Filmakersmovie presenta el trabajo de artistas iberoamericanos.
Pain – Artista: Palestina Street | Dir. Aldo Guerrero | Foto: Marcela P. Corrial | Palestina ,2016
Pain
Palestina Street
Dir. Aldo Guerrero
Palestina, 2016
4:17
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Palestine Street es el nombre del dúo de Hip de Hipde Hip -Hop palestino que acaba de lanzar su primer videoclip de factura profesional, gracias fal apoyo de Artefactovisual, productora con una larga trayectoria trabajando al apoyo productora con una larga trayectoria trabajando con artistas reconocidos a nivel internacional, como Ana Tijoux, Joel Holmes, Chico Trujillo, Seun Kuti, Inti Castro y Shadia Mansour, entre otros.
La producción
Las imágenes del vídeo fueron registradas en Cisjordania, territorio palestino, que vive bajo ocupación hace más de medio siglo, y desde hace más de 10 años se encuentra encerrado por muros construidos por el gobierno israelí.
Grupo
Los integrantes del grupo prefieren no revelar su identidad por temor a posibles represalias. La ocupación se hace sentir en muchos sentidos, y las restricciones de la libertad de expresión, incluso a través de redes sociales, es una de ellas.
Director
Aldo Guerrero fue el director de este vídeo, y cuenta: «A nosotros, con nuestro pasaporte chileno, los soldados no nos hacían mayores problemas de día…pero de noche, yendo a los asentamientos israelís, te puede pasar de todo. A nosotros nos detuvieron en un taxi, apuntándonos con una mira láser en mitad de la carretera. En otra ocasión dispararon sobre nuestras cabezas, y sólo por estar en territorio palestino.
Equipo
Dirigido por: Aldo Guerrero
Director de Fotografía: M.C.
Producido por: Palestine Street & El hombre del Arbol
Filmado en West Bank, Territorio Palestino.
Artefacto Audiovisual
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Galería:
Pain – Artista: Palestina Street | Dir. Aldo Guerrero | Foto: Marcela P. Corrial | Palestina ,2016
Pain – Artista: Palestina Street | Dir. Aldo Guerrero | Foto: Marcela P. Corrial | Palestina ,2016
Recuerdo sus versos las mañanas de sábado, mi madre a todo volumen ponía en aquel tocadiscos, moderno para la época, los discos de su ídolo de juventud, un cantautor argentino que tenía una peculiar manera de cantar, Sandro…de América.
Roberto Sánchez, Sandro de América | Foto: lavozlibre.com
Esta no sólo es la historia de mi niñez, sino la de otras chicas y chicos que crecieron conociendo a este mítico ídolo de la música argentina, un rockero baladista, trovador y gitano que envuelve a cada persona que lo escucha con su voz.
Detrás de este gran personaje que cantaba, bailaba, era músico, actor, seductor, y un respetuoso de su arte y de su público, se encontraba Roberto Sánchez, un chico humilde originario de Valentín Alsina, Lanús (1945), al sur de Buenos Aires, que encontró en la música su realización, y su idealización en tantos corazones a lo largo del continente y hasta donde su voz se escuchase.
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Sandro/Roberto, tuvo una vida llena de sacrificios, de trabajo y de esfuerzo. Fue el primer artista latino en llenar elMadison Square Garden de Nueva York. Sus temas emblemáticos “Rosa, Rosa“, “Tengo“, “Trigal“, “Te propongo“,, “Ave de paso“,”Dame Fuego“, entre otros, movían masas, hombres y mujeres, seguidores de un hombre mítico que electrizaba hasta al más conservador.
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Sus nenas, como el las llamaba, le recuerdan con devoción, no en vano cada 19 de agosto, fieles a la tradición, cantaban el “Cumpleaños feliz” a fuera de la casa de Roberto, en Banfield, donde él salia a saludarles con una sonrisa y su “Deseo de vivir“.
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En Buenos Aires y américa, despedimos a un guerrero que tuvo que enfrentarse al enfisema pulmonar, recibir dos pulmones en un trasplante sin precedentes, un corazón joven y nuevo de un chico de 22 años… y con este ir y venir en procedimientos médicos nos mostró la grandeza de su espíritu al no dejarse vencer y luchar hasta el final. Se ha reencontrado, en un nuevo plano, con sus seguidores que le esperaban para conocerlo.
Hace poco y gracias a la tecnología, pude conocer que en Buenos Aires se estaba filmado la película documental de este gran ícono de Argentina, titulado “Yo Sandro” , de inmediato me puse en contacto con su director, el responsable de esta obra, el director y productor Miguel Mato para que pudiera contarnos cómo había comenzado esta aventura, y cuál había sido su motivación por mostrar la vida de esta figura.
En esta conversación además de hablar del ídolo, hablamos de Roberto, el hombre. Además, también pudimos conversar sobre el cine y la industria iberoamericana en nuestros días.
Esta es la primera de dos partes, ¡que la disfruten!
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
En el mundo, las frases y los dichos son parte de la cultura popular con contenido reflexivo que manifiestan una verdad, contienen una lección y hablan de una realidad a veces dada por sentado. “La violencia genera violencia” es una frase que advierte y analiza, critica y explora el comportamiento de una sociedad. No es un positivo o negativo del ambiente social, sino un hecho como tal, palpable y estudiado. Un acto cruel y violento sólo crea más violencia y caos y, por tanto, combatir la violencia no puede hacerse con acciones igualmente violentas. El dicho popular es claro y conocido, popularizado, sin embargo, entonces, ¿por qué se sigue propagando la violencia? Porque lo importante no son las palabras o esparcir los refranes, sino seguirlos con acciones.
En tono de sátira, Naranja Mecánica (Reino Unido, 1971), película escrita y dirigida por Stanley Kubrick, basada en la novela homónima de 1962 escrita por Anthony Burgess, con la participación de Malcolm McDowell en el papel principal y nominada a 4 premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor guión adaptado y mejor montaje), presenta una realidad distópica en donde la sociedad, con su comportamiento, crea ciclos viciosos de violencia, donde lo importante no es la salud mental y física de sus habitantes, sino el poder y el control, un comportamiento que se extiende hacia las personas.
Alex es un carismático, extrovertido y vivaz joven adicto al sexo y la ultraviolencia (actos injustificados de extrema violencia), amante de la música clásica del compositor Beethoven. Su comportamiento afecta a otros y después de varios ejemplos de actos crueles hacia diferentes personas, desde robos, ataques con arma blanca y violaciones, Alex es detenido por la policía tras el asesinato involuntario de una mujer, luego de que sus amigos lo abandonan a la llegada de las autoridades, como venganza por su arrogancia como líder de la banda.
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Después de dos años en prisión, en los que se ha acostumbrado a decir lo que sus superiores y supervisores quieren oír y aprendiendo de la hipocresía del sistema, que sólo genera más deseos de venganza con violencia dentro de él, producto de la forma en que lo tratan, el joven es aceptado para un tratamiento experimental (tratamiento Ludovico) que lo saque de la cárcel doce años antes de cumplir toda su sentencia.
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El experimento es parte de un programa político interno (como parte de una estrategia de Biopolítica) que pretende realzar las bondades y la capacidad de cambio del Gobierno, con promesas para un mundo mejor, inexistente pero prometido. El tratamiento consiste en condicionar a Alex a través de imágenes de violencia repetidas (acompañadas de la música de Beethoven), que con el refuerzo de una droga específica le haga sentir dolor físico y lo conduzca a relacionar los actos de violencia con sufrimiento, de forma que automáticamente el dolor sufrido lo detenga ante cualquier acto violento o sexual hacia otros. Es decir, se ejerce violencia contra él para eliminar sus instintos violentos.
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El problema del tratamiento es que condiciona conductas pero no cambia comportamientos. El experimento está trazado bajo las teorías conductistas de la psicología, que la película en tono de sátira exagera y critica. Alex mantendrá su personalidad cruel y seguirá teniendo el impulso de la violencia, la diferencia es que no podrá realizarla sin sentir dolor físico. ¿El tratamiento realmente reforma a Alex como los doctores y encargados han prometido?, ¿o más bien crea un conflicto interno que aumentará su resentimiento social?
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El cambio no es interno pues la mente nunca logra procesar las implicaciones de un acto de violencia, ni diferenciar entre lo correcto o lo incorrecto, en la razón por la que debe o no debe herirse a las personas o las consecuencias de esta decisión. Sin este razonamiento y entendimiento, Alex es tratado como un simple animal al que tiene que entrenarse. Es como si se intentara enseñar a alguien que cuando hay nieve hace frío; no puede haber un condicionamiento (si hay nieve debe usarse chamarra), porque la persona sólo lo entenderá cuando su cerebro razone la relación entre la nieve y el sentir frío. Si el hombre sólo reacciona ante la temperatura del entorno, sin razonar los motivos, entonces queda estancado. La reacción impulsiva de usar una chamara sería la propia de un niño (al que se le dice lo que debe de hacer), por ejemplo, pero un adulto debe entender el concepto de frío o calor, el cambio de las estaciones del año, el motivo por el que baja la temperatura, o la importancia de cubrir su cuerpo ante el frío y las consecuencias de lo que pasaría si no lo hace. Es este razonamiento lo que lo motivaría a protegerse del frío y no la orden que se le impone.
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Con la dinámica propuesta, no se deja a Alex una elección moral. Así lo reclama uno de los curas que trabaja en la prisión donde fue enviado el joven, hablando con su discurso de las posibles fallas del tratamiento y la forma en que no resuelve el problema de fondo. El pastor también señala, en otro punto de la historia: “Cuando un hombre no puede escoger, deja de ser hombre”.
El camino que continúa la sociedad con estas prácticas está destinado al totalitarismo, como señala uno de los personajes, cayendo en un sistema que contrata a personas llenas de violencia para fungir como policías (los compañeros de banda de Alex que eligen después esta profesión), en la idea de que su mano dura pondrá orden en las calles, o imponiendo reglas que debilitan la voluntad de las personas, como con el tratamiento Ludovico.
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El sistema aquí es una forma de organización que sin ley ni orden elige, como solución, un radicalismo autoritario que genera más violencia, más venganza, más sacrificio y más negocios de intereses de poder. La cárcel y el experimento por los que pasa Alex no promueven la disciplina, sino el sometimiento; en la idea de cambiar lo malo por lo bueno, lo despojan de su ser; sin identidad (en la cárcel Alex deja de responder a su nombre para identificarse exclusivamente por su número de preso) o la sustentación de valores, personas como el joven protagonista pierden el sentido de su vida, de sociedad y de convivencia; gustarán de herir a otros porque es parte de la huella de su personalidad que aún queda latente, pero sin otras formas de comportamiento como guía, como ejemplo a seguir en solidaridad o caridad, que los haga o permita cambiar. Personas como él nunca lo harán, porque no pueden razonar correcto o incorrecto, ética, moral, valores o convivencia social. Han vivido en un ambiente violento, para después ser sancionados por ello y humillados, despojados de su dignidad y obligados a actuar de forma determinada, no por convicción, sino por temor al dolor, al castigo y a la represión.
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Después de concluir el tratamiento y enviado de vuelta a la vida en sociedad, sin un lugar donde vivir y a expensas de la venganza de sus ex compañeros, ahora policías, Alex queda a la deriva del mismo sistema que lo puso ahí.
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Huyendo encuentra alojamiento en la casa de una de las personas a quienes atacó años atrás, quien al descubrir que el joven reacciona con sufrimiento ante la música clásica de Beethoven (Alex reacciona de esta forma porque los videos de su tratamiento fueron acompañados con aquellas melodías clásicas, creando así su propia variable de conducta condicionada), decide realizar su propia tortura en venganza, bajo una filosofía, que genera más violencia, aquella del “ojo por ojo”. Lo que demuestra a su vez que la sociedad sigue generando impulsos violentos en los individuos, aunque se encuentren latentes, a la espera del momento y circunstancias que les permitan expresarse. La violencia parece inherente al comportamiento humano, por lo menos en la sociedad que viven los personajes de esta historia.
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El gobierno elige los tratamientos para combatir al creciente número de reos en prisiones que ya no puede sostener económicamente; cuando el experimento falla, terceros cargan con la culpa del error y el resto de los implicados son manipulados, comprados o eliminados. Alex se convierte en una víctima del propio sistema que, en lugar de resolver su problema y el problema social, es encubierto y olvidado, enterrado entre otras noticias de aparente progreso. Alex no cambia ni aprende, por lo menos no a través de estos tratamientos y la forma en que el gobierno los utiliza para el control, pero al sistema no le interesa que lo haga, le interesa que la gente no sepa que personas como él no pueden ser reformadas bajo su mandato, porque no saben cómo hacerlo ni les interesa tampoco lograrlo.
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De esta forma, la violencia que crea violencia se vuelve una frase trillada e incomprensible, porque tanta violencia ha hecho que las personas se acostumbren a ella, sin entender que el cambio no es erradicar el acto como tal, sino lograr que la sociedad no la necesite. Para erradicar la violencia entonces, primero muchas otras cosas deben cambiar en la sociedad: gobierno, reglas, normas y convivencia; en suma, se debe buscar la trasformación de fondo del sistema social fundamentado en la competencia, que obliga a actuar contra otros para poder ascender en la escala social y tener mejores niveles de vida.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.
En los artículos anteriores toqué el tema de la post-producción, y en esta ocasión quisiera hablar de las funciones que se realizan para este trabajo. Me enfocaré como dice el título, en hablar sólo un poco de lo que se hace en esta profesión, más específico, en el ambiente del diseño, motion graphics y efectos visuales. Para llevar a cabo todo esto, existen diversos programas tales como Smoke y Flame, entre otros. Sin embargo, quisiera hablar de lo que se puede hacer con Photoshop y After effects, ya que aunque son más sencillos de manejar, sirven perfectamente como base para explicar el tema, precisamente por ser menos complejos que otros programas, pero para nada limitados, ya que al contrario, permiten una gran gama de opciones para trabajar, dependiendo de la creatividad de la persona. Lo importante no es el programa, sino el operador.
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En el caso de México, la industria de la post-producción está ampliamente ligada a la publicidad, ya que son las agencias quienes fungen como principales clientes solicitando los servicios de los estudios. A continuación explicaré brevemente lo mucho que se puede lograr con programas básicos para cualquier operador como lo son Photoshop y After effects, y de cómo fácilmente se pueden ligar ciertas funciones a raíz de esto.
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Diseño Gráfico
Este puesto es de cajón, ya que un Diseñador Gráfico es básico para desarrollar un buen material para trabajar: estas personas son capaces de crear arte, literalmente hablando, ya que con separar elementos, crear texturas, efectos, montajes y muchas cosas más, dotan al resto de las áreas de archivos e imágenes de calidad y originalidad para que puedan llevar a cabo los proyectos. Aquí podemos ver algunos ejemplos de lo que logran con Photoshop e Illustrator; muchas veces un cuadro fijo sirve cómo base de lo que se va animar, además de resumir la idea ante el cliente.
Aquí es donde encontramos el primer ejemplo de combinación de funciones: muchas veces el diseñador gráfico sabe de animación 2D (entendiéndose esta como motion graphics, principalmente.), por lo que realiza este servicio, lo que implica animación de logotipos, textos, efectos con partículas y la animación de ilustraciones comúnmente realizada por medio de una herramienta llamada puppet (herramienta que genera puntos de anclaje para generar movimiento).
Una gran herramienta para todo esto es After effects, ya que permite animar elementos y crear clips, ofreciendo opciones como movimientos de cámaras, animación basada en keyframes y una amplia gama de efectos predeterminados que convierten un simple elemento en toda una animación que satisface las necesidades del cliente. Dicho programa, se compagina con otros como Photoshop e Illustrator, ya que en todos ellos se trabaja por capas, permitiendo un esquema de trabajo similar con la intención de que el usuario pueda generar su proyecto paso a paso.
El siguiente reel de motion graphics, el cual es del Diseñador Gráfico Carlos Oliver, nos permite ver la combinación de arte y animación consumando un trabajo que comenzó con el diseño de los elementos y se pudo animar en After Effects.
Aquí presento una serie de ejemplos de motion graphics, para hablar de tres funciones muy recurridas para hacer esta tarea: el primer vídeo nos muestra una animación 2D, elaborada para realizar un clip promocional; el segundo nos muestra un tutorial para generar partículas, impartido por Eran Stern (Motion Grapher muy reconocido internacionalmente); y el tercero nos muestra el video D.A.N.C.E, del dúo francés de música electrónica, Justice, el cual utiliza una serie de motion graphics que me sirven para conectar con otro servicio que se ofrece en los estudios de post-producción y que explicaré más adelante.
Vídeo Explicativo | Motion Graphics México
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Blowing Flowers | Creative Cow | Inglés
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Justice – D.A.N.C.E | Justice
VFX /Compuestos
Pues bien, como les comentaba, el último video, nos muestra la combinación de los motion graphics con los compuestos. Los compuestos en un estudio de post-producción, consisten en separar o integrar elementos para generar un efecto visual; muchas veces el Motion grapher trabaja en conjunto con el área de VFX, o bien, realiza también está función, que como mencionaba, es normal que pase en los estudios de post producción. En el caso del vídeo de D.A.N.C.E. las diversas animaciones, se integraron al movimiento de las personas por medio de lo que se denomina tracking, técnica que consiste en hacer que un elemento siga la trayectoria de otro, haciéndolo lucir como si fuera parte del mismo. Para esto existen diversos programas, uno de los más populares se llama Mocha, el cual específicamente está diseñado para esta función. O bien, se llega a utilizar la opción de tracking que ofrece el mismo After effects, lo cual será decisión del realizador de VFX. Sin embargo, Mocha es compatible con After effects, por lo que no se genera ningún problema al utilizar cualquiera de las dos técnicas. A continuación, quisiera mostrar un tutorial, que ilustra precisamente cómo usar Mocha para generar el efecto del vídeo de Justice. El tutorial está a cargo nuevamente, del reconocido Motion grapher israelí, Eran Stern.
Moving T-Shirts |Eran Stern
En el siguiente tutorial, se explica brevemente y un poco más completo otro tipo de funciones de Mocha para generar VFX.
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Affter Effects Tutorial -cornner pinning with mocha for Cs5 | Short-Form Video | Inglés
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Ya vimos cómo remplazar imágenes e integrar elementos por medio de Tracking. Sin embargo, hay otra tarea muy recurrida por los realizadores de compuestos, que es el rotoscopio: esta técnica consiste en separar elementos de manera similar a como se hace en Photoshop, por medio de capas. Si han usado este programa, sabrán que a menudo se recortan imágenes para incorporarlas a nuevas creaciones; lo mismo ocurre con After effects, sólo que dado que las secuencias se forman de muchos fotogramas (29 o 23 u otras cantidades de cuadros por segundo, según sea el caso), hay que animar la máscara de recorte. En el siguiente tutorial, una vez más, el reconocido Eran Stern, nos explica cómo se realiza un rotoscopio.
The Pen Tool | Creative Cow | Inglés
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Ya que vimos a qué nos referimos con rotoscopio y tracking, ahora quisiera mostrar unos ejemplos, en los que es fácil suponer que se separaron elementos para poder integrarlos con otros: en el primer promocional creado para VH1 LA, el cual tiene la canción de Queen de fondo, se puede deducir que se necesita duplicar el video para poder recortar por capas y así separar a los cantantes, las paredes, y otros elementos, para que las letras animadas pasen detrás de ellos, generando un efecto de 3D, integrando todo en una sola imagen. En el segundo, que utiliza el tema de Prince, se puede utilizar la misma técnica, para iluminar las paredes y demás zonas que quedaron detrás de las personas, puesto que si se si hiciera sobre una sola capa, forzosamente, hubiera quedado iluminada también Ely Guerra en el segundo 19, por poner un ejemplo. Si quisiéramos hacer este efecto con After effects, necesitaríamos duplicar el video original para separar a Ely Guerra por medio de una máscara animada. Una vez que ella queda sola, el vídeo que está en la capa inferior, se puede iluminar, ya que la imagen rotoscopiada de la cantante quedará sobrepuesta, generando el efecto de integración.
Don’s Stop Me Now – Queen| VH1
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Let’s go crazy | VH1 Brasil
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Pues bien, con esto doy por terminada mi explicación acerca del tema. Pero antes, quisiera compartir algunos demos de estudios de post-producción destacados en la Ciudad de México, se trata de Cluster Studio, Zebra Studio y Orgánika; existen muchos más, todos de gran calidad, y también los hay en el interior del país. Todas estas empresas reciben grandes proyectos y están dispuestas a participar en cualquier otro que les permita mostrar el talento de su gente. Acérquense con sus necesidades visuales.
Publicista de formación académica. Ha participado desde hace algunos años en varios proyectos en el mundo de la Producción audiovisual, desarrollando funciones de Storytelling y Post-producción, entre otras. Cinéfilo por convicción, disfruta de las buenas historias y charlar sobre cine.
El pintor Felipe Cusicanqui escuchó de su abuelo, Manuel Hernán Cusicanqui, que sus raíces estaban ancladas en la nobleza inca y que uno de sus antepasados fue Túpac Yupanqui, poderoso emperador que gobernaba desde Cuzco a mediados del siglo XV. Cuando Ana María Hurtado conoció esta historia decidió hacer el documental El príncipe Inca, en el que sigue al artista a través de Bolivia en busca de sus orígenes.
Después de su paso por Sanfic, donde participa en la Competencia de Cine Chileno, la cinta llegará a 29 salas de todo el país el 8 de septiembre, gracias al programa MiraDoc.
El interés de Ana María Hurtado por documentar el encuentro de Felipe Cusicanqui con su sorprendente linaje inca nació desde el primer momento en que la directora supo de esta historia: la de un artista de apariencia blanca, ojos claros y con un sorpresivo pasado incásico.
«Felipe siempre se sintió distinto. Un bicho raro que ni de niño ni de adolescente lograba encajar en la realidad que le decían que era la suya: la de un descendiente de la realeza inca versus la realidad que vivió como un chileno «blanco», parte de la tradición generalizada del latinoamericano mestizo que reniega de sus orígenes indígenas».
Entusiasmada con la idea de contar esta historia, Hurtado visitó a Cusicanqui y le ofreció llevarlo a Bolivia, para que por fin diera el salto a la asignatura que mantenía pendiente: la de acercarse a su origen perdido.
«Felipe creció escuchando que él era un príncipe inca, era como una leyenda familiar, una cosa que el abuelo contaba pero nadie sabía si era cierto. Y cuando el abuelo murió, heredó unos papeles antiguos que dicen que sí, que él desciende de Túpac Yupanqui, el que hizo la mayor expansión territorial. Le dije Felipe, quiero que hagamos este viaje a tus orígenes, me gustaría llevarte a cambio de que me dejes grabar todo tu proceso. Y me dijo al tiro que sí, que estaba esperando que el momento adecuado llegara».
«Me golpeó su obra»
Ana María Hurtado advirtió el potencial narrativo y visual del reencuentro de Cusicanqui con su pasado. La perspectiva de tener una historia de tintes mitológicos, desarrollándose en paisajes del altiplano, sumado a la riqueza visual de la obra de Felipe eran elementos muy atractivos para un documental.
«El viaje interior y de búsqueda del origen queda reflejado a lo largo del documental en un viaje físico, cuyas imágenes en el altiplano, en los salares, en el lago Titicaca, o en las ruinas del camino del inca, son un juego de espejos y una metáfora de lo que pasa por la cabeza y el espíritu del protagonista. Quería mostrar lo que le pasaba a él mientras caminaba por cerros, buscaba debajo de las piedras o intruseaba entre ruinas, que es lo que hace a menudo en su trabajo de artista plástico», cuenta Ana María Hurtado.
«Reconectarse con el lugar de dónde venimos»
Para la directora, El príncipe inca invita a conversar sobre nuestro origen e identidad. «No todos venimos de donde mismo geográfica o socialmente. La mayoría no tiene un abuelo perdido en el altiplano, pero vale la pena preguntarse qué es lo importante de tu origen, qué heredé, qué me condiciona. De eso habla la película, de la importancia de reconectarse con ese lugar de donde uno viene a nivel físico y metafísico. Hay un momento en que uno tiene que hacerse cargo de la identidad para poder compartir con los demás, afirmarse bien, para poder abrirse».
El príncipe inca dialoga perfectamente con Palestina al sur, anterior documental de la realizadora sobre los refugiados palestinos que llegaron a Chile en 2008. Para Hurtado, «En ambas películas hay un choque de dos mundos, y es un choque que va más allá del tiempo, y para eso sirve el cine. En el fondo es juntar sincrónicamente, pasado y presente».
Sobre su estreno en salas la directora señala: «MiraDoc es lo más potente que ha pasado en la difusión de documentales en Chile. Gracias a ellos podremos mostrar El príncipe inca en grandes salas y en lugares más alejados y pequeños, que es dónde más pondremos atención, porque esa es la vocación de nuestra productora Antipoder: hacer grandes las pequeñas historias».
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El Principe Inca
Un film de Ana María Hurtado
Trailer
3:16
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Ficha Técnica:
Dirección y guión: Ana María Hurtado
Producción Ejecutiva: Antipoder Producciones. Ana María Hurtado, Viviana Erpel
Producción General: Viviana Erpel
Duración: 81′
Fotografía: Mauricio García
Montaje: Jorge Lozano
Sonido: Mario Puerto
Chile
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El programa MiraDoc, que exhibirá el film, es financiado por el Programa de Intermediación Cultural, Convocatoria 2015; y el Fondo de Fomento Audiovisual, Convocatoria 2016; del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.
Cartelera en Chile
Arica 1. Auditorio Biblioteca Alfredo Wormald Cruz | Baquedano 94
14, 21 y 28* de septiembre | 20:00 hrs | Valor: $ 1.000
*Cine foro 28 de septiembre con directora Ana María Hurtado
Iquique 2. Espacio Cultural Akana Teatro | Ramirez 1265
22, 23 y 29 de septiembre | 20:00 hrs | Valor $1.500
Antofagasta 3. Sala Audiovisual K Universidad Católica del Norte| Av. Angamos 0610
29 de septiembre| 19:00 hrs | Valor $1.500 general | $500 estudiantes
Copiapó 4. Sala Cultural Municipal | Av. Manuel Antonio Matta 260
14 y 29de septiembre | 20:00 hrs | Valor: $ 1.000
La Serena 5. Teatro Centenario | Cordovez 391
8, 9, 10, 15, 16 y 17 de septiembre | 20:00 hrs | Valor: $ 2.000
Ovalle 6. Centro Cultural Municipal de Ovalle | Independencia 479
9, 15, 22 y 29 de septiembre | 19:30 hrs | Valor: $ 1.500
Valparaíso A través de Insomnia Alternativa de Cine 7. Teatro Condell| Condell 1585
8* de septiembre | 20:00 hrs
*Cine foro 8 de septiembre con directora Ana María Hurtado
29 de septiembre | 19:00 hrs
14, 20, 27 y 30 de septiembre | 17:00 hrs | Valor: $ 1.000
8. El Internado| Pasaje Dimalow 167, Cerro Alegre
14 de septiembre | 19:00 hrs
21 de septiembre | 21:00 hrs | Valor: $ 1.000
Viña del Mar 9. Cinemark Espacio Urbano(+) | Av. Benidorm 961, Pob. Vergara, Viña del Mar
Valores y horarios en www.cinemark.cl
Santiago 10. Centro Arte Alameda |Av. Libertador Bernardo O’Higgins 139, Metro Baquedano
Desde jueves 8 de septiembre, consultar horarios en cartelera del cine
Valor General: $ 3.500 | Estudiantes: $ 2.500
11. Cineteca Nacional de Chile | Centro Cultural Palacio de La Moneda | Plaza de la Ciudadanía 26, Metro La Moneda
8 al 21 de septiembre | consultar horarios en cartelera del cine | Valor Gral: $ 3.000 | Estudiantes y Tercera edad: $ 2.000
12. Sala Radical | Monjitas 578, esquina Miraflores
8, 10, 13, 15 y 20* de septiembre | 19:30 hrs
Valor General: $ 2.500 | Estudiantes: $1.500 | General más cerveza: $ 3.500
*Cine foro 20 de septiembre Ana María Hurtado, directora
13. Museo de la Memoria y los Derechos Humanos |Matucana 501 Metro Quinta Normal
10 de septiembre | 17:00 hrs | Valor: $ 2.000
14. Cine Hoyts La Reina | Av. Ossa 665, Metro Simón Bolívar
Horarios y valores en www.cinehoyts.cl
15. Cine Hoyts Parque Arauco | Av. Kennedy 5413
Horarios y valores en www.cinehoyts.cl
16. Cine Hoyts San Agustín | Moneda 835
Horarios y valores en www.cinehoyts.cl
17. Cinemark Portal Ñuñoa | Av. Jose Pedro Alessandri 1166, local 4033, Ñuñoa
Horarios y valores en http://www.cinemark.cl/
18. Cineplanet Florida Center | Av. Vicuña Mackenna 6100 Int 3004, La Florida, Metro Mirador
Horarios y valores en http://www.cineplanet.cl/
Rancagua 19. Biblioteca Pública Eduardo de Geyter | Avenida Cachapoal 90
10, 17 y 24 de septiembre | 16:00 hrs | Valor General: $ 1.000 | Estudiantes: $ 500
Talca 20. Teatro Centro de Extensión Universidad Católica delMaule| 3 Norte 650
8 y 29 de septiembre | 20:00 hrs | Valor Gral: $ 1.000 | Estudiantes y Funcionarios UCM: $ 500
Chillán 21. Cine Club The Oz | Av. Libertad 723
8, 9, 13 y 20 de septiembre | 19:30 hrs | Valor General: $ 1.000 | Estudiantes: $ 500
Concepción 22. Centro Cultural Balmaceda Arte Joven |ColoColo 1855
8, 13 y 15 de septiembre | 19:00 hrs | Valor General: $ 1.000 | Estudiantes: $ 500
23. Auditorio Universidad de Concepción | Facultad de Humanidades y Arte, Barrio Universitario
21 de septiembre | 18:30 hrs | Valor General: $ 1.000 | Estudiantes: $ 500
24. Alianza Francesa | ColoColo 1
27 y 29 de septiembre | 19:00 hrs | Valor $ 1.000
Temuco 25. Auditorio Universidad Santo Tomás | Manuel Rodriguez 060
8 y 15 de septiembre | 19:00 hrs | Valor $ General: $ 1.000 | Estudiantes: $ 500
Valdivia 26. Cine Club Universidad Austral de Chile | Campus Isla Teja, Fac. Filosofía y Humanidades
15, 21, y 29 de septiembre | 19:00 hrs | Valor: $ 1.000
Puerto Varas 27. Auditorio Municipal Salón Azul -1 Cine | San Francisco 413
15* y 16 de septiembre | 20:00 hrs | Valor: $ 1.000
*Cineforo 15 de septiembre con Ana María Hurtado, Directora
Puerto Montt 28. Sala Mafalda Mora, Casa del Arte Diego Rivera | Quillota 116
14*, 21 y 28 de septiembre | 19:00 hrs | Valor: $ 1.000
*Cineforo 14 de septiembre con Ana María Hurtado, Directora
Coyhaique 29. Centro Cultural Municipal | Eusebio Lillo 23
8, 15, 22* y 28 de septiembre | 19:00 hrs | Valor: $1.000
*Cineforo 22 de septiembre con Ana María Hurtado, Directora
Se estrena en las salas de México Taxi Teherán, dirigida por Jafar Panahi. Director que, a pesar de tener una prohibición del gobierno iraní para hacer cine por 20 años, se las ha ingeniado para continuar trabajando. Ésta, es su tercer película desde la prohibición y es la ganadora del Oso de Oro del Festival del Berlín.
Afiche Taxi Thererán
-Sinopsis- Un taxi amarillo es conducido a través de las vibrantes y coloridas calles de Teherán en Irán. Muy diversos pasajeros suben a bordo del vehículo, expresando sus puntos de vista con franqueza al conductor del taxi quien no es otro que el mismo director Jafar Panahi. Su cámara colocada en el tablero captura el espíritu de la sociedad iraní a través de este cómico y dramático viaje.
La empresa China de tecnología Huawei reúne a dos personalidades del cine, Scarlett Johanson y Henry Calvin, embajadores Globales de Producto para la serie Huawei P9. Quien está detrás de este encuentro es nada más y nada menos que el director británico Baillie Walsh, junto al especialista en moda peruano Mario Testino.
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La campaña muestra a una pareja que se comparte fotografías de las actividades que realizan cada uno por separado, esto a cuenta del nuevo modelo que la empresa asiática lanza al mercado el Huawei P9 que innova al tener dos lentes listos para unificar las fotografías que el usuario puede tomar. La pauta define la conexión entre dos estrellas globales en Shanghái y Hollywood, el avance simboliza la colaboración entre Huawei y Leica y la intersección entre el color y el blanco y negro.
Las imágenes producidas con esta cámara dual cobran vida en las pantallas de 5.2 (Huawei P9) y 5.5 (Huawei P9 Plus) pulgadas Full HD, desempeñándose con gran fluidez y potencia gracias al nuevo procesador de Huawei, el Kirin 955 y sistema operativo Android Marshmallow 6.0.
Las estrellas de Hollywood y protagonistas de la campaña, Henry Cavill, y la actriz ganadora del Tony, Scarlett Johannson, aparecen en un nuevo comercial de TV filmado en Shanghái y Nueva Zelanda bajo el mando del aclamado Baillie Walsh de RSA. Mientras que ambas estrellas son normalmente el objeto de la mirada de la cámara, en esta ocasión veremos cómo ponen a prueba la increíble cámara del Huawei P9 al capturar, compartir y competir para lograr la mejor foto. ¿Quién ganará?
«Siento una gran pasión por la tecnología y me emocionan las oportunidades creadas por la cámara dual del P9. Estoy impresionado por la colaboración entre Huawei y Leica en la creación de una cámara para smartphone con un verdadero alto desempeño. Todo esto presentado en un fantástico diseño.”- Henry Cavill
Enviando un mensaje desde el set de su última película, Scarlett Johansson comentó:
“Me identifico fácilmente con el arte de la fotografía. Fue muy emocionante el ver que Huawei se ha asociado con una marca de cámaras tan icónica como Leica para crear este increíble dispositivo. Fue todo un deleite trabajar con Huawei en este proyecto ya que me encanta la forma en la que nos invita a fomentar nuestra curiosidad y compartir nuevas perspectivas.”
Huawei también se alió con prestigiados fotógrafos profesionales para demostrar las capacidades de la serie Huawei P9 incluyendo al renombrado fotógrafo de modas Mario Testino, quien estuvo a cargo de plasmar los visuales de la campaña. Otros creadores de renombre involucrados en el proyecto incluyen a David Guttenfelder de National Geographic; Mary McCartney, Reuben Krabbe, de la comunidad de deportes extremos Banff; la revista Condé Nast Traveler; y la reconocida comunidad fotográfica, Eye Em. Cada fotógrafo colaboró al tomar una colección de imágenes con el Huawei P9, inspiradas por el dispositivo y con el fin de demostrar las capacidades fotográficas de vanguardia de este smartphone.
Cada vez más, miles de usuarios buscan, entre la basta oferta que ofrece el mercado, un celular accesible, fácil de utilizar, y con una resolución superior para tomar fotografías y realizar vídeos que cuentan la historia del día a día de los usuarios. Festivales como el Smart Films de Colombia, en Asia, Europa, o los cursos de Cine con Celular que se realizan en México, son cada vez más recurrentes, el público está ávido de conocer otras realidades e interactuar con sus creadores.
Mientras tanto podemos disfrutar de esta realización que une a «súper man» y a una «súper woman».
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Aprovechando las capacidades en telecomunicaciones, el Huawei P9 entrega nuevas características sin par como la arquitectura de triple antena virtual, diseñada para los usuarios que necesitan de una conectividad robusta y sin problemas tanto a redes celulares como de Wi-Fi, para proveer una mayor conectividad sin importar en qué parte del mundo se encuentren.
El Huawei P9 también protege la privacidad e información de sus usuarios con la tecnología biométrica líder mundial de Huawei para reconocimiento de huellas digitales. El sensor de huellas digitales mejorado, permite a los usuarios personalizar y proteger sus dispositivos con posibilidades significativamente reducidas de acceso accidental o fraudulento, al tiempo que asegura que los usuarios puedan acceder rápido y de manera segura a su smartphone.
Procter & Gamble se cuelga la primer medalla de oro al producir, para las olimpiadas de Rio 2016, el comercial «Gracias Mamá«, ( Thank You Mom, Strong), junto con la agencia Wieden + Kennedy, de Portland, Oregon, y dirigido por el director y guionista Jeff Nichols (Loving, Mud, Midnight Special).
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Esta historia cuenta la historia de fuerza, lucha y perseverancia que los atletas cuando niños han aprendido de sus madres. Vemos, a lo largo del corto, que los atletas no sólo se enfrentan a los desafíos del rendimiento físico, sino a las circunstancias que envuelven sus vidas, como simples personas, tornados, accidentes, miedos.
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Las madres están ahí para sus hijos cuando logran culminar cada una de sus pruebas, sabiendo que cada una de esas vivencias han forjado su fuerza y su espíritu olímpico.
«Se necesita a alguien fuerte para hacer a alguien fuerte».
«El trabajo más difícil también es el mejor del mundo»
Les invitamos a emocionarse con esta entrega de P&G.
Agencia Wieden + Kennedy, Portland, Oregon. Directores creativos: Karl Lieberman y Eric Baldwin Copy: Matt Mulvey Director de arte: Lawrence Melilli Integrado Productor Ejecutivo: Erika Madison Equipo de Cuentas: Jordan Capadocia, ébano Francisco, Eric Gabrielson
Production Company: Batir de palillo Directora: Jeff Nichols Productor Ejecutivo: Joe Biggins Productor en línea Sally Humphries Director de Fotografía: Adam Stone
Empresa editorial: Conjunto Editor: Peter Wiedensmith Asistente de Edición: Dylan Sylwester Productor de la publicación: Jen Milano Publica Productor Ejecutivo: Leslie Carthy
VFX Empresa: El Molino Director creativo ejecutivo: Phil Crowe 2D Artista de ejecución: Glyn Tebbutt 3D Artista de ejecución: Nick Líneas Productor Ejecutivo: Enca Kaul Senior Producer: Chris Harlowe Coordinador de Producción: María Hayden
Compañía: Compañía 3 Colorista: Tom Poole Productor: Castaño Rochelle
Supervisión de la música: Walker Presidente, Fundador: Sara Matarazzo Pista de música: «Experiencia» de Ludovico Einaudi Diseño de sonido: Brian Emrich Diseño de sonido adicional , Mezcla: Noah Woodburn @ Conjunta
Mezclar la Empresa: Once Mezclador: Jeff Payne Productor: Suzanne Hollingshead
Recuerdo sus versos las mañanas de sábado, mi madre a todo volumen ponía en aquel tocadiscos, moderno para la época, los discos de su ídolo de juventud, un cantautor argentino que tenía una peculiar manera de cantar, Sandro…de América.
Sandro de América, Roberto Sánchez | Foto: Discografía
Esta no sólo es la historia de mi niñez, sino la de otras chicas y chicos que crecieron conociendo a este mítico ídolo de la música argentina, un rockero baladista, trovador y gitano que envuelve a cada persona que lo escucha con su voz.
Detrás de este gran personaje que cantaba, bailaba, era músico, actor, seductor, y un respetuoso de su arte y de su público, se encontraba Roberto Sánchez, un chico humilde originario de Valentín Alsina, Lanús (1945), al sur de Buenos Aires, que encontró en la música su realización, y su idealización en tantos corazones a lo largo del continente y hasta donde su voz se escuchase.
Sandro/Roberto, tuvo una vida llena de sacrificios, de trabajo y de esfuerzo. Fue el primer artista latino en llenar el Madison Square Garden de Nueva York. Sus temas emblemáticos «Rosa, Rosa«, «Tengo«, «Trigal«, «Te propongo«,, «Ave de paso«,»Dame Fuego«, entre otros, movían masas, hombres y mujeres, seguidores de un hombre mítico que electrizaba hasta al más conservador.
Sus nenas, como el las llamaba, le recuerdan con devoción, no en vano cada 19 de agosto, fieles a la tradición, cantaban el «Cumpleaños feliz» a fuera de la casa de Roberto, en Banfield, donde él salia a saludarles con una sonrisa y su «Deseo de vivir«.
En Buenos Aires y américa, despedimos a un guerrero que tuvo que enfrentarse al enfisema pulmonar, recibir dos pulmones en un trasplante sin precedentes, un corazón joven y nuevo de un chico de 22 años… y con este ir y venir en procedimientos médicos nos mostró la grandeza de su espíritu al no dejarse vencer y luchar hasta el final. Se ha reencontrado, en un nuevo plano, con sus seguidores que le esperaban para conocerlo.
Hace poco y gracias a la tecnología, pude conocer que en Buenos Aires se estaba filmado la película documental de este gran ícono de Argentina, titulado «Yo Sandro» , de inmediato me puse en contacto con su director, el responsable de esta obra, el director y productor Miguel Mato para que pudiera contarnos cómo había comenzado esta aventura, y cuál había sido su motivación por mostrar la vida de esta figura.
En esta conversación además de hablar del ídolo, hablamos de Roberto, el hombre. Además, también pudimos conversar sobre el cine y la industria iberoamericana en nuestros días.
Esta es la primera de dos partes, ¡que la disfruten!
¡Gracias Miguel!
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Entrevista: Miguel Mato
México/Argentina
34:46
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Making of «Yo Sandro», Día 1
Vídeo: Chaco Vallejo
3:29
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Película de Sandro con Susana reverenciada por Miguel Mato: «Tu me enloqueces» 1976
Para conocer más sobre la película «Yo Sandro«, visite su página en FB.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
¿Por qué y cómo seleccionar películas para ver? La razón no es siempre lo primero que pasa por la cabeza de alguien cuando elige ver o conocer más sobre un proyecto cinematográfico. Entretenimiento, diversión, pasar el rato, porque la recomendaron, porque es lo que hay, porque suena bien, porque se ve bien, porque sale alguien conocido, porque ha ganado premios en festivales, porque dicen que es buena, porque hay que hacer algo, porque me interesa; estas son sólo algunas de las tantas motivaciones, todas válidas, si bien cabe mencionar.
Hay tantas películas como estrellas en el cielo. La oferta es vasta y, gracias a la tecnología, las salas de cine o la televisión no son los únicos vehículos por los cuales es posible acercarse a la cinematografía en la actualidad. Si bien hay razones varias por las se realiza un proyecto de cine, explorar y hablar sobre las relaciones y la condición humana, conocer realidades a través de los documentales, crear historias divertidas para la familia o ahondar en la vida de personajes públicos, son sólo algunas de ellas; las mismas razones existen también para elegir verlas.
¿Son los clásicos del cine propuestas que “obligadamente” “debemos“ ver? La pregunta reconoce cuestiones importantes para analizar; finalmente un “clásico” es una obra cuya significación no se llega a agotar. Estas películas aportan algo especial al séptimo arte, su innovación sonora, visual, de narrativa, de actuación o de realización, pero también aportan al espectador en su experiencia de acercamiento (empatía, reflexión, análisis y cultura). De algunas se habla más o se habla menos, según su impacto social o cultural. “El Cantante de Jazz” (EUA, 1927), por mencionar una de ellas, es trascendente dada su importancia en la transición del cine mudo al sonoro.
Las historias que se han ubicado dentro de este rubro (películas clásicas o importantes para la industria cinematográfica), han sido determinadas así tras un análisis meticuloso (de contenido, técnica de realización e impacto) a cargo de estudiosos y otros realizadores de cine; una fuente importante es el American Film Institute (AFI), instituto de cine de EEUU, encargado de preservar material cinematográfico.
La relevancia fílmica, pero también la social y cultural de estas películas, existe por su capacidad para contar historias trascendentes, ya sea por su discurso de contenido o por el trabajo realizado por el equipo a cargo de éste. “Lo que el viento se llevó” (EUA, 1939), por mencionar un ejemplo, no es grande, cinematográficamente hablando, sólo por sus estrellas protagonistas, Clark Gable y Vivien Leigh, tampoco lo es por su superproducción de millones de dólares, ni por su colorido, vestuario, ambientación histórica (la Guerra de Secesión) o la labor de su(s) director(es), Victor Fleming (George Cukor y Sam Wood también participaron en algún momento realizando trabajo de dirección durante la producción). “Lo que el viento se llevó” es la suma de sus partes, y algo más, por eso verla es elegir observar todos estos elementos en conjunto, trabajando en uno solo, el cine (aunque ello no significa ni asegura que la película guste o no).
Cada relato cinematográfico, sea catalogado como clásico o no, tiene un mérito propio en su historia y en su realización, el poder contar algo a través de imágenes en movimiento acompañadas de sonido; ello significa de antemano un valor agregado cuando se ve una película, porque verla es aprehender lo bueno y lo malo del proyecto, en sus actuaciones, su historia o la forma convincente con la cuenta su mensaje, entre otras cosas.
Tal vez la percepción de una persona a otra, en cuanto a una misma historia, cambia, tanto por las diferentes perspectivas de cada individuo, basadas en su conocimiento y experiencias, como por las razones por las que se elige ver tal o cual película. A veces una historia, por muy simple que parezca (en su contenido, estructura o trama, o dentro de su presupuesto, producción o realización), si se ve con el fin del entretenimiento, por ejemplo, y ello se logra, ya ha cumplido su cometido y ha valido la pena verla y hacerla.
Cada quien decide por qué es importante ver una película, qué tanto se queda en su mente a partir de ella y en su aprendizaje, o cuál es el eco que deja la historia y el crecimiento de los personajes en su interior. La importancia de las historias cinematográficas, y de verlas, consiste en que a través de ellas el espectador se acerca a una mirada de la forma en que se percibe el mundo según el contexto en el que se realizan. Expresión y percepción en el modelo más básico de la comunicación: “emisor-mensaje-receptor”.
Antiguas, modernas, paródicas, futuristas o artísticas, todas las películas tienen algo que decir y todas tienen un sustento en su construcción (por muy exagerada que a veces parezca su desarrollo, trama, personajes o universo creado); ficción o realidad, la base de cada historia recae en la forma de expresar y de explorar la realidad a través de su construcción fílmica, trayendo con ello reflexiones y críticas sobre el desarrollo tecnológico, cultural, social o político, por mencionar algunos cuantos.
¿Qué nos anima a ver películas y qué se aprende de ellas? Muchas razones y muchas cosas. Buscar algo diferente y buscar variedad tal vez sea la clave de todo, mientras ver cine tenga una razón en nuestras vidas.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo
Queridos amigos guionistas, colegas de profesión, seguramente usted reconoce esos momentos en los que en el trabajo, la familia o los amigos le piden escribir una historia para determinado proyecto, y como en producción todo es “para ayer”, muchas veces se piensa que hacerlo es tan sencillo como sentarse frente a la página en blanco para escribir, escribir y escribir, es importante que les deje en claro que…escribir no es sencillo, ni simple, ni que la inspiración nos acompaña a todas partes.
Para esos momentos de necesidad en tiempos de crisis, les comparto 6 maneras de generar historias que, desde mi experiencia, me han funcionado para comenzar desde cero, o bien, continuar en medio de la crisis narrativa ¡a todos nos pasa!
¡Comencemos, escoja un lugar cómodo y relájese!
Lleve consigo lápiz y papel.
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1.- Lea
Lea el diario. Busque los encabezados que le resulten atractivos, lea sus noticia y subraye lo que le parezca más importante, quizá 5, 6, 8 encabezados que le parezcan más interesantes. Comience a imaginar una conexión entre los encabezados, será interesante desarrollar una historia que de inicio con la noticia ocurrida en el centro de su ciudad, que continúe con lo último acontecido en Nueva Zelanda y que finalice con lo que ocurre en el espacio exterior a millones años luz. ¿Cómo podríamos generar una relación?…poco a poco usted tendrá a sus personajes, el argumento y comenzará a escribir.
Leer el diario también incluye los portales noticiosos del género que usted prefiera. Eso sí, lo importante de este ejercicio es que se inspire y comience a crear a partir de estos insights.
2.- Observe
Muchas veces por las complicaciones y las responsabilidades del día a día nuestra inspiración se toma un respiro y se va de casa sin dejar nota. No se preocupe, es tiempo de abrir la ventana y dejarse admirar por lo que ocurre afuera. Quizá en la cuadra de enfrente está lo que busca, ¡OJO! Esto no se trata de espirar a sus vecinos con binoculares como L. B. Jefferies (James Stewart) en “Rear Window”, basado en el cuento It Had to Be Murder, de Cornell Woolrich, aunque Woolrich y Hitchcok sabían que esta es una gran forma de generar historias.
Observe lo que ocurre afuera, quizá el joven que recoge la basura en su camión recolector tenga una historia, el vendedor ambulante, o el conductor que está atorado en el tráfico, quizá ahí descubra un buen detonante para comenzar su historia.
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3.- Escuche
Si ya está sentado en un lugar cómodo, interior, exterior, en la playa, en el campo, en el bosque…donde esté, lleve consigo su reproductor de música, cierre los ojos y simplemente “dele play”, déjese llevar por la música. Las notas poco a poco harán su efecto y usted podrá sentir sus compases que a la par irán dibujando escenas en su mente. Es importante que también lleve una libreta de anotaciones y un bolígrafo, para describir y escribir las escenas que le vienen a la mente, se sorprenderá de lo que la música le inspirará y de las historias que surjan.
Le diría que escuche, también, lo que cuentan sus amigos en las reuniones, lo que pasa en las noticias, lo que escucha en el metro, en la micro, o donde ande…pero ¡tenga cuidado! no sería agradable que su amigo descubra que ha contado su historia de vida que le fue contada en una conversación muy íntima y secreta.
Si este fuera el caso, no olvide solicitar autorización para desarrollar su historia.
4.- Sienta
Si bien los apartados anteriores le invitan a estar atento de lo que ocurre afuera, ahora y una vez que ha probado el método 3: escuchar, le invito a que busque en su interior esos momentos que han marcado su vida, cumpleaños, viajes, carencias, abundancias, creencias, amores, desamores, ilusiones…todo, absolutamente todo funciona a la hora de comenzara a escribir. Yo recuerdo que alguna vez trabajando en una serie, algunas de las cosas propuestas en el plot fueron experiencias personales que re-encuadradas funcionaban y se adaptaban muy bien al personaje. Recuerde que lo que usted siente, en algún momento, todos lo hemos sentido, y que entre más auténtico sea el sentimiento que describe, mejor lo recibirá el público. Escriba de lo que sabe y conoce, de lo que lleva dentro, nadie podrá describir mejor esas emociones.
5.- Vea
Por supuesto, vea mucho cine, televisión, web, lo que a usted le llame más la atención. El acto de ver materiales previos va aumentando sus conocimientos audiovisuales y le va generando un marco de referencia de las historias que se han contado, quiénes las han contado, cómo las han contado, en qué época, bajo qué género… entre más conozca del mundo audiovisual mejor será su precisión a la hora de escribir teniendo en cuenta “lo que quiere y lo que no quiere contar”. Sea auténtico. De todo este bastión audiovisual podrá surgir una historia genuina.
6.- Juegue
Como si fuese un juego de jardín preescolar, de primaria o de integración en actividades sociales, seleccione al azar 5 o 6 objetos que pueda tener en su casa u oficina, y desarrolle con ellos una historia, vea si pueden ser personajes, o bien artículos que nos van dando pauta para construir algo interesante o encontrar los puntos de quiebre en su historia.
Estando de visita en Harvard compré uno juguete que me ha funcionado mucho a la hora de crear, usted los puede conseguir por Internet o en alguna librería que tenga productos de importación, se trata de los Rory’s story cubes, son 9 dados que en cada cara traen un dibujo distinto, desde una llave, una onomatopeya, un borrego, un avión, algunas caras con emociones, hasta un alien. Una vez que lanza los dados y se descubren sus caras, usted deberá comenzar a narrar una historia. Este juego ha sido merecedor de la distinción Dr. Toy como uno de los 10 mejores juegos de Estados Unidos.
Ejercicio: Dialógue
Una vez que tenga un primer borrador de su historia cuéntesela a una persona de confianza, cercana, pero lo suficientemente objetiva para que le pueda dar una opinión. En el acto de escribir solemos ser reservados, recelosos de nuestro trabajo, ¡aguas!, es importante, además de escribir y re escribir, analizar nuestra historia desde afuera para saber en qué vamos bien, y en que debemos prestar atención. Escuchar la opinión de alguien más nos podrá dar un panorama más amplio de lo que estamos construyendo. Por supuesto que una vez comenzada la historia irá tomando su curso y cobrando su propia vida, lo que nos hará trabajar en ella más de una vez.
Espero que este “método perliano” como aventuradamente decidí llamarlo, le funcione. Si entre guionistas nos ayudamos podremos disfrutar de muchas más historias.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
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Perla Atanacio
En el mundo, las frases y los dichos son parte de la cultura popular con contenido reflexivo que manifiestan una verdad, contienen una lección y hablan de una realidad a veces dada por sentado. “La violencia genera violencia” es una frase que advierte y analiza, critica y explora el comportamiento de una sociedad. No es un positivo o negativo del ambiente social, sino un hecho como tal, palpable y estudiado. Un acto cruel y violento sólo crea más violencia y caos y, por tanto, combatir la violencia no puede hacerse con acciones igualmente violentas. El dicho popular es claro y conocido, popularizado, sin embargo, entonces, ¿por qué se sigue propagando la violencia? Porque lo importante no son las palabras o esparcir los refranes, sino seguirlos con acciones.
