El Águila y el Gusano Una película basada en hechos más o menos reales
Redacción: Filmakersmovie
19 de octubre 2023, México
En un emocionante encuentro, tuvimos el privilegio de conversar con la destacada documentalista y directora de cine Guita Schyfter, cuyo impresionante historial incluye un Ariel al mejor mediometraje documental por su obra maestra «Xochimilco, historia de un paisaje» en 1990, entre otras creaciones inolvidables. Schyfter nos brindó la oportunidad de sumergirnos en su mundo cinematográfico una vez más, esta vez a través de su más reciente largometraje titulado «El Águila y El Gusano», que será presentado de forma excepcional, en el prestigioso 21 Festival Internacional de Cine de Morelia.
La cita está programada para el próximo miércoles 25 a las 20:45 en el emblemático Teatro Matamoros, donde se espera que la magia del cine se despliegue en toda su gloria. Schyfter nos acompañó en esta entrevista exclusiva, compartiendo sus inspiraciones y desafíos al crear esta nueva obra maestra.
Acompañando a Guita Schyfter, estuvo el productor de la película, Yair Ponce, cuyo trabajo ha sido esencial en la realización de «El Águila y El Gusano». Juntos, prometen regalarnos una experiencia cinematográfica inolvidable en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia. ¡No se pueden perder esta oportunidad de sumergirse en el arte y la narrativa del cine!
A continuación puede leer la entrevista completa:
Filmakersmovie: Hola Guita, antes que todo muchas gracias por aceptar conversar con nosotros, por tu tiempo. Es un honor poder conocerte, poder hablar de tu película.
Guita Schyfter: Muchas gracias a ustedes
F.: Primero que todo, felicidades por este nuevo proyecto y te deseamos un súper éxito la próxima semana en la proyección especial dentro del marco del 21 Festival Internacional de cine de Morelia.
G.S.: De tu boca, los oídos de Dios.
F.: Guita cuéntanos ¿Cómo nace El Águila y el Gusano?
G.S.: Bueno, pues mira, ya pasaron muchos años. En ese entonces estaba hablando yo con mi editor de otro proyecto y le dije, quiero hacer una serie para televisión, porque en aquellas épocas empezaban las series. Quería ir a tomar un curso, pero ya no había lugar. Entonces le dije, fíjate que sólo queda uno en comedia y a mí no me interesa. Y entonces él me contestó, “Uy, pues la comedia es lo más difícil que hay”, y yo le contesté “¿De veras?” (risas) Entonces me fui a tomar el curso. Y mientras estaba tomando ese curso, me di cuenta que Hugo (Hugo Hiriart, escritor mexicano, autor de la novela homónima sobre la cual está basada la película) acababa de sacar un libro, que se llama el Águila y el Gusano y que cumplía con lo que decía el maestro del curso de comedia, él decía “La comedia es el arte de estar enojado, del enojo” Entonces yo pensé, eso es, esta novela es oro.
F.: ¿Tú trabajaste la adaptación de la novela o contrataste un guionista, o el mismísimo Hugo Hiriart la adaptó? ¿Cómo fue ese proceso?
G.S.: En este caso en especial, yo adapté la novela. Porque la manera de contar historias, digamos, mía y de Hugo, somos muy, muy diferentes. Yo necesito agarrarme un poco de la realidad y él es pura fantasía, pura imaginación. Porque para Hugo el plot no es importante, lo que es importante, para él, son los personajes y lo que ellos van contando y lo que a ellos les pasa. Y en cine se necesita un plot, por lo menos yo lo necesito. Entonces empecé a adaptarlo, y se lo enseñé a Hugo y le pregunté, “¿Dime, si crees que te destruí la novela? (Risas) Entonces él, que es muy generoso, dijo, no, no, no, esto está muy bien y yo qué sé. Entonces a partir de eso ya empezamos a trabajar en la adaptación.
F.: ¿Cómo fue este proceso de acercamiento a la comedia? ¿Habías escrito antes alguna vez comedia o fue la primera vez?
G.S.: Yo no escribo nada (risas) el que escribe es Hugo, pero lo que yo sí puedo hacer, es decir como desarrollar personajes, no sé, yo puedo, sobre el trabajo de otra persona, adaptar una historia que yo quisiera contar. El Águila y el Gusano es una novela muy enloquecida, entonces yo agarré y traté de darle una estructura cinematográfica.
Yair Ponce (Productor): Oye, Guita, perdón, ¿En qué año fue este curso? O sea, porque podemos decir que ahí fue cuando surgió por primera vez la idea del Águila y el Gusano, ¿no?
G.S.: Pues sí, fíjate que fue cuando estaba terminando otra película que se llamaba “Huérfanos” que fue 2013 por ahí. Esta película está hecha en dos tiempos. Las primeras adaptaciones que hice, que las trabajé con Hugo, y que las empecé a trabajar con el mismo equipo con el que habíamos hecho “Huérfanos” tardaron mucho, porque yo no podía conseguir el dinero, y no podía conseguir el dinero porque no es una historia parecida a las que se hacen en México; es una historia diferente, y como es diferente la gente decía “¿Qué es esto?” (Risas) O sea, no entendían, yo no sé, tal vez (pausa) ¿Yair es un guion difícil de leer, o de imaginar?
Y.P.: No, no, no, no, no es un guion difícil de leer. Al contrario, es un guion fácil de leer. O sea, yo me acuerdo la primera vez que recibí este guion fue en 2016, y recuerdo que lo leí y me encantó el guion, o sea, desde que me senté lo leí, pero yo no sabía que era a partir de una novela, ya después leí la novela. Pero es un guion muy fácil de leer, desde el momento en que lo tienes en tus manos, te sientas y no paras de leer. Es un guion muy dinámico en ese sentido y como bien dice Guita, es un guion de muchos personajes, o sea, es una construcción a partir de los contextos de los personajes realmente extraordinario. Es un guion muy peculiar en el sentido de que no es fácil encontrar ese tipo de historias, es muy distintas de las historias de la época actual, yo no he encontrado historias similares o particulares, al menos de ese calibre.
F.: Y hablando un poco de la historia Guita ¿Qué es el Águila y el Gusano? ¿De qué trata? ¿Cuál es el alma de la historia?
G.S.: El alma de la novela es una sátira sobre el México que nos tocó vivir. El México actual. El guion es una adaptación, pues de alguno de esos personajes, aunque en la película nunca aparece la mención a México ni al Ángel de la Independencia, ya sabes. Pero es una sátira de los tiempos que nos tocó vivir y lo que “ellos” hacen sobre nosotros, cómo nos cambian, cómo nos afectan. De alguna manera podría ser cualquier país de Latinoamérica, aunque la gente que la ha visto dice que es muy mexicana.
Y.P.: Tú la puedes ver y sucede en cualquier parte de Latinoamérica, pero la gente que la ha visto por obvias razones y por contexto de actores y todo identifica y dice que obviamente es México, pero sucede en cualquier parte de Latinoamérica.
F.: Guita ¿Qué tanto cambió esa sátira del México del 2016 al de ahora? ¿Sigue siendo actual esa sátira?
G.S.: Completamente. Es más, a mí hasta me llama la atención, porque la gente va a creer que uno está copiando personajes o que está copiando situaciones que están pasando ahora, cuando la historia fue escrita mucho antes.
Y.P.: Por eso es una película, ¿Cómo la llamas Guita? Es película basada en hechos más o menos reales (risas)
F.: ¿Cómo siguió el camino después de la adaptación?
G.S.: Bueno, primero existía todo un equipo diferente y algunos actores diferentes, y tardaba, tardaba, tardaba el financiamiento, y entonces cada quien agarró por su lado y se fueron a otros proyectos y me quedé sola. Fue ahí que busqué a Yair. Y entonces le dije, “Yair, yo tengo esto, quiero levantarlo, quiero hacerlo” y entonces Yair me contestó, “Yo te ayudo y te acompaño” te lo quiero recordar Yair. (risas) Todo el proceso, hasta el final.
Y.P.: Y aquí estamos.
G.S.: Y entonces, bueno, se volvió a armar todo aquello con un equipo diferente. Algunos actores también cambiaron. Pero fíjate que mi papá decía, “Uno tiene que andar caminando, caminando y si llegas a una pared, mira, le das con la cabeza y sigues caminando, sigues”. La película ya tenía muchísimo trabajo, ya había tomado mi curso, ya había hecho 10 versiones de este guion, entonces como que uno siente que tiene que seguir adelante, ahora, te voy a decir una cosa; Yo he trabajado con Hugo por 30, 40 años, no sé cuántos, en los que yo siempre le decía, “Oye, quiero hacer una película de estas judías” “ahora quiero hacer una de mi tía, mi prima, que sacrificó a sus hijos por irse con…” (pausa) Y él, aunque no eran sus temas ni nada, siempre se sentaba y me escribía los guiones. Entonces un día dije “Ha llegado el momento en que yo tengo que retribuir eso, adaptando una novela de Hugo”. Es como homenaje, un agradecimiento. Y, además, mira a mí después del cine, lo que más me gusta es la historia de México. Me encanta la historia de México. Y entonces pensé, bueno, ya hice Ocampo, que es el siglo 19, la fundación de este país. Y entonces después quiero hacer otra que es el siglo 20, y ahora hice la del México actual que es El Águila y el Gusano. Para mi esas son las tres grandes etapas de México.
Y.P.: Nada más para contextualizar un poquito, y cerrar lo que dice Guita en cuanto a la persistencia, yo tengo que confesarte que si hay una persona persistente, resistente y resiliente ante todas las circunstancias es Guita Schyfter. Porque como bien te dije, yo recibí el guion en 2016, sin embargo, ese guion ya tenía años de trabajo y tenía un equipo anterior. Pero sí, fue una película muy complicada de consolidar y de financiar. Recuerdo que cuando yo entré ya formalmente al proyecto, ya habían aplicado si no me equivoco, dos o tres veces ante todo tipo de estímulos y nada, y entonces me acuerdo muy bien que era la última oportunidad en ese entonces para nosotros de aplicar a Eficine, porque en ese momento había cierta caducidad, entonces era nuestra última oportunidad y me acuerdo bien que era un domingo, que teníamos que subir y finalmente lo logramos, aplicamos. Y recuerdo que yo salí de viaje en esa época, y de pronto me entero que salió el estímulo. Le mando un mensaje a Guita, le dije, “Guita, felicidades, qué gusto me da”. No sé por qué en ese momento yo no era el productor, había alguien más, pero por cuestiones de agenda esa productora ya no podía continuar y yo le dije “Hay que consolidar” porque era una película de presupuesto alto, “Ya tenemos una parte del dinero, hay que consolidar”, y me responde “No Yair, yo ya no voy a esperar más tiempo, vamos a hacer esa película y tú eres responsable de llevarla a cabo” y yo así en el teléfono (Risas de emoción). Mucha gente entró, mucha gente se salió, muchos actores por agenda se salieron. Y justo tuvimos la oportunidad de arrancar en 2019, marzo de 2019, y a dos semanas de filmar cae pandemia. Nadie estaba preparado para eso. O sea, no sabíamos qué hacer. Yo pensaba “No, seguro, en dos semanas estamos bien, no sé que”, pero la película se retrasó y se retrasó. De por sí, la película ya estaba golpeada presupuestalmente por obvias razones, y con esto de la pandemia nos vino a dar más en la torre.
G.S.: Era lo que le faltaba a este proyecto, una pandemia. (Risas)
Y.P.: Exacto, pero al final creo que fue muy acertada esa pausa, porque como que se afinaron muchas cosas, los actores son los actores que tenían que estar en esa película, la gente del crew era la que tenía que estar en ese equipo, o sea, como que ese último estirón, que prolongó la película, hizo que cayera la cereza en el pastel para que cuajara todo. Entonces regresamos al siguiente año ya con toda la percha y todo el callo posible ante esta pandemia y ya nada nos detuvo y así logramos filmar todo. Retomando esto, quiero reiterar que si hablamos de alguien aguerrido y guerrera todo el tiempo es aquí mi querida Guita, a la cual le aprendí un montón de cosas.
F.: ¿Cuál ha sido el camino una vez que estuvo lista la película?
G.S.: Yo sin Yair no lo hubiera logrado, también es aguantador como yo.
Y.P.: Pues más bien fue un camino muy tortuoso en el sentido que es una película demasiado grande. Es una película que si tú la ves te sorprendes por la calidad de la historia que se construyó con el capital que se tuvo. Entonces mucho se hizo gracias también a, obviamente, el prestigio y el nombre que tiene Guita, por eso mucha gente se sumó. Al terminar la película, sin embargo, por reglas del Eficine, nosotros teníamos fechas estipuladas de entrega, entonces, ya habíamos hecho una prórroga y se hicieron muchas estrategias internas, tanto de Guita como de varia gente involucrada, para aguantar y poder lograr tener una salida como se merece, sin embargo, no se logró por fechas y compromisos de Eficine. Entonces lo que se hizo fue una premier muy chiquita hace un par de meses, lo cual desafortunadamente invalidó que la película tuviera un estreno comercial en festivales. Sin embargo, existe esta función especial, muy merecida porque no es en cualquier lugar, es en el teatro Mariano Matamoros en donde se presentan todas las grandes cineastas en el Festival Internacional de cine de Morelia, y este 25 de octubre a las 20:45 dentro del marco del festival, si bien no está en competencia, la película se presentará en una función especial, gracias a la trayectoria de esta señora presente aquí.
G.S.: Tengo un reparto increíble también
Y.P.: Tiene un reparto increíble, la historia está increíble, y cuando vean la película la van a disfrutar, se van a divertir muchísimo. La intención es justo trazar una corrida comercial en “Theatrical”, para que finalmente se logre colocar en alguna plataforma.
F.: ¿Cómo recibes este homenaje Guita?
G.S.: Muy emocionante, sí, y además, el apoyo de todos los que trabajaron ahí, que ellos también están muy emocionados y muchos van a ir al estreno en Morelia. Entonces es como una fiesta, y yo estoy muy contenta y claro, estoy nerviosa.
Y.P.: Básicamente Morelia fue una invitación directa, para Guita Schyfter, por obvias razones, pues Guita, tiene una trayectoria como tú bien sabes, grande, y lograr tener una función especial en el Festival Internacional de Cine de Morelia, resultó muy alentador, para que la película pudiera tener una proyección merecida en pantalla grande.
F.: ¿Qué se va a llevar el público de esta película cuando la vayan a ver?
G.S.: Pues mira, yo creo que uno se puede divertir y como es una película que es como una cebolla que se puede pelar e ir descubriendo, algunos se van a identificar, algunos van a decir que los personajes son muy enloquecidos y pues cada quien sabrá. Bueno, yo creo que divertida sí está.
Y.P.: Muy, muy divertida, muy entretenida, grandes personajes, gran dirección y qué mejor de una directora que ya lleva una trayectoria bastante interesante y picando piedra en el cine nacional. Eso es importante destacar. Entonces que no se olviden, este próximo miércoles 25 de octubre a las 20:45, en el teatro Mariano Matamoros, dentro del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Para asistir a la función y tener mayor información sobre la venta de boletos, visite el sitio oficial del 21 Festival Internacional de cine de Morelia, donde podrá adquirir los tickets para esta función especial de El Águila y el Gusano. https://moreliafilmfest.com/peliculas/el-aguila-y-el-gusano
Sinopsis:
La fábula arranca cuando Calixta, dueña de un salón de belleza y spa aplica masaje a su clienta, una guapa cuarentona, la Güera Peñaloza. Durante la efusiva y enérgica limpia, la Güera se arquea y cae muerta. Calixta, asustadísima de que la acusen de asesinato llama a Pifas para que disponga del cuerpo. Con este arranque tipo policíaco empieza la película basada en la vertiginosa novela de Hugo Hiriart.
Los personajes, todos ellos resultado de la invención del escritor, no corresponden a ninguna persona en
particular, pero en su conjunto captan el espíritu de nuestra época. Vamos a conocer a Valdivieso (Germán Jaramillo), un político que experimente una súbita conversión religiosa y, en una inesperada transformación, se vuelve un santo vociferante ante la mirada atónita de su asesor y amigo el periodista Campuzano
(Marcelo Alonso). Un misterioso investigador, Bolos (Alan Alarcón) interroga a Calixta (Dolores Heredia), en su salón de belleza. Ella, temerosa, sospecha que es un policía encubierto indagando sobre la desaparición de su clienta la Güera Peñaloza (Fabiana Perzabal).
Los caminos de estos personajes se entrecruzan con los de Canudas, (Gerardo Trejoluna) pintor y marchant, la doctora Montejo (Laura Almela) conocida historiadora del arte, Epazote, (Horacio Castelo) millonario de dudosa reputación y obsesivo coleccionista de arte moderno. Finalmente, el desenlace tiene lugar en el hotel que la excéntrica europea Madame Parodí (Angélica Aragón) tiene en la selva.
BELFAST, nostalgia de la infancia, memoria del contexto
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Belfast remembra como suerte de un azaroso viaje a través de la nostalgia, aquellos días de la infancia que vemos reflejados en el espejo de quienes acompañaron nuestro paso, la familia, los amigos, el colegio, el parque, las calles, y aunado al espacio que el tiempo pasma al pensarle, surge el contexto del entorno que vivimos. Kenneth Branagh avista una palestra de sentimientos vertidos en la memoria, donde la infancia es testigo del devenir que se advierte incierto, que no alcanza a comprenderse a la luz del juego ni al amparo del amor fraternos que no descifra los adioses y hasta luego, de forma, el director suscribe los pasajes de su vida envueltos en una historia individual y colectiva, en los ojos de un niño que desde las vicisitudes de su familia, intenta comprender el encono político, el posicionamiento ideológico, el azar religioso y la migración como un hado irrenunciable porque no hay más alternativa.
Situada durante los agitados años sesenta en Irlanda del Norte, Belfast es una oda cuyo centro narrativo apela volver a la infancia para dar sentido a la vida o despejar los misterios de las decisiones que los padres, amigos o nosotros mismos tomamos ante el contexto que nos configura. La incomprensión, el prejuicio, los dogmas, la intolerancia, son parte del escenario histórico que nos presenta la cinta, donde la violencia amenaza y la pobreza acusa buscar otros horizontes para el sustento, como si el destino y por ende la determinación, estuvieran determinados por el contexto.
Jude Hill interpreta a Buddy, el pequeño testigo de los anhelos infantes que avistan la pérdida de la inocencia ante el desasosiego de una realidad que le implica y de la cual no puede alejarle ningún juego. Caitríona Balfe y Jamie Dornan, representan a los padres de Buddy, en una relación de amor que revisita la separación por designio del empleo, de una mejor oportunidad, o por la resignación de la circunstancia, y al medio, Buddy muestra el dolo que le causa no descifrar lo que sucede alrededor, pero cavila la situación como un laberinto de emociones que rebasa el horizonte confuso que ofrece la cerrazón política, el fanatismo religioso, la prebenda social, o el ansia de cambio que viste al colorido blanco y negro la hermosa fotografía de Haris Zambarloukus.
Ciarán Hinds y la extraordinaria Judy Dench como los abuelos, brindan actuaciones memorables, recompensadas con las nominaciones al premio Óscar en la categoría de reparto, a las que se adhieren las obtenidas por el propio Kenneth Branagh, nominado a Mejor Película, Director y Guión Original, para una historia que brindan a Buddy ese lugar propio que buscamos cuando el abrigo del cielo que nos cobija, primero se aleja en la ausencia de los seres queridos, y luego nos confronta en un discernimiento que no nos permite decidir, si seguir el camino por seguirles, o quedarnos en la nostalgia de la pérdida.
La complicidad, la empatía y el amor, resultan ser la maravillosa constante que hace de la cotidianidad una oportunidad para avistar el asombro, la utopía y la redención, y en esa dinámica, la audiencia se vuelve un observador consciente, informado y a la vez lejano que al acudir a las causas y consecuencias, queda prendado de reflexiones que van más allá de la época que describe el director, y describe sin la ambientación de los hechos, los acontecimientos actuales que parecen indicar, el tiempo no ha pasado o el contexto solo ha cambiado de lugar, o quizá por lo contrario, se quedó suspendido en el tiempo, haciendo de la cinta una referencia que trasciende las fronteras por su tema universal, la resiliencia, la supervivencia, y la búsqueda de la felicidad.
Undated handout still issued by Brown O’Connor Communications of (left to right) Jude Hill, Lewis McAskie and writer/director Kenneth Branagh on the set of the film Belfast. Issue date: Thursday November 4, 2021. PA Photo. The film, written and directed by Sir Kenneth Branagh, is set in Northern Ireland in 1969 and stars Jamie Dornan and Caitriona Balfe as the parents of young boy Buddy, while Dame Judi Dench plays his grandmother. See PA story SHOWBIZ Belfast . Photo credit should read: Rob Youngson/Focus Features/PA Wire
La evocadora cinta de Kenneth Branagh, comparte la ansiedad de una familia en la ilusión de atenderla, y avista la esperanza entre la desolación, la melancolía y el caos que consiga recubrir con espesas humaredas a protestas, reprendas, a la desilusión. Extraordinaria, pertinente y reveladora, Belfast nos resuena que el tiempo pasa pero los dejos de las heridas no se borran, y en esas huellas hace consciencia de lo vivido, de lo que no queremos repetir, de lo que no hemos olvidado, de lo que aguarda al devenir.
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Ganadora de la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1993, y dos veces nominada al premio Óscar a Mejor Directora, Jane Campion una referente de la cinematografía universal, gracias a la profundidad temática de sus películas, a la calidad interpretativa de sus protagonistas, y a la forma en que hace de la cinematografía, un aforo para el debate, la reflexión y el diálogo multi temático a partir de la descripción, la narración, el uso de los silencios y del eco de la interioridad que se expresa mediante las emociones vertidas en sus trama.
Jane Campion refleja en la contemplación de su obra fílmica, el corolario intencional, la introspección de quien mira, y la observación de quien refleja en su actuar el entorno de la circunstancia, del camino como un hado destino, y de la sorpresa como una suerte de azar inadvertido o un acontecimiento que, transforma el acaecer de quienes, a partir de una historia, comparten de su vida los tomentos, deseos y anhelos que les configuran.
El Piano, obra maestra estelarizada por las imponentes actuaciones corales de Hellen Hunter, Anna Paquin, Harvey Keitel y Sam Neil, la cual ofrece desde la perspectiva de la audiencia, una forma de sumergirse entre las olas de paisajes extraordinarios, al tiempo que el sufrimiento, la resignación y la esperanza, acompasan la armónica irresolución de un piano que en la callada nota es bruma y es destello; una aproximación antropológica que denota los estudios en estas áreas de la reconocida Alumni de la Universidad de Wellington en su natal Nueva Zelanda.
En Swetiee, Jane Campion examina temas que había explorado previamente en sus trabajos iniciales, las vicisitudes de una mujer ante su entorno, las relaciones humanas que la implican alrededor de su familia, el amor y de sus padres desde las percepciones que se tienen de la edad, la época y la vida. An Agel In My Table, aborda la biografía de la extraordinaria escritora neozelandesa Jatet Frames, narración audiovisual que ofrece un recorrido en diferentes etapas de la vida de la autora, amparada en las autobiografías y en la escaleta de las edades que muestran su visión del arte y de la vida.
Campion captura la atención de los circuitos de festivales internacionales como el Festival de Venecia, que afirmaban el reconocimiento de su ópera prima y predisponían a la escena cinematográfica, hacia el arribo de su obra maestra, El Piano. Campion logra con esta cinta cimbrar el canon fílmico y en su legado, lega una pieza de análisis que lo mismo nos adentra en la relación de una madre y su hija, de una artista y su instrumento, como de una condena y el castigo, la justicia, la inocencia, la discapacidad, la liberación y el arte musical de un piano como el colofón emocional de la expresión humana.
El Piano obtuvo el premio Óscar a Mejor Actriz para Hunter y Actriz de Reparto para Paquin, al tiempo que brindó a Campion el Óscar a Mejor Guión Original para una épica cinta de sentimientos vertidos en su fotografía, asimilados en la dual humanidad de sus personajes, en la vuelta del silencio y en la ambientación vivencial de una resolución que deja a la audiencia en el resoplo del suspiro y el aliento.
The Portrait of a Lady, Holy Smoke!, In the Cut, y Bright Star, conducen el trabajo de Campion por las historias de época, la exploración de las intenciones, la reacción de los seres humanos ante las amenazas, los deseos y el prejuicio, así como el intento de hacer de cada cinta una entrega diferente desde la óptica de la artista. Tres décadas que vieron la transición e Campion por la última década del siglo XX y las dos primeras décadas del nuevo milenio, en las cuales la contemplación, el misticismo y el recogimiento, hicieron del sutil movimiento, de la mirada, del movimiento de las manos, del caminar y del propio respiro, un sello que coronaría la excelsa realización de The Power of the Dog, una cinta monumental, que desde el testimonio de miradas, de la muerte como un paisaje cobrizo, y del llano como un escenario donde el amor, el deseo, la obsesión, la ira, la envidia y el recelo, acusan en sus protagonistas la descripción de una historia que tenue hace densa la percepción poética de su esmero.
Cortesía : Netflix / Jane Campion / The power of the dog
The Power of the Dog, recibió sendas nominaciones para todo su elenco, un hito en la historia de las entregas del premio Óscar, Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons y Kodi Smith MacPhee, quienes integran un reparto estelar para un drama que vira entre la psicología de sus personajes, la determinación de sus intenciones y la brisa que no plana la llanura porque no hay cabida al respiro de la oquedad. Polémica, aguda y profunda, la cinta impacta desde la conjetura de su título, y las contemplaciones como una complicidad manifiesta del espectador y la salida al laberinto sin salida que atestigua.
Pionera, precursora y creadora de un cine fundacional, Jane Campion ha labrado su andar cinematográfico a través de películas que no advierten una composición definida, sino abren las posibilidades interpretativas como un abanico de paisajes donde la cámara coadyuba en la audiencia el ejercicio de la contemplación que impulsa la dinámica de la consciencia, el debate, el análisis y el torrente de emociones, sensaciones y reacciones que hacen de la obra fílmica, una palestra emocional de las relaciones humanas y de su entorno.
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Un artista es una persona que crea, con técnica y sensibilidad, habilidad de expresión y disciplina, que se dedica a explorar, nutrir y reinventar todo aquello que tenga que ver con la expresión estética, el arte y la cultura, que esté relacionado con el discurso comunicativo, de reflejo y reflexión de la vida y la naturaleza, la humana incluida. Técnica, oficio o medio de expresión creativo, el arte se aprecia y se valora en función a las sensaciones y emociones que produce, a la habilidad y capacidad de su autor para manifestar ideas y reflexiones en su trabajo con estética y sensibilidad. Sin embargo, en un sistema movido por el capital y el dinero, el arte también es un producto o artículo del que se saca una ganancia; en el que se invierte y renueva con el objetivo de obtener un beneficio monetario en respuesta.
El cine, considerado una de las bellas artes, el ‘séptimo arte’, no es ajeno a esto, a la utilidad de lucro que se deposita en la cinematografía como industria, donde puede llegar a pesar más la cantidad que la calidad; la parafernalia que la sustancia; la técnica que el contenido: y la venta, producción y rendimiento, por sobre cualquier otra cosa.
La película El Artista (Francia, 2011) habla sobre todo ello, ambientando en la época en que se vivió un forzoso proceso de transformación, adaptación y cambio ante la llegada del cine sonoro, reflexionando con su historia respecto a cómo afectó el sonido a la realización y consumo de películas, pero también lo que ello significó para el modelo de negocios y creatividad dentro del cine, donde la realidad del momento -que sigue vigente-, se podía resumir en aquella frase que bien dice: renovarse o morir.
Escrita y dirigida por Michel Hazanavicius y protagonizada por Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell y Penelope Ann Miller, la cinta ganó cinco (mejor película, director, actor, banda sonora y diseño de vestuario) de los diez premios Oscar a los que estuvo nominada (actriz de reparto, guión original, fotografía, montaje y dirección artística fueron las nominaciones restantes). Realizada como película muda y en blanco y negro, en honor a aquel pasado histórico de antaño (imágenes sin sonido sincronizado), la historia se ambienta entre 1927 y 1934 y se centra en George Valentin, un actor del cine mudo, de actitud egocéntrica, que se jacta con demasiado orgullo de su éxito, a quien las nuevas tecnologías llegan a desplazarlo de su pedestal, por asumir una actitud de rechazo a ellas.
Tras el estreno de su más reciente película, George conoce a una aspirante a actriz, Peppy Miller, con quien después se reencuentra cuando ella es elegida como extra en su siguiente trabajo fílmico. El jefe del estudio, Al Zimmer, no está muy contento con la presencia de Peppy, cuya interacción con George frente a las cámaras acaparó la atención de los medios de comunicación, que terminaron hablando en sus páginas de periódico de ella y no de la película, algo reprobable para Zimmer, pues significó perder publicidad, promoción y, por ende, ganancias para su filme.
George, por el contrario, ve en Peppy potencial escénico, convence a Al de contratarla, y le da a ella un consejo vital: encontrar aquello que la haga destacar entre las demás actrices, para que, al ser reconocida por un distintivo, ello le abra puertas en el competitivo mundo actoral. En esencia, la sugerencia de George es saber sobresalir y distinguirse, para demostrar al mundo que puede ofrecer algo que los demás no tienen.
La actitud de Al y George reflejan, respectivamente, a su vez, puntos de vista que parecen contrarios, pero que en esencia son igual de importantes respecto al cine como industria, como espacio de oferta y demanda, donde el mar de posibilidades llaman a pelear por la atención del público, igual que la del inversionista, del productor, del realizador o cualquier otro factor de decisión. Peppy, por ejemplo, debe abrirse camino con talento y dedicación, pero también necesita demostrar que su presencia y trabajo en pantalla ofrecen algo que no repite lo que otras actrices hayan aportado ya con anterioridad. Esto habla de competitividad pero también de abrir oportunidades, a veces con habilidad y maña, a veces con más astucia que suerte.
Así mismo, esto también aplica al razonamiento de Al, que, como ejecutivo, lo que busca es el éxito del producto que tiene en las manos, las películas que hace, o mejor dicho, en que invierte. Su táctica es una promoción y publicidad sustentada, para ese entonces, ‘el viejo Hollywood’, en la estrella frente a la pantalla, más que el director, la historia u otro. Así, Al ve las cosas en función del rendimiento, lucro y beneficio, que no es más que ofrecer un producto que se distinga de entre los otros, para que la inversión llegue de vuelta e incrementada, lo que a su vez, permita hacer más películas y reinicie el ciclo.
Tras ese primer encuentro, las vidas de Peppy y George toman caminos distintos, toda vez que el cine sonoro llega a revolucionar la forma de hacer películas. Para George, la nueva tecnología es un insignificante sin sustento, del que él se cree más grande y más exitoso. Está tan seguro de su fama, que la asume con arrogancia, pero, al mismo tiempo, es indiferente y reacio a la importancia de la adaptación, que se niega a cambiar y aprovechar la oportunidad de renovación. Rechaza hacer películas sonoras porque no le ve un futuro a este cine, pero no porque objetivamente sopese los pros y los contras, sino porque piensa que la gente va al cine únicamente para verlo a él. En el fondo George en realidad teme a la incertidumbre de una nueva era de la que no solo no sabe nada, sino para la que no está preparado, lo que significa la posibilidad de fracasar.
En consecuencia, la vida profesional de George comienza a irse en picada; Al lo corre del estudio por su falta de disposición y colaboración; entonces George usa todos sus ahorros para hacer una película propia muda, que no logra competir frente a la novedad del cine sonoro (ni la inversión maximizada del estudio detrás que lo promueve), que demuestra ser tan llamativo como exitoso, provocando un desplome en las finanzas de George, situación depresiva que se acrecienta por la de por sí crisis financiera que se vive en Estados Unidos en 1929; todo esto finalmente impacta también en su vida personal, que lo vuelve distante de su prometida Doris, quien finalmente lo deja. En parte es la soberbia de George lo que sepulta sus posibilidades, pues se niega, sin mente abierta o humildad, a adaptarse a los cambios del mundo y ambiente profesional en que se desenvuelve. En parte es también su falta de visión, que descarta el cine sonoro como posibilidad de nuevas formas de contar historias, expresarse y acercare al público, sin siquiera examinar, conocer o entender qué significa este cambio, producto más de su mala actitud, petulante y vanidosa, que de una ignorancia intelectual.
Efectivamente, el paso del cine mudo al sonoro representó una evolución y revolución dentro de la industria cinematográfica. No todos los que trabajaban haciendo películas, delante o detrás de cámaras, pudieron entender y responder al cambio. Fue hasta, alrededor de 1927, que las grandes productoras de Hollywood solidificaron la transición, al dejar de hacer películas mudas para optar por ‘el nuevo cine’, en el sentido comercial. Como en todo cambio, la transición fue gradual, primero necesaria y luego obligada, a la que no todos, en este caso el público incluido, pudo adaptarse [Tal y como ahora algunos sectores se resisten a ver el cine hecho y proyectado en plataformas digitales]. La nueva era tampoco salió libre de críticas pero como principal consecuencia, la cinematografía tomó un paso sin vuelta atrás, cambiando la tecnología con que se filmaba, el modelo de trabajo y hasta la venta del producto; evolución imparable y en constante movimiento, como todo en la vida, que no deja, hasta la fecha, de seguir renovando y proponiendo nuevas formas de ver, hacer y consumir cine.
También como en todo, no todo cambio aporta algo sustancial, ni modifica de igual manera la esencia base que pretende revolucionar, o tiene la efectividad y transformación que busca lograr con su propuesta. Dentro del cine, no todos los cambios que se han hecho o intentado han tenido el mismo eco o aporte; no todos ‘mejoran’ la forma de ver y hacer cine, ni todos duran o impactan tan significativamente a la industria y al arte cinematográfico como procesos creativos y comerciales. Es el tiempo, la visión, el contexto y hasta la inversión y construcción de cada transformación lo que dicta y refleja la permanencia de la modificación. El cine en tercera dimensión, por ejemplo, fue más pasajero que el cine digital, que eventualmente se volvió la norma recurrente por encima del análogo, que no obstante no ha dejado de existir, experimentar, evolucionar y trascender.
En el caso de la película en comento, George asume al cine sonoro como una moda pasajera (y modas pasajeras en la historia del cine, ha habido); un artefacto de venta novedoso que no hallará su lugar simbólico porque no aporta desde su punto de vista algo ‘nuevo’. La pregunta es, ¿cómo es que George no vio el potencial innovador de una técnica que abrió tantas posibilidades creativas? Su problema quizá no es que no lo haya advertido o entendido, sino que incluso siendo testigo de ello, no lo acepta, en parte porque mira la transformación como una máquina de venta que rechaza, pues sólo pretende hacer dinero, no arte; o como una renovación forzada que obliga a traer nuevo talento y sacar de cartelera a los actores que, como él, comienzan a ‘pasar de moda’; o como truco comercial a través del cual el cine se convierta en medio enajenante, más que artístico. En resumen, él no percibe la conveniencia del cambio y las circunstancias del mismo lo expulsan del camino del éxito.
“No soy una marioneta. Soy un artista”, insiste George, porque ‘crea’ historias, no ‘vende’ productos. Su punto de vista tiene sentido; el productor y su estudio están interesados en la ‘máquina mercantil’, pero el realizador no puede trabajar en función al eje comercial, sino al proceso de imaginación, invención y de expresión que se encuentra en el cine. La clave en todo caso sería no enfocarse exclusivamente en las películas como generadoras de dinero, sino en mantener la cualidad creativa cinematográfica, pero sabiendo con suficiente inteligencia sacar provecho del cambio o innovación hasta adaptarlo a favor. Más, en este caso, en donde el desarrollo tecnológico ofrece la posibilidad de percibir en pantalla a las personas tal y como se ven en la vida real.
En su orgullo, George no ve que la fama es efímera; que el cine es arte pero también industria; que como en todo en la vida, la adaptación es parte natural del curso de las cosas, pero también que la transformación misma es parte de la vida. Una vez que Peppy escala a la cima del éxito, con intuición y talento en pantalla, que la llevan a convertirse en una de las nuevas estrellas actorales del estudio, ella se da cuenta que su éxito es posible en paralelo con el declive de otra celebridad que llega a substituir. Cuando George le hace ver que el problema no es el cambio generacional, sino que la nueva generación no asuma con consideración y respeto el pasado, Peppy finalmente comprende el reclamo de George: ‘lo viejo abre el paso a lo nuevo’; es decir, el presente no es posible sin un pasado.
En este caso la situación es muy literal: George no ‘hizo’ a Peppy, ella recorre su propio camino y se abre oportunidades sola, pero ella aprende considerablemente sobre el terreno que transita gracias a la voz de la experiencia, George, y como él, todos aquellos que forjaron los primeros pasos del mundo del cine hasta convertirlo en lo que ahora es, incluyendo las oportunidades presentes, que ahora pueden existir para gente ‘nueva’.
La esencia es la misma en todas las cosas, en la historia, las sociedades, las familias, las empresas y las personas; cada agrupación, colectivo o estructura es resultado de aquellos que estuvieron antes; de sus antepasados, sus enseñanzas, sus aciertos y sus errores. En breve, la evolución es la marca del progreso del hombre, en lo individual y como especie, por eso, se aprende conociendo, comprendiendo el pasado, aprovechando los saberes de generaciones anteriores; nadie obtiene éxito de la nada, sino que éste es resultado de saberes asimilados.
El reconocimiento y/o la popularidad no son nada si no se reconoce a aquellos que también son parte de su formación. Algo que la película reflexiona es que el éxito o la fama es una ilusión, si no se aprecia el logro, esfuerzo y sacrificio colectivo, más allá de la banalidad del aplauso, el elogio o la fortuna que pueda traer consigo.
La disputa entre la finalidad, utilidad y aporte del cine artístico frente al comercial, no inicia ni termina en esta época de cambio de los años 20’s y 30’s de Hollywood, conocida como la edad de oro del cine clásico. La distinción sigue vigente, cambiante y constante; necesaria e inevitable. Pero el cambio así no sólo existe en el cine; es así en la vida de George, de Peppy y, por ende, razona la película, en toda persona, situación, historia y contexto. La transformación es tan natural como obligada.
La película, finalmente, enfatiza más que nada el trabajo del artista como creador, y del creador enfrentando la insistencia del enfoque comercial que valora no la calidad, sino la utilidad de lo que cada trabajo o creación propone. El artista adaptándose a su contexto, la tecnología, las innovaciones y las necesidad de la sociedad en la que vive, pero además, asumiendo el reto de forma que no sirva en exclusiva a las exigencias del otro, u otros, sino nutra su contenido y propuesta a partir de aquello característico del mundo en el que vive, para que así el arte, el cine, no pierdan su capacidad de observar, meditar, analizar, criticar, plasmar y razonar sobre la sociedad y la realidad que tiene enfrente, cual es parte de su función, misión y/o propósito.
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.
Filmakersmovie apoya y se suma a la difusión de la campaña #MujeresSostenibles.
El Centro de Apoyo y Capacitación para Empleadas del Hogar, CACEH Nacional, te invita a participar en la campaña de recaudación de fondos para la Cooperativa para el Desarrollo Integral de las Personas Trabajadoras del Hogar #COODEPTH
De que trata: Esta campaña inició el 7 y termina el 31 de marzo, el objetivo es que la mayor cantidad de personas ayuden económicamente para que la Cooperativa logre:
💪 Que las primeras 24 trabajadoras del hogar hagamos que nuestra cooperativa sea una realidad.
🤓 Crear cursos de capacitación para profesionalizar nuestro trabajo.
✍️ Formalizar el trabajo del hogar con contratos por escrito, seguro social, entre otros derechos.
💚 Generar un fondo de emergencia, que pueda garantizar nuestra seguridad alimentaria, en caso de ser despedidas injustamente.
¡El objetivo es juntar 80 mil pesos mexicanos!
Cómo participar: Está comprobado que la mayoría de las donaciones llegan gracias a la comunicación de boca en boca. Te pedimos que hables con otrxs amigos y familiares, empleadorxs y cualquiera que pueda amplificar el mensaje, y decirles que pueden donar a partir de 100.00 pesos mexicanos en adelante, a través de nuestra página web.
Madrid, España, 1965, durante una visita del grupo inglés, The Beatles, dos jóvenes españoles causalmente se encuentran en el sitio menos esperado… ¡Bajo la cama de John Lennon!
Ella, fanática de su música, se las ingenian para burlar la vigilancia y seguridad del hotel donde se hospeda el cuarteto británico, encontrándose de forma fortuita bajo la cama del compositor. Él, empleado de dicho hotel se encarga de que ambos no sean descubiertos, impidiendo que ella cometa una locura. Ambos, son testigos de lo que ocurre en esa habitación. Este es el inicio de la relación entre Santi García y Diana Balaguer, dos chicos entusiastas que tienen muchas diferencias entre si pero una sola en común, la pasión por el amor.
Durante su vida cada uno buscará la formula para el amor en formas distintas, sin poder impedir inevitables y tórridos reencuentros. Santi, decide dedicarse a la carrera de las armas y se alista en la escuela de aviación donde tendrá reconocidos ascensos. Diana, esta decidida a ser estrella del Jet Set y emprende una carrera como diseñadora de modas que poco a poco la incluirá entre las damas mas reconocidas de la sociedad y las revistas del corazón.
Ellos son polos diferentes, agua y aceite. Él sobrio y congruente con la responsabilidad. Ella, desenfadada, pretensiosa cayendo en ocasiones entre lo superfluo y trivial. Y aunque esto lo tienen muy claro, no pueden rechazar un paralelismo que va integrando cada vivencia de sus vidas, mismas que ponen al día cada que al destino le place unirlos otra vez. Estos flashazos intempestivos ponen de manifiesto, el amor, la pasión entre ambos pero a la vez y su incompatibilidad.
Una historia de amor…diferente.
El amor perjudica seriamente la salud, es un film de Manuel González Pereira, del año 1996, y cuenta con las actuaciones de Ana Belén, Juanjo Puigcarbé, Gabino Diego y Penélope Cruz.
Científicamente se ha determinado que el amor es una combinación de sensaciones, impulsos y recuerdos, que coordinados por un reflejo de la conducta humana y su capacidad de interacción, impactan en algún o algunos individuos. Aparentemente este sentimiento ubica sus oficinas en el hipotálamo, zona ultrasensorial y receptiva de nuestro cerebro y no en el corazón, donde tradicional y románticamente se había sugerido. Cada una de las células, hormonas, interacciones neuronales y reacciones motoras de nuestro cuerpo, esta regida por acción y reacción, causa y efecto.
¿Cuál es el efecto del amor en el cuerpo humano? Algunos investigadores coinciden que la sensación amorosa produce sustancias que provocan placer, alivian el dolor, abaten el estrés y proyectan estímulos de superación en las personas. Se ha observado una mejora en las cifras tensiónales, beneficios del sueño y la relajación. Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas. También existe la contracara del amor, el sufrimiento, la angustia, el hastío, la derivación de sentimientos hasta volverlos síntomas y padecimientos psicosomáticos. La inestabilidad emocional y desequilibrios del temperamento están involucrados.
La practica del amor propiamente dicha, involucra muchas proyecciones; la de la libido hacia la persona amada, la de la evocación de la sensación que nos produce un recuerdo, al amor filial, ese instinto animal perfeccionado por los humanos para procurar y proteger a los hijos, al amor fraterno, el que se desprende de una relación genética y eslabón compartido por la misma madre o padre. Pero ¿Sólo los efectos genéticos producen amor? La amistad es una variante del amor, y se instala como la mayor vía de compartir sentimientos en el mundo. Cualquiera que sea la muestra de amor que practiquemos, debemos ejercitarla mejorando la capacidad para recibirlo y prodigarlo, algo olvidado en nuestra tan lastimada sociedad.
A nadie le caería mal una terapia de píldoras de amor, cada 8 hrs por el resto de su vida.
Apolo Atanacio, MD | México
Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad. La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.
De la novela El Surco, historias cortas para vidas largas de Iván Uriel
Sinopsis
¡“El Surco” la historia de los senderos migrantes! ¡En esta serie conoceremos a José Guadalupe, un campesino de San Hipólito, que busca cruzar la frontera para darle lo mejor a su familia! ¿Podrá Lupe cruzar al otro lado? Acompañemos a Lupe en su aventura, y recordemos el sentir de nuestra tierra ¡Aquí todos somos paisanos!
CAP. 1 LOS SURCOS
“Los surcos no se caminan ni se recorren: se labran…” Iván Uriel
José Guadalupe, Lupe, un campesino de San Hipólito, tiene la inquietud de irse al norte para cruzar la frontera. María, su esposa no está de acuerdo y tratará de persuadirlo. La fiesta del pueblo se aproxima, cuando termina muchas personas emprenderán el viaje ¿Qué decisión tomará José Guadalupe?
Las personas son sus experiencias, son la gente que conocen, las historias que escuchan, los tropiezos que viven, las vidas que coinciden en algún punto con las suyas y las lecciones que aprenden de las circunstancias en que se sumergen. Para un escritor, toda experiencia de vida, no siempre sólo la propia, es de vital importancia, pues a partir de todo esto conoce, crea, imagina, construye e idea. Para Joanna Rakoff ello no puede ser más cierto, ya que plasma su lapso trabajando en una agencia literaria de Nueva York como base para su novela ‘My Salinger Year’, que a su vez sirve de plataforma para la película El trabajo de mis sueños (Canadá-Irlanda, 2020), dirigida y adaptada a guión por Philippe Falardeau.
Estelarizada por Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Colm Feore y Brían F. O’Byrne, la cinta habla sobre trazar metas, perseguir sueños, aterrizar ideales, aprender, evolucionar, adaptarse y cambiar para ser mejor, sin perder de vista quién se es y qué se quiere. Aquí, Joanna es una joven que debe alejarse temporalmente de sus sueños para así ganar perspectiva con la cual aprender a aferrarse a ellos, para, con la distancia, entender qué gana, qué pierde y qué tan lejos quiere y puede llegar.
La historia comienza luego de que Joanna, de visita en Nueva York desde Los Ángeles, donde estudia, encuentra en la ciudad el ambiente artístico y creativo en que quiere desenvolverse, como aspirante a escritora y poeta, por lo que decide quedarse, dejando atrás toda su vida anterior, incluyendo las personas en ella, como su novio, para comenzar su propia aventura. Es así que toma como iniciativa conseguir un empleo en un área afín y se convierte en asistente de Margaret, la encargada de la agencia literaria que representa, entre otros, al escritor J. D. Salinger (1919-2010), autor de la aclamada novela The Catcher in the Rye (El Guardián entre el Centeno; una historia sobre un adolescente rebelde e inadaptado, crítico de su entorno, la superficialidad y la falsedad del ser, en su propio proceso de autodescubrimiento pero marcado por la desdicha que permea en la sociedad, la presión por crecer y la crisis existencial propia de su edad); escritor que en la fecha en que se desarrolla la narrativa cinematográfica -1995- pasa sus días recluido, alejado del ojo público. Por ello, toda correspondencia enviada por sus fans y seguidores, pero también publicistas, productores de cine, editores de revistas o dueños de editoriales, es retenida, evitando que las cartas lleguen a Salinger.
Joanna ahora es la encargada de leer y contestar la correspondencia, con una respuesta siempre idéntica, impersonal y parca, que dice al remitente que la carta que envió no puede ser entregada. Para Joanna, la idea resulta catastrófica, ignorar a esa persona que se ha tomado el tiempo e interés por contactarse con el autor, por razones que van desde buscar un consejo de vida, referirle cómo relatos cambiaron su forma de ver y vivir el mundo o simplemente invitarlo a participar, incentivando a estudiantes, en programas de escritura escolar.
El mensaje importante que recalca la película es que cada persona ve las circunstancias desde su propia perspectiva, de acuerdo con su historia de vida. Para Margaret, la editora, no enviar las cartas a Salinger es una forma de protegerlo, de respetar su deseo de aislamiento, pero para Joanna, lo que se hace es negar al escritor el contacto con la gente que lo estima, admira y busca por el impacto que sus textos han tenido en sus vidas.
La joven decide entonces romper las reglas, colocándose en la delgada línea entre mostrar iniciativa o violar las normas desafiando a la autoridad y responder ella misma el correo postal, firmando con su nombre. Ética y legalmente, sus acciones pueden meterla en problemas, así que en la agencia deciden pasar por alto su falta, advirtiéndole no repetirla. No obstante, para ella es la experiencia en la interacción -aunque sea distante- y la comunicación -escribir respuestas personalizadas-, lo que la hace recordar la razón que la motiva: la palabra escrita, el contacto, no directo pero sí simbólico, entre personas a través de este medio; así como la expresión y posibilidad de crecimiento y aprendizaje, escribiendo.
Es en ese momento que entiende que se adentra a una profesión donde lo importante, como dicen, es ‘el amor al arte’, escribir porque no hay nada más en la vida que se quiera hacer. “Escribir te hace escritor. Publicar es sólo comercio”, afirma Don, el nuevo novio de Joanna, un también aspirante a escritor trabajando en su primera novela y para quien el sueño es la fama y la ganancia más que cualquier otra cosa, por lo que mide la realidad de su situación en función a sus aspiraciones y logros: nulos en el terreno literario, que auto-justifican su fracaso como autor. ‘Si escribo, soy escritor’, razona él; claro que su lógica es simplista, pues la acción de escribir no es lo que hace en verdad a un escritor. Estilo y técnica para comunicar ideas, manejo adecuado y pertinente del lenguaje, eso sí; igual sensibilidad y capacidad de seducción y encanto, pero además, intención.
Lo que Don ignora es que el escritor crea para que sus historias cobren vida y se vuelvan inmortales una vez plasmadas en la página, dado que de otra manera, el relato ‘muere’. En el fondo sus palabras tienen cierto sentido, publicar un texto en la era contemporánea va ligado a una máquina de venta y mercadotecnia que poco tienen que ver con el autor, pero no considera que la esencia del creador no puede ser arrancada de él.
La compleja relación ‘arte creativo’ frente a ‘ganancia monetaria’ se hace varias veces más presente en la película, reflexionando en el proceso sobre cómo balancear esta realidad a la que se enfrenta todo autor, cuando es valorado por su habilidad de escritura, pero, al mismo tiempo, -en ocasiones más que menos- por el potencial de venta de su trabajo. Por ejemplo, Joanna eventualmente recibe indicación de leer el nuevo trabajo de una popular y conocida autora de libros para niños, que ella encuentra fascinante por su contenido y propuesta, un libro de corte infantil, cuyas reflexiones van más bien dirigidas a los adultos. Joanna elogia este contraste e idea narrativa, pero Margaret no hace más que mirar el potencial comercial del libro, decidiendo, al final, descartarlo por no encontrarlo ‘vendible’.
Con el tiempo, Margaret le pregunta su opinión a Joanna sobre la decisión de la autora de dejar la agencia, a lo que la joven reflexiona sobre el trato humano que el autor espera de sus agentes. Joanna analiza que aunque el libro no tuviera espacio de viabilidad que justifique la inversión en comparación con la potencial ganancia, Margaret pudo tener más tacto para tratar a la autora como creativa, no como producto, por ejemplo, centrándose en sus puntos a favor, su proceso de escritura, no sólo en el valor monetario que el mercado coloca en su trabajo.
La idea es simple pero clara: el arte convertido en presa del sistema capital, al convertirlo en un ícono (exclusividad, renombre y marca) por el mero interés lucrativo, no literario, ni artístico o cultural. En el fondo la función de Margaret como agente literaria es, en efecto, encontrar el mejor espacio para un autor para presentar, vender y hacer llegar al público su trabajo; frente a ello lo que Joanna recalca es no perder la sensibilidad humana en el proceso. Ella misma lo ha entendido en su continuo, aunque mínimo y distante, contacto con el propio Salinger, quien llama periódicamente por teléfono a la oficina. Recluido y distante, extraño y extravagante, el autor es más que este sello con que lo etiquetan; Saligner es también inspirador, gracioso, directo pero emotivo; y aunque no la conoce, la invita a escribir todos los días, si esa es su verdadera pasión.
Para Joanna como para el mundo, Salinger es ese personaje místico e idolatrado, pero que al final no es más que un humano como cualquier otro, con su visión revolucionaria, sus ideas analíticas y sus rarezas como individuo, sólo que plasmadas en papel. Lo que la historia enfatiza, tomando a este autor realmente como modelo para ejemplificar, es que así como él, todos los autores, todas las figuras públicas, todos los individuos en general, son personas que piensan, sienten, dudan, crecen, se estancan, proponen, tropiezan y, sobre todo, ‘viven’ del contacto con otros, pues incluso cuando el escritor trabaja para sí, para el arte y para sus ideas, su historia ya no es sólo suya, una vez que es compartida.
Así es la vida de quien escribe: constante creación e ideas flotando, prioridades chocando con responsabilidades, sueños convertidos en ideas y la convicción de que en la literatura, la pasión por lo que se hace es lo más importante.
Joanna también entiende que las cartas enviadas a Salinger no son ‘medida’ de éxito, devoción, fracaso u obsesión, sino, en ello mismo, las voces que demuestran el alcance de una voz, la del autor, lograda por su trabajo. Puede haber tanta pasión en el que escribe, como en el que lee el texto ya escrito, porque es el lector quien al absorberlo lo revive y le da una inmortalidad.
La historia se centra en el sueño literario de Joanna, persiguiendo su propia visión del futuro, el suyo, como amante de las letras, sensible a la naturaleza del hombre, transitando entre las circunstancias y sus aspiraciones, que persiste pese a la melancolía de su entorno, las dificultades de las vicisitudes de la vida independiente y la clave de su decisión: descubrir cuál es el valor, el sentido y la importancia que le da a la literatura, en general y en su vida, a partir de las experiencias (de vida) de aquellos a su alrededor, que juzgan conforme a sus propias visiones del mundo; ya sea Margaret, la agente literaria que se mueve en función del mercado; Don, un vago que se justifica auto-engañándose, sin rumbo fijo, deambulando por la vida sin saber qué hacer con la suya propia; Salinger mismo, un autor reconocido, atrapado en una isla impuesta y autoimpuesta; o hasta Jenny, la mejor amiga de Joanna, aspirante a autora en su momento, igual que ella, pero que por las circunstancias y decisiones de vida ha cambiado sus metas, anhelos y presente, acomodando nuevos ideales de realización y felicidad de acuerdo a su realidad y momentos vitales.
Es este transcurrir, que habla de un proceso de madurez, profesional y personal, con el que Joanna logra no sólo ganarse el respeto de su jefa, sino un respeto por sí misma, una construcción de identidad y dignidad, que pese a estar envuelto en una estructura narrativa genérica, de tono ligero y caracterizado por el mismo espíritu entusiasta de su protagonista, anima al espectador a recordar un mensaje no siempre valorado: que el gusto por escribir radica en que se tiene algo que decir.
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.
MEMORIA : 11 Películas Latinoamericanas del Siglo XXI
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
El cine latinoamericano a lo largo de más de cien años ha ofrecido extraordinarias cintas de corte universal que han permitido el despliegue creativo de sus directores, siendo un motivo de estudio. Durante el siglo XXI varias cintas latinoamericanas ganaron premios internacionales, lograron posicionar a directores, fotógrafos, editores, directores de arte, actrices y actores, a su vez, y aunado al cine producido en España, en conjunto revitalizaron el cine hispanoamericano. Amores Perros, Biutiful, El laberinto del fauno, El crimen del padre Amaro y Roma de México, El hijo de la Novia, El secreto de sus ojos y Relatos Salvajes de Argentina, No y Una mujer fantástica de Chile, y El abrazo de la Serpiente de Colombia, fueron nominadas en la categoría de Mejor Película Extranjera del premio Óscar, la que a mi juicio es una de las más fidedignas ternas, acorde a los filtros previos, siempre polémicos para su selección, resultando ganadoras El Secreto de sus Ojos de Juan José Campanella, Una Mujer Fantástica de Sebastián Lelio y Roma de Alfonso Cuarón, que a su vez tuvo éxito con Y tú mamá también. Machuca de Andrés Wood tuvo gran repercusión, en tanto que cintas como La Teta Asustada de Perú, por Claudia Llosa, y Tropa de Élite de Jose Padiha, fueron así reconocidas en el Festival de Berlín, tal como Roma brilló en el Festival de Venecia. Películas como Diarios de motocicleta, de Walter Selles, Tony Manero de Pablo Larraín, El Violín de Francisco Vargas, Cassette, de Andrés Palma Buratta, Sueño en otro idioma, de Ernesto Contreras, La Nana, Sebastián Silva, La Camarista de Lila Avilés, y la obra maestra Ciudad de Dios de Fernando Meirelles, destacaron entre lo más granado del canon fílmico de principios de siglo dentro de las realizaciones del cine latinoamericano, y se ubicaron en las listas de mejores cintas de los últimos años.
Películas de crítica social como Ciudad de Dios dejaron una huella indeleble, mientras que propuestas de ciencia ficción como Cassette, tienen una repercusión extraordinaria, ya que su argumento, apela al encierro a coerción de un mundo distópico, donde salir a la intemperie o al mundo exterior provee la muerte, la emancipación, el confinamiento como entorno social, Y en ese cariz contextual, El abrazo de la serpiente plantea una sanación generacional a modo de redención espiritual, naturalista y mistica, propias de lo que ahora anhelamos. Plata quemada, Marcelo Piñero; La Fuga, Eduardo Mignogna; Historias mínimas, Carlos Sorín; Iluminados por el fuego, Tristán Bauer; Las manos, Alejandro Doria; XXY, Lucía Puenzo; El clan, Pablo Trapero; El ciudadano ilustre, Mario Cohn y Gastón Duprat, Un cuento chino y recientemente La odisea de los giles, Sebastián Borensztein, tuvieron gran exposición para el cine Argentino.
El último tren, Diego Arsuaga y Whisky, Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, sumaron a su exposición como las anteriores el Premio Goya a Película Iberoamericana, el cual también recibieron este siglo La buena vida, Andrés Wood y La vida de los peces de Matías Bize, por Chile; Juan de los muertos, Alejandro Brugués por Cuba, así como Azul y no tan rosa de Miguel Ferrari por Venezuela, además de las ya citadas ganadoras del Óscar El Secreto de sus ojos, Una mujer fantástica y Roma.
En esta edición especial de MEMORIA, hacemos un repaso conceptual por 11 películas latinoamericanas que a título personal dejaron una huella en la reflexión y en la proyección del devenir cinematográfico del cine producido en América Latina. El orden de las cintas es meramente CRONOLÓGICA y acusa de recibo la dificultad que representa seleccionar solo una decena de cintas para compartir en esta cuarentena.
El AGENTE TOPO 2020
Chile
Creativo, profundo y actual, construido desde una perspectiva contemporánea, El Agente topo es un documental que explora desde el género documental y a su vez desde la ficción que se advierte desde su profunda historia, las vicisitudes de la edad a medida que avanza y desde la edad, prejuicios, categorizaciones, circunstancias, entornos y contextos sociales, así como el devenir del físico desde el estado del cuerpo y de la mente que parece rebasan el tiempo o no le alcanzan, una identificación que desde la audiencia percibimos, asumimos y reflexionamos al mismo cariz que conocemos historias de vida de quienes habitan una cosa donde convergen la voluntad, la coerción, la obligatoriedad y la emancipación en el preciso instante en que existe o no la consciencia de habitarle. Un infiltrado, una agencia, una misión a modo de búsqueda de la verdad, devela a través de diversas vivencias, la vida misma en la intensidad de los instantes que abrazan el presente vestido en la nostalgia de la música, el arte, las ganas de vivir, el baile, las miradas, las caricias, las palabras, y el albergue de clausura en los andares o en reinicio de los sueños. Sergio, el agente infiltrado, encubre la tarea que desvela una compleja estadía en la que emociones confluyen la propia existencia, haciendo de la misiva por hallar una causal de maltrato en unas de las residentes de la casa reposo, un viaje plagado de reflejos para el topo, que encuentra en cada residente, la variopinta consecución de la nostalgia, la melancolía y las ilusiones que vierten lo mismo resignación y renacimiento, desazón y anhelos.
El agente topo fue nominada a Mejor Documental en la entrega de los premios Óscar, y a su vez, recibió sendos galardones por su innovadora propuesta, creativo argumento y el emotivo matiz de su trama.
El agente Topo /Chile 2020 / IMDB
AMORES PERROS 2000
México
Fue justo en el año 2000, en pleno cambio de siglo y milenio, entre los blockbusters y las cintas de autor orientadas a festivales, en la exploración que agonizaba en la posmodernidad con sus matices eclécticos, fragmentarios y contraculturales, Amores Perros irrumpió el escenario fílmico como un torbellino. Locutor, publicista, y director del experimento televisivo Detrás del dinero, con Miguel Bosé en su elenco, Alejandro González Iñárritu aguardó cinco años tras su primera incursión como director para hacer su debut con una de las mejores óperas primas del cine mexicano, equiparable a lo que lograse Tiempo de morir con Arturo Ripstein.
Amores Perros, es una extraordinaria aproximación a las relaciones humanas desde los instintos, a la violencia depositada en los sentimientos cuando son viscerales más que sentidos, aducida por la pelea de perros como significado de la reacción irracional del ímpetu. La película converge su trama unida por un accidente de tráfico que funge como palestra para la resolución de conflictos en sus personajes, Octavio y Susana, Daniel y Valeria, así como El chivo y Maru, son las tres historias que comulgan espacio y tiempo para derivar sus pasados y presentes dejados a vera de la audiencia.
Gael García Bernal, Adriana Barraza, Emilio Echavarría, Jorge Salinas y Vanessa Bauche, entre otros, integran el elenco de esta película fundamental del cine mexicano del nuevo milenio. Amores perros, epítome sumario de la relación director-autor que Iñárritu consolidó con el guionista Guillermo Arriaga, a esta cinta seguirían “21 Gramos” y “Babel”, ambas con nominaciones al Premio Óscar, tanto en actuaciones la primera como a Mejor Película la segunda, pero fue la película estrenada en el Festival de cine de Cannes, que alcanzó nominaciones e incluso triunfos en entregas de premios, como los Globos de oro y el BAFTA, antes de competir por el premio Óscar. Amores perros rompió un hiato de 25 años para México sin ser nominado en lo colectivo al Premio de la Academia, y la atención hacia el cine nacional y sus histriones fue notorio. La película también introdujo el estilo de esa mancuerna creativa, la concatenación de historias enhebradas por un mismo suceso.
Amores Perros / México 2000 / IMDB
CIUDAD DE DIOS 2002
Brasil
Ciudad de dios es un corolario de profunda crudeza, realismo y macabra belleza que desborda a plenitud el talento, creatividad y arte de su director. Afincada en una historia verdadera, como las miles que convergen entre melodías de favelas, playas, ciudades y rincones citadinos de Río de Janeiro, describe la imposibilidad de redención y escape que tienen quienes habitan los sectores más desprotegidos, riesgosos y profusos de una sociedad que oculta, niega y segrega sus propias filias y fobias entre los recovecos espaciales de un lugar abrigado a la divinidad del designio. Una cámara que logra penetrar todos los huecos y espacios abiertos, una edición dinámica que agiliza la percepción con la misma técnica que despunta la vista de su audiencia en parpadeo. La historia de Buscapíe concatenando las edades, vicisitudes y vericuetos sociales, acude a la narrativa de tres décadas de convivencia en el sistémico y estructural circunloquio de la miseria y la pobreza extrema de Río de Jaineiro. Mediante un foco hacia el realismo situacional que irán construyéndose en las favelas por el desigual desarrollo económico.
Niños y jóvenes, unidos en torno a los intereses más próximos, conferidos sobrevivir yno morir al intento. La historia de Buscapé, representa el discernimiento a dicotomía que los personajes tomarán como un laberinto espiral que solo cambia los nombres de su futuro, podrán ser veinte o treinta los años en su camino, el destino, será el mismo. Las historias que acontecen en la ciudad, que no pertenece a nadie más que a Dios como testigo, se entrecruzan como un vaivén de consciencia omnipresente que deja la reflexión como un legado persistente para su audiencia. La película tuvo un inmediato éxito en foros internacionales y pronto se ubicó, a menos de una década de su estreno, como una de las mejores cintas de principios de siglo y del cine de arte en la historia, y lo es desde la perspectiva que el eco de sus realidades confiere a la esperanza.
Ciudad de Dios / Brasil 2002 / IMDB
EL VIOLIN 2005
México
Ángel Tavira, Dagoberto Gama y Gerardo Taracena, encabeza el elenco de una ópera prima extraordinaria que desde su estreno tuvo un gran impacto social y en la industria cinematográfica con grandes reconocimientos, destacando el premio a Mejor Actor para Ángel Tavira en el Festival de Cine de Cannes. El violín es un vestigio vivo del cine que aborda el documental que sin tiempo versa atemporal las páginas de la historia y que puede ubicarse en el contexto de países diversos, su poesía es música y es vida, interpretada por el maestro Ángel Tavira, quien con una sola mano y apoyando su arte al hombro, hace de cada melodía el deleite músical y el profundo dolor del caso que interpreta, la trama de una película aguda y crítica que se desborda como torrente en la denuncia, en el testimonio, en la memoria.
Don Plutarco, interpretado por Tavira, es en sí mismo una historia aparte, en la vida real era un talentoso músico y compositor, poeta y juglar del son calentano, en la denominada “Tierra Caliente”, que acompases, síncopas y contratiempos brindaba su arte al folklore arraigado entre los estados de Michoacán y Guerrero. Don Plutarco también era profesor rural, e incluso a los sesenta años se inscribió en el Conservatorio de música de Morelia. Su personaje, Plutarco, se ve inmerso en -la Guerra Sucia- acontecida en México, su hijo Genaro y su nieto Lucio, libran la vida entre el campo y la guerrilla hasta ser descubiertos, por tal deben esconder sus armas, para lo cual recurren a Don Plutarco, quien hace de “mula” para trasportar las armas escondidas en su violín. Pero la trama cautiva desde el arte mismo, ya que el único modo de supervivencia que tendrán será la voz de su violín que cautiva al capitán militar y que le permite tanto llevar las armas de un lado a otro como sobrevivir hasta que la música, como el mismo enuncia, viva o muera, inicie, dure o termine su ritmo.
El violín destaca por su magnífica dirección, actuaciones sumamente realistas, su fotografía en blanco y negro superlativa y la banda sonora que tiene el mismo poder de los diálogos. El instrumento como arte y como idioma, hace recurso de la cultura expresada en la tradición del son unido a la tierra, defensa de ideologías, acción represora, grupos armados, populismos políticos, milicias y un violinista que ama con su vida con la dignidad que interpreta su música.
El violin / México 2005
EL LABERINTO DEL FAUNO 2006
México
Obra maestra de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, recibió el Premio BAFTA a Mejor Película No Inglesa y fue nominada a Mejor Película Extranjera en los premios Óscar representando a México, incluyendo sendos galardones para artistas mexicanos como Eugenio Caballero en arte y Guillermo Navarro en fotografía. Guillermo del Toro, haría de la cinta, ambientada en la Guerra Civil Española, su vuelta al cine latinoamericano. Ivana Baquero, Sergi López, y Maribel Verdú, ofrecen un trinomio de extraordinarias actuaciones que generan lo mismo empatía que repulsión, atendiendo a las intenciones de sus motivos.
Guillermo del Toro se adentra en la estructura narrativa en dos planos, que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad.
La banda sonora de Javier Navarrete, melancólica y sentida, modera los meandros que explora por los confines de la fantasía que sigue su paso entre las persecuciones republicanas por el franquismo que extermina los últimos suspiros de sublevaciones, y su nueva vida de Ofelia, la protagonista, en un poblado norteño de España. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, permitirá que Ofelia de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda vivir su propia fábula de seres mágicos que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos. Cuando ella quiere habitar el mundo de la fantasía, esa fábula presenta angustia, dolor y esperanza. Ofelia bajo la cueva de la curiosidad encuentra un Fauno que será su puente con el mundo de las hadas, la magia, la inmortalidad y la muerte de su padre, y en la ilusión por habitar ese lugar de encuentro, accede a la tercia de pruebas que le solicita el Fauno, interpretado por Doug Jones en una coreográfica actuación sinfónica de quien será a la postre el actor fetiche de del Toro como Andy Serkis lo es para Peter Jackson.
Cada una de las pruebas conjuga riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Y mientras el resistir es un elemento de resiliencia, la madre de Ofelia vive su propio rosario de dolores al estar embarazada del Capitán y no valer para él nada más que el vientre donde se anida el bebé que viene en camino. Es la maldad del Capitán un elemento revulsivo en la percepción de Ofelia, que contrasta con su inocencia, bondad e ilusiones; y es la tiranía de su causa beligerante la que contrasta con los anhelos de libertad de los republicanos. Dos dimensiones, desenlaces, la vida y la muerte son las únicas posibilidades determinadas por la guerra, que conforma un ambiente de árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja su cura. Todos los elementos que dan forma al cine de Guillermo del Toro aparecen el Laberinto del Fauno, el relato que une fantasía realidad, historia y leyenda, la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.
Del Toro, dirigirá La forma del agua, cinta que le dará el Óscar a Mejor Director y Película, una trama que por igual combina la fantasía con los anhelo desde la realidad que tienen sus protagonistas, la libertad que no existe, las angustias de la vida, los conflictos bélicos como corolario, y la plástica de la belleza vertida en la percepción, también forman parte de esa entrega, sin embargo, a mi consideración, El laberinto del fauno brinda una mejor aproximación al cine del director mexicano.
El Laberinto del Fauno / México-España 2006 / IMDB
CASSETTE 2008
Chile
La libertad de las consciencias, el desafío a las leyes o simplemente la búsqueda de algo más. Cassette brinda el universo deductivo que acompaña al espectador y que lo hace presa de la misma búsqueda por ser libre que emprende Marcos Blanco, la audiencia recorre pasajes del laberinto donde residen entradas intempestivas y salidas inexistentes que hacen de lo permisible una memoria permanente, en los permisivos sistemas del apartado habitacional no sabemos pero suponemos nadie convive. Desde los títulos del inicio, Cassette hace referencia a las películas de ciencia ficción que marcan la historia como el presente, un movimiento que se detiene a medida que avanza y encuentra a Marcos Blanco por el pasillo.
La luz se enciende y apaga como la oquedad zozobra que asfixia interruptores, transistores y conexiones semejan los recovecos de sociedades distópicas, tan actuales y recurrentes a nivel social, como la temática de esta cinta estrenada en Santiago, y que recorrió los festivales de Río de Janeiro, Montevideo y Ciudad de México. El director ítalo-chileno, Andrés Palma Buratta, construye un mundo subterráneo que anhela descubrir el aire y en ello procura advertir su búsqueda mientras nos muestra la fotografía de Dalma, la rubia mujer que habita la mente y pertenencias de Marcos Blanco. Cassette es un aviso que reproduce el artefacto rudimentario, sencillo, del cual emergen imágenes verdes y sepias, una serie de yuxtaposiciones poéticas, estilizadas a pausas, y en ese andar retrata redenciones, resignaciones, supuestos. Palma Buratta se atreve y logra una película creíble, sensible y reflexiva al mismo tiempo, ése es su mayor logro. Los diálogos son breves, pero estrictamente necesarios, así cobra mayor sentido que los personajes hablen o callen; la edición atemporal y no lineal de sus segmentos, hacen un seguimiento al caos y a su resolución desde los fractales del confinamiento.
Blanco ahuyenta la patrulla de control y le pregunta aun cautivo si puede contarle algo, si algo puede decirse, Blanco nos dice con dolor que busca o ha buscado algo que no sabe si todavía existe, aunque el tiempo vital es relativo, la cinta expresa que aún podemos salvar algo antes de que se termine nuestro tiempo vital, las voces en «off» traen de vuelta al gran hermano que todo ve y escucha, la maquinaria de control; la rebelde osadía; el sistema pendiente interrumpe cualquier sitio porque se adelanta a los sucesos; el ambiente claustrofóbico; el totalitarismo de sistemas y oligarquías, de dictaduras y sus fantasmas habitan los pasillos de Cassette, pero para Buratta va más allá y se anida en la psiqué de los personajes y del espectador, haciendo de la libertad y sus complejidades, un tratado para guardar y llevar a casa para seguir reflexionando.
Marcos Blanco recibe instrucciones para estar atento a los avisos, los grafitis hablan de dogmas, de murales suburbanos que rodean al sospechoso, su cuerpo no corre ni rompe barreras, y pregunta ¿Dónde queda la imagen de lo grabado? Como respuesta, Marcos destruye un televisor y en la destrucción de la pantalla, destruye los lares de la metáfora. La banda sonora resuelta de melancolía hace eco de las persecuciones de un toque de queda. Sociedades maniatadas, la doble moral, la desintegración y la fragmentación, cohabitan la esperanza de vivir en las llanuras erosionadas, la cinta narra hechos que están por suceder, como bien señala su eslogan, Palma Buratta hace que uno viaje directo y sin escalas a las entrañas de la sociedad posmoderna, más allá de posicionamientos políticos, religiosos o sociales. Gracias a su espléndida fotografía y poética, el final de Cassette es uno de los mejores en la historia del cine chileno.
Cassette / Chile 2008 / IMBD
LA NANA
Chile
La mejor película que se haya filmado sobre las mujeres trabajadoras del hogar que realizan su trabajo en una casa habitación en la cual deben hospedarse, vivir y acaso interactuar, La nana de Sebastián Silva dejó su legado, y se sumó a grandes cintas que abordan esta temática en el mundo. La obra tiene una ventaja considerable respecto a otras cintas latinoamericanas previas el tema como son Cama adentro, o posteriores como Hilda, Roma o La camarista, La nana tiene un realismo único que se aprecia en la técnica de su filmación, además de aportar protagonismo real y no de reparto o circunstancial a la trabajadora del hogar. Para realizar el documental Día de descanso, sobre mujeres trabajadoras del hogar que luchan por sus derechos laborales y humanos, apelamos a ésta película ganadora del premio del jurado en el Festival de cine de Sundance, como uno de los recursos de ficción sobre la realidad
Raquel interpretada por Catalina Saavedra, ha trabajado por años para una familia, ha dado su vida y ocupado el espacio habitacional que le ha sido designado, pero lejos del cariz adusto que le ponen a su vida en el trabajo, el director muestra otro lado de su vida, anhela, compite, siente, ama y no se expresa. Después de trabajar sin descanso, y agotarse, Raquel sufre un deterioro en su salud, resuelto en activa respuesta por su patrona, quien contrata una nueva ayudante, lo que desencadenará rivalidad y trance.
Raquel no tolera la competencia, hace lo posible por evadirla y que la familia Valdés, con quien trabaja, desista de su cometido, lo cual muestra las variadas manifestaciones de su condición humana, la mujer y la trabajadora, las razones de su comportamiento tosco, huraño, aislado, su historia de vida, la que ha delegado y la que aún le queda, en esta circunstancia y en la relación con Lucy, la más nueva nana, se verá en alteridad confrontada y reflejarse en los anhelos que ella misma ha tenido y que le brinda sonrisa como cuando quiere ir a su casa, y da cuenta de que al espejo, puede verse como es más allá de sus labores, mostrando su sensibilidad, sus amores, sus apegos. Silva logra explorar la dualidad de su personaje desde su lugar de trabajo, haciendo de la casa donde labora Raquel un escenario, de su uniforme una forma de caracterizar uno de sus lados, y de su cabello la manera en que ella se asimila y luego transforma, para hacer de la sonrisa y de su voz, un detector de los sentimientos y las emociones, tal como hace del agua un fluir de energías.
La nana / Chile 2009 /IMDB
EL SECRETO DE SUS OJOS 2009
Argentina
Si en 2001 Juan José Campanella había logrado impactar el panorama internacional con la sensible, humana e hilarante El hijo de la novia, protagonizada por Ricardo Darín, símbolo del cine latinoamericano del que hacemos mención en este decálogo, Eduardo Blanco, Héctor Alterio y Norma Alejandro, entre otros, El secreto de sus ojos culmina una línea cautiva que con Luna de avellaneda había hecho una escala en el devenir de sus pasos. El secreto de sus ojos es una de las más impactantes cintas del cine policiaco en lo que va del siglo, donde el propio Darín junto a Soledad Villamil, Guillermo Francela, Javier Godino y Pablo Rago, ofrecen una imponente pieza coral, llena de misterio y descubrimientos que uno a otro, logran a sucederse sin pausa en las escenas pero en la pausa de los periodos temporales de su estructura histórica, que la audiencia por una parte piense qué ha descubierto el meollo de su trama, por otra que no sabe hacia dónde se dirige y finalmente, cuando concluye que ha terminado, da cuenta que la memoria de los sentidos reservaba un final escalofriante e inesperado.
Desde que La historia oficial de Luis Puenzo, ganara el Óscar, el cine argentino había estado más cerca gracias al propio Campanella, quien logra ganarlo en 2009. Un agente retirado, la memoria de un caso y el anhelo de escribir una novela sobre los sucesos que no pueden olvidarse porque no se han resuelto, integran la línea de encrucijadas que devela los orígenes de un asesinato, sus causas y consecuencias archivadas por encargo de una justicia, quizá ausente, quizá tardía, quizá…perpétua. El guion de Campanella es sobresaliente, y la edición de las distintas etapas históricas muy bien ambientado, haciendo de la Argentina previa a la dictadura un escenario, durante la dictadura otro, para finalizar con el retrato de su país hacia el fin del milenio, donde está ubicada la trama, sin perder el ambiente y la enhebrada serie de sucesos que forman una cadena conexa más no implícita del argumento. La secuencia del partido de fútbol, es una de las más dinámicas y emocionantes del cine latinoamericano, y el final de la película es tan contundente como la mirada de sus protagonistas, quienes sin decir palabra alguna, en el amor, todo dicen y sienten; mientras el villano suplica porque le hablen, los amantes la mirada que confirma suplican.
El Secreto de sus Ojos / Argentina 2009 / IMDB
EL ABRAZO DE LA SERPIENTE 2015
Colombia
El abrazo de la serpiente atiende a elementos clave de la cultura, cosmovisión y tradiciones de los pueblos originarios latinoamericanos, el poder de sanación, las leyendas y creencias de los poderes místicos, las cuitas espirituales y la identidad provenida del arraigo y los símbolos.
Situada en las efemérides correspondientes a la llamada -fiebre del caucho- en cuya trama y postrimerías, Ecuador, Brasil, Venezuela, Colombia, Perú y Bolivia, auscultaban la naturaleza amazónica en la búsqueda de caucho, similar a la búsqueda de oro californiana de mediados hasta finales del siglo XIX, solo que en éste caso, desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. A partir de esos acontecimientos, Guerra narra un plano de dos etapas históricas, la ya enunciada y una acaecida tres décadas después, Karamakate, protagonista de la cinta, se une a la expedición de dos científicos alemanes que buscan en travesía natura y sanación y tras las incidencias de la aventura, narra en el ocaso de su memoria las pautas del olvido que tiene su conocimiento y sabiduría. Por una parte se busca el misticismo, por otra la riqueza, esta dualidad del entramado narrativo, sostiene al piélago de sapiencia de los pueblos, que se ven amenazados por la ambición y la codicia.
En El abrazo de la serpiente sobresale el uso de símbolos, una lucha constante entre lo sagrado y lo profano, entre el recuerdo y la memoria, entre la juventud y la vejez, la ciencia y la natura, la alquimia y los poderes curativos, la industria y el apego a la tierra, al sol, las plantas, hierbas y ríos. Asentamientos sociales y sus dinámicas de orden y ser cautivo, desembocaban en el surgimiento de chamanes, mesías y brujos, curanderos y evangelistas, las barreras son fronteras, y las creencias son la salvación o condena de una cultura. Ciro Guerra entrega una obra intercultural que se convierte en una de las mejores películas que abordan los procesos sociales de otredad, alteridad e interculturalidad, con fenómenos socio económicos y por ende sociales como la migración y el desarrollo financiero sustentable y no sustentable; la cinta explora mitos con personajes reales, el temor a los extranjero o foráneos como un dejo de la historia y la conquista. El Karamate es un sobreviviente, un último vestigio, el último habitante de una memoria que comienza a olvidarse a medida que se va muriendo quien la ha vivido. La experiencia sensorial de la yakruna, planta que da sentido a la cinta, brinda un épico cierre espectacular a la película, que bien vale disfrutarla con la banda sonora de la amazonia.
El Abrazo de la Serpiente / Colombia 2015 / IMDB
UNA MUJER FANTÁSTICA 2017
Chile
Daniela Vega protagoniza esta polémica película dirigida por Sebastián Lelio, ganadora del Óscar a Mejor Película Extranjera –hoy de habla no inglesa- siendo la primera en recibirlo para el cine chileno, que solo había recibido el premio en la categoría de corto animado con Historia de un oso de Patricio Escala. Una mujer fantástica, en cuyo reparto aparecen Francisco Reyes, Aline Kuppenheim y Luis Gnecco entre otros, narra la historia de Marina, joven transexual que vive en la cosmopolita ciudad de Santiago.
La trama inicia con una descripción poco convencional pero idílica, una relación madura entre Orlando, hombre veinte años mayor a Marina, y quien de súbito, en los albores de una celebración, sufre un aneurisma cerebral que acaba con su vida. A partir de ese momento, los prejuicios, acusaciones y la discriminación, conforman un corolario de pistas casi deducidas de que Orlando no murió por el aneurisma per se, sino que quizá fue provocado por un golpe, lo que en la cuita accidental inculpa a Marina, pero más allá de esa situación propia del azar o de la suerte, es la suposición lo que destaca el director para explorar no solo la relación sino el trasfondo del sentir profundo, doloroso y a la vez de autoafirmación de Marina, haciendo de la cinta un colorido viaje a la interioridad.
Entre la confrontación de la ex mujer de Orlando, el apoyo del hermano de éste, la solicitud de seguir viviendo unos días en el apartamento que compartían, su defensa de inocencia, y la lucha por preservar a su perrita, el director se arriesga a develar la doble moral de la sociedad hacia Marina y hacia la minoría que representa, la cerrazón y la obtusa comprensión de un amor que surge sin atención a la edad, al sexo, las preferencias sino a los sentires; el gran desconocimiento y escasa madurez para comprender la dimensión de las emociones, muestran que el camino para la plena aceptación de las formas de vida es por demás largo y sinuoso, gracias a las grandes improntas machistas, morales, dobles principios e incomprensión que prevalecen en el mundo, de ahí que la recepción universal de la cinta haya sido por demás positiva. Bien recibida en lo general por la comunidad LBTB, recibiendo el premio Teddy Award y el Oso de Plata a Mejor Guion en el Festival de Cine de Berlín, su triunfo en los Independent Spirit Award, Goya, National Board Review, sumaron al su Óscar reconocimiento universal.
Una Mujer Fantástica / Chile, 2017 / IMDB
ROMA 2018
México
En Roma, Alfonso Cuarón versa temáticas contemplativas, procedidas de acciones que dan cauce a un proceso narrativo donde confluyen supervivencia y destino, cada cuadro parece dibujarse con la tensión permanente entre el personaje y su acontecer, compleja realización de una historia íntima que retrata prejuicios de clase y describe posicionamientos políticos que, de forma indirecta, coinciden con la historia de un país que lo mismo parece avanzar y retroceder con los años. Roma, describe movimientos sociales derivados de la trágica gresca estudiantil de finales de los años setenta, el México urbano, las guerrillas ocultas y expresas, así como los grupos paramilitares insertos en el decenio populista que iniciaba, la violencia contra la mujer, y el sitio que laboralmente han tenido las trabajadoras del hogar, especialmente quienes laboran en contrato, lo cual abonó en la difusión de la cinta a su actual lucha.
La reacción de la audiencia fue aprobatoria, la crítica la catalogó como una de las mejores películas de la década, recibiendo estatuillas en los premios BAFTA, Globo de Oro, así como varios premios Óscar en las categorías de Mejor Director, Fotografía y Película Extranjera, primera película en recibirlo en el canon del cine mexicano. Aunque para algunos cinéfilos y críticos el impacto de la cinta fue sobredimensionado, lo cierto es que el impacto de la película fue global, y posicionó el camino al devenir de películas producidas por la plataforma Netflix en su sendero por obtener premios en la industria, esto a pesar de tener una distribución solo simbólica en los las salas de cine.
Así el director ofrece una suerte de autoficción, ahondando en los recuerdos de su infancia, recorre las calles, parques, esquinas y edificios, posa su película en el banco y negro evocador de la nostalgia y provocador de un entorno social que bien podría incluir los tintes rojos de su tiempo. De ahí que la referencia desde el realismo social que aborda el director, me pareció por demás destacable al reflejo de quien habita un hogar a salario, el testimonio de quien migra por el estipendio, y que al tiempo que pasan sus días en casa ajena, limpiando lo que no es ni será suyo más allá de sus propias emociones, vive el amor, el desamor y los sueños. Los sucesos históricos desde su vivencia y el colectivo que la implica, la mirada de Cleo representa una invisibilidad que se hace visible desde el otro lado de una misma historia.
Políticamente es un repaso que no esconde y expone dolorosos sucesos armados que entre movimientos estudiantiles y guerrillas alternas siguen mismas tendencias y vicios, populismo, dictaduras, desigualdad de crecimiento, monopolios, la incertidumbre anclada en la mirada de una mujer y su oficio, de una familia y su conclusión, del amor con todo y su engaño, con todo y su ilusión, de una realidad, sus desencuentros, sus promesas. Roma, tal como comenté en el apartado dedicado a La nana, aborda un tema muy especial para mí, no sólo por el afecto hacia la zona habitacional que le intitula en la Ciudad de México, sino también por los tópicos que resguardan sus andares, y por la cercanía que tuve con mujeres trabajadoras del hogar en su lucha por sus derechos humanos y laborales cuando realizamos Día de descanso, de hecho Marcelina Bautista, quien narra el documental, presentó Roma en México, y aunque la película no aborda de suyo ni a fondo el tema, le permitió tener mayor notoriedad a su lucha.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
El hip hop es un género musical, también una subcultura, que surge en Nueva York alrededor de 1970. Entre sus elementos, dentro de la música, se encuentra el rap (Ritmo y Poesía; en inglés: Rhythm And Poetry), un estilo de rima rítmica, cuyos inicios se remontan a la década de 1980 en Estados Unidos. Nace en los barrios pobres, afroamericanos e hispanos, y sus textos en forma de monólogo, más hablados que cantados, fueron, y aún son, una forma de expresión de denuncia social según la realidad del contexto, con letras que hablan sobre conflictos como el racismo, el sexismo, la violencia o la lucha contra el sistema establecido, por mencionar algunos. Ambientada en Detroit en 1995, la película 8 Mile: Calle de las ilusiones (EUA, 2002) cuenta la historia de Jimmy, un joven de pocos recursos que trabaja en una fábrica de metales, cuya pasión y habilidad para el rap le hacen destacar, pero quien es rechazado por otros grupos dentro de su propia comunidad, por considerarlo alguien externo, o ajeno, al no ser afroamericano como ellos.
Con un guión de Scott Silver y dirigida por Curtis Hanson, la cinta está protagonizada por Eminem, Mekhi Phifer, Brittany Murphy, Kim Basinger, Anthony Mackie, Eugene Byrd y Michael Shannon. La historia está inspirada, en parte, en las experiencias del propio Eminem, abriéndose camino como cantante de rap hasta ganarse el respeto de los demás intérpretes y del público dentro de dicho escenario musical. El título de la película a su vez hace referencia a la avenida (la Milla 8), que divide la ciudad de Detroit en dos; por un lado, los barrios de la clase privilegiada (los de los ‘blancos’), y por el otro, los de aquellos con menor poder adquisitivo, afroamericanos principalmente.
James, apodado artísticamente como B-Bunny, vive en la zona con más pobreza; a falta de dinero y tras romper su relación con su novia, regresa a vivir con su madre a una caravana rodante, pero ella también tiene sus propias deudas y conflictos emocionales, y sobrevive con la esperanza de que su novio, un hombre violento pero del que depende, la ayude económicamente.
Para Jimmy, como para sus amigos, vecinos y hasta compañeros de trabajo, el rap es un medio para expresar lo que ven y viven día a día, en ese contexto social difícil, lleno de miseria y hundido en la pobreza, donde el empleo ocasional no alcanza para pagar las cuentas, las relaciones de pareja son inestables y pasajeras, porque las expectativas a futuro son pocas y la falta de oportunidades provoca que las personas sueñen anhelando una vida mejor, sobrellevando así su propio presente impregnado de carencias, pero sabiendo que es casi imposible alcanzar algo mejor, dado que no hay condiciones para que su situación social cambie.
En medio de este estilo de vida, en que la personas apenas tiene los recursos para sobrevivir al día, el rap se convierte en una vía de denuncia y crítica social, vehículo para compartir el sentir de desesperanza y la realidad decadente que permea, pero también la oportunidad para reflexionar sobre el presente, su realidad asfixiante resultado de alguna manera de una combinación entre malas decisiones, falta de valores inculcados y aprendidos, carencias de recursos económicos por desempleo o subempleo mal pagado, viviendas urbanas sin los apropiado servicios de sanidad, la inhabilidad para tomar acción más allá de la crítica destructiva y sin sentido, el estancamiento inculcado bajo ideas como el conformismo y la indiferencia y la ausencia de apoyo por parte del gobierno que prefiere dar la espalda antes que hacer algo por mejorar la infraestructura de su comunidad.
El arte, la música y la rima poética se convierten así en una forma diálogo, análisis y reflexión; y específicamente para Jimmy, de reconocimiento, realización y valoración, incluso hacia sí mismo. Triunfar como cantante le significa trascender, algo que no lograría de ninguna otra manera, no en su trabajo, su educación, su familia o cualquier otro aspecto de su vida; trascender significa la posibilidad de una mejor vida, dentro del espectro de la escala social, algo que anhela, dada la realidad de miseria que ve y vive en su cotidianeidad.
El sueño es más idílico que realista, pues se basa en la excepción a la regla; en esas historias de éxito que cree pueden reproducirse con facilidad, producto tanto de la banalidad con que se asumen y repiten, como de la falsa motivación cimentada en las promesas vacías; el clásico sueño americano de triunfar con un poco de suerte y saberes en el mundo de las oportunidades: El problema es que la “suerte” poco influye en un mundo dominado por las leyes de la mercantilización y menos puede hacer frente al caos y la incertidumbre que la dinámica del mercado impone; las “oportunidades” para este segmento de población marginalizada y empobrecida son de hecho inexistentes.
Ilusión, o esperanza de éxito que, en Jimmy, se alimenta por ideas que vienen de uno de sus vecinos, al que él cree su amigo, Wink, quien le asegura, fanfarronea al vacío más bien, que tiene contactos en la industria musical que podrían ganarle un contrato discográfico que lo lance a la fama, dado que lo considera una ‘promesa musical’. Y la pregunta importante es, ¿qué quiere realmente Jimmy; a qué aspira en la vida? ¿Es talentoso por su iniciativa observadora o es de verdad una ‘promesa musical’ con la meta de convertirse en un cantante famoso? ¿Es alguien que gusta del rap como hobby y ve en él el camino hacia el respeto y la aceptación de sus similares o sólo es alguien que repite los patrones a su alrededor, porque es la realidad cotidiana del espacio en que se desenvuelve?
Su barrio está sumido en la violencia y el desamparo, donde el abandono es el común denominador; renunciar y huir es más fácil que luchar y enfrentarse, para sobreponerse a las adversidades. La gente aspira a más de lo que realmente puede alcanzar, porque ese es su escape de la realidad, fantasioso, no concreto; así que encuentran en las pequeñas victorias un sentir de realización importante, y valido, pese a que su realidad de vida es más desdicha que fortuna, más desgracia que prosperidad; circunstancias de vida causadas en gran parte por el sistema piramidal en que viven, que está diseñado para olvidarlos, hacerlos a un lado y dejarlos a su suerte, al encontrarse al fondo de la estructura en la escala social.
Si el mundo que le rodea es así, triste y desdichado, Jimmy no tiene puntos de referencia para superarse y al final, aprende a ser así para todo: a claudicar cuando la situación se presenta adversa; a asumir la desgracia y la tragedia como la única realidad posible; a soñar con poder tenerlo todo, cuando lo cierto es que sus aspiraciones son irrealizables. ¿Qué falta entonces para ayudar al círculo social en que se vive? ¿Cómo superarse y superar las adversidades, para evitar que el entorno determine la vida y el futuro de la gente?
El miedo al fracaso es constante y fuerte; lo hace renunciar a una competencia de rap en la que creía triunfaría fácilmente, lo que deriva en que se le asocie con decepción y derrota, resultando en burlas y humillaciones. Es sólo después de varios tropiezos que Jimmy entiende que para reconstruir necesita decisión y agallas, y que para no cometer el mismo error, primero tiene que afrontar su realidad, lo cual implica también enfrentar sus miedos, su negatividad y su incapacidad para creer en sí mismo.
En la competencia final, donde tiene que probarse él mismo, para poder probar a los demás que puede, se adelanta a la humillación y al ataque del otro, riéndose y señalándose a sí mismo para evitar darle la oportunidad a su oponente de que lo haga. Sabiendo que el discurso de rima en el escenario se sirve de señalar los defectos y características del competidor de enfrente, burlándose de la realidad, con crítica sagaz y punzante, precisamente para sacar a la competencia de su zona de confort, Jimmy asume el control de la narrativa y decide ser honesto con quien es, hasta aceptarlo y entonces aprovechar para convertirlo conscientemente en una fortaleza, de forma que así el de enfrente ya no pueda usarlo como muletilla para ofenderlo o avergonzarlo.
Tropezar y caer no es fracasar, pero no afrontar la caída es obstaculizar el propio camino hacia la superación. Esto aplica para Jimmy, como cantante de rap, pero también para la sociedad que le rodea, que critica, denuncia y reprocha, pero nunca hace nada por tomar acción y hacer algo al respecto. Sin duda es más fácil señalar al otro; pues cuesta más entender qué se necesita para ser propositivo.
Jimmy sabe que la realidad del mundo en el que vive impacta en su vida, pero no tiene por qué limitarlo o prescribir su futuro. Interiorizar sus experiencias y asimilarlas, para retratar esa vida desgastada, quebrantada y rota, cual es la realidad para las personas que viven en los mismos barrios que él, es parte de la esencia y característica del rap, que tiene el potencial para proponer una reflexión catártica y crítica, pero también propositiva, si se hace con habilidad de observación y la inteligencia para reconocer la realidad tal cual es, no como se cree que es o se desearía que fuera. Superar adversidades en medio de un contexto a veces hostil y en decadencia, para evitar ser moldeado por las circunstancias, es la importante lección de vida que la historia de Jimmy proporciona al espectador.
La lucha social a través de la música, el arte, los sonidos y la palabra, que se atreven a hablar de un entorno trágico, crudo, despiadado, expresando con honestidad y sin miedo para señalar lo desagradable y triste de la desgracia humana, de la vida imperfecta o la complejidad del ser, es ejemplo de que es posible imaginar un cambio, particularmente porque el mundo alrededor se niega a hacerlo por cuenta propia.
Lo que Jimmy siempre quiso, renunciar al pasado, finalmente es aquello que lo hace más fuerte. Así que cuando decide quedarse y encontrar su propio lugar, justo donde está, no fracasa, más bien acoge quien es y, más importante, asume la responsabilidad de la decisión que ha tomado, para entonces crecer a partir de este punto. No todos lo hacen, porque es más fácil aferrarse a un ideal que aceptar la vida como es, pues implica sopesar aquello que lastima y duele, y afrontarlo para evitar que siga siendo un punto débil que hace daño; encarar en vez de huir, es algo que se puede aprender, nos dice la película, a través de la música. “Si tuvieras una posibilidad, una sola oportunidad, para alcanzar todo lo que alguna vez quisiste, en un momento, ¿lo capturarías o lo dejarías escapar?”, dice la canción ‘Lose Yourself’, tema de la película, escrito por Eminem durante la filmación, y que ganó el Oscar a mejor canción original.
Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.
Los Tres Amigos Enrique Burak, Antonio de Valdés y Pepe Segarra Foto: @adevaldes
Nueva Orleans, enero de 1986, el Súper Domo atestigua la mejor defensa de los años ochenta en el fútbol americano profesional, los osos de Chicago, que de la mano de Mike Ditka, ganarían a soltura el Súper Tazón XX. Aquella edición vio encumbrarse a una generación extraordinaria de jugadores icónicos encabezados por el eterno Walter Payton con un triunfo contundente. Aquel Súper Tazón marcó el inicio de una de las más importantes epifanías de las deportivas transmisiones televisivas.
Antonio de Valdés, Enrique Burak y José Segarra, darían corolario, no solamente al comentario a la narrativa, sino a la imagen viva que en su movimiento plasmó cada una de las ediciones del Súper Tazón, que al devenir de la edición LV, habrán sumado 35 ediciones del máximo juego de la NFL. Al compás resuenan épicas narraciones en juegos icónicos como las ediciones XXV y XLII, la senda legendaria de Joe Montana, la gran dinastía de los vaqueros de Dallas, el vuelo de Jerry Rice, la audacia de Barry Sanders, la habilidad de Emmith Smith, el arrojo de John Elway, la perseverancia de Brett Favre, la inteligencia de Peyton Manning, el mito de Tom Brady o el emerger de Patrick Mahomes que configuran entre otras al corolario de figuras del emparrillado.
De su variopinto matiz, atestiguamos el nacimiento de los grandes espectáculos en el Súper Tazón, ya sea Whitney Houston cantando el himno en 1991 o el espectáculo icónico de Michael Jackson en 1993; con los 3 amigos vivimos intensamente cada una de las ediciones del Súper Tazón, a las que sumaron en los años 90, las narraciones de la Serie Mundial que nos trae a colación con motivo del actual clásico de otoño.
Recuerdo a Antonio de Valdés junto a Sonny Alarcón y Jorge “el mago” Septién, narrando aquellos partidos de otro trinomio extraordinario, recordar series mundiales de 1988 con Los Dodgers de Los Ángeles; en 1989, la Serie Mundial del Temblor; la batalla memorable de 1991, en donde maestro y alumno se enfrentaron en el séptimo juego de la Serie Mundial con el triunfo de los Mellizos de Minnesota, sobre los Bravos de Atlanta. El jonrón de los Azulejos de Toronto con Joe Carter y más tarde, después de la huelga de 1994, certificar la llegada de Derek Jeter en 1996 y por supuesto, la nueva dinastía de los Yankees de Nueva York que incluía a Mariano Rivera.
El trinomio que había encumbrado su sinergia en la NFL, daría nuevos bríos a las grandes ligas con el cariz variopinto que ampliaría los confines y horizontes de su voz y narrativa. Los tres amigos transmiten exactamente la fraternidad y la amistad de tres colaboradores, tres compañeros de trabajo que saben intercalar el estilo, el humor, y hacer eco de los silencios y los murmures que acompasan los vibratos de cada avance al primero y diez, de cada gol de campo y cada anotación, con la misma intensidad que describen un robo de base, un poche o un cuadrangular por todo el jardín central; en su colegiado sistema, crean una camaradería que ostenta un lenguaje peculiar, en cuyo secreto reside la autenticidad, el ritmo y la tonalidad de un volumen operístico que ha legado denominaciones, frases y adjetivos en siguientes narrativas que saben perfectamente cómo poder ubicar un jonrón que se va, se va y se ha ido.
La clase de jugada que delimita una acción conjunta o la manera en que describen la poesía vivencial de una transmisión televisiva, los tres amigos llevan de la mano a través de esa complicidad que se establece entre las entradas y los cuartos, que han dado al fútbol americano y al béisbol, un sello en materia deportiva, brindado colofón al otoño y expresiones que caracterizan las temporadas deportivas de cierre e inicio de año. Más de tres décadas de anécdotas, datos, referencias que, a reserva de las incidencias históricas, poseen la historia misma de haberlas compartido; la suerte del azar inadvertido, la argucia de amenizar los momentos tensos del partido o llenar los espacios de pausa en que se toman decisiones o envían a patrocinios; escucharlos a plenitud, permite que su narración sea un espectáculo que integra al juego mismo.
Su narración, hace del evento un lugar de entretenimiento, pero también un lugar de encuentro con la nostalgia, la memoria y los recuerdos que renuevan temporadas; una fraternidad que contagia el comentario oportuno y el comentario que nos imprime la risa en el momento nervioso o que del nervio hace un juego de suspenso a la voz que plasma. Su colaboración es un legado de la transmisión televisiva, una escuela y un ejemplo de colaboración deportiva que ha demarcado de hazañas décadas, y a los años que llevamos del siglo, conforman el imaginario mexicano en relación directa de su voz con estos deportes junto a otras leyendas vivas de la narración del béisbol como Ernesto Jerez o de Fútbol Americano, Álvaro Martín y Eduardo Valera.
En lo personal, recuerdo aquella primera transmisión del juego más importante de la NFL por los Tres Amigos en 1986, que de niño inspiró seguir la liga, y al comentario conocer los gustos y aficiones por los alicaídos Jets de Pepe, los clásicos malosos de Toño, o los populares Vaqueros de Enrique. Y al recuerdo de los eventos que cruzan las expectativas, sumar narraciones de las series mundiales de 1991, 2001 y 2014 por citar algunas; si al adagio recordar es vivir, uno remembra las actuaciones de un Barry Bonds, Roger Clemens, Andy Pettitte, Greg Maddux, Tom Glavine, John Smoltz, Albert Pujols o Mariano Rivera por citar algunos. Pero el corolario de sus voces rebasa los deportes mencionados, los juegos olímpicos de verano e invierno también recurren a su peculiar habilidad solista, en donde cada uno se adentra en disciplinas olímpicas, Florence Griffith Joyner, Katie Ledecky, Caty Freeman, Soraya Jiménez, Ole Einar, Sergey Bubka, Yelena Isinbayeva, Allyson Félix, Marie Jose Perec, Paula Radcliffe, Marita Koch, Jackie Joyner-Kersee, Michael Johnson, Michael Jordan, Alexander Popov, Michael Phelps o Usain Bolt han aparecido en sus narraciones.
Los tres amigos abren la intimidad al tiempo de los saludos que suscriben sucesos familiares como los gustos musicales al comentario, hacen del anecdotario un recurso para vestir las acciones con plena certeza de continuidad en el comentario siguiente, y la interacción con el público que se ha vuelto un emblema por demás característico, una tradición que rebasa los avatares de nuevas tecnologías y tendencias, que se adapta y reinventa, y que innova desde la capacidad de asombro que no convierte en hastío, cotidianidad o letargo, sino que provee la sorpresa que se anida en el deporte y que se lleva a la cabina con las ansias de una expectativa que no avista el paso del tiempo. De Valdés, Burak y Segarra, ocupan un nicho por mérito propio en el salón de la fama de la memoria televisiva, y, sobre todo, de su audiencia, que recorre primeros y dieces con el vuelo franco de un balón que emociones agita, justo al preciso instante suspendido en cada lanzamiento hacia la caja de bateo, y al divisar el diamante ciclo de cada temporada, y al recorrer a través de los años, pasajes, estampas y récords, al vaivén de la memorabilia presente, vale hacer mención del viaje y la oda, y en sus variables felicitar al trinomio perfecto.
Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El Surco, El Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com
Filmakersmovie presenta el trabajo personalidades de las artes y la sociedad activa iberoamericanos en una producción original.
Una conversación con los protagonistas y sus historias en las artes, conducido por el escritor mexicano Iván Uriel Atanacio Medellín. En cada capitulo conversaremos con artistas del Cine, Teatro, Televisión y la Sociedad, quienes comparten reflexiones den vida y trayectoria.
ESTRENO
Martes 12 de octubre, 2021
19:00 horas Centro de México
Encuentros con Iván Uriel: Patricia Reyes Spíndola
Filmakersmovie
México, 2021
48:00
En este episodio conversamos con laureada actriz, de cine, televisión y teatro, Patricia Reyes Spíndola una mexicana internacional que ha forjado su carrera desde muy joven. Acompáñanos por este recorrido a través de sus pasiones, la actuación y la docencia. Recordaremos junto a Patricia películas, obras, telenovelas, hablaremos sobre directoras y directores, personajes, historias; mmstudio.mx, así como su preparación para proyectos futuros.
IMPORTANTE: algunas imágenes que aquí se exhiben no pertenecen a Filmakersmovie, y han sido utilizadas para mostrar el trabajo de nuestro entrevistado, respetando los derechos de autor. Las opiniones expresadas en este programa son responsabilidad de quien las pronuncia. Encuentros es un programa de entrevistas sin fines de lucro.
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