Por: Iván Uriel

“Birdman” inicia esta nueva apuesta cinematográfica, con una toma secuencial que nos recuerda la introducción de cintas emblemáticas como “Rope”, 1948, “The Million” 1934, y “A Touch of Evil” 1959, donde la cámara realiza un viaje sin respiro en su visualidad, y se adentra a la temática de su narrativa desde la primera voz, para no soltarla hasta que la película culmina. Las secuencias no dan tregua y nos brinda la oportunidad de disfrutar la genialidad de Emmanuel Lubezky, quien una vez más, se apodera de las cintas en que participa, para dejar una huella superior a la del director en turno.

“Birdman” aborda en sus personajes tres temas clave: la realización, el ego, y la redención; para llegar a ellos nos adentra en diversos subtemas que entretejen los telones del teatro y las actuaciones superlativas de su elenco. Cada personaje habita el ensayo, cada personaje habita la función, la espera para el estreno y la posibilidad del fracaso o del éxito que sustenta la existencia de su puesta en escena. Cuando “Amores Perros” 2000 sacudió al mundo, Iñárritu y su guionista de cabecera Guillermo Arriaga, iluminaron el firmamento del cine latinoamericano con una oferta textual y poderosa, una telaraña de sensaciones, frustraciones y anhelos que entre la complicidad, el desencanto y la expectativa, hicieron una obra maestra instantánea. “21 Gramos” 2003, y posteriormente “Babel” 2006, consagraron a la dupla, haciendo de sus enhebradas historias un collage de sentimientos universal, un reflejo y una alternativa cinematográfica diferente. Las sólidas interpretaciones de sus elencos, las nominaciones y premios, se hicieron una constante, hasta que la dupla se disipó y la duda emergió como alarma. Darle Iñárritu un sello propio  su legado sin la pluma de Arriaga,  llegó con “Biutiful” 2010, y aunque la trama de nuevo aborda un tema universal desde lo individual, la actuación de Javier Bardem superó posiblemente a la trama; con “Birdman” Alejandro G. nos vuelve a mostrar que su estilo se define en cada paso, y que su sello, sin abandonar las influencias de diferentes directores, es un sello propio.

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La “realización” como primer tema, brinda perspectiva a todos los personajes de “Birdman” la actuación como motivo de vida, el teatro como símbolo, el escenario como significado y la audiencia como razón de ser, se combinan para mostrar un corolario de imágenes que van de un lado a otro, llevándonos por los entramados detrás de las cortinas, tras bambalinas y sobre la duela que aguarda la pisada firme, nerviosa y temerosa de la actriz, del actor, de la realización de una vocación intensa que se vierte fugaz una vez que los parlamentos han sido expulsados como una consciencia.

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El “ego”, como segunda y más importante temática, se regodea en la presencia activa de la memoria, de la cualitativa cantidad encumbrada en los premios, en la popularidad, en las cifras, en las notas, en la fama, en el reconocimiento como inspiración superlativa al abrazo, como inspiración metafísica y real de una vocación que aparece en medio de una reflexión que pudiera olvidar que el teatro es arte y no negocio, que actuar es pasión y no el hastío, que mantenerse vigente implica realizarse y no supervivencia.

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“Redención”, cierra el círculo temático que sumerge la fuerza interpretativa en la admiración, en el aplauso que nace de la sorpresa, de la posibilidad de seguirnos asombrando ante lo que consideramos no puede generar el asombro, una carrera en decadencia, una carrera en el olvido, la persistencia de lo que puede ser con lo que fue. Aquí es donde la película se convierte en una epifanía cinematográfica, que conjuga la historia real con la ficción, nunca antes Michael Keaton ha sido tan reconocido, alabado y admirado por su actuación, nunca antes tan valorado, y sí antes mucho más explosivo en la popularidad que gozaron algunos de sus personajes y que aún lo mantienen activo en su recuerdo. “Mr. Mom” 1983,  “Beattlejuice” 1987, y “Batman” 1989, son inolvidables caracteres para quienes en los años ochenta acompañaron su popularidad. Su nominación como “Batman”, por el genio Tim Burton, generó controversia, picardía e incredulidad en la designación, hasta que él mismo alter ego pronunció su nombre para hacerse insustituible en la saga cinematográfica que arrojó varias cintas más, aunque sólo memorables las personificadas por el mismo Keaton en la dirección de Burton.

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Batman existió en él con la misma dualidad  en la identidad que los superhéroes tienen, hasta que Christopher Nolan se permitió regalarnos una trilogía contundente. La cinta de 1989 se convirtió en un enorme éxito taquillero, generó una moda hacia el súper héroe, y después se agotó en su formato hasta que “Spiderman” 2002 renació la fórmula para darle al género una década y media de éxitos que al parecer se extenderá al menos, por otra más.

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 En “Birdman”, Michael Keaton hace una actuación formidable, profunda, detallada, no deja huecos y se apodera por completo del súper héroe, él dio rostro a las películas de súper héroes cuando no existían prácticamente, o cuando los intentos por hacerlas terminaban fallidas comedias involuntarias, Keaton le dio identidad a Batman y esa misma identidad es la que busca en el reflejo de cada diálogo frente al espejo, mientras escucha la voz de su “Birdman” que lo mueve por dentro y desde dentro, nada de lo que sale hacia afuera va solo, le acompaña el reconocimiento, el ego, la frustración, el éxito, el temor, la vocación, la aventura y la posibilidad de redimirse como única esperanza de vida. El arista se debe a su público, a su personajes o a su obra, pero también se debe a él mismo.  El yo, el súper yo,  los guiños a la crítica de un cine invadido por las historias de súper héroes, y por la lejanía de la realidad, se suman a la fantasía que está en nosotros mismos, a la realidad vivir en un personaje y no salir de él pues en su seno radica la seguridad y la única manera de ser.

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 “Birdman” es la mejor cinta de Iñárritu desde “Amores Perros”, en principio por que evade posicionamientos, se aleja de los contextos dubitativos o en debate, y se adentra en la personalidad, en la mente, en las preguntas perennes, en los lamentos y en la alegría de un vuelo;  Iñarritu va más allá en esta ocasión que plantear el desamparo del personaje principal y de su circunstancia, lo rodea de personajes tan profundos o más profundos que el protagonista, con sus miedos particulares, con sus derrotas, con sus victorias y con la esperanza compartida en el próximo estreno, la marquesina que ilumina y abarrota, o la comparsa de una industria que da cabida a la indulgencia.

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 La película explora los ecos del ego y los exclama en gritos desesperados que se ahogan, luego los regurgita entre una secuencia y otra, es una cinta coreográfica, a minutos pretenciosa, a minutos muy íntima, y en síntesis rescata en el espectador la sensación de estar viviendo la experiencia del teatro como “A Street Car Named Desire” 1951 lo consumó; en “Birdman”, cintas de dramaturgia cinematográfica sin ser precisamente teatrales como “Trought a Glass Darkly” 1962, “Who Affraid Virginia Wolf” 1966, “Sonata de Otoño” 1978, “Interiors” 1979, “The Last Metro” 1980, “Leaving Las Vegas” 1995, y “Carnage” 2011, entre otras, encuentran un espacio en “Birdman” para argumentar un soliloquio en las alas del teatro, de la intensa redención, y del intento.

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Birdman

Dir. Alejandro G. Iñárritu

Estados Unidos, 2014

Official International Trailer

2:52

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El cine puede tener muchas funciones: informador, distractor, medio de aprendizaje, de entretenimiento; pero entre ellas se encuentran también el cine como industria y el cine como medio de control.

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Los mensajes que conforman una película tienen una importante carga ideológica en su contenido y en su forma de presentarse al público.

Las técnicas en su evolución (dentro del área de la cinematografía), tienen un significado en el desarrollo social de su entorno; la imagen, entre una de estas partes que conforman el cine, es técnica como es arte, pero, vista como canal, medio o transporte de códigos, es valorada, estudiada y tratada con cierto especial cuidado, llevando a los medios audiovisuales (cine o televisión) a un tratamiento y manejo, en este caso, más cercano al área del espectáculo que a cualquier otra.

Espectáculo definido por la Real Academia Española: “Cosa que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual y es capaz de atraer la atención y mover el ánimo infundiéndole deleite, asombro, dolor u otros afectos más o menos vivos o nobles.”

Tal vez el problema no sea el espectáculo como tal, sino la combinación con otras formas de maniobrar el cine, llevándolo a un tipo de entretenimiento pobre y convencional que se sostiene no por su calidad artística, reflexiva y de narración, sino por sus otras maneras.

Las formas cinematográficas tienen tal impacto en la sociedad que el cómo se hacen y distribuyen es determinante en la relación que tienen con su público. “La cuestión no consiste hoy en saber si el cine puede prescindir del espacio, sino, más bien, si los espacios pueden prescindir del cine”, dice Paul Virilio, teórico francés (1932 – ), en su texto “Estética de la desaparición”.

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Las muchas funciones del cine han llevado a este arte a adentrarse en ramas y disciplinas específicas que cubren necesidades claras por parte del público que se acerca a él. Esta combinación de funciones, alimentada por la lucha por ser prioridad (una ante las demás), llamando la atención del público, sorprendiéndolo, entreteniéndolo, distrayéndolo por sobre todas las cosas, ha hecho del cine una forma de espectáculo.

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La cuestión no es ya si el cine puede ser o no una industria influyente en el desarrollo social actual, sino en qué grado lo es. Dentro de este apartado, el mundo de la cinematografía va de la mano con la economía, la ley de la oferta y  la demanda, áreas como el marketing o la publicidad, el consumo y la venta, directa o indirectamente. Véase que acercarse a una película en una sala de cine no implica exclusivamente la compra de un boleto, como tampoco lo es la compra de un dvd o la contratación de una transmisión vía Internet en una computadora.

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De acuerdo con la historia del cine, el material audiovisual ha sido en ocasiones utilizado como medio de control y como transmisor de ideas específicas. Como medio de control el cine se debate entre libertad y la falta de ella, en su forma y en su contenido. Algunos teóricos incluso sostienen que la copia de patrones cinematográficos en la vida real es una forma de control social, es decir, moldear a las personas a través de modelos presentados en las películas para ser seguidos por la audiencia.

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El segundo punto corresponde a aquellas películas realizadas específicamente con un propósito manipulador en su contenido. Películas realizadas deliberadamente con una explícita forma de pensar y una postura respecto a la sociedad, a la política o a un tema en específico de la vida social; es decir, películas mandadas a hacer con la función de llevar impresas un pensamiento a ser esparcido por el canal llamado cine.

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“La industria del cine entrará en crisis cuando deje de producir días ficticios y aspire a la verosimilitud”, reflexiona Virilio en otra parte del texto. ¿Cuál es la base de la cinematografía? ¿Cuál es su fin último, o su fin primero en todo caso? ¿No fue la realización de historias fantásticas y ficticias durante sus inicios lo que dio al cine gran impulso como forma narrativa? Tal vez se ha llegado a valorar al cine sobremanera, tal vez se le ha etiquetado pretenciosamente en demasía olvidando la forma más simple del cine que es la de contar historias en imágenes, o tal vez, por el contrario, no se ha hecho la suficiente labor de guiar la cinematografía hacia un rumbo específico.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Mórelia, Mich., México | IMCINE  |  FICM

El silencio de la princesa, semblanza de una actriz mexicana que cayó en el olvido

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Este documental forma parte de la competencia del 12 Festival Internacional de Cine de Morelia.

“Es una pequeña ventana a lo que fue la trayectoria de Diana. La película terminó siendo una semblanza de este personaje al que considero fascinante y único dentro del medio artístico mexicano”…explica en entrevista el realizador egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

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“Es un personaje que cayó en el olvido y yo quería que este documento representara el instrumento por el cual esta mujer saliera del anonimato ya que, desde mi punto de vista, tuvo una carrera muy interesante”, agrega el  director de 43 años.

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“Entonces decidimos ir a buscarlos. Aunque hubo muchos obstáculos que hicieron el proceso de rodaje largo, al final pudimos construir una historia que hablara sobre su olvido y los verdaderos motivos que la llevaron a desaparecer de los reflectores”, explica Cañibe.

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-Sinospis-

Diana Mariscal alcanzó un instante de fama en la lejana década de los años sesenta cuando estelarizó, con tan sólo 18 años, la película Fando y Lis de Alejandro Jodorowsky. Aquel instante parecía ser el despegue de una promisoria carrera, pero en realidad ésta se fue diluyendo paulatinamente hasta condenarla al olvido. Cuarenta años después, sin embargo, las huellas de su existencia no han podido ser borradas por completo.