima de Josh Malerman, publicada en 2014, y dirigida por Susanne Bier, la película está protagonizada por Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich, Tom Hollander, Danielle Macdonald y Sarah Paulson.
Malorie, la protagonista, una mujer embarazada acostumbrada al poco contacto social, termina refugiándose en la casa de un extraño cuando esta fuerza sobrenatural se extiende, causando suicidios masivos en todo el mundo. Junto con ella, un grupo de sobrevivientes se organiza para mantenerse en pie, con la esperanza de que las autoridades retomen el control. Cuando esto no sucede y la comida comienza a escasear, el grupo decide arriesgarse a salir en busca de medios de sobrevivencia, como la única última opción.
Esto divide opiniones, pues cada uno cuenta con sus propias prioridades y aunque todos quieren el privilegio de la seguridad, el resguardo y alimento, pocos están dispuestos a sacrificarse por él, en una combinación de temor, incertidumbre, conveniencia e individualidad. Se trata de un escenario en que gente desconocida se ve obligada a trabajar en equipo, rodeada de un mundo hostil y peligroso que los lleva a desconfiar y por tanto a aislarse. Malorie es especialmente astuta para darse cuenta que pese a sus diferencias de opinión, personalidad y carácter, lo importante es encontrar un punto de entendimiento entre las partes, bajo la prioridad única que a todos interesa: sobrevivir.
El resultado es un choque de actitudes que inevitablemente forma grupos, según se encuentra la afinidad con otros, en algo que los identifique o en que converjan. Olympia, por ejemplo, una joven embarazada a la que le dan también refugio, busca en Malorie apoyo sobre todo emocional, sabiendo el punto concordante que las une, el nacimiento próximo de sus hijos; pero mientras la joven actúan con una solidaridad casi dependiente, Malorie prefiere mantener sentimientos, intimidad y acercamiento al margen, sabiendo que no hay nadie en quien realmente sienta que puede confiar.
Olympia no tiene malas intenciones, al contrario, su personalidad es la de ayudar al prójimo, pero Malorie no sabe cómo relacionarse ni tiene las intenciones para hacerlo, pues vive más cómoda y ‘segura’ en su propia isla o burbuja. El problema es que Malorie debe aprender a detectar que a veces es importante e inteligente pedir ayuda, antes que querer hacerlo todo sola.
A lo largo de la película parece que la protagonista mira a Olympia como alguien débil por su carácter sereno, al que asocia con ingenuidad y fragilidad, específicamente emocional en efecto, pero aunque la otra es claramente más vulnerable por eso, su actitud también tiene su lado positivo, pues representa un grado de bondad, sentimiento significativo para rescatar en un mundo marcado por una condición predominantemente opuesta. Con el tiempo, Malorie entiende que la vida no puede ser ni absoluta dureza ni ingenua inocencia, sino el balance entre ambas. Olympia quizá pudo salvarse de haber sido más crítica y selectiva, desconfiada y distante, pero al mismo tiempo, Malorie, que es así, solo podrá salvarse si, en el opuesto, acepta la importancia ser más sensible, humilde y abierta; vulnerable, pero no en el sentido de alguien indefenso, sino como alguien humano, con sus fortalezas pero también defectos, valor pero también temores.
La vida no es absoluta certeza, al contrario, está llena de incertidumbre, y la incertidumbre implica tener miedo; que esto sea así no es malo, al contrario, conlleva retos y, por tanto, posibilidad de superación. La fuerza sobrenatural que provoca que la gente desee suicidarse en cuanto la ven, de alguna manera ataca este sentir de duda, remordimiento y desesperanza en la persona. No importa tanto qué es o de donde vino esta fuerza, este ente, sino lo que representa y lo que provoca en las personas, obligadas a enfrentarse a sus temores y lo que estos significan o simbolizan. ¿A qué teme el hombre más que a morir? ¿A sufrir, a quedarse solo?, ¿a perder la esperanza, a claudicar cuando otros dependen de ellos?
Créditos: This image released by Netflix shows Sandra Bullock in a scene from the film, «Bird Box.» (Merrick Morton/Netflix via AP)
Los sobrevivientes entienden que tienen que aprender a vivir sin usar sus ojos, y a ver, no en el sentido literal sino en el metafórico, valorando sus alrededores y la visión que tienen, la imagen mental que saben y se han hecho, del mundo y de las personas. La película de esta forma se aventura, también, a preguntar qué tanto dependen las personas de sus sentidos para sobrevivir, específicamente de la vista. Aquí, la memoria debe jugar un papel fundamental en el proceso de adaptación, pues al no ser ciegos de nacimiento, conocen (¿recuerdan?) el medio ambiente en donde deberán sobrevivir: la ciudad, las calles, ubicación de lugares, funcionamiento de aparatos, distancias, etc.
Estas personas se enfrentan a una realidad complicada cuando se dan cuenta que dependen de sus ojos para casi todo y que, ante el limitado uso que ahora pueden darles, no tienen otra opción más que adaptarse. Si quisieran buscar un nuevo refugio, atender sus heridas, advertir amenazas o ubicarse en un espacio, están acostumbrados a depender siempre de sus ojos para poder cumplir con la tarea. El desafío es poder realizar esas acciones empleando sus otros sentidos y su memoria. Cuando necesitan llegar a un supermercado por provisiones, por ejemplo, caen en cuenta que caminen o manejen hasta ahí, están casi indefensos si no pueden guiarse con la vista. Lo importante es dar respuestas, adelantarse a los hechos, avecinar posibles alternativas y escuchar, a veces muy literalmente. Para lograr su meta alguien propone usar el GPS del auto, una respuesta que aunque no ideal, resuelve de momento el problema aprovechando lo que saben, las herramientas con las que cuentan y los sentidos que aún pueden usar, más que nada el oído.
Poco a poco todos terminan dependiendo más de sus otros sentidos, pero mientras esto ayuda a pelear contra los entes que acechan, la indiferencia e individualidad humana, el egoísmo y la altanería no desaparecen, al contrario, siguen muy presentes en la sociedad y con el peligro de empujarla a la autodestrucción. La convivencia en confinamiento, además en un espacio relativamente pequeño, provoca tensión entre los integrantes del grupo, al tiempo que la disminución de víveres y la amenaza del peligro externo conducen a cada uno a pensar más en su sobrevivencia individual que en el bienestar del colectivo.
Douglas, el esposo de la mujer que salvó a Malorie en la calle, y quien muere por ello, adopta una actitud patana y poco solidaria, primordialmente porque sabe que el peligro que tienen enfrente demandará de cada uno de ellos orden, disciplina y decisión, algo que de entrada no se percibe a primera vista en todos. Pero su postura, por ejemplo, nunca es tan egoísta como la de los chicos que huyen con las provisiones y el único auto en la casa, todo con tal de salvaguardar su propia supervivencia, dejando a los otros a su suerte; un acto oportunista y sin más trasfondo que la traición y deslealtad, que ejemplifica cómo las personas explotan la debilidad del otro, aprovechando cada ocasión en que creen que pueden sacar ventaja.
La historia también habla de una relación social afectiva importante, además de esta dinámica tóxica en las relaciones humanas: la relación del hombre con su contexto y todo aquello que da por sentado. Al respecto, al inicio de la película, Malorie, quien pinta artísticamente, le presenta a su hermana su más reciente cuadro, en el que se observa a un grupo de personas reunidas pero al mismo tiempo aisladas, porque cada una parece estar sumida en su mundo, sin interactuar, sin relacionarse, sin observar el mundo o las personas a su alrededor. La hermana de Malorie atinadamente le dice que el cuadro se siente como un grupo de personas juntas pero separadas; y esto es precisamente de lo que habla la historia, de un mundo siempre conectado por todas las vías posibles, sin embargo, viviendo en su propio espacio, alejado de los demás. Esta indiferencia social se hace presente a todas horas y en distintos niveles, a veces conscientemente, a veces de manera inconsciente.
Malorie sobrevive gracias a que alguien le ayuda, pero Malorie misma tarda en confiar en otros pensando que quizá este sea el camino por el que los demás se aprovechen de ella. La desconfianza la pone en alerta, tanto a ella como a los demás, y aunque en la casa está rodeada de gente, ante la situación de peligro, se siente sola. Cuando en el mundo real todos actúan de alguna forma de esta manera, el resultado es un conjunto de humanos parados unos al lado de otros, pero desinteresados de aquellos a su alrededor, ignorándolos, discriminándolos, evitándolos o simplemente ni conscientes de su presencia, o su existencia. La indiferencia como forma de conducta y el egoísmo como valor moral predominante.
Los entes no acechan al grupo, acechan al individuo porque saben que pueden debilitarlo y explotar su miedo y su aislamiento. Para ello ‘infectan’ a personas que eventualmente se encargan de que otros ‘vean’ lo que ellos consideran la verdad, o la salvación, la “luz” que los conduce a la felicidad, a la belleza, rompiendo la indiferencia social por medio del sacrificio personal, aunque, en este caso los lleve luego a la muerte. Uno de estos hombres es Gary, quien llega a la casa con esa intención, bajo la mentira de que es alguien buscando la caridad de un alma que lo acoja y le de refugio. Gary es uno de los muchos que han visto a los entes y en lugar de suicidarse, obligan a otros ‘a ver’, creyendo que de esta forma ‘purificarán al mundo’.
Sus falsas profecías y su fe retorcida no es más que un entendimiento trastornado de lo que significa libertad, redención y ayuda. Gary y otros como él están seguros que ‘ver’ y/o abrir los ojos, simbólica y literalmente, es el camino a la salvación; el problema es que su creencia se basa en que la persona misma no está a gusto con su propia vida, su mundo o su realidad, o que las personas aceptarán ver antes que buscar entender. Pretenden imponer un camino, una conducta, al margen del sentir y del interés de los demás.
Los entes atraen a las personas presionando sus debilidades y llenándolas de desolación, porque quebrantar el espíritu del hombre es el camino más directo para destruir su voluntad de vivir. Contrarrestarlo no es sólo luchar por sobrevivir, es luchar sabiendo que el camino está lleno de adversidades y aún así, o sobre todo por ello, seguir adelante para realmente vivir, para decidir por uno mismo la forma de ser y estar en este mundo.
Cada mente forma su propia idea de lo que sucede y le busca su propia explicación al fenómeno; algunos personajes creen que es el fin del mundo, otros creen que es un castigo de un ser divino, otros, por momentos, teorizan si se trata de algún virus que se transmite y contagia; pero al final, las teorías de conspiración y las creencias de fe son sólo elementos en los que la mente se sostiene para entender e interpretar su realidad, son expresión de la cultura, valores, creencias y temores de cada quien. El ente significa lo que cada persona quiere que signifique y se combate cuando la persona enfrenta esos miedos, debilidades y su espíritu quebrantado.
La mujer que salva a Malorie ve a su madre fallecida, quizá porque detrás existe un remordimiento en ella; la hermana de Malorie ve algo que la asusta, quizá revelando algún miedo intenso que guarda o esconde; Malorie misma cuando es tentada camino a un refugio en el bosque, oye voces que le invitan a claudicar y abandonar a los niños que la acompañan (su propio hijo y la hija de Olympia), exponiendo así su resentimiento consigo misma y sentimientos de culpa por lo que ha sucedido, por las muertes que no pudo evitar, por los caídos que se han quedado en el camino, algunos fallecidos por acudir en su auxilio.
En el fondo, tal cual explica la hermana de Malorie al inicio de la película, hablando ella del cuadro pintado por la protagonista, lo que el relato refleja es una inhabilidad de las personas para conectar con otros y con el mundo que les rodea. El hombre mira pero no siempre observa; habla pero no siempre se comunica. El dicho dice que ‘nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde’ y en esta historia los personajes aprenden a valorar lo que tienen y a quienes les acompañan en su camino, incluyendo las buenas y las malas influencias o las opiniones de aquellos con quienes concuerdan, pero también la de aquellos con quienes difieren.
La pregunta es si el hombre aprenderá a ser suficientemente receptivo a través de sus sentidos, perceptivo ante todo tipo de mensaje, para entenderlo, para comunicarse, para participar y no sólo para estar, para sobrevivir. El problema es si le dará sentido a la vida misma, tanto al concepto de estar vivo, como al mundo en el que están plantados y todo lo que en él está inmerso: las cosas, los otros seres vivos, el ambiente natural, la flora, la fauna, el aire que respiran, la tecnología, la cultura, el arte, la comida, los inventos, las relaciones sociales y humanas, el contacto con otros, el proceso de aprendizaje a su alcance y los retos que les permiten crecer y evolucionar.
En un mundo en donde uno de sus sentidos se vuelve en contra de él, ¿es posible desarrollar otras capacidades para saber escuchar (no únicamente otras voces sino todos los sonidos producidos a su alrededor) y valorarlos, interpretarlos, para tener una percepción puntual del ambiente en el que ahora vive y de los peligros que asechan? El riesgo alternativo es la extinción; aunque para la humanidad existe la alternativa de los ciegos de nacimiento, planteando otro reto a los demás ¿hasta dónde podemos ser capaces de confiar en alguien a quien no conocemos?
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.
Los juicios por brujería en Salem, ocurridos en la región que actualmente cubre Massachusetts, en Estados Unidos, entre 1692 y 1693, fueron falsas acusaciones procesadas formalmente por la autoridad. Ese señalamiento, sin fundamentos, que pese a todo fue llevado a juicio y condenado, demuestra no sólo el despliegue del fanatismo religioso, que justificaba el castigo en el incumplimiento de las normas puritanas que se profesaban en esa época, sino también el poder de la calumnia, el rumor y el chisme, así como la forma como el gobierno puede tomar el control y pisotear las garantías individuales de las personas en nombre de un supuesto bien común, que manipula a su beneficio, no el de la comunidad.
Personas fueron procesadas, llevadas a juicio y encontradas culpables, basándose más en lo que se quería creer que en las pruebas mismas. Las acusaciones eran por brujería y herejía, pero el trasfondo de la situación, que dejó cientos de presos y al menos 19 muertos, era mucho más complejo. El hecho histórico se ha estudiado desde diversos puntos de vista, explicándose por algunos, por ejemplo, como un delirio masivo o intoxicación por alucinógenos, que tomó esas ideas puritanas religiosas y las llevó a un extremo que hizo a la gente perder de vista la realidad. Sin poderse saber con exactitud cómo y por qué sucedió este fenómeno social, lo que queda son deducciones sobre el comportamiento humano, sustentado en un análisis de una realidad plagada de perturbación, venganza, manipulación, miedo, palabrería y fanatismo, todo amplificado.
Los juicios marcaron para muchos la forma de percibir la realidad, la religión y las relaciones sociales, pero el acto social como tal dejó su huella en la historia. Desde entonces por ejemplo la frase ‘cacería de brujas’ se refiere a falsas acusaciones que llevan a juicios, literales o no, sustentados en mentiras y calumnias que señalan y acusan de una forma manipuladora y engañosa.
En 1952 el dramaturgo estadounidense Arthur Miller (1915-2005) escribió una obra de teatro basándose en estos juicios, con eco en su propio contexto social, los años 50 y el macartismo, un periodo histórico en Estados Unidos en que el senador Joseph McCarthy (1908-1957) realizó una persecución criminal mediante una serie de acusaciones, interrogatorios y juicios a personas ‘sospechosas de ser comunistas’. Aquella obra de teatro, originalmente titulada ‘The Crucible’, fue adaptada al cine por Miller mismo. En español Las brujas de Salem (EUA, 1996), la película fue dirigida por Nicholas Hytner y protagonizada por Winona Ryder, Daniel Day-Lewis, Paul Scofield, Joan Allen, Bruce Davison y Karron Graves, entre otros. Nominada a dos premios Oscar, mejor guión adaptado y mejor actriz de reparto, para Allen, la historia se centra en Abigail Williams, una joven obsesionada con un hombre casado, John Proctor, de quien desea que su esposa Elizabeth muera, para que él la elija a ella.
Abigail y sus amigas son un grupo unido que, quizá por su edad, los cambios sociales producto de esta vida en ‘el nuevo mundo’ (la región era una colonia británica asentada en Estados Unidos) o ambas cosas, buscaban libertad y divertimento, gustan de bailar y jugar en el bosque, algo no bien visto en la sociedad puritana, con ideas conservadoras profundamente arraigadas, que conducen a la intolerancia y la segregación, así que, cuando alguien sugiere que las jóvenes practican la hechicería, Abigail, la líder, señala a Tituba, una mujer de Barbados, esclava que convive con ellas, como la culpable de todo. Lo que inicia como un juego aparentemente inocente, y después como una mentira exculpatoria, se convierte en una oportunidad para muchos de sacar provecho de la situación. Algunos vuelcan toda su desesperación hacia Tituba, culpándola de bruja, y por tanto, responsabilizándola de sus desgracias. La presión cae sobre el reverendo Parris, tío de Abigail, quien se ve forzado a traer a alguien, el Reverendo Hale, para investigar las acusaciones demoniacas.
La presión hace que Tituba confiese autoculpándose y diga lo que los otros quieren oír. Abigail aprovecha entonces para hacerse la víctima y decirse presa del poder de los espíritus. El juez Thomas Danforth, que es llamado para el juicio, se obsesiona con cubrir su propia agenda, encontrar y enjuiciar, dadas sus ideas fanáticas sobre el asunto (castigar al pecador para mantenerse en la gracia de Dios). Tituba es de antemano encontrada culpable por un pueblo que quiere castigar a cualquiera que puedan culpar de su mala fortuna, así como un grupo de jueces que ejercen el poder que tienen para demostrar su superioridad intelectual y religiosa, la pureza de sus almas y presentarse ante la sociedad como los ‘salvadores’. Desde luego lo que menos importa es el esclarecimiento de los hechos, sino sancionar a los supuestos culpables para que sirva de castigo ejemplar hacia la población. Una práctica común a lo largo de los siglos.
Pero para Abigail sobre todo, más que para las otras chicas, la primera acusación es un intento por librarse del regaño por el baile y sus demás juegos infantiles que de por si tienen prohibido, pero lo que sigue es el uso cruel y premeditado de la influencia que pueden lograr, al darse cuenta de lo fácil que es acusar al otro, para castigar y vengarse, oportunidad que otros, eventualmente, en el pueblo, encuentran también útil para cubrir sus propios fines. Después de todo, en la comunidad hay resentimientos, envidias, recelos, rencores y ánimos de venganza, por hechos pasados y conflictos no resueltos. No tarda para que muchos otros sean señalados por brujería sin el más mínimo fundamento o prueba. La gente acusa a sus enemigos, a sus vecinos, a las personas con las que tienen algún conflicto o a las que consideran culpables de algo que les haya traído penas en el pasado, hasta que, inevitablemente, alguien señala a Elizabeth Proctor.
John sabe, por Abigail, que todo comenzó como una mentira conveniente para ella y las otras niñas, pero confesarlo implica revelar que habló con ella a solas, algo socialmente mal visto dado que él está casado. John insiste que la gente se dará cuenta por sí sola del engaño, pero cuando los que lo hacen también son acusados y Abigail se va sobre Elizabeth, John confiesa al Reverendo Hale lo que sabe, logrando que el otro se dé cuenta, por razón y lógica, que la acusación misma, sin ser investigada, puede ser una mentira bien recubierta. Hale duda, pues entiende que el juicio y la condena que se está haciendo, se realiza sólo en la palabra (el rumor, el chisme), en la acusación, no en las pruebas.
Cuestionar a las únicas personas que hasta ahora no han sido acusadas (Abigail y las chicas), sería la forma más lógica de llegar a la verdad, sin embargo, también la más difícil. Las jóvenes que aseguran ser testigos y víctimas de la brujería tienen ya un poder de convencimiento difícil de refutar, dudar o eludir, y pretender hacerlo e indagar lo verídico de las acusaciones coloca a quien lo hace en el estrado de los inculpados. Los juicios se han guiado por la palabra de un grupo de personas que dice lo que quiere según le conviene, no por lo que es; su palabra se ha tomado como verdadera al grado que es más convincente que la verdad misma, porque así les conviene a los involucrados (los que acusan, los que enjuician o los que se benefician del encarcelamiento de otros), por lo tanto, negarla, analizarla o señalarla, ir en contra de lo aceptado por la mayoría, es mal visto. Para entonces, por conveniencia o por seguridad propia, es más aceptado alinearse con lo que dice la mayoría, que pensar, o decir la verdad, o investigar, porque ir en contra de lo que dice y quiere la gente en el poder conlleva ganarse castigos y venganzas, pena y desdicha.
¿Por qué la gente actúa así? ¿Por qué no razonar e investigar, con temperamento y paciencia? No hay evidencia ni sustento en las acusaciones, pero los aldeanos ven y creen lo que quieren ver y creer, según puede ser usado a su favor y eso es más fácil para ellos. La calumnia y la mentira cobran fuerza cuando lo importante no es la justicia, sino la apariencia de ella. La historia refleja con tino esta realidad aún presente en el siglo XXI, en que las personas pueden ser llevadas a la hoguera, metafórica y literal, al juicio y al señalamiento, por un simple efecto de inercia: alguien acusa sin fundamento, la gente lo toma como verdadero, lo repite y se lo cree, resultando en un castigo basado en nada más que palabrería, justificada y validada no por la demostración de su veracidad, sino por el efecto de repetición masivo y sin razón. Si lo dice alguien con poder es cierto, si lo dice la mayoría es cierto, si lo dice tal o cual medio, personalidad o publicación, es cierto, por ejemplo, son algunas de las creencias ciegas que se oyen en la actualidad. La ignorancia y la estupidez como factores predominantes en las relaciones sociales, hoy como hace 350 años.
“Las apariencias engañan”, dice John en un punto de la historia, pero, ¿cómo darse cuenta de ello? y, más importante, cómo evidenciarlo, justificarlo, demostrarlo y sustentar la justificación, cuando la apariencia es tan beneficiosa para el otro que vivir engañado es mucho más cómodo para todos, o para casi todos. Si alguien quiere tanto creer en la mentira, es difícil hacerle entender no sólo la verdad, sino la importancia y relevancia de ésta. Las personas creen lo que quieren creer. La gente no se atreve a luchar por la verdad cuando hacerlo es castigado y mal visto, cuando la libertad de pensamiento y crítica se enfrenta a la necedad del otro y, por tanto, al señalamiento y el linchamiento. ¿Cuántos acusados inocentes no ha habido a lo largo de la historia, cuya condena se basa en mentiras, rumores y manipulación? Es tan fácil dejar rodar la mentira que crece como bola de nieve para hacer de la falsedad un hecho comúnmente aceptado.
Lo vive por ejemplo Mary, una de las amigas de Abigail, quien trabaja para John, que acepta que todo lo que las chicas dicen sobre ver el demonio y ser presas de la brujería no es más que teatralidad, a veces ensayada, a vece espontánea, pero tan convincente para algunas de las niñas que de verdad se lo creen y reaccionan acorde. Mary confiesa, pero no todos la quieren escuchar, porque validarla implicaría contradecir sus propias palabras, lo que los pondría en evidencia. Aunado a ello, Mary duda si debe hacer lo correcto, porque sabe que las otras chicas se irán en su contra. En efecto, ante la primera oportunidad, acusan a Mary misma de bruja, sabiendo que la simple denuncia es suficiente para que la encarcelen. Mary termina por retractarse y negar la verdad, para librarse del castigo. Y así como Mary, muchos viven en el pánico y la histeria, desconfiados de sus vecinos, vigilando y sabiéndose vigilados, acusando a la primera discrepancia que haya entre ellos.
Qué es negar la verdad sino una forma de mentir, y mentiras son sobre las que se construye esta sociedad. Una vez que los primeros condenados encuentran su muerte y Abigail huye, los jueces se quedan con un pueblo que comienza a resentir lo que está sucediendo. Para dar por concluidos los juicios, que han dejado resentimiento y odio, se decide usar a John como estandarte, como persona respetada del pueblo, para pedirle una confesión falsa y a cambio perdonar a los demás. John tiene mucho que ganar, salvar la vida de su esposa embarazada y la vida de los otros enviados a la muerte, pero tiene aún más que perder.
John tendría que mentir y esto significa no sólo tachar su nombre, el nombre de su familia y el de aquellos que, como él, están acusados falsamente, sino que hacerlo es darle la razón a la gente que ha mentido, los jueces, Abigail, los líderes religiosos. Él considera que es mejor sacrificarse y morir, sabiendo que al menos así demuestra sus principios, su verdad y su ética, sopesando ‘morir en la verdad’ que ‘vivir en la mentira’, por lo cual prefiere elegir el camino que considera el más correcto. ¿Qué clase de persona sería, cómo vivir consigo mismo, qué ejemplo daría a sus hijos, si aceptara una culpa que no le corresponde?
Elizabeth y Hale aceptan su decisión, respetándola, pero cuántos no, al contrario, la condenan. ¿Tiene un precio la verdad? ¿Cómo es que pesa más el rumor y la falsedad, la calumnia y la mentira? ¿Qué se necesita para parar la ‘caza de brujas’? ¿Ética, verdad, persuasión, cultura, conocimiento, razón, o todas las anteriores? ¿Puede hacerse, cuando dados los intereses de por medio, el que gana, gana mucho y el que pierde, puede perderlo todo? Tal como sucedió con los juicios de Salem, el tiempo, la perspectiva, la evolución cultural y la valoración crítica que se gana con el distanciamiento del objeto que se analiza, lo dirán.
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.
CINE Y LITERATURA, 91 AÑOS DEL PREMIO ÓSCAR. (III)
“Mi bella dama.”
Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez
George Cukor y Audrey Hepburn en el plató de My Fair Lady (1964)
“Mi bella dama” es una película musical estrenada en 1964 y galardonada con el Premio Óscar como mejor película. La producción fue dirigida por George Cukor, y el guion realizado por Alan Jay Lernerestá basado en la obra de teatro escrita por George Bernard Shaw titulada: “Pigmalión”. El personaje histórico llamado Pigmalión, en la mitología griega se enamoró de una escultura bellísima que él mismo había realizado y a la cual le puso el nombre de Galatea, la diosa Afrodita le cumplió el sueño y convirtió a Galatea en una mujer de carne y hueso para que Pigmalión la cuidara y amara.
Pigmalión y Galatea es uno de los mitos más transmitidos en la historia del arte, Bernard Shaw en 1914 publicó una de sus obras teatrales más conocidas y cincuenta años después cuando la obra se presentó en la modalidad de película musical, tanto la obra escrita como la película se convirtieron en un referente de la cultura universal, por todo lo mencionado y teniendo de manera general el conocimiento del mito, conozcamos al moderno Pigmalión de Bernard Shaw.
La obra está compuesta en cinco actos, los personajes centrales son: “Madre (Señora Eynsford Hill), Hija (Señorita Eynsford Hill), Florista (Elisa Doolitle), Mistress Peace, Mistress Higgins, Una Doncella, Caballero (Coronel Pickering), El de las notas (Enrique Higgins), Alfredo Doolitle.” A continuación, en el presente artículo se abre el telón:
Todo sucede allá por el año 1912 en Londres, Inglaterra, eran las doce de la noche y la gente se encontraba en el Pórtico de la Iglesia de San Pablo esperando un taxi que las pudiera llevar a su casa debido el fuerte aguacero que caía, una joven florista accidentalmente choca con uno de los transeúntes y cae, pero, luego, luego se levanta y empieza a intentar vender sus flores a las elegantes señoras que esperan los taxis. La florista tiene unos dieciséis años, es guapita, de rasgos muy humildes: “Sin embargo, se ve que con un poco de cuidado sería una muchacha muy aceptable.”
En el mismo lugar se encuentran Enrique Higgins, quien es un reconocido lingüista encargado de escribir el alfabeto fonético universal, Higgins le compra a la chica unas flores y en ese contexto conoce al Capitán Pickering, personaje que acaba de llegar de la india y era el autor de “El sánscrito hablado”. Pickering le dijo a su colega Higgins que había viajado exclusivamente a Londres para conocerlo y ver su gran trabajo de fonética universal, a lo que Enrique respondió que él estaba pensando viajar a la india con el mismo propósito, los lingüistas entablaron gran amistad y Pickering se fue a residir a la casa de Enrique Higgins.
Al poco tiempo de lo sucedido en la Iglesia de San Pablo, la florista llamada Elisa Doolitle se presentó en la casa de Higgins, el motivo de su visita era para que Enrique le enseñara a hablar. Elisa tenía la aspiración de trabajar en una tienda elegante de flores y por tener un lenguaje vulgar no lo había podido hacer, Elisa además de pobre, era muy desagradable por su forma arrabalera de hablar. Con Elisa enfrente, Higgins le apostó a Pickering que en seis meses si él se lo proponía haría de Elisa una dama de sociedad, es más sin problemas podría pasar por Duquesa.
La apuesta se formalizó, Elisa aceptó ser educada en modales y habla por parte de Enrique Higgins, la chica desde un inicio demostró a pesar de su humildad, ser de espíritu digno, una joven independiente, honrada, agregando que poseía gran virtud para aprender la lenguas, buenos modales, resultó ser muy limpia, ordenada, en dos meses tuvo su primer reunión en sociedad y si bien cometió algunos errores en su forma de hablar, al momento que llegó a la reunión todos los que no conocían sus orígenes quedaron sorprendidos de su belleza y elegancia:
“La doncella aparece de nuevo y anuncia a la señorita Elisa Doolitle. Elisa, deliciosamente trajeada, produce al entrar tal impresión de hermosura y distinción, que todos se levantan como cohibidos. Es un contraste enorme con la florista estrafalaria de antes. Guiada por la mirada de Higgins, se acerca a la señora de la casa, con gracia estudiada. Elisa. (Con corrección pedantesca y hermosa cadencia de voz.) ¿Cómo está usted, señora? Su hijo me dijo que usted me haría el honor de recibirme; así es que me he permitido… Mistress Higgins. (Cordial) Tengo una verdadera satisfacción por conocerla.”
Toda prueba que se lo ponía a Elisa era satisfactoriamente superada, el último gran evento se dio en una Ópera, terminado el evento los colegas lingüistas llegaron a su casa cansados y frente a su muñeca creada Enrique le expresó a Pickering:
“Sí, sí; estaba muy segura de sí misma. La verdad, si no es por la negra honrilla, no llevo la broma hasta el final. Pero, en fin, me había empeñado en ello, y por eso la llevé adelante. Al principio, mientras estuvimos en la parte fonética, la cosa me interesó; pero luego me fue pesando lo indecible. Lo dicho: de no haber sido por el empeño, lo hubiese abandonado todo a los dos meses de empezar. Le aseguro a usted, Pickering, que no me vuelven a coger en otra. Una vez y no más. No haré más duquesas postizas.”
El experimento había terminado con gran éxito, fue aquí cuando Elisa estalló y después de una fuerte discusión con su maestro y creador Higgins, decidió irse de la casa, le dijo que hubiera preferido la dejara como una humilde florista, independiente, digna, honrada, a lo que aparenta ser hoy, una dama de sociedad que no tendrá de que vivir ni como sostenerse:
“Elisa. – Antes de que se vaya caballero… Higgins. – (dejando, de la sorpresa, caer las zapatillas.) ¡Caballero! Elisa. – Deseo saber si mi ropa me pertenece o es del coronel Pickering. Higgins. – (Volviéndose a entrar del todo, cada vez más sorprendido.) ¡Para qué demonios puede hacerle falta al coronel tu ropa? Elisa. –Tal vez para la próxima muchacha que recojan ustedes para sus experimentos. Tengo que saber lo que puedo llevarme y lo que no. No quiero que luego me llamen ladrona. Higgins. – (Muy enfadado.) Llévate, con mil demonios, toda la casa, si quieres. Excepto las joyas, que son alquiladas. ¿Estas satisfecha ahora?”
A Elisa no le preocupada tanto su futuro, sino el trato tan frio e indiferente que recibía de Higgins, él le pedirá que regrese, sin embargo, nunca manifiesta amarla, es un hombre de cuarenta años que no tiene pensado casarse ni le interesa la vida conyugal. Elisa cree en los sentimientos y en la pasión, la historia completa es fascinante y si bien cuando se cierra el telón en la obra de teatro, el final queda abierto, en el epílogo Bernard Shaw nos presenta a un nuevo Pigmalión que lo considero insensible y materialista, es decir, más acorde a nuestros tiempos, que aquel Pigmalión de los siglos pasados romántico y enamorado…
José Miguel Naranjo Ramírez, es un escritor, articulista y ensayista mexicano. Desde hace más de diez años comparte sus reflexiones, estudios y reseñas acerca de literatura, música y cine, a través de su columna “Ruta Cultural”, publicada en diversos medios impresos y electrónicos; así mismo conduce un programa de radio.
No Basta con Amar, a veces el amor no es suficiente
Desde el primer minuto de metraje, ‘No basta con amar’ demuestra la contención y sensibilidad de Cristián Mamami, quien hace su debut en la dirección. Samir, un niño de 9 años, debe enfrentar la separación de sus padres. Mientras ellos -José y Javiera- se reúnen para encontrar la manera perfecta de decírselo, se dan cuenta de que él comprende perfectamente lo que está pasando.
Construida sobre el talento actoral de un elenco compuesto por Daniela Ramírez, Néstor Cantillana y Samir Sukni, ‘No basta con amar’ es una radiografía sobre el término de una relación de pareja donde el amor se esfumó. Daniela, una exitosa astrónoma, vuelve de su trabajo para contarle a su hijo que la relación de sus padres, ya no seguirá siendo la misma.
“Es una historia que tiene que ver con los tiempos de hoy”
Cristián Mamani
Mamani, director de fotografía de películas como ‘Historias de sexo’ (1999), cuenta que la idea de la película surgió de la observación.
“Nace de ver a algunos amigos y compañeros generacionales en situaciones de pareja que comenzaban a fragmentarse y cómo estaban iniciando una búsqueda para crear escenarios familiares más amables en relación a lo que fueron nuestros padres. Al mismo tiempo, ver los comportamientos de los hijos de amigos, de sobrinos y cómo respondían a estas nuevas composiciones familiares. Conocí a dos madres que habían tomado la decisión de separarse de sus parejas y desarrollar su vida profesionalmente. Además, leí un par de entrevistas a mujeres feministas que contaban cómo había sido para ellas la decisión de no ser madres. De ahí nace la inquietud. Desarrollamos una historia que tiene que ver con los tiempos de hoy”.
El director, se infiltra en la vida privada de tres personajes en estado de transición. “Es una película íntima”, destaca Mamani. “Es un fragmento en la vida de una familia donde todos quieren algo que se va: Samir busca a su mamá, José busca a Javiera y Javiera busca continuar con su profesión. Es una historia que se desarrolla entre el desierto y el mar. Una película de tiempos y silencios. Propone delicadamente un conflicto que es contemporáneo. Al momento de la ruptura uno está lleno de preguntas y hay muy pocas certezas. Las respuestas se desarrollan en la medida que uno aprende y es ahí también donde este nuevo paradigma familiar se ve expuesto en la película. Creo que a mucha gente le va hacer sentido hacerse la misma pregunta que nuestros personajes”.
No basta con amar
Dir. Cristián Mamani
Chile, 2019
Trailer 1:43
-Sinopsis-
Samir, un niño de 9 años, debe enfrentar la separación de sus padres. Mientras se reúnen para encontrar la manera perfecta de decírselo, es el pequeño Samir quien los sorprende, pues sabe perfectamente lo que sucede, poniendo en jaque a sus propios padres con su acuciosa visión de la situación. ‘No basta con amar’ una radiografía sobre el término de una relación de pareja donde el amor se esfumó y la mirada silenciosa de los niños.
Reparto:
Javiera: Daniela Ramírez
José: Néstor Cantillana
Samir: Samir Sukni
Estreno: 12 de septiembre salas de cine chileno.
Distribuye: Market Chile
Fuente:
Andrea Carvajal
Plaza Espectáculos
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Los juicios por brujería en Salem, ocurridos en la región que actualmente cubre Massachusetts, en Estados Unidos, entre 1692 y 1693, fueron falsas acusaciones procesadas formalmente por la autoridad. Ese señalamiento, sin fundamentos, que pese a todo fue llevado a juicio y condenado, demuestra no sólo el despliegue del fanatismo religioso, que justificaba el castigo en el incumplimiento de las normas puritanas que se profesaban en esa época, sino también el poder de la calumnia, el rumor y el chisme, así como la forma como el gobierno puede tomar el control y pisotear las garantías individuales de las personas en nombre de un supuesto bien común, que manipula a su beneficio, no el de la comunidad.
Desde el primer minuto de metraje, ‘No basta con amar’ demuestra la contención y sensibilidad de Cristián Mamami, quien hace su debut en la dirección. Samir, un niño de 9 años, debe enfrentar la separación de sus padres. Mientras ellos -José y Javiera- se reúnen para encontrar la manera perfecta de decírselo, se dan cuenta de que él comprende perfectamente lo que está pasando.
