Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Doce monos (EUA, 1995), basada en la película francesa de Chris Marker titulada La jetée, parte de una idea principal: Qué pasaría si… Ante esta situación, manejada ya por otros cuantos idealistas, se encuentra un proyecto lleno de posibilidades reflexivas que toman forma a través de las experiencias que vive su personaje principal, James Cole, un hombre que busca encontrar el dónde, cuándo y cómo del virus que provoca la casi extinción de la raza humana.

Con temáticas que bien puede ser motivo de debate, crítica y reflexión, no sólo en ámbitos como la ciencia y la educación, también en la literatura y el cine, llega una pregunta importante: ¿Cómo es que una idea como ésta es abordada por tantas personas y a través de tan diferentes visiones? La respuesta puede encontrarse en el pensamiento global que invade a la sociedad actual en cuanto a las relaciones sociales, el ambiente y la globalización, las nuevas enfermedades, las nuevas tecnologías, la conciencia ambiental y de la naturaleza, el conocimiento y el desconocimiento del entorno, o la realidad y la incertidumbre del ser como tal.

La destrucción causada por un virus letal que el hombre no podrá controlar, mismo que llevará al fin de la humanidad y a los pocos sobrevivientes al borde de la locura en su busca por encontrar la cura, es el eje central de la película y cada personaje parece moverse alrededor de esta idea, pero siempre siguiendo su propia filosofía y poniendo en entredicho su ética personal. James Cole inicia su viaje descubriendo, junto con el espectador, la razón aparente de su misión que lo lleva a seguir los pasos de los supuestos responsables de la catástrofe: el ejército de los doce monos. Y así, con cada paso, con cada decisión, Cole evoluciona hasta descubrir la realidad (un escenario que debería preocupar a la sociedad en el presente): que  la mano del hombre es la causante misma que lo ha llevado al borde de su extinción.

Pero como todo proceso de racionalización, autodescubrimiento y concientización, el viaje de Cole es el viaje de reflexión al que aspira la película para con el espectador. Al inicio, el hombre se muestra como una persona envuelta en el sistema, una pieza más del todo sin relevancia ni importancia que debe obedecer sin preguntar; una extrapolación atinada de la situación actual del individuo en su participación dentro de la organización social y la estructura de la economía y del gobierno actual. Sus descubrimientos y convicción para cambiar el futuro le dan eventualmente las armas para convencerse de su iniciativa, de las posibilidades y de la esperanza que se desata gracias a la independencia de sus decisiones.

Los científicos, por su parte, representan el poder jerárquico más alto de la sociedad, personajes que sólo buscan su beneficio en un sistema en que la supervivencia del más fuerte lanza al ciudadano promedio a coexistir en una estructura competitiva y diseñada por peldaños piramidales. En la película, el móvil de los personajes son completos opuestos, mientras Cole intenta salvar a la humanidad para crear un mundo más amable, los científicos planean adueñarse de la superficie terrestre aún habitable, en donde sólo unos pocos elegidos podrán ajustarse al nuevo modo de vida que se planea para el futuro.

Por su parte, el tiempo dentro de la historia se maneja de una manera no lineal a propósito; los viajes entre pasado, presente y futuro pretenden ofrecer pistas que permitan entender la relación de los personajes, así como el entendimiento del efecto en cadena, es decir, el efecto dominó que demuestra que cada persona no puede ser vista como un ente aislado.

Y, ¿por qué no pensar que cada viaje al pasado en un episodio en la mente de Cole? El mismo personaje se lo cuestiona, pero desecha la idea porque así lo decide: su vida es mejor en el pasado porque de cierta manera allí es más libre. Las personas creen lo que quieren creer y ven lo que quieren ver, lo que vuelve a la sociedad poco crítica y poco reflexiva.

Pareciera entonces que se trata de un propuesta llena de estereotipos y exageraciones del discurso; pero esto sucede porque su director, Terry Gilliam, no podría de otra forma representar con ojo analítico el sistema mismo actual, sin plantear un panorama a futuro de lo que sucedería si se continúa siendo una sociedad llevada por la inercia, la comodidad y el conformismo. El manicomio que aparece en la película, por ejemplo, se encuentra repleto de una filosofía liberal y de un pensamiento crítico. Bastaría con preguntarse cuál personaje está más loco, ¿el hombre que desata el virus?, ¿los científicos que juegan con el tiempo?, o ¿los enfermos del manicomio que, conscientes de sus condición y situación, se permiten actuar y pensar sin restricciones?

Entre ellos se encuentra Jeffrey, de carácter excéntrico pero un actuar congruente con la sociedad que le rodea y sus respectivas reglas, con ideas revolucionarias y las ganas (aunque limitadas) de realizar un verdadero cambio. En algún momento Jeffrey menciona que la gente es producto del consumismo; algo que hace pensar sobre la fuerza, el valor y la individualidad de la personas, en especial si se analiza la gran influencia que los medios de comunicación o los líderes de opinión toman en las decisiones de cada persona. Él libera a los animales del zoológico en una analogía a la jaula social herméticamente cerrada y reforzada que carga con la esperanza y la fe de que alguien llegará a liberarlos de sus barrotes. Y cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia.

¿Por qué doce monos? ¿Cuál es la razón de un símbolo rojo en forma de círculo en el que doce monos se siguen uno al otro? ¿Es para cuestionarse si es mejor ir contracorriente o apegarse al curso y molde determinado que se nos impone? Cada acción tiene una reacción, las decisiones de cada personaje logran que las piezas de la historia encajen la una con la otra, tal como la vida misma.

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12 Monkeys | Trailer

Dir. Terry Gilliam

Estados Unidos, 1995

2:50

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Erik Cardeña Bozziere

¿Cómo te sientes cuando ves tu película favorita de ciencia ficción y quedas visualmente impactado?

Creo no me dejaran mentir y posiblemente coincidiré con muchos de ustedes en que parte de la adrenalina que todavía sigue en nuestro cuerpo tras una serie de ráfagas incesantes de emociones es la que nos transporta a ese mundo mágico y mítico del cual algún día quisiéramos formar parte. Debido a eso es que se forman en todas partes del mundo los club de fans los que idolatran y veneran a ese film que los marco para toda la vida… y hoy por hoy hablaremos de la saga más famosa dentro de la industria del cine de ciencia ficción «Star Wars».

Como ya saben a finales de este año está anunciado el tan esperado estreno del Episodio VII The Force Awakens, debido a esto nuestros amigos del club de Star Wars Xalapa fundado desde 1995 y vigente hasta la fecha, se han dado a la tarea de impulsar en las nuevas generaciones el gusto por la saga y en esta ocasión nos invitaron a seguir muy de cerca su 1era Reunión de Fans con la cual empiezan sus actividades de este 2015.

El evento se realizó en el «Jardín de las Esculturas«, espacio de cultura y arte de la cuidad de Xalapa, Veracruz, con la finalidad de compartir un gusto mutuo como dicen ellos es «de fans para fans«, pasando un rato agradable en compañía de la familia y amigos.

Humo muchas actividades programadas como: la exposición de colecciones, compra-venta e intercambio, conferencias, concursos, disfraces y proyección del Episodio V The Empire Strike Back, debido al interesante cartel antes citado la audiencia no se hizo esperar y fueron alrededor de 400 fans que se dieron cita la mañana del pasado domingo 22 de febrero. La difusión fue solamente por redes sociales lograron su cometido y siendo todo un éxito.

La orden del día empezó cuando ya estando todos los stands organizados arribaron los primeros padres de familia junto con sus hijos, que en su mayoría pequeños disfrazados, estaban  muy contentos admirando las diferentes colecciones expuestas, así mismo comenzaba la venta e intercambio de figuras de acción, siempre en un ambiente cordial y de camaradería.

Por supuesto que no podía falta la música de ambiente obvio de los soundtrack de StarWars, y poco a poco la gente iba llenando el recinto conforme transcurría la mañana, mientras tanto se anunciaba por el sonido local que en breves momentos se haría la proyección de la película de episodio V El Imperio Contraataca (en mi opinión  la mejor de la saga) y con mucho entusiasmo algún sector de la gente se dirigía al auditorio a disfrutar del film, pero el momento cumbre del evento fue cuando nos pudimos deleitar de la majestuosidad de la presencia de Lord Darth Vader acompañado de uno de sus Royal Guard y un Snowtrooper, en ese preciso momento muchas personas dejaron lo que estaban haciendo y literalmente corrieron para hacer fila y tomarse la famosa foto del recuerdo con unos de sus personajes favoritos y lo mejor es la sonrisa y/o gesto de admiración de los pequeñines al poder ver en vivo a esa figura la mas icónica de la mítica saga.

Transcurrieron las horas entre concursos de trivias y regalos de figuras como premios, la audiencia salió muy contenta tras una buena organización del club de Star Wars Xalapa, el cual pretende tener más reuniones como ésta, con más sorpresas, dinámicas diferentes. La finalidad es coronar el cierre de año con un mega evento el día de la premier, próximamente tendremos la cobertura de los demás encuentros que se realicen, así como un reportaje de la historia y creación del club.

Y recuerda, ¡que la fuerza te acompañe……siempre!

Galería:

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Erik Cardeña Bozziere | México | Columnista

Arquitecto xalapeño, 100% Cinefilo de corazón amante de la música y el arte, fotógrafo amateur, en busca de la creatividad y el diseño para resolver los constantes retos de la vida, fanático experto de Star Wars & Sci-fi.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La poesía es un género literario de composición y expresión artística. De estructura bella y armónica, sus palabras son inspiradoras, reflejo del sentir y pensar del autor, de la época en la que vive, de las experiencias que lo forman, de las historias que le rodean, de sus anhelos, sus sueños y sus acciones. De estructura sinfónica y sintáctica, su entendimiento y percepción cambia de acuerdo con la reflexión y apreciación de cada persona; situación que ha dado pie a cineastas interesados en incluir, de alguna forma u otra, a la poesía dentro del cine.

Poesía proviene de la palabra griega “poiesis” que significa “hacer”; poesía significa libertad creativa así como actividad recreativa. Con esa idea en mente se entiende el filosofar de Griegos y Romanos, así como sus relativos en las muchas otras culturas antiguas. Cantos poéticos como los de Homero en La Ilíada y la Odisea; historias que han inspirado diversas películas de época, representando pasajes de esta literatura como la guerra de Troya, el destino de Elena de Troya, o el de Ulises.

Otras películas han basado sus argumentos en poemas, tal es el caso del poema anglosajón anónimo encargado de contar la historia de Beowuf; o aquel poema escrito por Béroul cuyo protagonista es Tristán, personaje principal de la leyenda de Tristán e Isolda. El Lado Oscuro del Corazón (Argentina-Canadá, 1992), por su parte, se alimenta en gran medida de la poesía que acompaña al personaje principal de esta historia en un viaje reflexivo, con poemas de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo, de sus autores y del arte.

Una rama más del cine de poesía lo constituyen películas que tratan de la vida de escritores o se inspiran en periodos de la vida de ellos y sus procesos creativos. Un ejemplo notable es la película El Cartero (Italia-Francia-Bélgica, 1994), relato sobre la amistad entre Pablo Neruda y el hombre encargado de su correspondencia, amistad alimentada por la poesía y su influencia en la vida de ambos hombres.

La poesía como activador de la creatividad y la expresión se encuentra constantemente presente en las películas. No se limita a mostrar personajes acercándose a ella a través de la lectura, también explora la misma escritura y la manera en que ésta toma parte en las relaciones de los personajes. La literatura como modo de acercamiento entre personas, ya sean relaciones maestro-alumno, madre-hija, enamorado-enamorada, personas distantes, parejas entrelazadas, personas ajenas, conocidos o desconocidos.

Es por ello que existen casos en que un personaje de una película decide expresarse a través de poemas que demuestren aquello que sienten y piensan. Películas como En sus Zapatos (EUA-Alemania, 2005), Hannah y sus hermanas (EUA, 1986) o Más allá del cielo (EUA-Canadá, 2010), por ejemplo, han utilizado el trabajo del poeta E.E. Cummings dentro de sus tramas, por medio de sus personajes, en escenas en donde éstos recitan poemas de este autor.

En otro acercamiento a la poesía, existen películas en donde los personajes retoman este tipo de literatura activamente, escribiendo y declamando ellos sus propias creaciones. En un gran final, Kat, protagonista de 10 cosas que odio de ti (EUA, 1999), recita un poema inspirado y dedicado a su interés amoroso Patrick. No sólo el guión de la película se basa en una obra de William Shakespeare, también este poema tiene su referencia a un soneto escrito por el autor británico.

De variedad temática como la ética, amor, desamor, amistad, valor, venganza, soledad, felicidad y demás infinitos tópicos que se pueden externar a través de la poesía y que han aportado una opción creativa y educativa en el cine. Más allá de una forma de expresión y más allá de versos armónicos, la poesía en el cine no sólo inspira historias, la poesía se presenta como una invitación a explorar la literatura, siendo el cine, entonces, una puerta abierta al arte, para unos y para otros, para cineastas y para espectadores.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Andrés Palma Buratta

 Xavier Dolan, a lo largo de su “prolífica” filmografía (gracias a su corta edad y la cantidad de film ya realizados) logra salpicar sus personajes con delineados rayos de colores estridentes envueltos en ritmos estroboscópicos al mismo tiempo que  desborda delicadeza coreográfica en sus puestas en escenas, imprimiendo en ambos casos una gran fuerza interpretativa, ya sea como “frontman” de sus propias obras o a través de la construcción de personajes, que aún teniendo como eje central la búsqueda de identidades y la reconstrucción de relaciones fragmentadas, se mueven más bien en escalones elementales, violentamente poéticos y aún resguardados en una puritana tensión sexual construida sobre idílicos trasfondos amorosos.

Dolan recuerda de cierta manera la obra audiovisual de Derek Jarman, el famoso multi autor inglés que delimitó el cinema queer, el universo cultural del punk rock con obras como  Sebastiane (1976) o  Jubilee  (1978) entre otras tantas expresiones culturales que definieron su vida artística. Jarman fue un creador que expelía una rabia visionaria,  que hizo de sus producciones una fragmentación alegre de un Londres duro, violento y profundamente homofóbico.

“No importa qué tan enojado o triste sea, su trabajo es siempre positivo. La mejor manera de expresarlo fue hacer de la performance una residencia de su esencia teatral.”

Al igual que Jarman, Dolan está interesado en el aquí y ahora, en la confrontación implacable de la resistencia en el mundo donde las diferencias sexuales deben ser honradas a través de una estética perceptual. Quizás no sea tan perjudicial ni  locuaz ni escandalosamente vivaz como el autor inglés, ya que la obra de Dolan parte más bien de una concepto más intimo de relato, una provocación que nace de las entrañas de la propia vida, pero sin duda, Dolan exige escarbar en los recónditos caminos de la interioridad para dar voz a la condición humana y su relación con el resto.  Una de las grandes ventajas que tiene el autor canadiense, es que logra captar maravillosamente, tanto en la interpretación, como en las decisiones formales y técnicas, esa esencia de las alienaciones de los individuos entre sí y su resultante emocional, plasmándolas en un lienzo de belleza radical.

Sus personajes florecen imprudentemente bajo las luces fluorescentes de noches de aislamiento moderno. Dolan se está convirtiendo en la voz de la ansiedad, volátil, de la condición humana en todas sus implicaciones eternas y contemporáneas, de la tendencia del hombre a encontrarse a sí mismo en las más inefables soledades humanas y anhelos detrás de las puertas cerrada de las habitaciones.

A pesar de ello, Dolan, a través de su narración logra abrir esas puertas. En lugar que sus personajes, sus ideales, ansiedades y neurosis se retiren hacia el interior, nace el deseo de gritar toda la abundancia de belleza en la vida y todas las posibilidades de habilitar una razonable esperanza y catarsis en medio de una violencia que no genera demasiados debates morales en sus protagonistas y que por ende no dista mucho de la Inglaterra “violenta” de Jarman.

Es justamente en la reconstrucción del pasado, del que se podría suponer sea su propio pasado como lo hiciera en su opera prima “J’ai tué ma mère”, donde a base de recuerdos desechos, sus personajes, de gran densidad dramática irradian la necesaria complejidad para reconstruir ese ayer esfumado en el abandono y rencontrarse con quienes fueron y son para asumir las verdades inciertas necesarias para llenar esos vacíos emocionales heredados por los  misterios del recuerdo. Sus personajes logran comunicarse en un nivel que se extiende más allá de las palabras, aunque están en muchas ocasiones abunden, expelidas de forma visceral, difíciles de digerir, resonando con eco en los espacios cerrados, casas, departamentos, o la misma naturaleza, que finalmente se convierte en nuestro interior; y es que lograr salir de nosotros mismos se convierte en la empresa más difícil del ser humano.

Es el subconsciente el que va despojando los sentimientos superfluos, alterando los estados de ánimo y cuestionando  la conciencia, poniendo en crisis, disolviendo las seguridades, fragmentando el carácter,  desnudando al sujeto.

Al parecer estos personajes carecen de un lugar propio, están en constante búsqueda del significado de la realidad, de dar significado a su realidad o de construir una realidad que por lo menos parezca real. Parecen transitar un mundo frío, estéril, de colores grises, secamente urbano, y claramente enmarcados en el cinismo de una sociedad que trata de mantener la vida bajo control, o por lo menos asumible. Cuando Dolan toma esas historias en sus manos suele disipar la ilusión de la realidad, obligando a explorar el universo orgánico hasta volcarlo en presencia física con la verdad sencilla de un collage clamoroso.

Sublimemente diverso, su cine está lleno de explosiones repentinas de rarezas inspirada con  todo ese aparataje artificioso, estético y barroco donde habita la sociedad burguesa en decadencia; o más bien estancada en ese pasado, que por más obsoleto que parezca resulta ser más fiable a la hora de representar este frenético lenguaje expresivo, que el presente.

Les dejo el tráiler de su última película Mommy (2014) y los invito a revisar la filmografía de este interesante novel director, que seguramente dará mucho que hablar a lo largo de su carrera.

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Mommy

Dir. Xavier Dolan

Canadá, 2014

Trailer 3:13

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.