Filmakersmovie

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

El imaginario parapsicológico del Doctor Spengler, el atrevimiento emprendedor del Doctor Venkman, y el ánimo idealista en vocación investigadora del Doctor Stanz, aúnan suposiciones e instintos para formar la epifanía que convirtió a “Ghostbusters” 1984, en una cinta de culto, favorita del público y la crítica, comedia ingeniosa de humor melódico, de notas simpáticas en la increíble premisa que dio aún más brillo, a los ya para entonces consagrados Harold Ramis, Bill Murray y Dan Aykroyd.

En el año en que se celebra el 30 aniversario de esta obra maestra del cine de los años 80, recordamos con el cariño presente, la nostálgica melancolía que cimbra desde su banda sonora, advierte en los sonidos del Ecto 1, y brinda la sonrisa desagradablemente viscosa de Pegajoso. Una cinta que termina por aterrarnos en la ternura de Puffy, el alegre caminante de malvavisco que recorre las calles de Nueva York.

Desde la inteligente dirección de Ivan Reitman, el guión escrito por Ramis y Aykroyd sobre los científicos desdeñados de su universidad por romper paradigmas y esquemas de lo paranormal, “Ghostbusters” deja una traza indisoluble en la historia del cine. Bill Murray podría en sí mismo, representar el espíritu de un cazafantasma, hábil, interesado, ávido por conocer y valeroso aunque la sorpresa termine siempre por despertar los gritos y elevar los cabellos erizados de sus expresivo rostro.

La comedia llena de astucia y espontaneidad de “Saturday Night Live” y “National Lampoon” catapultó las propuestas visuales estelarizadas por Chevy Chase; la acción de situacional comedia protagonizada por Eddie Murphy, John Belushi, y el mismo Aykroyd, que en películas como “Beverly Hills Cop” 1984, “Trading Places” 1983, “Animal House” 1978 o “The Blues Brothers” 1980, elevaron la simulación al paroxismo de millones de cinéfilos en todo el mundo, John Landis, Harold Ramis e Ivan Reitman, supieron leer con profunda sensibilidad el deseo ávido por comedias que cautivaran al público de todas las edades, sobre todo después del cine más lúgubre, profundo y realista de los años 70, que buscó una salida en la ciencia ficción al final de la misma, logrando la realización de sendas obras maestras en diferentes géneros.

Una guía de espíritus, un detector espectral, un arma de protones, unas trampas como amenaza, una oficina a cuya llegada se describe visualmente el ir y venir del Puente de Brooklyn, una secretaria igualmente comprometida y un cazafantasma honorífico en Rick Moranis, son parte de un elenco completado por Ernie Hudson como Winston (papel pensado para Eddie Murphy) y Sigourney Weaver, la gran heroína de Alien 1979.

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Los años 80 en su legado de franquicias llenas de espíritu aventurero como “Raiders Of The Lost Ark” 1981, y “Back To The Future” 1985, atestiguó en “Gostbusthers”, una cinta que comulgando en ese universo, sirvió de intermedio a la aventura histórica del pasado antropológico y la aventura que juega con el espacio y tiempo en pasado, presente y futuro, “Ghostbusters” plantea una historia de lo inexplicable, de lo tenebroso, y propone una solución que irrisoria en inicio, termina siendo la trama de los emprendedores de sueños que cazan pesadillas, una oda al ingenio, al descubrimiento y a la ciencia.

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“Los Cazafantasmas” título en español, invitó a descubrir y disfrutar, al relajamiento y al suspiro, al salir de las salas de cine nos hacía anhelar haberlo vivido en realidad, o añorar que la cinta haya concluido en su muestra. Las dimensiones y relatividad del tiempo que el mismo Ramis magistralmente filmaría precisamente con Murray como protagonista en “Groundhog Day” 1993, el día que se repite una y otra vez, que en cada día más que tedio, brindaba la posibilidad de ser mejor, una oportunidad de cambiar lo malo o preservar lo bueno, ese intento y error que llevaría a los astutos cazadores de miedos, a conquistar literalmente los corazones de la audiencia.

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Pocos logos pueden ser tan identificados en el cine a la luz de 30 años, y el de esta cinta lo logró y por partida doble, no en la tibia recepción de su segunda entrega cinco años más tarde aún con el mismo elenco, sino en la presencia permanente que recuerda que siempre estarán ahí para recibir el llamado, ¿A quién llamaremos? ¿Quién nos ayudará?, en el mismo tenor del estupendo Roberto Gómez Bolaños, preguntas que se responden al teléfono de una ayuda necesaria que parecía intrascendente, al principio locos, después héroes; en la ciudad que tanto en la realidad como en la ficción ha vivido la crueldad y la incredulidad, el cine ha ofrecido la intromisión de un Gorila que escala su rascacielos en el amor irrealizable, la visita de un monstruo que en su visión original era un defensor más que un peligro, y que en la saga de “Los Cazafantasmas”, ve colaborar a la Estatua de la Libertad y el andar del oso de malvavisco que precede un desfile al máximo estilo de las recepciones de los héroes de la aviación, de los deportes y la política en antaño; los barrios, los callejones, los viejos edificios, las cocinas, restaurantes, las oficinas, todos los resquicios por donde lo paranormal cobra sentido en la explicación científica de una sonrisa.

 

Con la muerte de Harold Ramis se pierde una parte importante de la saga, más no la ilusión de tantos que aún soñamos con que suene ese teléfono solicitando su auxilio y se deslicen los rescatadores al sonido de la sirena de un viejo auto que rueda la ciudad desde sus puentes.

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Es probable que Aykroyd y Murray en homenaje a Ramis, tengan una consulta más que hacer a su guía, una carga de protones que realizar, y una sonrisa que ofrecer al entretenimiento universal.

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Ghostbusters

Dir. Ivan Reitman

U.S.A, 1984

Ghostbusters Tema Oficial | Ray Parker Jr.

Canal YouTube: RayParjerJuniorVEVO

Tráiler 4:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Un experimento de comunicación cinematográfica, una película sin escenarios, actores ni diálogos, un proyecto realizado bajo una tesis sobre la imagen como lenguaje cinematográfico. Dziga Vertov, el cineasta detrás del experimento, convoca con éste una serie de imágenes cuya narrativa visual está llena de significado evocativo, trayendo consigo historias sobre la conectividad humana y la vida misma, la realidad pulsante que late en cada momento, nos detengamos a mirarla o no.

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El experimento, en formato documental, trata de un hombre quien con su cámara se dedica a captar la vida diaria de un día cualquiera en la, entonces, Unión Soviética; el proceso de filmación, edición, e incluso presentación en pantalla del trabajo fílmico recolectado, es parte de las escenas que conforman la película. El hilo conductor es precisamente el hombre de la cámara, pero la historia tiene un inicio y un final que se estructura gracias al poder de la imagen como tal. La estructura del relato es una selección de imágenes puestas en un orden específico cuyo montaje y contenido representan algo. La película habla del todo, de la vida, de la gente, de la realidad y cotidianidad en la que vivimos las personas y lo poéticamente bello y trascendental que cada momento significa para una persona.

La película inicia con el despertar del día, con las primeras horas de la mañana, para avanzar al movimiento laboral y habitual de los habitantes de una ciudad; la cámara se detiene a mirar, a observar, a las personas, los movimientos de la ciudad, su transporte público, su estructura, su clima, su ambiente, su gente; la cámara se detiene mientras deja que el mundo siga su curso. Conforme progresa, el documental se toma el tiempo para contemplar elementos de diversidad, por ejemplo gente trabajando, o riendo, jugando, caminando, descansando, platicando, etc.

El resultado del proyecto es distinto para cada persona que lo ve, pero esa misma razón lo hace sobresaliente, original. La planeación y filmación son elementos importantes del experimento, pero es su construcción en el cuarto de edición el momento clave de éste. La progresión narrativa de la historia tiene una lógica propia delineada por un discurso temático, que es la intención misma del proyecto como experimento de comunicación cuyo vehículo sea la imagen en movimiento, la cinematografía.

Por ejemplo, hay una secuencia donde una pareja llega a pedir un acta de matrimonio, poco después se ve a otra pareja, pero ellos van por un acta de divorcio, a éstas le siguen imágenes de una boda, de un funeral y de un nacimiento. Es evidente ver los contrastes de los que habla el autor a través de la secuencia, pero al mismo tiempo su significado tiene diferentes ecos de interpretación, ya sea de ámbito social, personal, o de pareja, por ejemplo. El análisis de cada fragmento de la película puede hacerse desde una perspectiva diferente, social, económica, política e incluso psicológica, por mencionar algunos, y ello es lo más gratificante de la experiencia del experimento.

Incluso el inicio y final son parte del ciclo que encierra la película. Gente reunida en un teatro viendo el documental y una cámara, en pantalla, presentándose a sí misma como conector entre cinematografía y espectador. Estos momentos son parte metafórica de la mirada que se le da al séptimo arte como medio de expresión, creador y exponente de historias y de ideas, de imágenes en movimiento y cómo éstas son reflejo de la realidad.

Vertov, como realizador, estaba en contra de la «puesta en escena», creía en un cine sin ataduras, por así decirlo, de allí la razón por la que la explicación de la naturaleza de la idea sea explícita en la introducción de la película. Para el cineasta este tipo de cine era una forma (su forma) de capturar la realidad, de reflejar la situación de su entorno y permitir con ello que este tipo de películas fueran una herramienta para «despertar» a las personas, hacerlos ver su «realidad».

El eje básico del proyecto es la utilización de la imagen como motor visual de historias; la forma en la que el documental logra decir algo relevante acerca de las personas en su contexto a través de su contenido visual es el ideal de cualquier historia o proyecto audiovisual. Transmitir, hablar y entender por medio de imágenes es el cometido de la cinematografía y “El hombre de la cámara” es un buen ejemplo de cómo ello se logra.

La película habla del lenguaje propio de la cinematografía y con ello abre puerta a la experimentación dentro de la rama, no solo respecto a la forma en que se plantea el cine, también en cuanto a la técnica de filmación o de edición.

El proyecto permite un acercamiento al proceso de hacer películas, pero se acerca también a la forma en que la imagen es tratada por parte del cineasta, ya sea su propio acercamiento con su objeto de estudio, o su relación con su herramienta para hacerlo, la cámara. De esta manera “El hombre de la cámara” habla de la construcción de la imagen en diferentes niveles: la del realizador, la del espectador o la del personaje del otro lado de la cámara. Actores o no actores, la sola presencia de una lente que mira ha cambiado la forma en la que la gente vive, la forma en la que se comporta, piensa, entiende y se relaciona.

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El Hombre con la Cámara

Dir. Dziga Vertov

Unión Soviética, 1929

Canal YouTube: Cine Mudo Sagrado Familion

1:09:28

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado  Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin  de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca,  entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.