La premiada novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” que aborda la migración universal, reaviva el género de la radionovela en México
Iván Uriel | Fotofrafía: Revista Enlázate, Puebla, México.
La novela “El Surco, historias cortas para vidas largas”, del escritor, politólogo y documentalista mexicano Iván Uriel Atanacio Medellín, que ha recorrido México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa, relanza con fuerza el género clásico de la radionovela, que ha formado parte del entretenimiento cotidiano de las y los radio escuchas mexicanos por décadas. Publicada en 2011 y comentada por escritoras como Elena Poniatowska y Carmen Berenguer, “El Surco” es la primera entrega del proyecto literario “Apología del Encuentro”, que incluye la publicación en 2015 de “El Ítamo” y en 2018 del poemario “Navegar sin Remos”.
Dicho proyecto literario, ganador del Premio Nacional Aportación a las Letras Mexicanas 2017, ha cautivado a lectores, escritores, investigadores, académicos y activistas a nivel internacional, gracias a su contenido realista, estilo innovador y una técnica narrativa que entrelaza historias que describen las relaciones humanas desde la migración universal. “El Surco” es una novela testimonial escrita sin capítulos, narrada por diferentes voces y acentos de México, y unida en su estructura por el horario en tiempo real de una jornada de trabajo en los campos de cultivo.
Para llevar a cabo la adaptación literaria, Iván Uriel colaboró con la guionista Perla Atanacio, Directora General de Filmakersmovie, sitio iberoamericano ganador en tres ocasiones del premio AMIPCI, ahora Asociación de Internet Mx. Perla ha escrito guiones para series de televisión, comerciales y documentales, y como productora fue nominada a Mejores Valores de Producción en la pasada entrega de los Premios Pantalla de Cristal por el comercial “Hazlo UPAEP”.
“El Surco”, citada en tesis doctorales, estudios sociales, lingüísticos y migratorios, y que ha inspirado coloquios, obras de teatro y cortometrajes, fue seleccionada para celebrar el “Día Internacional de la Lengua Materna” y representó a México como novela extranjera invitada al Encuentro Nacional de Escritores de Chile, así como en la Semana de Escritores Hispanos en Norteamérica, organizado por las universidades Umass, BU, Harvard y el Instituto Cervantes de España. Entre otros logros, abanderó a América Latina en el Congreso Internacional en Derechos Humanos organizado por la Universidad de Milán y ha sido comentada en instituciones como la UNAM, Universidad Iberoamericana, UV, BUAP, UPAEP, UAEH y recientemente se presentó en Francia e Italia.
“El Surco” la radionovela, es una idea original de Arturo Zorrilla e Iván Uriel, quienes al proyecto literario, suman este serial auditivo en homenaje a los senderos migrantes que emprenden un viaje acuestas el dolor, delante la esperanza alrededor del mundo.
La serie integrada en su primer temporada por 20 capítulos, cuenta con la coordinación de Enrique Guadarrama, y la producción de Rocío Marín, y Mathew Becerril, quienes desde grupo Ultra y Presumiendo México, se dieron a la tarea de seleccionar, dirigir y adecuar diferentes voces para dar vida a los personajes de la novela.
“El Surco”, primera radio novela producida por Radio Ranchito a través del 102.5 FM de Morelia, Michoacán, será transmitida todos los martes y jueves a las 3 de la tarde (centro de México) , con repeticiones sábados (9:30am CDMX) y domingos (7:00am CDMX) en mismo horario, y para México, Estados Unidos, América Latina y el resto del mundo mediante su aplicación en línea.
Desde Filmakersmovie nos unimos a este proyecto que nacido desde el testimonio y la literatura, presenta una propuesta auditiva, que de igual forma relanza un género del entretenimiento y hace énfasis en temas por reflexionar de la agenda social de México.
En vísperas de año nuevo Diego se prepara para reencontrarse en la última noche del año con Carmen, su antiguo amor. El joven arquitecto ha estado en Madrid en los últimos años y parece haber regresado para quedarse. Lo que parece ser una cena de reencuentro será, sin saberlo, un recuento de temas pendientes en el amor, aquí y allá.
Cena para 3, escrita y dirigida por Juan Carlos Blanco Ramírez, supone la historia de amor entre Diego, Carmen y su novia española Valentina, que inesperadamente decide emprender la aventura de su encuentro.
¿Qué presupone la cena de año nuevo para los protagonistas? La adrenalina del amor idílico, el platónico, el pasional, mueve los hilos de esta trama donde el pasado va marcando las líneas narrativas que el cineasta propone. Vemos pues tres narrativas contadas desde sus protagonistas.
¿Qué presuponen los preparativos de la cena de año nuevo para nosotros? ¿En quién pensamos? ¿A quién visitamos? ¿Con quién brindamos y comemos uvas? ¿Con quién decidimos compartir la vida?
Protagonizada por Ramón Medina (Aerosol, Fear the walking Dead, Los Miserables), interpretando a un Diego meditabundo y a veces resolutivo; por Fabiana Perzabal (Sense 8, Bienes Raíces), una mujer que huye del pasado , y Amparo Barcia (El Tiempo Entre Costuras, Guerra de ídolos), quien da vida a Valentina, una mujer arriesgada; Cena para 3 nos invita a la reflexión de las relaciones personales y del cómo, una noche como la noche vieja o año nuevo puede ser trascendental para tomar decisiones en nuestra vida, al menos en la de los protagonistas.
Un viaje, un reencuentro, un recuento, un pequeño perro llamado Dieguito que nos envuelve en ternura, son algunos de los momentos que a modo de subtexto nos dicen más de lo que los diálogos nos pueden explicar.
Esta cinta es producida por el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, A.C., en co producción con CTT Exp & Rentals, con fotografía de Daniel Blanco “Cache” AMC. Cuenta con la colaboración de la artista visual Brisa Vega y de los artistas Eric Ibarra y Juan Blanco V.
Cena para 3 se ha presentado en festivales de cine, y recorre México en busca de nuevos espacios para presentarse, si usted quiere conocer si exhibir esta cinta puede contactarse a atay@lanetafilms.com.
Agradezco al productor Arturo Tay el compartirme esta cinta para poder conocer y reconocer el trabajo de los artistas de INDIe.
Cena para 3
Dir. Juan Carlos Blanco Ramírez
México, 2015
Trailer: 01:30
Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.
Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks, Camaleón Films, Presumiendo México y Radio Ranchito FM. Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas.
Misión Imposible: Repercusión, la impactante epifanía de Tom Cruise
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Un despliegue de pirotecnia vuelta en secuencias de acción magistralmente dirigidas, el epítome de película de verano, y un portento cinematográfico a su género, hacen que Misión Imposible: Repercusión, brille con luz propia dentro de una saga que acumula cinco entregas previas, consolidando una franquicia que por su inigualable consistencia cualitativa, bien puede considerarse la mejor serie de acción de los últimos 25 años.
Misión Imposible: Repercusión | Dir. Christopher McQuarrie | E.U.A., 2018
Estrenada bajo el aura de consagración que parecía dibujar como tintes de insuperable, la espléndida Misión Imposible: Nación Secreta, Repercusión cuenta con diversos atributos que la convierten probablemente en la más arriesgada, audaz, ambiciosa y bien ejecutada película dentro del serial de espionaje, que, con Misión Imposible, iniciara en el verano de 1996 el mítico Brian de Palma.
Las primeras cinco parte del serial ofrecieron los visos de cinco directores distintos, que enfocaron sus cualidades en pos de continuar la trama de espionaje, los gadgets sorpresivos, los cambios de identidad, las secuencias coreografiadas desde lo individual y lo colectivo, y el tema musical a inspiración de Lalo Shifrin que encumbra emotivamente a cada clímax operístico dentro de las cintas. Una fórmula que pudiera resultar en destino del tedio, se convirtió en un guión estructural que por lo contrario, representa un reto en cada una de las secuelas porvenir. Así, John Woo y su MI:2, fue mal recibida por la crítica mientras se convirtió en la cinta más taquillera a nivel mundial en el año 2000; J.J. Abrahams hizo de MI:III en 2006, su ópera prima, y a partir de ese momento también se convirtió en productor de las tres postales siguientes, el ahora director élite, ahondó en el personaje de Ethan Hunt de forma más persona, reflejando un lado más vulnerable que incluso la actual misión explora.
Brad Bird, galardonado con dos premios Óscar por sus cintas animadas Los Increíbles y Ratatoullie, debuta como director de actores en live motion con Misión Imposible: Protocolo Fantasma, que sin duda, en 2011 catapultó a la saga tras varios años de hiato, y de paso dejó en el imaginario, la espectacular secuencia en donde Ethan Hunt, escala el edificio más alto del mundo para entonces, esa secuencia en Dubai resulta apoteósica. Así, tras el estreno de Jack Reacher en 2012, llegó el turno para Christopher MacQuarrie de abonar su propia visión de la serie al su colaboración con el protagonista.
Prevaleciendo en las seis películas únicamente el personaje de Luther, interpretado por Ving Rhames, MacQuarrie continua el ensamblaje de caracteres que prosigue el humor, ahora un tanto más serio, de Simon Pegg, la indómita presencia de Rebeca Ferguson, la elegancia cómplice de Alec Baldwin, y a ellos, suma la acertada participación de Henry Cavill, y de la soberbia Vanessa Kirby, para completar el elenco que hace de Repercusión, una cinta igualmente balanceada entre las espectaculares intervenciones de dobles y actores de reparto en sendas coreografías de acción y actuaciones sólidas, en muchos casos, aunadas a la fiebre ya clásica de la saga por la realización de peligrosas escenas por parte de los propios actores. El resultado, una pieza de increíble precisión que luce por completo en pantalla IMAX.
Una cinta llena de maestría, en cuya estructura bien incluye obertura, arias, interludios y epitafios no concluidos, para dar cabida a una probable secuela, MacQuarrie repite sin repetirse, y presenta una versión plena de dinamismo, que vira hacia lo complejo que resulta la trama de espionaje, enredo e intriga internacional, con la solemnidad del relato. Pero si la ejemplar veracidad de la película recae en los efectos prácticos y en su conjunción tecnológica para mostrar el mayor realismo posible, en franca oposición a las ya abundantes películas de súper héroes bañadas hasta el hastío de efectos especiales CGI y pantallas verdes, el mayor efecto visual es su protagonista: Tom Cruise.
Misión Imposible: Repercusión | Dir. Christopher McQuarrie | E.U.A., 2018
Ícono, leyenda, mito, Cruise, se muestra encomiable, carismático y con el usual profesionalismo que le ha llevado a realizar sus escenas sin necesidad de dobles, y a poner en riesgo el físico hasta sufrir lesiones y detener por un periodo de tiempo el rodaje. Comparado a las veces con Jackie Chan, Cruise se diferencia por el uso de implementos, instrumentos y herramientas de trabajo, lo mismo maneja una moto que un auto, un camión que un helicóptero, escala una montaña, un edificio, aguanta la respiración bajo el agua, se cuelga de un avión o es capaz de arrojarse lo mismo en paracaídas que pilotearlo.
En Repercusión, Cruise ha dejado muy alto el listón cualitativo de su heredad, y en esta película especialmente relacionada al ambiente que ofrecen directores como Christopher Nolan en El Caballero de la Noche, o George Miller, Mad Max: Furia en Dos Ruedas, alcanza rasgos de epifanía cinematográfica que recuerda la variedad de rangos donde podemos disfrutarle a lo largo de sus casi cuatro décadas en la industria.
El mismo actor nominado a tres premios Óscar, y ganador de tres Globos de Oro, luce con total esplendor a sus 56 años, y logra lo anterior con un despliegue de energía que motiva, evoca e inspira al espectador, que recuerda a Cary Grant en Intriga Internacional de Alfred Hithcock. En Repercusión, cada textura está diseñada al compás de su cinematografía, bellamente compuesta por Rob Hardy, como exquisita resulta la composición de su banda sonora por Lorne Balfe, que trae a la memoria a Hand Zimmer, su maestro. Esa orquesta que conduce con soltura MacQuarrie, representa el espíritu de la serie televisiva – original de Bruce Geller- que irrumpirá los televisores durante la década de los años sesenta, un equipo que se integra en la derivación de un colectivo, y un liderazgo que es capaz de amalgamar y hacer converger los valores de lealtad en favor de una causa que les da origen.
Repercusión pone de manifiesto la vulnerabilidad de los personajes ante el discernimiento entre la profesión, la amistad y el objetivo, que coadyuvan la tensión que hace de lo evidente lo improbable y de lo improbable lo evidente, un juego de búsqueda y encuentro que atiende al principio fundacional de la serie. MacQuarrie aprovecha su talento como guionista, recompensado en 1995 con el premio Óscar por la magnífica Los Sospechosos Comunes, para dar cuerpo al engranaje y el bien común en vilo para afrontar la prueba, es ahí donde todo adquiere sentido y brinda incluso, un dejo humanidad a la historia, ya que mostrará las razones por las cuales Ethan Hunt se aleja de lo querido, abandona su pasado, y arriesga su misión por aquello que ama, sea la pareja, la institución, o el amigo, ante una la maldad inherente en el escenario perenne de las películas de acción, donde el bien y el mal dirimen fuerzas frente a la ética y la lógica de los sucesos.
Ante la inminente amenaza global, el dolor, arrepentimiento, vacío y la desesperación, no tienen cabida en la ejecución del deber ser de los personajes, interconectados con la casualidad, con la casualidad o con el infortunio, quienes portan en sus líneas y sobre todo en sus expresiones, la suma de todos los miedos y ansiedades que la falta de apego más no de motivos corresponden.
La búsqueda de un estado de felicidad que parece no existir, la resignación, el sueño lúcido o las máscaras que cubren las secretas intenciones caracterizan los momentos climáticos que para muchos críticos, hacen de Repercusión, la mejor de las películas de la serie y una de las mejores películas de acción de las últimas décadas.
Lo cierto es que desde nuestra apreciación, Misión Imposible: Repercusión es la mejor película del verano y se coloca en la competencia directa por los premios especializados en los enormes logros técnicos de su realización, y a su paso, brinda una oportunidad más de seguir reconociendo una de las leyendas más importantes de la historia de Hollywood, y quien se ha mantenido como la estrella más conocida del panorama cinematográfico internacional.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
El terror psicológico, un subgénero de la literatura y la cinematografía de terror, está sustentado en un miedo o angustia creado a partir de un temor creciente gracias a las supersticiones, las culpas o las inquietudes de los personajes. Se trata de más que un simple susto, provocado siempre por la expectativa o supuesto de algo, el fantasma que sale desde la penumbra por ejemplo, generando una tensión de suspenso que lleva al límite de incertidumbre a los personajes, lo que deriva en una presión que causa inestabilidad emocional en ellos.
Este género se alimenta de la ansiedad, una inquietud latente que crece y provoca que los personajes imaginen el peor escenario posible, duden de sus sentidos y permanezcan en un desasosiego que los debilita, física, pero sobre todo, mentalmente.
Estas son las bases sobre las que se construye El bebé de Rosemary (EUA, 1968), película escrita y dirigida por Roman Polanski, quien se basa en el libro homónimo de Ira Levin. Protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon y Sidney Blackmer, la historia trata de un matrimonio de jóvenes, los Woodhouse, que se mudan a un nuevo departamento en Nueva York. El edificio está rodeado de historias de lo sobrenatural y muertes inexplicables, pero ellos creen que sólo son relatos inventados, leyendas urbanas o chismes de ociosos. Pronto sus vecinos, los Castevet, comienzan a frecuentarlos hasta irse insertando en su vida cotidiana, algo que Guy parece disfrutar pero que a Rosemary inquieta. Cuando ella queda embarazada, comienza a sentir malestares que su doctor, amigo y recomendado de los Castevet, desestima. Sola y sin una figura íntima a su lado, familiar, amigo, colega, conocido o doctor que la apoye, Rosemary comienza a temer por su condición y el futuro de su hijo. Cuando un viejo amigo le da algunas pistas que le indican que tanto sus vecinos como el edificio están relacionados con sectas religiosas de culto a Satán, la joven se da cuenta que puede estar en peligro y que hasta su esposo está inmerso en todo que le está provocando malestar.
Hay una piedra angular que permite adentrarse a la psicología del personaje principal: su papel como madre. Su temor hace que se preocupe, más que por su propio bienestar, por el de su hijo, una reacción natural de protección hacia otros, propia de su condición de mujer, de su estado de embarazo y del contexto social que se presenta a partir de conocerse la noticia de su próxima maternidad.
El bebé de Rosemary (1968), del polaco Roman Polanski
El peligro de amenaza latente a su alrededor aumenta gracias al instinto de protección y sobreprotección que, al mismo tiempo, hace a Rosemary un personaje con el cual brota empatía; ver a una mujer a punto de convertirse en madre involucrada con un grupo religioso que podría estar poniendo su vida y la de su hijo en juego, toca fibras sensibles de solidaridad hacia ella. El débil de una minoría frente al peligro provocado por un grupo con poder; o el indefenso contra un opresor que tiene los medios posibles para ocultar los mecanismos como ejerce presión.
Y aunque la amenaza real es indirecta, porque tanto ella como el espectador se preocupan por un ser que aún no ha nacido, ese es el esquema con el que el terror psicológico juega constantemente; la incertidumbre, sobre lo que pueda pasarle, sobre lo que aparentemente quiere o busca ese grupo satánico y, desde luego, sobre la amenaza en sí, así sea real, inventada o imaginada. El propósito es alterar su estado mental, acosarla, debilitarla; lo mismo se hace con el espectador, se busca ponerlo en el lugar de la protagonista, hacerlo dudar, tanto de lo que ve como de lo que cree ver.
La pregunta se vuelve inevitable, ¿por qué Rosemary no notó algo extraño antes o hizo algo al respecto más pronto? Porque se trata de una mujer insegura, sola, débil de carácter, preocupada siempre por complacer al otro y con poca capacidad para cuestionar su entorno. Estas características que forman su personalidad la hacen blanco fácil para manipularla, malearla y engañarla. La joven no es una persona decidida y la constante duda sobre el mundo y sobre sí misma la vuelven vulnerable. Pero más importante, sin un grupo de personas que funja como sustento y apoyo, Rosemary queda desprotegida y sin una voz que, a su lado, cuestione su entorno, en especial cuando ella falla en hacerlo por sí misma.
Para cuando lo hace, ya es demasiado tarde y la urgencia propicia que provoque errores. ¿En quién confiar si realmente no se ha relacionado con nadie lo suficiente para esperar consideración de vuelta? ¿A quién pedir ayuda si las únicas personas que se han ofrecido para ayudarle son las mismas de quienes tiene que huir?
La confianza se sustenta en un sentir de seguridad respecto a algo o alguien, una persona con la que se tiene familiaridad, alguien con quien, al mismo tiempo, se deposita fe en su juicio. Así mismo la soledad implica la inhabilidad de poder depositar la confianza en algún otro, que es el caso de Rosemary. Ya sea por desconfianza, aislamiento, miedo, precaución o inocencia, la situación lleva a la protagonista a caer en una espiral de focos rojos sin nadie con quien consultar opiniones y reflexiones al respecto, que puedan ayudar a trazar un panorama objetivo en cuanto a aquello que parecen no tener importancia, pero que probablemente la tenga, de acuerdo con el contexto, por ejemplo, la constante intromisión de los Castevet en su quehacer diario. El espectador va entendiendo que su vigilancia extrema trata, más que de otorgarle cordialidad y fraternidad, de un mecanismo de control y vigilancia por parte del grupo religioso, preparando a Rosemary para dar a luz al hijo del Diablo.
El bebé de Rosemary (1968), del polaco Roman Polanski
Pero, removiendo el enfoque sobrenatural, ¿una actitud como tal de parte de sus vecinos no se sentiría extraña e invasiva en un contexto cualquiera? Lo es, y esa es la verdadera prueba que Rosemary tiene que pasar, el aprender a defenderse de aquellos que amenazan su bienestar, aprender a decir no cuando la situación lo requiere, incluso si aquella persona a la que se le da la negativa es su propio esposo; se trata incluso de saber ´leer´ a las personas; conocerlas sin ‘conocerlas’, así se trate de compañeros de trabajo, conocidos o, como en este caso, vecinos. ¿Qué tanto conocía realmente Rosemary a las personas a las que dejó entrar en su casa y en su vida? Más aún, ¿qué tanto conocía realmente a su esposo, quien accede volverla presa de este grupo a cambio de oportunidades de empleo y finanzas que le benefician más a él que a su familia?
Rosemary no es una víctima en sí, porque no es una persona destinada al sacrificio. Sufre, en todo caso, consecuencias dañinas, por dos factores. Uno, la falta de habilidad y astucia. No se trata de carencia de conocimiento, es falta de certidumbre y convicción, incluso respecto hasta de sus propias decisiones. El segundo factor es el medio sociocultural en el que se desenvuelve; una comunidad que minimiza su palabra por estereotipos, por ejemplo de género, personas que la miran y creen que es fácil engañarla con frases como ‘Es normal’, como le dice su doctor cuando se queja de dolores durante el embarazo. Cuando la joven se da cuenta que la desidia de la gente no es normal, o no debería serlo, entonces busca una salida a su problema. El segundo doctor a quien busca, sin embargo, llama a su esposo creyendo que su denuncia, el temer por su vida y creer que su marido es parte de la gente que busca hacerle daño, está infundada. ¿Por qué no creerle o por lo menos darle el beneficio de la duda?
¿Qué falta en la vida de Rosemary para sobrevivir? ¿Qué la habría sacado de su apuro? ¿Qué le queda en la vida si los pocos cercanos a ella la han engañado hasta convertirla en un medio para cumplir su verdadero propósito? ¿Cuántas ‘Rosemarys’ hay en la vida real que, como en la película, quitando el elemento ‘culto religioso’, sufren a partir del control excesivo de la gente que miente diciendo actuar en nombre de su bienestar? ¿Cuántas situaciones de la vida diaria son formas de ‘terror psicológico’ disfrazado de cotidianidades, que, se les dice a la gente, son ‘situaciones normales o comunes’, cuando no lo son o, en todo caso, no deberían serlo?
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismoy el cine en general . Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.
Del mito del génesis surge esta interesante película que lleva a tan conocida historia a dar un giro inesperado: Adán y Eva probaron dos de los frutos prohibidos, con el primero, como todos sabemos, se ganaron la expulsión del paraíso, pero con el segundo ganaron la vida eterna. Sin embargo, ¿quién querría vivir para siempre fuera del paraíso?
La interesante historia que plantea este film se traduce en una reflexión profunda sobre las relaciones de pareja de largo aliento, como mantener vivo el deseo y sobre todo cómo mantener viva esa motivación que nos impulsa a desear seguir viviendo y a continuar sintiendo asombro.
Del director y guionista mexicano Iván Áviles Dueñas, este largometraje nos hará viajar por un México decadente y kitch en donde sus protagonistas buscarán día tras día nuevas experiencias que los alejen del letargo y del aburrimiento. Así, experimentarán con lo cotidiano creando por ejemplo su propia ropa o haciendo del decorado de su habitación un collage, adoptando las nacionalidades que más les apetecen e intentando obtener placer sexual de formas cada vez más torcidas. Pero para nuestros protagonistas les es difícil vencer la apatía que además parece arrastrar a toda la humanidad en pleno arranque del siglo XXI.
Finalmente, la tan ansiada vida eterna se convierte en una maldición para estos amantes que ya no optan por compartir su vida juntos sino tendrán que estar juntos por el resto de sus días sin alternativa.
Eva y Adán (Todavía)
Dir. Iván Avilés Duelas
México, 2004
Foto: Montserrat Varela
Montserrat Varela | Escritora y guionista | moonvaliente1q81@gmail.com | México
Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”. Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)” y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León
Hoy se presenta NUK en el Lunario del Auditorio Nacional en la CDMX. Esta banda de Funk y Rock están listos para deleitarnos con un concierto donde se celebrará la música.
En Filmakersmovie tuvimos la oportunidad de entrevistar en exclusiva a Manson Töyen ( Charlie Gamboa, músico, productor musical nominado al Grammy), keytarits en NUK, quien nos habló de lo que se vivirá esta noche en el santuario de la música.
Hablemos de NUK, ¿Qué significa el nombre? ¿Cuál es su género?
NUK viene del idioma Maya y significa grandeza. Nuk apoya su sonido rock en diferentes tendencias de música de vanguardia, aunque siempre con el funk y rock como hilos conductores.
¿Cómo se conocieron y cómo deciden armar la banda?
Aunque NUK surge en 2014, es hasta ahora en 2018 cuando logra un sonido más orgánico y completamente análogo, regresando a los fundamentos del funk en las bases rítmicas, el soul en la armonía e interpretación y el rock en su potencia y libertad. Listos para presentarse en el Lunario ¿Cómo se viven los días antes de una presentación? Nos reunimos hasta más de tres veces por semana en el estudio de grabación donde tenemos todo listo para solamente llegar y ensayar. Los chicos de las cámaras siempre llegan a levantar tomas, mientras los de producción coordinan un sinfín de de pendientes con los de styling, ingenieros de audio, logística etc. Por supuesto los tacos en banda saben mejor, tenemos nuestros lugares favoritos alrededor. Realmente la pasamos muy bien.
¿Qué temas escucharemos en esta noche de funk y soul?
Tocaremos canciones como “Tormenta”, la cual pueden encontrar el vídeo clip en Youtube, “Peligro”, “Cápsula de Tiempo”, etc. Para este concierto NUK tiene preparado un show que integra talento nacional de clase mundial con mucha esencia de Funk y versiones nuevas de nuestras canciones más conocidas. El sonido de NUK sigue siendo profundo y dimensional, con profundas y espaciales armonías apoyadas en una estructura rítmica sólida que integra lo suave y armónico con las potentes frecuencias de la guitarra distorsionada, las deleitosas melodías de la flauta transversal y el saxofón al estilo Dave Matthews band.
¿Cuáles son los planes para Nuk y dónde podemos escuchar su música?
Planeamos lanzar un DVD en vivo de este concierto. Pueden escucharnos en todas las redes sociales.
Pueden hacer una invitación abierta al público para asistir a su concierto en el lunario…
¡Vengan, se la van a pasar genial. Nos abrirán nuestros hermanos de “Funker”!
Agradecemos a todo el equipo que se ha sumado para poder hacer realidad esto, a todo nuestro staff. No podríamos mencionarlos a todos ya que somos demasiados.
Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks y Camaleón Films. Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas.
Temas, contextos y entornos del prestigiado festival
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Nos encontramos por parte de Filmakersmovie en Lyon, Francia, cuna del cine, donde los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo con la que fue grabada la primera cinta de la historia en 1895, y donde se encuentra -además del museo dedicado a su obra- el Instituto Lumière dedicado al cine desde la creatividad y la academia. De este por demás interesante museo, que significa un viaje en sí mismo, damos cobertura a la edición 71 del Festival de Cannes y aprovechamos para ofrecer una entrega de MEMORIA, que más que recuerdos guarda una reflexión al devenir cinematográfico.
Primer afiche de Festival de Cannes, 1946
Fundado en 1946, el Festival de Cine de Cannes, quizá el más prestigioso festival de cine del mundo, se ha convertido en un encuentro cinematográfico que comenzó como una muestra internacional de películas, prosiguió como una oferta de cine innovador, palestra del cine de denuncia y del realismo político, hasta desembocar, como casi todos los festivales de alto calibre, en el glamour y las negociaciones que hacen de cada edición un encuentro entre el arte y la industria de la distribución. Para la edición 71, la polémica no atendió tanto a la cinta ganadora de la Palma de Oro, máximo galardón otorgado durante el certamen, y que fue otorgada a la película japonesa “Shoplifters” de Hirokazu Kore-Eda, como a los vericuetos que previo al festival, derivaron en un debate irresoluble entre el cine clásico destinado a las salas de cine, y el dirigido a las salas de los hogares o dispositivos personales que atienden a la exposición de plataformas y contenidos audiovisuales.
Lo anterior nos recuerda el documental “Room 666” de Wim Wenders, quien a principios de los años ochenta, justo en la cita de la costa mediterránea, vislumbraba el debate entre el cine clásico, el que defendían los artistas consagrados y el cine proyectado en televisión o en videocaseteras. Aquél debate incluía testimonios a modo de confesión de directores que vislumbraban desde distintas aristas el futuro del cine, donde directores como Jean-Luc Godard, Reiner Werner Fassbinder o Steven Spielberg, dan su punto de vista.
Curiosamente, más de treinta años después, el propio Spielberg defiende el cine clásico destinado en primera instancia a las grandes pantallas, mientras otros directores optan por las nuevas plataformas de difusión de su material creativo. Como consecuencia del debate en la presente edición, la plataforma Netflix retiró sus películas, incluida la cinta “Roma” de Alfonso Cuarón.
Esta decisión, no exentó a México de participar en diferentes espacios durante el Festival, incluyendo la muestra remasterizada de la galardonada “María Candelaria” de Emilio “El Indio Fernández” (De quién recién se estrenó un documental) de 1943 que resultó premiada en aquella mítica edición de 1946 que celebró una Palma de Oro coral. Obra maestra de Emilio Fernández (una de las varias que posee su registro) pieza clave en la denominada –Época de Oro del Cine Mexicano-. “María Candelaria” 1946 también conocida como “Xochimilco”, extraordinariamente fotografiada en blanco y negro por el maestro Gabriel Figueroa, es un intenso drama que retumba los ecos de la mexicanidad dibujada por el México Post Revolucionario. Situada en los albores del siglo XX, antes de la Revolución Mexicana, en pleno porfiriato, “María Candelaria” narra su tragedia de amor, odio y destino a través de una pintura, el lienzo de una mujer indígena de cuyo pasado el autor no quiere hablar, quizá porque el pincel con el que ha coloreado sus labios carmesí, lleven la sangre misma de la historia.
El Festival de Cannes ha visto consagrarse a varias cintas representativas de todo el orbe que se han alzado con la codiciada “Palma de Oro”, películas como “Roma Cita Apertta” Roberto Rossellini, “Brief Encounter” David Lean , “The Lost Weekend” Billy Wilder, “The Third Man” Carol Reed, brillaron en los años cuarenta; “Miracolo a Milano” Vincente Minelli, “Marty” (También ganadora del Premio Óscar) Delbert Man, “Black Orpheus” Marcel Camus, impactaron los años cincuenta.
Las siguientes dos décadas traerían reconocimiento a películas como “Viridiana” Luis Buñuel, “Il Gattopardo” Luchino Visconti, “Las Sombrillas de Cherburgo” Jaques Demy, “Un homme et une Femme” Claude Lelouch, “Blow-Up” Michelangelo Antonioni, “La Dolce Vita”, quedaron grabadas para la posteridad en la historia de la cinematografía universal, como esa es sin duda la enorme, brillante y evocadora secuencia que muestra a la bella Anita Ekberg al interior de la Fontana de Trevi, donde Lo sagrado y lo profano habitan una misma ciudad, para Fellini este combo de juramentos, deidades y personalidades, ofrecen una sátira social y la irónica visión del imaginario italiano y europeo de la época.
Los años setenta vieron consagrarse a películas como “Mash” Robert Altman, “Die Blechtrommel” de Volker Schlondorff, “Taxi Driver” Martin Scorsese, “The Conversation” y “Apocalipsis Ahora” de Francis Ford Coppola, una pieza de arduo trabajo creativo y artístico, que derivó en un doloroso y apasionante viaje fílmico a su director, una lograda visión del dolor, de la incomprensión, de la desesperación y de las atrocidades de una guerra que marcó a una generación.
En los años ochenta, el Festival de Cannes albergó nuevas realizaciones y optó por abrirse al cine alternativo de jóvenes propuestas mezclando reconocer a directores consagrados, “Missing” Costa Gravas, “When father was away on business” Emir Kusturika, “Sex, Lies and Videotape” Steven Soderbergh, “Kagemusha”, que se convirtió a sí misma como un renacimiento del imaginario maestro Akira Kurosawa, y “París Texas” de Wim Wenders, basada en una obra del enorme Sam Shepard, que cobija la pista de las razones, de las causas y consecuencias, el viaje por cada rincón de un contexto desolador, aguarda la esperanza de que pueda recuperarse lo querido.
La última década del siglo XX, presentó alternativas sugerentes y a la vez perturbadoras para muchos, “Barton Fink” de los hermanos Cohen, “Farewell my Concubine” Chen Kaige, “The Piano” Jane Campion y el serial de historias entrelazadas por el destino, los tiempos y el espacio caprichoso de encontrarles desde la óptica de sus personajes en “Tiempos Violentos” de Quentin Tarantino, así como “El Sabor de las Cerezas” de Abbas Kiarostami, que hace un viaje a la interioridad desde los senderos que se adentran en la espiritualidad como una búsqueda del sentido a la vida y a la muerte, hacen de una de las más profundas y evocadoras cintas de los años noventa, obra magnífica, estremecieron a las audiencias en los noventa.
La llegada del nuevo milenio, continuó la senda de películas que apelaron a la reflexión y a la agitación de consciencias de modo contrastante, dejando las decisiones del espectador al libre albedrío, “Dancing in the Dark” Lars Von Trier, “Elephant” Gus Van Sant o “4 Months, 3 Weeks and 2 Days” Cristian Mungiu dan cuenta de ello; para después, en la década presente, atestiguar un cine vanguardista que lo mismo juega con la ilusión, el absurdo y la cosmovisión de las culturas en el mundo, que con la realidad económica de una sociedad que a nivel global enfrenta retos complejos, “The Tree of Life” Terrence Mallick, “Amour” Michael Haneke, o “I, Daniel Blake”, son resultado de esa nueva faceta en el festival.
Directores como Cecil B. DeMille,René Clément,Ingmar Bergman, Francois Truffaut, Robert Bresson, Sergei Yutkevitch, Glauber Rocha, Ettore Scola, Yuliya Soltseva, Werner Herzog, Wong Kar Wai, Pedro Almodóvar, Eward Yang, Paul Thomas Anderson o Carlos Reygadas entre otros, han visto reconocida por el jurado anual su obra, y legado la oportunidad de abrir espacio en la distribución internacional de la misma.
Esta edición 71 del Festival y su debate generado entre las diversas opiniones que gravitan las dimensiones de las pantallas, formatos e intenciones, nos dará material para debatir en nuevas ediciones, sin negar que, más allá de las películas que compiten o se muestran, el festival sirve también como un ágora para discutir temas que conciernen no sólo a los realizadores, sino también a sus audiencias, veremos si el debate de este año se convierte en una fundacional argumentación para cualquiera de los expresados argumentos. El debate que directores como Christopher Nolan y Steven Spielberg, francos herederos del cine secuencial y destinado a la gran pantalla en una estructura narrativa exponencial y éxito comercial que tuviera Alfred Hitchcock, han abierto y continuado al respecto a la nomenclatura y clasificación del cine y de las películas en sí, nos da para abordar a fondo una profunda reflexión de la teoría cinematográfica.
La edición número 71 no sólo dejó películas de gran calibre como “Everybody Knows” de Asghard Fahardi, “BlackKklansman” de Spike Lee, que recibió diez minutos de ovaciones, “Cold War” de Pawel Pawlikowski, “Border” de Ali Abbasi, o “Capernaum” de Nadin Labaki, que han sido reconocidas y en las próximos meses veremos copar las salas de cine a nivel internacional ya sea de forma comercial o en las denominadas salas de arte; lo que ha dejado ha sido mucho más generoso y fundacional, ha legado un debate que prevalecerá en las teorías, definición y clasificaciones del cine y de las películas que le hacen ser y dan sentido.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
1306 La Serie de ficción que se apodera de Instagram
Por: Perla Atanacio
La revolución de los contenidos digitales sigue su curso, se intensifica, los creadores y contadores de historias tenemos en nuestras manos la maravillosa posibilidad de llegar velozmente a nuestra audiencia. El trabajo de producción es el mismo pero el de creación debe ser distinto, pensado para entretener, gustar , y atraer a los millones de «viewers» con los que podemos encontrarnos y enganchar en el camino.
Hace poco más de un mes tuve la oportunidad de conocer un proyecto que me pareció alucinante, el estreno de una serie que tendría su estreno en Instagram «1306 La Serie» (Série 1306, Canadá, 2018). En ese momento dos cosas vinieron a mi mente: ¡Que genialidad!, y ¿Cómo en tan pocos segundos los creadores y productores podrían contar los episodios de una historia?
Instagram, la red social reina de las fotografías de estilo de vida, profesionales, de mascotas, bebés, comida, y transmisiones en vivo, podría ser también casa de contenidos de ficción, un universo se abrió ante mis ojos.
Tan sólo en junio de este año se dio a conocer que la red social contaba con 1,000 millones de usuarios en todo el mundo. ( Nota 20/06/18, elmundo.es)
Así que me di a la tarea entrevistar a una de sus creadoras, la guionista y directora chilena Anneke Munita Ihle, de quien conozco la calidad de su trabajo y la innovación en sus historias. Esto fue lo que nos dijo.
¿Cómo surge 1306 La serie?
La serie surge de la necesidad de mostrar nuestro trabajo como guionistas. Natasha, Stéphane y yo (Anneke) tenemos proyectos personales que aun no pasan a la etapa de producción. La espera se ha hecho muy larga. Por eso decidimos unirnos y generar un proyecto a corto plazo del cual nos pudiéramos hacer cargo por completo; guiones, producción, realización y difusión.
En paralelo, en el momento en que tomamos la decisión de hacer una serie Instagram, mi colega, Natasha se estaba cambiando de su casa a un departamento. Eso significó que el departamento estaría vacío un tiempo antes de que ella trajera todos sus muebles. Un departamento vacío es un espacio ideal para un rodaje. Así nació la idea de hacer tres historias dentro de un mismo departamento.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
¿Cuál es su plot? ¿Qué temas aborda?
La serie está dividida en tres historias; “L’intruse”, “L’œil du cyclone” y “Pizza”. Cada una de estas historias tiene como protagonista a un arrendatario del departamento 1306.
En L’intruse, Dave es sorprendido por una desconocida que lo ayuda a en su proceso de travestismo. L’intruse es una historia desarrollada en un universo negro y misterioso que habla de la trasformación y la intimidad.
En L’œil du cyclone, Madeleine se confronta a la mujer que destruyó en el pasado. L’œil du cyclone es una historia violenta que habla de la ira, el poder y la venganza.
En Pizza, Anaïs tiene planes de irse a Vancouver, pero una pizza lo cambia todo. Pizza es una historia clásica de amor con un toque de realismo mágico, que habla de lo difícil que es expresar los sentimientos.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
¿Por qué eligieron Instagram como su principal plataforma de difusión?
Instagram es una plataforma que está a nuestro alcance y que nos deja explotar nuestra creatividad.
Instagram nos permite decidir los contenidos y las historias que queremos contar, eso es algo difícil de encontrar en otras plataformas. Instagram no nos exige rating o tratos comerciales. El único límite es el tiempo de duración de los vídeos (1 minuto). Sin embargo, este “límite” para nosotros fue un desafío y nos permitió explorar una forma narrativa distinta.
¿Tienen referencias de algunos otros contenidos de este tipo o son pioneros?
1306 es la primera serie instagram de Québec.
1306 es la primera serie Instagram de Québec, pero no la primera en el mundo.
Nuestra principal referencia es “Shield 5” una serie instagram Inglesa del año 2016, escrita por Adam Dewar y dirigida por Anthony Wilcox. La serie es un thriller policial que tiene 28 capítulos de 15 segundos. Cuando la vimos comprendimos que existe una nueva forma de narrar historias y nos sentimos atraídos por este formato corto, eficaz y dinámico.
Cada capítulo de Shield 5 te deja amarrado para ver el siguiente. Lograr eso en 15 segundos es un trabajo muy fino de guión.
¿Cómo fue el proceso de escritura y producción de 1306 La serie?
El proceso de escritura fue rápido. Nos dimos ciertos parámetros para simplificar la escritura y la producción: Una sola locación para las tres historias, un máximo de dos personajes por guión y un máximo de tres páginas por guión. Nos demoramos aproximadamente 2 semanas en escribir los guiones. Cada uno escribió por su cuenta y luego nos juntamos a afinar los últimos detalles antes del rodaje.
Para la producción tuvimos la ayuda de amigos y colegas que embarcaron en el proyecto y el apoyo de nuestra ex escuela, L’inis, quien nos facilitó los equipos. Los tres, Natasha, Stéphane y yo (Anneke) tenemos experiencia en realización, así que aunque no fue fácil, logramos llegar a puerto con un pequeño presupuesto.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
¿Escribieron y produjeron pensando en la extensión de tiempo que brinda la Plataforma?
Sí. Cada historia de1306es un cortometraje dividido en 5 o 6 escenas y cada escena es un capítulo.
Cuando comenzamos a escribir, la plataforma permitía subir vídeos de un máximo de 15 segundos. Por lo tanto, cuando escribimos las escenas tuvimos en mente esa duración. Afortunadamente, en medio del proceso, Instagram extendió los 15 segundos a un minuto, lo cual nos ayudó bastante al momento de la realización y nos permitió darle más libertad a los actores y hacer escenas más armoniosas y menos precipitadas.
En términos de producción, siempre supimos que teníamos un día de rodaje para cada historia. Por eso decidimos hacer guiones de un máximo de 3 páginas.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
¿Cuál o cuáles fueron los retos con los que se enfrentaron para llegar al día 1 y publicar el primer episodio?
El reto más importante para una serie Instagram es tener abonados en la cuenta.
Para este reto hay que comenzar pidiéndole a la familia y amigos que sigan la serie en Instagram. Cuando se acaban las abuelitas, tíos, colegas y conocidos empieza el verdadero trabajo. No basta con confiar que al público le va a gustar tu serie y la van a ver. Hay que ir a buscar la audiencia y para eso están los hashtags y los likes estratégicos que se dan a diferentes cuentas.
También es importante saber cómo se comportan los usuarios de Instagram, vale decir qué días y a qué hora hay más usuarios activos en la plataforma. Por eso publicamos todos los capítulos al mediodía.
Aumentar el número de abonados toma tiempo y es un trabajo de todos los días. Esta fue nuestra primera experiencia publicando en Instagram, y esperamos seguir creciendo y aprendiendo de la plataforma. Estamos confiados que nuestra segunda temporada de 1306 tendrá más abonados que la primera.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
¿Cómo ha sido su recibimiento entre la audiencia?, además porque el contenido está disponible en 3 idiomas.
Cuando comenzamos a publicar recibimos una acogida bastante positiva de la prensa y crítica en Québec. Sin embargo, nos gustaría que nuestra audiencia fuera más grande. Tenemos un público fiel que nos sigue y que se ha involucrado con la serie. Esperamos que este público siga creciendo.
Por otro lado, cuando comenzamos a publicar nos dimos cuenta que no todo el mundo está habituado al formato Instagram y ver una serie en esta plataforma puede ser un desafío. Hay mucha gente que no entendió el orden de los capítulos porque en Instagram el orden de las publicaciones son de derecha a izquierda. También hay gente que no comprendió que un capítulo es sólo una escena porque no están acostumbrados a un formato de tan corta duración. Todas estas experiencias nos van ayudar a hacer la segunda temporada más accesible al público.
1306está hablada en francés y tiene subtítulos en español e inglés. Los tres creadores residimos en Québec (provincia francofona de Canadá) por eso la serie es originalmente en francés. Sin embargo, Instagram es una plataforma mundial y no queremos perder la posibilidad que nuestra serie tenga una audiencia internacional.
Además, yo soy chilena y siempre será importante que mis historias sean accesibles a mis tierras.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
Hablemos de los creadores, quiénes son y cómo lograr unir su talento para desarrollar este proyecto.
Los creadores somos: Natasha Beaulieu, Stéphane-R. Tremblay y Anneke Munita Ihle. Natasha es novelista (trilogía, les cités intérieures, Alire) Stéphane ha sido montajista y realizador para serie documentales de televisión por veinte años y yo, Anneke Munita soy guionista y directora traída directamente desde Chile.
Los tres nos conocimos en Montreal en L’inis (Institut National de l’image et du son) en el programa de estudios, “escritura de una serie de ficción”. A pesar de que tenemos estilos diferentes y particulares de escritura, disfrutamos trabajar juntos y cuando terminamos L’inis nos propusimos generar proyectos en conjunto.
Hasta hoy hemos desarrollado dos proyectos; el primero es “Cadeaux” (Regalos) una antología de nueve cortometrajes que muestra el impacto de un regalo en diferentes edades y etapas de la vida. Para este proyecto estamos en búsqueda de financiamiento. Nuestro segundo proyecto es 1306nuestra serie Instagram cuya primera temporada ya está al aire y para la cual hemos comenzado a trabajar una segunda temporada.
Cada uno de nosotros tiene proyectos personales en la espera de financiamientos. Gracias a la alianza que creamos nuestra espera ha sido más placentera y hemos seguido desarrollándonos en nuestro oficio.
Escribir puede ser a veces un arte solitario. La vida siempre es mejor con amigos y un equipo de trabajo.
1306 La Serie | Craedores Anneke Munita Ihle, Natasha Beaulieu y Stéphane Tremblay | Canadá, 2018
Con la revolución de la distribución digital, ¿cómo ven el presente y futuro para los contenidos como el suyo?
Creo que como guionistas tenemos que estar dispuestos a explorar diferentes plataformas y diferentes formas de narración. El presente y futuro para los contenidos en Instagram u otras plataformas digitales depende de nosotros, los creadores. Tenemos que ser capaces de estar a la altura de la tecnología y de las audiencias. Tenemos que ser capaces de generar contenidos que respondan a la sociedad actual.
Vivo en Montreal, tomo el bus y el metro practicamente todos los días. El 80% de la gente que viaja conmigo va mirando en su celular, su Facebook o su Instagram. ¿Por qué no generar contenidos para esos trayectos de tiempo que son ocupados por un celular? Contenidos cortos, directos, simples e interesantes. En este momento hay muchos vídeos de gags en las redes sociales, podemos ir más allá y producir otro tipo de contenidos. No estoy diciendo que los gags estén mal, sino que hay un espacio y un público para una mayor variedad de contenidos. Las plataformas están a nuestra disposición.
Algo más que quieran agregar
Muchas gracias por la entrevista. Ánimo y suerte a todos los creadores en sus proyectos.
¡Los invito a ver la primera temporada de 1306 por Instagram en la cuenta @1306!
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¡Anneke, Natasha y Stéphane gracias por dejarnos conocer su propuesta, les deseamos un merecido éxito por innovar en el arte de contar historias, para la creación y la producción no hay límites!
Queridas y queridos Filmakers, les invitamos a seguir 1306 La Serie en Instagram, y a ver su estreno en televisión el próximo 15 de agosto a las 10pm (centro de México) en Filmakersmovie, a través de la señal de Presumiendo Méxicopresumiendomexico.com.mx
Perla R. Atanacio Medellín es guionista y productora mexicana, desarrolla contenidos para Filmakersmovie y Filmakers Media Content. También ha colaborado en Televisa Networks y Camaleón Films. Es miembro de la Red de productoras y gestoras latinoamericanas.
Celebrando los 100 años del gran director y guionista sueco Ingmar Bergman te invitamos a conocer Ingmarbergman.se , sitio que ofrece al público datos específicos de la carrera Bergman, desde mapas de locaciones de sus películas, fotografías, guiones, además archivos considerados baluarte de la cinematografía universal.
A pocos días que se estrene el último capítulo de la temporada uno de Luis Miguel La Serie el balance ha sido positivo, el cantante se posiciona en el lugar que por derecho le corresponde y que se ha ganado en estos 36 años de carrera. En el camino se develan y confirman dolorosos pasajes de vida que ha decidido compartirnos.
Cortesía Netflix
Escrita por Daniel Krauze y dirigida por Humberto Hinojosa, Luis Miguel La Serie cuenta con la producción ejecutiva de Mark Burnett, Carla González Vargas y Pablo Cruz, en esta producción de Gato Grande Productions en unión con MGM.
En un principio tuve mis dudas, el primer trailer no me permitía descubrir lo que habríamos de experimentar tras el episodio 1 donde ésto se volvió un fenómeno emblemático, no sólo por tratarse de la vida de Luis Miguel, sino en la manera en como estuvo diseñada, cuidadosamente realizada y distribuida. Esta serie nos deja ver y disfrutar la gloriosa actuación del ganador del Goya Óscar Jaenada y una grata interpretación de Diego Boneta, Luis de la Rosa e Izán Llunas como el astro de la música en español en distintas etapas de su vida y carrera. La revelación de Juan Pablo Zurita fue una gran sorpresa. La actriz italiana Anna Favella quien nos ha dejado con los sentimientos hechos nudo, más de una vez, sin duda es desde ahora Inolvidable.
Luis Miguel La Serie | Netflix 2018
Celebro la calidad de la producción, el trabajo de actrices, actores, directores, de guionistas y productores, de todo el equipo que converge en el Universo paralelo del artista, su familia y su público.
Pudimos valorar la entrega semanal de cada episodio, vivimos y experimentamos el entretenimiento transmedia en cada uno de los canales de comunicación que nos pudieran más información sobre el ídolo, generamos, compartimos y retransmitimos información en distintas plataformas. LM rompe records de reproducción en Spotify, iTunes, vuelve a marcar la agenda de programas de espectáculos en Latinoamérica y España. Sus canciones se hacen presentes en los partidos y celebraciones de México en el Mundial de Rusia 2018.
Este acontecimiento mediático y de entretenimiento es sin duda, un nuevo acierto en la carrera del Sol de México presentándose a generaciones que lo conocen y reconocen.
¿Cómo serán ahora las noches de domingo?
Mientras tanto Luis Miguel sigue conquistando a su público en con el tour México por siempre y se encuentra en España. Tiene previsto regresar a México en octubre y noviembre para continuar con sus presentaciones en el país.
Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Es Productora Audiovisual y cinematográfica, diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
Borg vs McEnroe | Dir. Janus Metz | Suecia, Finlandia y Dinamarca, 2017
Desde que supe que se estrenaría una cinta sobre la rivalidad tenística que rebasó los confines de su deporte, Borg vs McEnroe, pensé lo difícil que resultaría centrar la rivalidad de los íconos con sus respectivos temperamentos. La rivalidad en el deporte ha sido llevada de desde la ficción a lo largo de la historia del cine, con especial atención a las cintas e ficción dirigidas por John G. Avildsen, “Rocky” 1976, ganadora del Premio Óscar a Mejor Película y que sentó las bases de rivalidades boxísticas consecutivas de una saga aún hoy más que vigente, y la juvenil “The Karate Kid” 1984. Y desde el testimonio que permite la realidad y la memoria que recuerdos guarda, la extraordinaria cinta “Rush” 2013 sobre la rivalidad en el automovilismo de los campeones de Fórmula Uno Niki Lauda y James Hunt, dirigida magistralmente por Ron Howard, y recientemente con la cinta tenística “Battle of the Sexes” 2017, que refleja una rivalidad más mediática que deportiva pero igualmente sugerente y de impacto en la lucha por la equidad de género y que refiere la polémica tensión entre Billie Jean King y Bobby Riggs, dirigida por Johathan Dayton y Valerie Faris.
Borg vs McEnroe, explora la rivalidad de dos personajes cuyo temperamento se convirtió tan famoso como sus logros y talento. Por una parte el joven tempestuoso, a la vez grosero, flemático, iracundo, y reciente ganador del Abierto de Estados Unidos (US OPEN), del que haría su bastión, McEnroe representó a la sangre nueva del tenis de su país, mientras Jimmy Connors veía pasar sus mejores años. McEnroe sería el estandarte de Estados Unidos para la década de los años ochenta que recién comenzaba, y que a la postre de otros diez años, vería coronarse a otros tres números uno como el propio Big Mac, Jim Courier, el polifacético Andre Agassi y el multicampeón Pete Sampras, antes de un hiato de casi dos décadas que sólo advirtió a Andy Rodick. Por otra parte, el ya legendario Bjorn Borg, frío, inexpresivo, calculador, desafiante tenista que con tan solo 24 años se había apoderado de los dos más importantes torneos de Grand Slam y del tenis en general, los abiertos de arcilla Roland Garros en Francia, y sobre pasto, Wimbledon en el Reino Unido. Borg sigue siendo el último en ganar ambos torneos en tres años consecutivos, y lo había logrado a una edad que hoy, sigue siendo motivo de admiración y a su vez, de desconcierto. Suecia tendría grande figuras en los años ochenta, Matts Wilander y Stefan Edberg, pero ninguno a la altura de Borg.
Con esa atenuante histórica, el torneo de Wimbledon de 1980 se aprestaba para atestiguar, el desarrollo de uno de los más grandes apasionantes y extraordinarios juegos de tenis de la historia, el denominado “Juego del Siglo”, el que se presentaría en esa ya icónica gran final. La cinta dirigida por Janus Metz, con guión de Ronnie Sandahl, presenta un viso al entorno previo a dicho compromiso deportivo, y lo hace desde una sucinta remembranza del pasado infantil y juvenil de ambos tenistas, sus motivaciones, frustraciones, sus temores y desafíos, su relación con entrenadores, familia, público, prensa y rivales, haciendo de la vida misma un corolario de vaivenes emocionales que resultan causa consecuencia de su desempeño, pero que ante todo, no responsabiliza como una culpa los sucesos sino que solo envuelven las decisiones personales. Este recurso descriptivo, eleva la cinta de ser una película deportiva con tintes de conflicto y resolución, a una exploración de la mente y sus recovecos emocionales en el deporte, especialmente en el tenis, que resulta ser en gran parte un juego de alta carga mental.
Con actuaciones sobresalientes de Stellan Skarsgard como el entrenador sueco Lennart Bergelin, Shia LaBeouf como McEnroe y Sverrir Gudnason como Bjorn Borg, “Borg vs McEnroe” es una película que resulta por demás interesante desde el punto de vista histórico, seductora desde lo emocional y apasionante desde lo deportivo, un deleite para los fanáticos del denominado deporte blanco, el franca alusión al propio torneo celebrado en el All England. Desde su introducción, la cinta nos advierte que dicha rivalidad cambio el tenis y la vida de sus protagonistas, y lo fue, no sólo por las dos vibrantes finales que disputaron ambos jugadores en Wimbledon, sino por lo que significó en sus carreras. Dado lo anterior, aprovecho para hacer algunos apuntes sobre Borg.
Aunque el tenis en la década de los sesenta inscribió la denominada “Era Abierta”, su tradición centenaria había arrojado varias figuras, pocas con el impacto transicional de los australianos Rod Laver, Roy Emmerson y Ken Rosewall, sin embargo Bjorn Borg cambiaría la historia del tenis y su impacto mediático y comercial. Borg atrajo patrocinios como nunca antes en la historia del deporte, tenía seguidoras y seguidores devotos por todo el mundo, atraía las miradas de propios y extraños al tenis, y acaparaba las portadas de revistas, periódicos y libros, fue un fenómeno sin precedente y generó un shock desde su debut, hasta su prematuro retiro a los 26 años, aunque en realidad, habíase retirado desde antes de cumplir los 25.
Antes de las eras de Ivan Lendl, Boris Becker o el ya citado Sampras, Borg imprimió un sello inigualable, y su rivalidad con McEnroe, dejó sentadas las bases para futuras batallas como las protagonizadas por Lendl y el propio McEnroe, Lendl y Becker, la noventera Agassi vs Sampras o la considerada más longeva y definitiva del deporte, Nadal vs Federer. Justo esta era, considerada una época dorada por el alto nivel de cuatro jugadores, Roger Federer, Rafael Nadal, Novak Djokovic y Andy Murray, no podría explicarse sin aquella rivalidad del temperamento que refleja la cinta.
Borg ganó múltiples veces Roland Garros y Wimbledon, algo que no han logrado ni Rafael Nadal, máxima figura histórica en arcilla ni Roger Federer, máximo tenista de la historia en pasto y en general. Al dimensionar al gran Roger quien a sus 36 años sigue deleitando y enamorando a quienes disfrutamos el tenis, también dimensionamos la corta edad a la que Borg había obtenido sus logros. Cuando Borg regresó a Wimbledon por vez primera en dos décadas, fue para entregar el título a Roger Federer, y eso significó una entrega de estafeta, no de títulos ni de estadísticas, sino en la carga que conlleva portar un deporte sobre las espaldas o mejor dicho, sostenerlo en la mano que impulsan la raqueta.
Foto real de Borg y McEnroe en el llamado «Juego del Siglo» | 1980 | Internet.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Lewis Wallace es uno de los grandes personajes estadounidense del siglo XIX, participó en la Guerra de Estados Unidos contra México en 1847, fue comandante en el Ejercito del Norte en la Guerra de Secesión librada en su país, años después fungió como Senador del Congreso, Gobernador de Nuevo México, no obstante, a pesar de su destacada trayectoria militar y política, Wallace es recordado y universalmente conocido por su faceta de escritor, su novela considerada una obra maestra de la literatura universal se titula: “Ben-Hur”.
La novela fue publicada en 1880 y tuvo un éxito inmediato. En 1907 se realizó la primera película sobre la novela en un cortometraje de cine mudo. En 1925 se volvió a llevarla a la pantalla grande todavía dentro del cine mudo, siendo el actor estelar el mexicano Ramón Novarro, pero sin ninguna duda, la película que logró consagrarse como un clásico del cine mundial es la producida en 1959 por Sam Zimbalist y dirigida por William Wyley. Esta producción fue premiada con el Oscar como mejor película y el protagonista estelar que representó a Ben-Hur fue el actor Charlton Heston.
Ben-Hur es un personaje ficticio que vivirá en el mismo contexto histórico cuando Jesucristo vivió en el mundo, e incluso bien puede decirse que la novela en el hecho histórico nos está narrando parte importante de la vida de Cristo, ejemplos: su nacimiento, la adoración y reconocimiento de los tres magos, la predicación de Juan el Bautista, los milagros que realizó Jesús como convertir el agua en vino, multiplicar los panes, finalmente su enjuiciamiento, crucifixión y muerte, en todos estos acontecimientos Ben-Hur será protagonista central.
En esta interesante mezcla de ficción con hechos históricos, Ben-Hur es un joven príncipe de origen judío, heredó una enorme fortuna de su padre ItamarHur, quien había muerto dejando gran prestigio a la familia Hur compuesta por Ben-Hur, su madre y su hermana Tirza. El pueblo judío se encontraba conquistado y gobernado por el Imperio Romano. Roma era una ciudad politeísta y respetaba la creencia de los judíos que tenían y tienen en un sólo Dios.
Ben-Hur en su infancia convivió mucho con su amigo Messala de origen Romano, Messala se fue a educar a Roma y cuando regresó y platicó con su antiguo amigo, Messalla había cambiado mucho. Claramente se percibe que Messala representa el poder autoritario, ensoberbecido, la figura materialista, el poder corrompido, mientras que Ben-Hur representa al pueblo judío, es un hombre de fe, orgulloso de su raza, de su historia, respetuoso del Tora que es la ley de Dios para el pueblo hebreo.
Si bien Roma respetaba la fe de los pueblos que conquistaba, ejercía su Imperio de Gobierno a través de diversas autoridades que representaban al Emperador. Valerio Graco fue nombrado Procurador de Roma en las tierras hebreas, y el día de su triunfante llegada accidentalmente de la casa de Ben-Hur cayó un ladrillo que golpeó la cabeza del Procurador, el joven Príncipe fue detenido, lo enviaron como esclavo de galeote y a su familia la encarcelaron con la intención que todos murieran para que desapareciera la estirpe de los Hur.
Los principales operadores de semejante acto de barbarie contra la familia Hur, fueron el joven Messala, todo autorizado por el Procurador Valerio Graco. La fortuna de Ben-Hur pasó a ser propiedad de los dos personajes mencionados, con el paso de los años por acontecimientos muy fortuitos el joven Ben-Hur logró recuperar su libertad, se convirtió en un hombre rico, recuperó algunas propiedades y bienes que habían pertenecido a su padre, se hizo de amigos leales, y su principal propósito era saber si su madre y hermana vivían, recuperarlas y vengarse del traidor y cruel Messala.
Cuando Ben-Hur recuperó su libertad, también adquirió la nacionalidad romana, su padre adoptivo el marino Quinto Arrio le dejó a su hijo no sólo bienes materiales, sino prestigio, reconocimiento, admiración y posición, a partir de aquí empezará todo un drama épico en la novela donde aparecen gran cantidad de personajes como Simónides quien era el antiguo administrador del padre de Ben-Hur, la hermosa Ester hija de Simónides y personaje que desde el primer momento se enamora del príncipe judío, reaparece Baltasar de origen egipcio y uno de los tres magos que fueron 27 años atrás a adorar al recién nacido niño Jesús, Iras hija de Baltasar, joven guapa, astuta y perversa que pretenderá con sus encantos engatusar a Ben-Hur, otro protagonista central es Ilderin un árabe rico amigo y protector de Ben-Hur.
Reinstalado en sociedad, amado y apreciado, Ben-Hur participará en la famosa e importante carrera de cuadrigas, su principal rival es el odiado Messala. Ben-Hur con diversas estrategias hace que las apuestas se eleven y al final el soberbio Messala apostó todo su patrimonio, porque estaba seguro que un romano es mejor que un “¡perro judío!”. El episodio de la carrera en la novela es impresionantemente cautivador, el judío no tan sólo ganó la carrera, además, el joven romano quedó paralitico para toda su vida, y si hasta aquí la historia resulta fascinante, falta lo mejor por venir, porque el dinero ganado en la carrera, las enormes fortunas que tenían Ben-Hur, el árabe Ilderin, el admnistrador Simónides, se utilizará para el siguiente propósito.
En toda Judea se escuchaba que el Rey de los judíos había llegado, Ben-Hur y sus compañeros no sólo querían vengarse del perverso Messala, también buscaban liberar a su pueblo del yugo romano, todos estaban ilusionado con la llegada del nuevo Rey, creían fervientemente que sería tan grande como David, tan sabio como el Rey Salomón, el viejo sabio Baltasar le explicaba a Ben-Hur y a sus compañeros que Jesús no venía a construir un reino terrenal sino espiritual:
“¡–¡Oh, sí! –respondió el egipcio –. Y aún soy de la misma opinión. Tal es la divergencia de nuestra fe. Tú esperas a un Rey de hombres; yo un salvador de almas.”
El argumento de Baltasar hoy en día es muy entendible, pero en aquel momento histórico era el menos lógico y aprobado, todos esperaban a un Rey políticamente poderoso, que les restituyera la libertad y convirtiera al pueblo de Dios en la nación más poderosa del mundo, donde reinara la justicia y la paz, por lo tanto, Ben-Hur se fue al desierto y empezó a armar un ejército para ponerlo a disposición de Jesús el nazareno quien sin duda será el nuevo Rey de los judíos.
La historia final de Jesús la conocemos todos, la de Ben-Hur falta mucho todavía por conocer, tal vez, sea de los primeros personajes ficticios convertidos al cristianismo…
José Miguel Naranjo Ramírez, es un escritor, articulista y ensayista mexicano. Desde hace más de diez años comparte sus reflexiones, estudios y reseñas acerca de literatura, música y cine, a través de su columna “Ruta Cultural”, publicada en diversos medios impresos y electrónicos; así mismo conduce un programa de radio.
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Cena para 3, escrita y dirigida por Juan Carlos Blanco Ramírez, supone la historia de amor entre Diego, Carmen y su novia española Valentina, que inesperadamente decide emprender la aventura de su encuentro.
El terror psicológico, un subgénero de la literatura y la cinematografía de terror, está sustentado en un miedo o angustia creado a partir de un temor creciente gracias a las supersticiones, las culpas o las inquietudes de los personajes. Se trata de más que un simple susto, provocado siempre por la expectativa o supuesto de algo, el fantasma que sale desde la penumbra por ejemplo, generando una tensión de suspenso que lleva al límite de incertidumbre a los personajes, lo que deriva en una presión que causa inestabilidad emocional en ellos.
Del mito del génesis surge esta interesante película que lleva a tan conocida historia a dar un giro inesperado: Adán y Eva probaron dos de los frutos prohibidos, con el primero, como todos sabemos, se ganaron la expulsión del paraíso, pero con el segundo ganaron la vida eterna. Sin embargo, ¿quién querría vivir para siempre fuera del paraíso?
Lewis Wallace es uno de los grandes personajes estadounidense del siglo XIX, participó en la Guerra de Estados Unidos contra México en 1847, fue comandante en el Ejercito del Norte en la Guerra de Secesión librada en su país, años después fungió como Senador del Congreso, Gobernador de Nuevo México, no obstante, a pesar de su destacada trayectoria militar y política, Wallace es recordado y universalmente conocido por su faceta de escritor, su novela considerada una obra maestra de la literatura universal se titula: “Ben-Hur”.
