Filmakersmovie

Por: Andrés Palma Buratta

Cada vez que quiero escuchar un grito sofocado, un silencio lacerante, ver una representación abstracta coherente en su rareza o simplemente vislumbrar la maldad que se esconde en la naturaleza y que circunda al ser humano, e infiere, además, en su naturaleza humana; me sumerjo en el cine de Kim Ki-Duk o Ki-Duk Kim.

 Hace algunos meses comencé está discusión con mi amigo Carlos Yarad : ¿cómo se puede interpretar el cine de Kim Ki-Duk?, sí es que a este tipo de autores se le pueda asignar un significado per sé, más que a sus obras. En su documental “Arirang” (2011), vemos al director en un viaje, pero no a través de su obra, no una biofilmografía,  o quizás sí, pero relatada desde lo profundo de su naturaleza humana, ya no autor, sino persona. Enfrentándose constantemente con él mismo, exorcizando sus cuestiones morales, ideológicas, simbólicas, que lo llevan a plasmar más que arte cinematográfico, una intrínseca e intrincada metamorfosis de la existencia concebida desde las relaciones humanas en correlación al mundo vivo y espiritual hasta su desecación, su muerte, su paso a otro cosmos, su vuelta al interior.

Nunca tuvo mayor coherencia, como en esta obra, el lugar común de enterrar tu pasado.

Y para eso debía matar a sus personajes, debía matar su obra, toda su obra, en una ceremonia de expiación, de reparación de aquellas contrariedades que constituyen las miles de ideas que fabrican mundos. ¿Cómo dar con estos personajes; si por lo general no se comunican con el resto a través de la palabra? Existencias silenciosas, como él.  Se mueven en los límites de lo real, o irreal, de la emoción, la quietud, la contemplación, el arrebato, la intimidación. Escondidos en las sombras de otros seres igual de irreales. Son figuras (más que hombres o mujeres) marginales, que no han encontrado su lugar en el mundo, o quizás el mundo (concepción tanto occidental como oriental) no es un espacio para ellos. La palabra da paso más bien a lo visceral, y es ahí donde nace, crece, explota toda la violencia de sus films, retenida en un principio, inexpresiva quizás, pero que ulteriormente se vuelve gráfica, explícita, incómoda, torna a presentar las relaciones humanas como desafección, construcción y deconstrucción de las perspectivas afectivas hacia el universo, sus componentes filosóficos, imaginativos. Por fin, hacia uno mismo, nuestras luchas internas, en definitiva hacia él.

No creo sea necesario entender el cine, como cine/arte/audiovisual de Kim Ki-Duk, sino más bien quedarse con una representación alegórica, metafísica, figurativa, simbólica, infinitamente compleja, que hace que el lenguaje cinematográfico tambaleé, se desmorone, reconstruya y nazca en las entrañas del cosmos íntimo de estas formas pertenecientes a un paraje más onírico de lo que jamás hayamos conocido.

Todo pareciera prorrumpir de la búsqueda del “yo”, del “retorno a sí mismo” como lo definiera Tarkovski y su relación con la naturaleza.

La naturaleza orgánica y humana es tanto símil de brutalidad como de belleza, y esa naturaleza orgánica se convierte en definitiva en la naturaleza del hombre, confusa pero diáfana, feroz pero liberadora, inmaculada, espiritual, perturbadora conciencia más del ser humano.  El todo parte del interior y se va exteriorizando a medida que vamos entendiendo los simbolismos (el agua es constante en su filmografía) que asedian la fe, el crecimiento, el amor, los celos, el odio, la crueldad, el misterio, la emancipación, la vida misma, sujeta a múltiples interpretaciones, cuestionando los ideales de belleza, de verdad, de natura, de misericordia, de perdón  enfrentándolos violentamente contra “el hombre” refugiado en parajes de difícil acceso, tanto para llegar, como para salir. El individuo no quiere llegar al resto y no quiere que nadie llegue a él, para ello, pone de defensa la naturaleza viva, y la suya propia.

Esos simbolismos, se convierten, entonces, en la llave de entrada a sus historias; aunque la diferencia temporal, sociológica, antropológica, cultural y de códigos de las sociedades, supone un abismo, la globalización, o quizás el sentido común, la memoria, el “felling” permite identificar los mecanismos de re presentación, re interpretación, que se nos hacen, en definitiva, familiares, los hacemos nuestros, los incorporamos bajo la piel, nos pertenecen, su obra es nuestra, nosotros los autores de aquella creación divina o racional que nos circunda.

Kim Ki-Duk va dibujando esa naturaleza, a su imagen y semejanza. Tanto sus composiciones visuales, como la “naturaleza del verbo” (acuñada nuevamente por Tarkovski, quien pareciera ser el maestro de todos estos autores) se asemejan a pinceladas sobre un lienzo de materias disímiles según el discurso, según la emoción, según la impresión.

A cambio de palabras, hay colores y texturas, algunas marcadas, gruesas, rugosas, torcidas, de colores fuertes, para dar paso, luego, a finas líneas de colores tenues, de movimientos internos, de tormentas contenidas, del paso del tiempo y los cambios que en ellos habitan, que van difuminando la fábula, arduo realizar el todo sin que uno termine de identificar cuando esas pinceladas, esas narraciones se unifican ¿Cuál de esas pinceladas estás viendo al final de la historia?

Lo onírico adquiere en este momento la capacidad de reflejo de ese tránsito entre lo real y el sueño, puente de la difícil condición del ser humano y su relación con el contexto, máscara de las caracterizaciones mundanas, cobijo de los miedos, desnudo de la bizarría. Entonces los protagonistas de sus historias no son los personajes, sino la imagen que reflejan en ese espejo que explota en una espiral de múltiples dimensiones inundando la pantalla de perfección artística, de “poesía fílmica”, de perturbador arte, que traspasa conciencias, moralejas, vidas preestablecidas, concepción de mundo imperante en la razón adjunta del hombre moderno, quizás el animal más violento y sádico de todo ser vivo, que mejor verlo en su status natural a través de la contemplación de Kim Ki-Duk.

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Aquí el tráiler de su última película » Pieta»

Corea del Sur, 2013

Dir. Kim Ki-Duck

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.

Aquí No pasa Nada es un cortometraje mexicano, dirigido por el experimentado Rafael Lara. Cuenta la historia de una pequeña familia en una comunidad rural, donde la quietud, la paz y la tranquilidad parecen ser testigos indolentes de la desesperación, angustia e impotencia que padecen sus habitantes.

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México, 2014: el crimen organizado amenaza la vida de las familias en una pobre región sin ley. Un anciano campesino vive la angustia por defender la vida de su hija y su nieta.

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Conversamos con Arturo Tay, Productor Ejecutivo de esta producción que además de destacar una triste, penosa y brutal realidad que se vive en México, a modo de denuncia, valora el esfuerzo, empeño y profesionalismo de quienes participaron el su realización.

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Rafael Lara, director de la película más costosa del cine mexicano «Cinco de Mayo: La Batalla», regresa con esta cinta que ha sido fruto de un trabajo totalmente independiente, trabajo arduo de sus productores Arturo Tay, Lara y Juan Carlos Blanco.

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Este cortometraje no sólo fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, sino además se ha presentado en varios festivales internacionales, y en varias ciudades de Latinoamérica ha podido verse, como en a Mendoza, Argentina. Su notable presentación en el Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos en Bogotá, su participación destacada en Florianópolis, Brasil en la Short Cup World Film Festival, y  estar dentro de la terna de los 50 mejores cortometrajes en España y Francia, muestran la potencia de su discurso.

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Para la producción de Aquí No Pasa Nada se contó tanto con maestros como con alumnos del  INDIe Centro de Estudios Cinematográficos,  donde Juan Carlos Blanco, es Director General.

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Arturo Tay conoció a Rafa Lara cuando  presentaba su ópera prima “La Milagrosa” y él se estrenaba como productor con “Todos Somos Pecado” en 2007, más tarde habían de coincidir en la presentación de “Labios Rojos” en Puebla, después en “Cinco de Mayo: La Batalla”, y finalmente para trabajar juntos en  2014 con este proyecto.

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“Cuando Rafa estaba haciendo su gira por el mundo con Cinco de Mayo, vio  cómo se percibía México y de ahí surgió la necesidad de contar esta historia real que narra lo sucedido en México, me busca para producirla, así entre los tres levantamos la producción.”

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El gran logro de esta realización, como destaca Tay, fue el  fusionar la experiencia  del cine con las ganas de hacer cine, es así como Adela Cortázar, reconocida Diseñadora de Vestuario  de cine y televisión, merecedora de varios  “Arieles”, acepta trabajar por vocación en este proyecto. Esmeralda Ruíz y Lituania Ceballos, estudiantes de INDIe  recrearon el arte del la película.

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Al principio hubo algunas dudas de trabajar con gente nueva por parte del director, Arturo insistió en que se incluyera gente nueva. Es así como la fotografía, a cargo de Daniel Blanco, profesor del Centro de Estudios logra un look impecable e impresionante. Alex Vázquez (Apocalypto) estuvo a cargo de los Efectos Visuales, Esmeralda Ruiz reconstruyó toda la casa, con ayuda de Lituania Ceballos, en un lugar en donde originalmente dormían borregos, se logró dar el aspecto de la casa que requería el proyecto. Roberto Ortiz fue el encargado de protéticos, y el respetado Alfredo Mora (Babel, Colosio: el asesinato, la Máscara del Zorro, etc.), fue el encargado del maquillaje.

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“Quiero destacar el trabajo de Milenio III, que hizo el audio directo, no se dobló nada en el corto. Rettally estuvo a cargo de la música y Equis Cosa del diseño sonoro, son de los mejores de diseño sonoro en México. Así que nada se tuvo que doblar. Un diseño sonoro excelente, una buena guía, eso ayudó.”

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Sandra Mayerstein, estuvo a cargo de la impecable Asistencia de Dirección de Aqui No Pasa Nada. Sandra , también, trabajó como asistente de Rafa en «Labios Rojos«,  además es la creadora del «Making of de Cinco de Mayo«, sin duda una dupla que ha sabido trabajar en equipo, escuchando uno al otro, retroalimentando cada producción en donde participan.

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La Script fue Gina Herrera, quien participó en el Festival Internacional de Cine de Morelia con el corto “Ni aquí, ni allá”, realizó un script increíble, con mucho orden y funcionó perfecto. El trabajo de edición duró dos días. Por otro lado, el maestro Genaro Peñaloza, quien fue el Data Manager, y quien está levantando su opera prima, realizó unos archivos excelentes para poder editar.

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“No porque fueran alumnos de la escuela no hubo profesionalismo, al contrario tuvimos mucho más profesionalismo de gente nueva.”

–Los maestros de INDIe, Juan, Genaro, Daniel, fueron responsables de supervisar la producción, la fotografía, y fueron los alumnos de último semestre sus asistentes.

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«Como cine independiente lo mejor que pudimos haber hecho es haber juntado a todos estos chavos con ganas de hacer cine con alguien que venía de hacer una película enorme. Ese es el logro del corto.”

“Los chingones son los chavos.”

“El trabajo de Cinco de Mayo es una mega producción pero si lo comparas a escala no le pide a nada, los mejores de México estuvieron aquí.”

“La clave de hacer cine independiente es rodearte de gente que tiene ganas de hacer cine y talento.”

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Este es un cortometraje que tiene una temática fuerte, cruda, impactante, algo que a pesar de escucharlo todos los días en las noticias resulta impresionante verlo en la historia de estos personajes. El elenco estuvo conformado por Don Alonso Echánove, Karelia Romero, Ramón Medina, Miguel Mena, Marifer Santillán, Antonio Monroi y Julio Casado.

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Aquí No Pasa Nada ha sido nominada en la categoría de Mejor Cortometraje La Diosa de Plata, una importante entrega de premios que otorgan los Periodistas Cinematográficos de México, junto a El Último de la Bola y Ramona.

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La cinta, como lo menciona Arturo Tay, está dirigida a todos aquellos que al verla reflexionen sobre la situación que vive México, y los motive a luchar por un país con justicia.

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Aquí No Pasa Nada

Cine Feroz, INDIe Estudios Cinematográficos y Equis Cosa Estudio.

Elenco:

Alonso Echánove

Karelia Romero

Ramón Medina

Miguel Mena

Marifer Satillán

Antonio Monroi

Julio Casado

Equipo:

Diseño de Vestuario: Adela Cortázar

Maquillaje: Alfredo Mora

Directora de Arte: Esmeralda Ruiz

Música: Nacho Rettally

Edición: Rafa Lara

Diseño de Sonido: Martín García

Director de Fotografía: Daniel Blanco Villanueva

Guión: Rafa Lara

Productor Ejecutivo: Arturo Tay

Productores :Rafa Lara, Arturo Tay, Juan Carlos Blanco.

Director: Rafa Lara

Galería:

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Última actualización de Aquí No Pasa Nada

Reconocido como Mejor Cortometraje en la entrega número 44 de las Diosas de Plata

22 de abril de 2015.

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Paul Virilio es un teórico francés que ha trabajado temáticas como la urbanización y la cultura. Según las teorías de Virilio la sociedad se mueve a mayor velocidad por causa del desarrollo tecnológico; para explicar esto ha creado el término “dromología”, que habla la relación directa entre velocidad y tecnología. Por ejemplo, el hombre ha creado tecnología que facilita y agiliza sus tareas, el invento del microondas, por mencionar uno. De esta manera, y casi por inercia, la sociedad se acostumbra a una velocidad en su ambiente que responde de igual manera a sus necesidades, por lo regular reflejadas en los inventos tecnológicos, las computadoras, la telefonía celular o los medios de transporte.

Bajo estas directrices la tecnología cambia la forma en la que la sociedad evoluciona y, la relación que ésta tiene con la velocidad, es parte de la vida social, la comunicación, la tecnología, el poder o la guerra. Las noticias son ejemplo de este movimiento. Cuando un evento sucede, la noticia ya no sólo viaja a través de medios de comunicación tradicionales como el periódico o la radio, sino que en la actualidad el Internet y las redes sociales han creado un nuevo canal de comunicación inmediato, de tal forma que cuando un evento toma lugar, la noticia puede viajar con más rapidez que hace diez años, envejeciendo de inmediato, para ceder su lugar en la actualidad noticiosa a los múltiples acontecimientos que suceden en cualquier parte del mundo y que se propagan con igual velocidad a casi cualquier rincón del planeta.

El trabajo de Virilio se basa en la idea de que la velocidad es relativa, no es un fenómeno, sino la relación entre fenómenos; la velocidad es presente, no algo continuo, por lo tanto, se entiende como la distancia entre un momento (fenómeno o acción) y otro. Este tipo de entendimiento es acorde con lo que la filosofía postmodernista afirma: vivir en el presente, la búsqueda de lo inmediato, el progreso individual y la economía del consumo.

La velocidad narrativa se refiere a un tipo de narración inmediato, un relato rápido y apresurado con el fin de consumo, una narración en constante movimiento. Dentro del cine hay diferentes formas de aproximarse a este concepto, no obligatoriamente predestinado a ser algo positivo o negativo.

De alguna forma las películas optan por una velocidad narrativa por diferentes causas y razones, a veces para dar agilidad al relato, o para simplemente mantener un ritmo acorde con el tipo de historia que se cuenta. La velocidad, entendida como el ritmo de la historia, responde a razones particulares según las características del relato de que se trate.

Es común que géneros específicos se envuelvan de narrativas particulares. Una película infantil no puede ir al mismo ritmo que una película romántica, porque el tipo de historia que se cuenta es diferente, lo mismo que la composición del público que la mira, o a quién va principalmente dirigida. De la misma manera una historia de suspenso o misterio o un drama que explore el desarrollo y crecimiento de sus personajes puede detenerse (visualmente), tomarse su tiempo, para crear atmósferas y dejar que la escena se desenvuelva con detenimiento con el fin de explorar temáticas, personajes, acciones y reacciones (dentro de la historia, pero dirigiéndose directamente al espectador).

Las historias de acción suelen estar construidas con secuencias en constante movimiento porque son los parámetros que se esperan en este tipo de historias; siguiendo los cánones generales, si se cuenta la historia de un asesino serial, lo que se espera es que un asesinato salte en pantalla cada cierto tiempo, de lo contrario la película no estaría cumpliendo con lo que promete.

Visto desde otro punto de vista, la velocidad narrativa en mucho del cine actual responde a las razones de la “dromología” de la que habla Virilio. Historias rápidas y casi vacías que se enfoquen en contar algo con rapidez con el fin de ser sólo narraciones pasajeras y poco profundas. ¿Por qué? Por la velocidad tecnológica. Más tecnología significa mayor producción cinematográfica y mayor acceso al cine y, tal vez, sólo por inercia, la necesidad de más y más rápidas narrativas, es decir, unidades (películas) para el momento, para el presente, para el ahora y el ya, algo precisamente impulsado por la propia velocidad cultural y social que aborda Virilio y el hipermodernismo.

El fenómeno en general en un proceso que, irónicamente, se ha tomado su tiempo en develarse. La narrativa cinematográfica es cambiante porque la sociedad así se lo ha demandado, es por ello que el cine de los años cincuenta o de los años setenta se sienta desarrollándose a un ritmo diferente que el cine actual. Una película policiaca de hace diez o veinte años no se “siente” igual que una realizada en esta década; su historia, su trama o sus personajes, pero en general la forma en la que se cuenta y el ritmo que elige para su desarrollo, algo así como su esencia y su guión, son diferentes, tomas largas o escenas más contundentes, por ejemplo, diálogo directo o diálogo que se permite explorar diferentes ángulos. El cine ve cambios en su realización, dirección o musicalización y, en su conjunto, estos cambios (de velocidad) le dan otra cara al cine, según la época en la que se realice. Tal es la importancia de la velocidad narrativa y de analizar cómo el contexto social (político, filosófico, económico y cultural) influye en la forma en la que se aborda el cine, en su creación, realización, comercialización o consumo.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Redacción Filmakersmovie.com

Desde la óptica del director Abe Rosenberg, presentamos «Archivo 253«, una película que hace vibrar los sentidos de la audiencia desde el suspenso, en cuyo miedo habitan historias, sensaciones e imágenes capaces de documentar lo acaecido a sus personajes, quienes, se adentran, meses antes de ser demolido, en un abandonado edificio que fungiera como hospital psiquiátrico por más de 50 años, para investigar sucesos extraños y paranormales, no sin antes, permitirnos experimentar el terror de sus protagonistas a cada por el interior de las instalaciones. Cada elemento ocupa su espacio y la fotografía nos ofrece el ambiente idóneo para que como espectadores recorramos el interior de la clínica y compartamos su apoteosis sensorial.

La realización de esta cinta conllevó diversos retos en todos los niveles de producción, aunado a las situaciones que rodearon cada sesión nocturna de filmación. Vivencias y detalles de «Archivo 253«, serán compartidas por Abe Rosenberg en una próxima edición de nuestro programa «Encuentros» con el escritor Iván Uriel, quien junto a Andrés Palma-Buratta, realizara el documental «La Voz Humana de Jean Cocteau» co-producido por Claudio Sodi, Joseph Hemsani y por el mismo Abe Rosenberg.

La muestra en salas de todo México con más de 180 copias de «Archivo 253», representa un logro para la realización y distribución de propuestas de cine independiente latinoamericano, que el trinomio Rosenberg, Hemsani, Sodi, han impulsado con éxito desde otros ámbitos como la ópera y el teatro.

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Archivo 253

Dir. Abe Rosenberg Fishbein

México, 2015

Trailer: 2:021 | Canal: Cinépolis Online

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Productores: Joseph Hemsani Levy, Abe Rosenberg Fishbein, Claudio Sodi Zapata

Guionistas: Joseph Hemsani y Abe Rosenberg

Director de Fotografiìa: Joseph Hemsani Levy

Editor: Alonso Quijano

Duración: 77 min.

Formato de Registro: HDV

Formato Final de Proyección: DCP

Productora: Movies Independent

México, 2015