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Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La poesía es un género literario de composición y expresión artística. De estructura bella y armónica, sus palabras son inspiradoras, reflejo del sentir y pensar del autor, de la época en la que vive, de las experiencias que lo forman, de las historias que le rodean, de sus anhelos, sus sueños y sus acciones. De estructura sinfónica y sintáctica, su entendimiento y percepción cambia de acuerdo con la reflexión y apreciación de cada persona; situación que ha dado pie a cineastas interesados en incluir, de alguna forma u otra, a la poesía dentro del cine.

Poesía proviene de la palabra griega “poiesis” que significa “hacer”; poesía significa libertad creativa así como actividad recreativa. Con esa idea en mente se entiende el filosofar de Griegos y Romanos, así como sus relativos en las muchas otras culturas antiguas. Cantos poéticos como los de Homero en La Ilíada y la Odisea; historias que han inspirado diversas películas de época, representando pasajes de esta literatura como la guerra de Troya, el destino de Elena de Troya, o el de Ulises.

Otras películas han basado sus argumentos en poemas, tal es el caso del poema anglosajón anónimo encargado de contar la historia de Beowuf; o aquel poema escrito por Béroul cuyo protagonista es Tristán, personaje principal de la leyenda de Tristán e Isolda. El Lado Oscuro del Corazón (Argentina-Canadá, 1992), por su parte, se alimenta en gran medida de la poesía que acompaña al personaje principal de esta historia en un viaje reflexivo, con poemas de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo, de sus autores y del arte.

Una rama más del cine de poesía lo constituyen películas que tratan de la vida de escritores o se inspiran en periodos de la vida de ellos y sus procesos creativos. Un ejemplo notable es la película El Cartero (Italia-Francia-Bélgica, 1994), relato sobre la amistad entre Pablo Neruda y el hombre encargado de su correspondencia, amistad alimentada por la poesía y su influencia en la vida de ambos hombres.

La poesía como activador de la creatividad y la expresión se encuentra constantemente presente en las películas. No se limita a mostrar personajes acercándose a ella a través de la lectura, también explora la misma escritura y la manera en que ésta toma parte en las relaciones de los personajes. La literatura como modo de acercamiento entre personas, ya sean relaciones maestro-alumno, madre-hija, enamorado-enamorada, personas distantes, parejas entrelazadas, personas ajenas, conocidos o desconocidos.

Es por ello que existen casos en que un personaje de una película decide expresarse a través de poemas que demuestren aquello que sienten y piensan. Películas como En sus Zapatos (EUA-Alemania, 2005), Hannah y sus hermanas (EUA, 1986) o Más allá del cielo (EUA-Canadá, 2010), por ejemplo, han utilizado el trabajo del poeta E.E. Cummings dentro de sus tramas, por medio de sus personajes, en escenas en donde éstos recitan poemas de este autor.

En otro acercamiento a la poesía, existen películas en donde los personajes retoman este tipo de literatura activamente, escribiendo y declamando ellos sus propias creaciones. En un gran final, Kat, protagonista de 10 cosas que odio de ti (EUA, 1999), recita un poema inspirado y dedicado a su interés amoroso Patrick. No sólo el guión de la película se basa en una obra de William Shakespeare, también este poema tiene su referencia a un soneto escrito por el autor británico.

De variedad temática como la ética, amor, desamor, amistad, valor, venganza, soledad, felicidad y demás infinitos tópicos que se pueden externar a través de la poesía y que han aportado una opción creativa y educativa en el cine. Más allá de una forma de expresión y más allá de versos armónicos, la poesía en el cine no sólo inspira historias, la poesía se presenta como una invitación a explorar la literatura, siendo el cine, entonces, una puerta abierta al arte, para unos y para otros, para cineastas y para espectadores.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Andrés Palma Buratta

 Xavier Dolan, a lo largo de su “prolífica” filmografía (gracias a su corta edad y la cantidad de film ya realizados) logra salpicar sus personajes con delineados rayos de colores estridentes envueltos en ritmos estroboscópicos al mismo tiempo que  desborda delicadeza coreográfica en sus puestas en escenas, imprimiendo en ambos casos una gran fuerza interpretativa, ya sea como “frontman” de sus propias obras o a través de la construcción de personajes, que aún teniendo como eje central la búsqueda de identidades y la reconstrucción de relaciones fragmentadas, se mueven más bien en escalones elementales, violentamente poéticos y aún resguardados en una puritana tensión sexual construida sobre idílicos trasfondos amorosos.

Dolan recuerda de cierta manera la obra audiovisual de Derek Jarman, el famoso multi autor inglés que delimitó el cinema queer, el universo cultural del punk rock con obras como  Sebastiane (1976) o  Jubilee  (1978) entre otras tantas expresiones culturales que definieron su vida artística. Jarman fue un creador que expelía una rabia visionaria,  que hizo de sus producciones una fragmentación alegre de un Londres duro, violento y profundamente homofóbico.

“No importa qué tan enojado o triste sea, su trabajo es siempre positivo. La mejor manera de expresarlo fue hacer de la performance una residencia de su esencia teatral.”

Al igual que Jarman, Dolan está interesado en el aquí y ahora, en la confrontación implacable de la resistencia en el mundo donde las diferencias sexuales deben ser honradas a través de una estética perceptual. Quizás no sea tan perjudicial ni  locuaz ni escandalosamente vivaz como el autor inglés, ya que la obra de Dolan parte más bien de una concepto más intimo de relato, una provocación que nace de las entrañas de la propia vida, pero sin duda, Dolan exige escarbar en los recónditos caminos de la interioridad para dar voz a la condición humana y su relación con el resto.  Una de las grandes ventajas que tiene el autor canadiense, es que logra captar maravillosamente, tanto en la interpretación, como en las decisiones formales y técnicas, esa esencia de las alienaciones de los individuos entre sí y su resultante emocional, plasmándolas en un lienzo de belleza radical.

Sus personajes florecen imprudentemente bajo las luces fluorescentes de noches de aislamiento moderno. Dolan se está convirtiendo en la voz de la ansiedad, volátil, de la condición humana en todas sus implicaciones eternas y contemporáneas, de la tendencia del hombre a encontrarse a sí mismo en las más inefables soledades humanas y anhelos detrás de las puertas cerrada de las habitaciones.

A pesar de ello, Dolan, a través de su narración logra abrir esas puertas. En lugar que sus personajes, sus ideales, ansiedades y neurosis se retiren hacia el interior, nace el deseo de gritar toda la abundancia de belleza en la vida y todas las posibilidades de habilitar una razonable esperanza y catarsis en medio de una violencia que no genera demasiados debates morales en sus protagonistas y que por ende no dista mucho de la Inglaterra “violenta” de Jarman.

Es justamente en la reconstrucción del pasado, del que se podría suponer sea su propio pasado como lo hiciera en su opera prima “J’ai tué ma mère”, donde a base de recuerdos desechos, sus personajes, de gran densidad dramática irradian la necesaria complejidad para reconstruir ese ayer esfumado en el abandono y rencontrarse con quienes fueron y son para asumir las verdades inciertas necesarias para llenar esos vacíos emocionales heredados por los  misterios del recuerdo. Sus personajes logran comunicarse en un nivel que se extiende más allá de las palabras, aunque están en muchas ocasiones abunden, expelidas de forma visceral, difíciles de digerir, resonando con eco en los espacios cerrados, casas, departamentos, o la misma naturaleza, que finalmente se convierte en nuestro interior; y es que lograr salir de nosotros mismos se convierte en la empresa más difícil del ser humano.

Es el subconsciente el que va despojando los sentimientos superfluos, alterando los estados de ánimo y cuestionando  la conciencia, poniendo en crisis, disolviendo las seguridades, fragmentando el carácter,  desnudando al sujeto.

Al parecer estos personajes carecen de un lugar propio, están en constante búsqueda del significado de la realidad, de dar significado a su realidad o de construir una realidad que por lo menos parezca real. Parecen transitar un mundo frío, estéril, de colores grises, secamente urbano, y claramente enmarcados en el cinismo de una sociedad que trata de mantener la vida bajo control, o por lo menos asumible. Cuando Dolan toma esas historias en sus manos suele disipar la ilusión de la realidad, obligando a explorar el universo orgánico hasta volcarlo en presencia física con la verdad sencilla de un collage clamoroso.

Sublimemente diverso, su cine está lleno de explosiones repentinas de rarezas inspirada con  todo ese aparataje artificioso, estético y barroco donde habita la sociedad burguesa en decadencia; o más bien estancada en ese pasado, que por más obsoleto que parezca resulta ser más fiable a la hora de representar este frenético lenguaje expresivo, que el presente.

Les dejo el tráiler de su última película Mommy (2014) y los invito a revisar la filmografía de este interesante novel director, que seguramente dará mucho que hablar a lo largo de su carrera.

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Mommy

Dir. Xavier Dolan

Canadá, 2014

Trailer 3:13

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.

J.J. Abrams, Chris Pine and Alfonso Cuarón develan los nominados a los Oscares 2015

En vivo desde Bervely Hills.

Poco después de establecerse la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas en 1927, se celebró una cena en la Sala Crystal del Hotel Biltmore, en el centro de Los Angeles, para discutir las metas de la nueva organización. Una de esas metas era idear un método que honrara los logros extraordinarios, fomentando así los niveles de calidad superiores en todas las facetas de la producción cinematográfica.

En una de las varias juntas de las siguientes semanas, el director de arte de MGM, Cedric Gibbons bosquejó la estatuilla de un caballero empuñando una espada, de pie frente a un rollo de película. Los cinco radios de la película representaban las cinco ramas originales de la Academia – actores, directores, productores, técnicos y escritores – y la espada simbolizaba protección para el bienestar y avance de la industria. El diseño fue adoptado de inmediato por la Junta Directiva y engalanó la portada de la edición de noviembre de 1927 de la revista de la Academia. A principios de 1928, Gibbons eligió al escultor George Stanley de Los Angeles para darle forma tridimensional a su diseño. Juntos dialogaron del concepto del diseño – no se usaron modelos ni bosquejos en vivo – y Stanley produjo varias versiones entre las que Gibbons eligió una. En el diseño final se perfiló la figura del caballero y el rollo de película terminó bajo sus pies. Así nació la hoy famosa estatuilla.

Desde el banquete inicial de los premios realizado el 16 de mayo de 1929, en el Salón Blossom del Hotel Roosevelt en Hollywood, se han entregado casi 3,000 estatuillas. Cada enero, se funden, moldean, pulen y lustran nuevas estatuillas doradas adicionales por la R.S. Owens & Company, la compañía especialista en premios, con instalaciones en Chicago, que la Academia conserva desde 1982.

La estatuilla tiene 13 ½ pulgadas de altura y pesa 8 ½ libras. El diseño de la  estatuilla nunca ha cambiado desde su concepción original, pero el tamaño de la base ha variado, hasta el año 1945 en que se adoptó su forma actual. Su nombre oficial es Premio de la Academia al Mérito (Academy Award® of Merit), pero la estatuilla es más conocida por su apodo, Oscar, cuyo origen no es claro. Una historia popular cuenta que la bibliotecaria y eventual directora ejecutiva de la Academia, Margaret Herrick, pensó que la estatuilla se parecía a su tío Oscar y así lo dijo, y a partir de ese momento, los miembros de la Academia comenzaron a llamarla Oscar. De cualquier forma, para la sexta presentación de los Premios de la Academia en 1934, el columnista de Hollywood, Sidney Skolsky, utilizó este nombre en su columna cuando se refería a la primera ganadora a Mejor Actriz, Katharine Hepburn. La Academia en sí no utilizó este apodo de manera oficial hasta el año 1939.

Las 15 estatuillas presentadas en la ceremonia eran de bronce sólido enchapadas en oro. En pocos años, el bronce fue remplazado por el metal britannia, una aleación parecida al peltre, que facilitó el alisado de su terminación. Debido a la escasez de metales durante la Segunda Guerra Mundial, los Oscars® fueron fabricados con yeso pintado durante tres años. Cuando finalizó la guerra, todas las figuras de yeso premiadas anteriormente fueron cambiadas por las de metal enchapado en oro.

El 22 de febrero de 2015, se honrarán los logros de hasta 24 categorías regulares en la 87ª presentación de los Oscars® en el teatro Dolby en el Hollywood & Highland Center®. Sin embargo, la academia no sabrá realmente cuántas estatuillas se entregarán hasta que se abran los sobres en la Noche de los Oscars®.

 Aunque antes de la ceremonia se conozcan la cantidad de categorías, la posibilidad de empates y de que múltiples artistas compartan el premio en algunas categorías hace que el número exacto de estatuillas Oscar a entregar sea impredecible. Como en años anteriores, las estatuillas excedentes serán alojadas en la bóveda de la Academia hasta el evento del próximo año.

Excepto en los años en los que la Academia creó un evento publicitario con el envío de los Oscar desde Chicago hasta Los Angeles, habitualmente se enviaban por tierra a través de empresas de transporte común. Sin embargo, en el año 2000, sólo a pocas semanas de la fecha de presentación, el cargamento de Oscars de ese año fue robado del muelle de carga del transportista. Fueron recuperados una semana más tarde, pero no antes de producir una ansiedad extrema durante aquellos días. Desde ese entonces, la Academia mantiene a la mano estatuillas de reserva para un programa completo.

La estatuilla Oscar es el premio de mayor reconocimiento mundial. Su éxito, como símbolo del logro cinematográfico, sin duda sorprendería a aquellos que asistieron a aquella cena, hace más de 80 años, como también a su diseñador, Cedric Gibbons.

Actualmente, como lo viene haciendo desde 1929, se mantiene erguido sin paralelo, en las repisas de los más grandes cineastas de la historia.

ACADEMY AWARD®

Fuente.