Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores independientes.
Escrito y dirigido por: Juan Carlos Martínez
-Anotaciones-
PROYECTO SANTACOTO presenta su 6to cortometraje musical «Algún Día», una impactante y desgarradora historia escrita y dirigida por Juan carlos Martinez, de la productora «La Cuerda Producción Audiovisual».
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Algún Día
Guión y Dirección: Juan Carlos Martínez
Proyecto Santacoto
La Cuerda Producción Audiovisual
Ecuador, 2013
5:34
«La distancia y el tiempo no pudieron sanar las heridas que entonces no quisimos causar…»
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Elenco:
Jessica Constante
Francisco «Pancho» Arias
Equipo:
Producción Musical: Pablo Santacruz y Andrés Sacoto Arias
Producción Ejecutiva y Comunicación: Susana Guzmán Guerrero y Andrés Sacoto Arias
Guión y Dirección Video: Juan Carlos Martínez .
Letra y Música: Andrés Sacoto Arias.
Voz | Guitarra electroacústica: Andrés Sacoto Arias
Piano | Sintetizadores | Voces : Pablo Santacruz
Guitarra eléctrica | Guitarra electroacústica: Pablo Estrella
Bajo: Toño Cepeda
Batería: Diego Miño
Grabado en: Estudios GRABA Quito-Ecuador y en EL SERRUCHO PRODUCCIONES Estudios Quito-Ecuador por Pablo Santacruz y Andrés Sacoto Arias.
Mezclado por: Sebastián Perkal en ECO Estudios Buenos Aires — Argentina.
Masterización: Brad Blackwood –Euphonic Masters- Estados Unidos
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VIDEO
Producción Ejecutiva: Roberto Sempértegui – La Cuerda Producciones | Susana Guzmán G. | Andrés Sacoto Arias
Producción General: Xavier Ferro
Dirección de Arte: Andrea Hidalgo | Ángela Ramírez
Dirección de Fotografía: Mimmo Privitera
Cámara: Freddy Lima
Asistencia de Dirección | Vestuario: Cecilia Loaiza
Vidas al Limite | Bringing Out the Dead | Dir. Martin Scorsese | E.U.A. 1999
Por: Apolo Atanacio, MD
La vida para Frank Pierce es un sube y baja de emociones, habitual en Manhattan. Siendo paramédico recorre las calles en su ambulancia noche a noche brindando apoyo vital a cualquier persona que lo requiera, conociendo casos y personas de diversos niveles sociales, étnicos, culturales, sus problemas físicos y los claroscuros del comportamiento humano.
Frank ha llegado en diversas ocasiones a sobrepasar su propio limite, el ajetreo, el cansancio, el hastío, diezman su condición física y emocional, tanto que ha intentado salir de su realidad e incluso abandonar su trabajo, pero existe algo que lo obliga a mantenerse. Un sentimiento de culpa lo rodea, ha salvado muchas vidas, pero también ha sufrido los estragos de las pérdidas de las personas a quien no pudo ayudar, y son los fantasmas de estas víctimas quienes juegan con el una ronda interminable de desenfreno y adrenalina mientras Frank esta en espera de una nueva persona a quien socorrer. Vidas al Limite, (Bringing Out the Dead, es una película del año 1999, dirigida por Martin Scorsese, cuenta con las actuaciones de Nicolas Cage, John Goodman, Ving Rhames Tom Sizemore y Patricia Arquette.
El sonido de una sirena nos puede parecer normal para la escena habitual de la ciudad, pero ¿qué hay detrás de él?
Una historia se reescribe cada día dentro de un equipo de paramédicos y socorristas. Estas personas son quienes asisten a la llamada de emergencia emitida de un domicilio, a causa de un accidente o una catástrofe y aun sin saber a que se enfrentan, acuden dando esperanza a quienes les aguardan. La adversidad es su medio, la vocación de servicio su disciplina.
Son muchas agrupaciones las que ofrecen los servicios de emergencias y rescate; las altruistas, que dependen directamente de los donativos y apoyos de la población, en ocasiones desprovistas de los implementos básicos. Las unidades, dependientes de Hospitales públicos que brindan atención ya sea a derechohabientes o población general, incluyendo para los primeros el servicio de traslados. Las corporaciones privadas o de Hospitales particulares también realizan estas actividades obteniendo a cambio una remuneración económica. Los equipos y ambulancias son diversos, pueden tener lo básico, camilla, toma de oxigeno y radio, hasta contar con equipo sofisticado, monitores cardiológicos de última generación, ventiladores mecánicos, ultrasonido, comunicación por internet o vía satélite con el hospital que requieran y algunos hasta cuentan con auxiliares de laboratorio.
Independiente del sector para el que trabajen, el paramédico y el socorrista son personas capacitadas que, con lo que tienen a mano, intentan atender la urgencia de una persona estabilizando sus condiciones físicas y emocionales desde lugar donde se suscita la eventualidad hasta el sitio donde se atenderá en forma segura, arriesgando en ocasiones hasta su propia vida. Son seres de carne y hueso que rutinariamente habrán hecho el bien, sin mirar a quien lo hicieron.
Si alguna vez hemos sido atendidos por ellos, nunca es tarde para decir… gracias!
Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad. La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.
México | Filmakersmovie | 8 de marzo de 2013.- Hoy se estrena Las Sufragistas , un film de Ana Cruz. Documental que nos muestra la lucha de las mujeres por emitir su voto, así como el desafío cotidiano que enfrentan al hacer valer la equidad en oportunidades de empleo, en el ámbito social, político y de gobierno.
Descubre la historia de Eufrosina Cruz, quien se le negó la posibilidad de ser candidata a la Presidencia Municipal de su comunidad, Santa María Quiegolani, en Oaxaca, por «ser mujer». Escucha los testimonios de las únicas cinco gobernadoras en la historia de México.
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A partir de hoy podrás disfrutar de esta realización en:
Silver Linings Playbook | Dir. David O Russel | Estados Unidos, 2012
Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez
Existen películas que llegan a fallar en incorporar diferentes temáticas en su contenido, se convierten en distraídas combinaciones sin sentido, con demasiadas expectativas pero pocos resultados; otras, por su parte, son historias simples y planas que dan como resultado proyectos poco relevantes. Silver Lining Playbook, por el contrario, logra ser sutil en su mensaje pero fuerte en su contenido, creando un relato romántico pero enriquecedor dentro del tema de la aceptación y la sociabilidad.
Historia escrita y dirigida por David O. Russel, quien a su vez se basa en el libro homónimo escrito por Matthew Quick, tiene como protagonista a Pat (interpretado por al actor Bradley Cooper), un hombre que sale de un hospital mental a custodia de sus padres tras ser tratado por una ataque de ira causado por un desorden de bipolaridad. Mientras los padres buscan la estabilidad de su hijo, tanto en su vida personal como en su vida profesional, la única meta de Pat es recuperar a su ex esposa. Pero el proceso de rehabilitación no es un tratamiento pasajero, lo mismo que la naturaleza de la enfermedad mental. Entre una reconciliación consigo mismo a la par con la de sus semejantes, Pat debe balancear sus terapias con la aceptación de la situación de sus conocidos, cuyas impresiones de Pat respecto a la persona que era antes y la de ahora, logran divergir con lo que éste piensa de sí mismo.
Durante este viaje personal Pat conoce a Tiffany (interpretada por la actriz Jennifer Lawrence), una peculiar y obsesiva joven con su propio pasado, atormentada por la culpa y quien ha quedado viuda poco tiempo atrás.
Tiffany está dispuesta a ayudar a Pat a reencontrarse con su ex esposa, pero con la condición de que éste tenga en cuenta la reciprocidad de la relación, pidiendo a cambio que Pat sea su pareja de baile en un competencia venidera.
El tono que la disciplina del baile da a la película es el tono romántico que necesita para permitir al espectador conocer a los personajes, crear empatía con ellos y conocer su lado humano, su lado vulnerable y su perspectiva; esa búsqueda de apoyo y sentido en que tanto Tiffany como Pat se encuentran.
De esta manera la película toca temas como la comunicación, la comprensión y la aceptación, de uno mismo y de los demás. Tal es el caso de estos protagonistas, juzgados y malinterpretados por su naturaleza compleja: problemáticos, abiertos, complejos e incomprendidos.
Pero la película da signos de ir más allá, de no sólo de tratar de dos personajes fuera de lo común y fuera de los estándares. Partiendo de ahí, el proyecto es más que un drama o una comedia romántica, es un pequeño estudio de personalidades, sin caer en el aspecto estricto y técnico de la psicología.
Muchas veces en el cine los personajes con problemas como éstos caen en los estereotipos y se convierten en víctimas, aquí la perspectiva se ofrece desde el punto de vista exterior de la problemática. No es la relación romántica entre ellos lo que importa, ni su superación personal, sino las decisiones que los llevan a darse cuenta que son personas normales, comunes y corrientes, tan especiales o no especiales como el resto de quienes les rodean.
La progresión para llegar a la compresión de esta idea viene por parte de la confrontación constante entre Tiffany y Pat, un subtexto interior entre su propia lucha personal y el deseo de ser entendido por alguien más, el uno frente el otro; acrecentada también por el constante mensaje sobre el simbolismo de las cosas, de las palabras, de las acciones, de las situaciones, más que como verdad profética, como acto de fe, de esperanza y de probabilidad.
El término “Silver lining” en inglés se refiere a algo reconfortante o esperanzador ante una situación de otra manera desamparada o infeliz. “Silver Lining Playbook” es entonces un libro de jugadas de perspectiva optimista frente a diversas dificultades; es aquello a lo que aspira la película, como lo es también el recorrido que ambos personajes viven a lo largo del relato.
Es así, siendo positivo, valorando y observando “el lado bueno de las cosas” que termina esta historia. No construida bajo el intento de sorprender, porque es fácil de descifrar (se debe tomar en cuenta que es un trabajo de ficción); lo que logra mostrar exitosamente es una perspectiva, por supuesto positiva, de la complejidad humana, de lo importante de la comunicación y de la necesaria aceptación de uno mismo para vivir y convivir.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo
Durante cinco días en febrero en las pantallas de dos locaciones de la calurosa ciudad de Iquique se proyectaron cortometrajes de ficción, documentales y largometrajes internacionales. Las salas estuvieron llenas a toda hora, se vio mucho cine y el quinto festival de cine de Iquique terminó siendo todo un logro.
“Esta es una iniciativa valiente de gente joven de traer cultura”, comentó el director de cine y televisión Nicolás Acuña durante el festival. “Pasa lo que pasa con todas las cosas, hay mucho que ver en Santiago, poco en otros lugares”.
Ya que Iquique está a más de 1.500 kilómetros de la capital, no es nada fácil transportar las ofertas culturales, especialmente con pocos recursos. Además por varios motivos, sociopolíticos y tristes, como pasa en muchos países latinoamericanos, en Chile es difícil encontrar largometrajes nacionales todos juntos. Por esta razón para mi, ver una muestra de tanto cine chileno reunido fue como exponerme al gran zeitgeist, al espíritu de mi época, al supuesto inconsciente colectivo que el cine como toda expresión cultural, parece enmarcar de manera sorprendente.¿Y qué fue lo que vi? A medida que pasaban los largometrajes chilenos, “Aquí Estoy, Aquí No” de Elisa Eliash, “Educación Física” de Pablo Cerda, “Pérez” de Álvaro Viguera y “Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta” de Ernesto Díaz Espinoza, lo primero que noté fue una extraña similitud entre los personajes que aparecían en pantalla.
Ojo que no estoy diciendo que las películas en si eran parecidas, de hecho no podrían haber sido más distintas en su calidad y su trama.
Pérez | Dir. Álvaro Viguera | Imagen desde www.quepasa.cl
En “Aquí Estoy, Aquí No” un escritor con mucho sobrepeso intenta escribir la biografía de una ex -rockera que aparentemente muere (inspirada libremente en Vértigo de Hitchkock), “Educación Física” trata sobre la vida de un profesor de educación física con sobrepeso que no recibe ni la atención de sus estudiantes, “Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta” cuenta la historia de un hombre que juega video juegos y por error se ve envuelto en una persecución y debe salvar su vida y en “Pérez” un padre simpático con un leve problema de sobrepeso que ha abandonado a su hija, ahora intenta pasar un fin de semana con ella y su nueva pareja, una mujer muy atractiva y bastante menor que él.
Sin querer borrar las idiosincrasias de los largometrajes, me atrevería a decir que al finalizar, todas las películas se me habían convergido en un sólo personaje: el arquetipo del hombre patético, el perfecto anti-héroe chileno.
El anti-héroe se caracteriza por ser el típico loser chileno, un hombre con problemas de sobrepeso, sin un norte claro (pero simpático a pesar de todo), un hombre perdido en una maraña de la situación patética que es su vida y un hombre que aproximadamente cada quince minutos se come un pan amasado, o menciona su deseo por un completo, un sándwich o demás productos de harina blanca; razón concreta de su sobre-peso.
Además en cada película sin falta, el personaje principal se mete con una mujer modelo, flaca, y al final dócil y cómo esto llega a suceder – no queda muy claro tampoco.
Creo que no puedo estar tan equivocada al pensar que este reiterado anti-héroe representa al ser que sufre los síntomas de la situación actual de Chile, una sociedad en transición y en vía al ‘desarrollo’.
Porque una de las cosas que suceden en este proceso que muchos países en vía al ‘desarrollo’ ‘sufren’, que se llama “La modernización”, es que se obtiene la capacidad de adquirir bienes con más facilidad. Algunos dicen que esta movilidad social a la vez causa el desarrollo de las aspiraciones de una población de ser más y mejor, y a la vez, la desilusión de darse cuenta que no son como los modelos norteamericanos y europeos que se muestran de afuera.
Aquí estoy, Aquí No | Dir. Elisa Eliash | Imagen desde Overlookhotelfilm. wordpress.com
Puede ser que al tener este conflicto de identidad, el personaje anti-héroe abusa del pan amasado para llenar el vacío de una vida sin rumbo. Pero no parece estarle yendo muy bien.
¿Será que lo que el anti-héroe nos dice es que al tener una vida más cómoda, con menos enemigos militares, al vivir en una paz (relativa) se pierdan las ganas reales de pelear por objetivos más grandes que nosotros mismos?
Habrá que contar con más iniciativas como los festivales de cine nacional para saber qué nos diría el inconciente colectivo acerca del pan y sus secuaces.
Alejandra Cuéllar Correa es periodista, nacida en Colombia y ha trabajado en diversos medios norteamericanos, como «El Tecolote», «El Castro Courrier», «San Francisco Public Press», además de fundar la revista de arte, política y cultura independiente «Eat this». En Chile trabaja junto a la productora audiovisual «El Subsuelo» en un programa de música independiente llamado “Bloop”. Tiene un gran interés por el fomento de una cultura independiente con espacios de diálogo, en donde la audiencia y artistas puedan crear nuevas identidades. Ha escrito varias reseñas sobre cine y le interesa fomentar un diálogo acerca de la identidad cultural vista a través del cine y las artes.
México | Filmakersmovie | 27 de febrero de 2013.- Marzo y abril vienen cargados de actividades y talleres en La Casa del Cine, lugar en donde el cine y sus creadores se dan cita para dar forma a sus personajes, historias y sentimientos.
Imagen extraída de LaCasadelCine.mx para su difusión en esta página, respetando todos sus derechos de autor.
La cita es en Uruguay No. 52, 2do Piso, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.
Beasts of The Southern Wild| Dir. Benh Zeitlin | U.S.A., 2012
Por: Ana María Sánchez Rodríguez
Beasts of the Southern wild evoca y provoca una reflexión más de un mundo abandonado que se niega y se ubica en el olvido de quienes no aceptan que la desigualdad existe.
En un contexto de tremendos contrastes, existe esta comunidad que se refugia de lo que se conoce como civilización. Tiene y mantiene sus propias reglas y juega con una dinámica desconocida para muchas personas. Hushpuppy encarna la imagen de esta niña de seis años que crece, madura ve a través de sus ojos la vida, la muerte, la sobrevivencia. Se niega a ser débil, tiene que ser fuerte, tiene que mantenerse en pie, su madre ya no está y su padre busca que su hija sea resistente ante las inclemencias de una tormenta que viene a destruir todo.
Danza y baila al ton de la rola que el cabaret de mujeres que ansían dar el cariño maternal abrazan a aquellas niñas que han llegado de esa tierra no reconocida. Esas tierras que se inundan, se mueren con la gente que las habita y sufre de las injusticias de un mundo que no reconoce que existen esas otras historias, de gente que lucha por mantener su vida como la conoce y como la desea aunque sean beasts of the Southern Wild. Es la fuerza del jabalí que protege y se defiende para salir victoriosa a pesar de la muerte y de la incomprensión de una sociedad que no admite la pobreza.
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Beasts of The Southern Wild
Dir. Benh Zeitlin
Tráiler
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Ana María Sánchez Rodríguez | México
Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.
Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores independientes.
Primer Día de Invierno
Escrita y dirigida por: José Luis Torres Leiva
– Sinopsis-
Juan y su hija de 3 meses viajan a la ciudad para un control médico. Aprovechando el viaje el hombre visita a su hermana a la que más tarde revelará un importante secreto.
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Primer Día de Invierno
Dir. José Luis Torres Leiva
Chile, 2010
17:54
Cortesía de José Luis Torres Leiva.
Elenco:
DIEGO NOGUERA
EMILIA NOGUERA
ROCIO BARAHONA RUIZ
Equipo:
Guión, Edición y Realización: JOSE LUIS TORRES LEIVA
Productores: FRANCISCO ALBORNOZ, JOSE LUIS TORRES LEIVA
Fotografía y cámara: NILES ATALLAH
Sonido Directo: CLAUDIO VARGAS
Post-Producción de Sonido & Foley: ROBERTO ESPINOZA
Dirección de arte y Vestuario: CATALINA DEVIA
Asistente de director: DOMINGA SOTOMAYOR
Galería
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
Primer Día de Invierno | Dir. José Luis Torres Leiva
La teoría llamada “seis grados de separación” propone la idea de que dos personas, cualesquiera que sean en el planeta, pueden ser conectadas con tan solo cinco intermediarios. El sociólogo Duncan Watts en su libro «Six Degrees: The Science of a Connected Age” explica que si una persona conoce a dos personas que conocen a dos personas y así sucesivamente, es posible crear una cadena compleja de conexiones, lo que permite que dos puntos en tal red puedan ser conectados a través de los llamados seis grados de separación.
La teoría inició como una ecuación matemática en los años cincuenta, que tomó forma en 1967 a manos del psicólogo Stanley Milgram, quien ideó un experimento en donde varias personas escogidas al azar enviarían paquetes a distintos destinatarios seleccionados de entre ciudadanos que vivieran en el lado opuesto del país (EUA); pero los paquetes no se enviarían directamente, sino que se les daría a personas que conocieran directamente a los remitentes, esperando ver si alguien tenía contacto directo con el nombre final, de no ser así se pasaría a la siguiente persona y continuaría la cadena hasta encontrar al destinatario. El promedio de intermediarios fue de entre cinco y siete personas, naciendo entonces la llamada frase “seis grados de separación”.
En 1990 John Guare escribió una obra de teatro en donde se retomaba la idea expresada por la teoría (sin ser el tema central el conectar a dos personas a través de cinco intermediarios). La obra fue llevada al cine en 1993 y, en ella, en algún punto, el personaje Ouisa, interpretado en la película (como en el teatro) por Stockard Channing analiza estas conexiones. Ella dice:
“Lo importante es hacer las conexiones correctas para unir los dos puntos”.
Y así es, al conectar a dos personas lo más importantes es enlazar correctamente cada eslabón.
En 1996 Brett C. Tjaden, estudiante de computación en la Universidad de Virginia, creó un programa y lo lanzó como un sitio web de juego al que se denominó «The Oracle of Bacon at Virginia” [el sitio web aún está en funcionamiento]. La idea es conectar al actor Kevin Bacon con cualquier otro actor a través de películas en las que hayan trabajado juntos. Cada enlace se hace a través de la base de datos de la Internet Movie Database (IMDb).
Por ejemplo, para conectar al actor con Christian Bale: Kevin Bacon trabajó con la actriz Calista Flockhart en la película de 1997 “Telling lies in America», quien trabajó con Christian Bale en la película de 1999 “Sueño de una noche de verano”. Una conexión en simplemente un escalón.
El experimento, por tanto, es posible de lograr con cualquier grupo de actores.
Para conectar a Christian Bale con Sharon Stone: Christian Bale trabajó con Winona Ryder en la versión de 1994 de Mujercitas, la actriz trabajó al lado de Anthony Hopkins en la película dirigida por Francis Ford Coppola, Drácula y Hopkins trabajó junto con Sharon Stone en el largometraje escrito y dirigido por Emilio Estévez, Bobby.
En 2006 se lanzó el concepto como serie de televisión (producido por cierto por J.J. Abrams que tuviera un papel menor en la película Seis grados de separación, de 1993). El programa también titulado “Seis Grados” retomaba la idea respecto a la conexión entre personas; en ella seis personajes, relacionados de alguna manera, siguen su propia rutina en la ciudad de Nueva York sin darse cuenta de que sus decisiones de vida afectan a otros a su alrededor.
Esta idea, relacionada incluso con el efecto dominó o el efecto mariposa, ha sido motivo de contenido en muchos otros largometrajes (por ejemplo Crash del 2004), películas que demuestran que las personas están conectadas de una u otra manera, argumento central de la teoría de los seis grados de separación.
Aunque para algunos estudiosos el concepto en sí mismo es selectivo, como el proyecto realizado por la empresa Facebook en 2011, en donde se analizaron los datos de los usuarios y se determinó una conexión entre ellos de, en promedio, 5 grados de separación, para otros, la idea central es lo más importante, la relación entre personas y el cómo, incluso sin darse cuenta, cada uno afecta y toca la vida de otros a su alrededor, además de las ilimitadas posibilidades de historias que esto significa, para el cine o más allá.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.
Como el regreso a un lugar del que nunca nos hemos ido, así volvemos a los pueblos de madera que recorren los honestos personajes que José Carlos Ruiz, Ignacio Guadalupe y Josefina González, construyen del argumento vivido por Juan de la Riva bajo la óptica de su hijo, Juan Antonio de la Riva. Vidas Errantes es la ópera prima que le valió a su director no sólo el Ariel de México, sino el Premio de la Audiencia del Festival de San Sebastián en España.
Vidas Errantes | Dir. Juan Antonio de la Riva | Actor: José Carlos Ruíz – Imagen, Colección IMCINE
El regreso a la Sierra, a las huellas de los pasos que dejamos a la vera de un sendero incierto, quejumbroso pero esperanzador; a la vera de los verdes, de la bruma, de la neblina, del aserrín; el regreso a la trocería, a las casas aserradas, a los trenes vacíos. Don Francisco, (José Carlos Ruiz) conduce la camioneta en cuyas redilas se guarda el proyector y la tela de un cine ambulante, la pantalla que será el espejo de una comunidad tras otra, y el anhelo de un éxodo precario, a veces fortuito.
El sueño de Francisco es ahorrar para construir un cine en San Miguel de las Cruces, Durango, mientras viaja de pueblo en pueblo llevando entretenimiento y una ventana de puertas abiertas en donde puede mirarse lo que sólo uno ve, lo que uno gusta, lo que uno imagina existe antes y después de la serranía. La tragedia, la desolación de una vida cotidiana donde no pasa nada y lo pasa todo, donde se reproduce una vida dedicada al cine como forma de vida. El padre de Juan Antonio de la Riva fue un exhibidor de películas ambulantes, su hijo lo acompañaba desde el principio, nació en el cine, creció con el cine, y el cine habitó en él.
Vidas Erranteshace un homenaje al cine mexicano, proyecta varias películas clásicas, escenas notables, únicas, evoca la concepción misma de llevar el cine a quienes no tienen acceso a disfrutarlo, llevar el cine ahí donde la pantalla es una quimera pero trasciende la memoria de quienes toman asiento y se dejan llevar por la música, por la risa, por el llanto, por el color; por el blanco y negro, por la emoción y el sobresalto, por las historias personales, familiares y colectivas; por las historias que son de uno y son de todos, por los pueblos que no son el nuestro pero como si lo fueran, historias tejidas de a diario, esa dualidad de la vida entre lo cotidiano del trabajo cuando lo hay, y lo milagroso que genera la expectativa de una nueva película.
Un paisaje sin descanso, una obra congruente, sencilla, que entrelaza los sentires y los deja abiertos para que uno los abrace y cobren entonces sentido, emociones que sólo el pueblo conoce y que sólo nosotros conocemos con el pueblo.
La camioneta de Don Francisco lleva congojas y gozos, ilusiones y desengaños, celos y amores prohibidos, ansias y resignaciones; el orgullo y los desencuentros, los caminos que serán compartidos, un espejo de realismo por el cuál Polvo Vencedor del Sol, Vidas Errantes, Pueblo de Madera y El Gavilán de la Sierrase miran una y otra vez y siguen descubriéndose en la serranía, así la filmografía de Juan Antonio de la Riva emerge como un lugar de encuentro.
“El agua sabe a fierro, pero todo fuera como el agua”
…enuncian sus personajes y nos azotan al recordarnos la memoria que no tenemos, el donde nos quedamos, cada instante y cada momento en un pueblo donde no hay para dónde ni para cuándo; la falta de oportunidades, de un devenir alejado de los grandes números de la economía, de la globalización y de las nuevas tendencias del desarrollo. En estos pueblos donde las estimas debaten modernidades inexistentes e intentos por cobijarlas al amparo de una antena, un aparato, un distractor. Pueblos como robles, firmes, ante los pesares, orgullosos de sus aromas, de sus vientos, de sus árboles, de su madera, de su gente. Los grandes maestros del neorrealismo italiano, del cine de oro japonés, de las historias intimistas de la India, y de la nueva ola francesa, aplaudirían la apuesta del maestro De la Riva por filmar comunidades y darles voz a sus historias.
Pueblo de Madera | Dir. Juan Antonio de la Riva – imagen, colección IMCINE
El cine que llega al pueblo es tan vital como el baile que los reúne, así la música se nos escapa entre las manos como la tierra, como las manos del pequeño José Luis (Jair de Rubín) colocadas en la cerca de púas al despedirse de su tocayo, quien le mira con los ojos del que se va y mira al que se queda resignado, ese dolor por dentro, ese grito desesperado, es el mismo que se ahoga por dentro de Don Francisco cuando se quema el cine que tanto trabajo había costado construir. Vidas Errantes y Pueblo de Madera dialogan en guiños condolidos y quemantes. Los amores y desamores, los engaños, las deudas, las pagas, los antojos a la espera de crecerse, las promesas como cuentos, las despedidas y los hasta luegos, así es la historia de nuestros pueblos.
Un paisaje coloreado desde la voz y a mano por Gabriela Roel, Alonso Echánove y Angélica Aragón, un paisaje donde deambulan los fantasmas del pasado, del aquí y el ahora, así como El Salto, en cuya entrada se encuentra un letrero que indica “Bienvenidos a El Salto, Pueblo de Madera” y San Miguel de Las Cruces, en cuya entrada se encuentra un letrero que reza “Bienvenidos a San Miguel de Las Cruces, el Auténtico Pueblo de Madera”.
El pesimismo que dejan los polvos vencedores del sol, es también la esperanza de los pueblos de madera, sus habitantes desconocen si habrá o no nuevos horizontes, viven y disfrutan vivir, sólo así se sobreponen a los problemas, así debió sobreponerse Juan de la Riva a los temblores, a los días aciagos y a su vez, al saber que no estaba equivocado a pesar de la desolación, después del incendio de su cine debió levantar otro, como tras las heladas debemos preparar el arado, como si los pueblos fueran nuevos siendo los mismos “¿A dónde van qué más valgan?” así seguirán yendo a la tienda La Serranita, así seguiremos siendo amigos aunque no volvamos a vernos; si cualquier lugar es el centro del mundo; aquí también es el centro del mundo; que no se coman los animales lo que se lleva el viento.
Vidas Errantes | Dir. Juan Antonio de la Riva -Imagen, colección IMCINE
El Cine Analco que construye Don Francisco, es tan necesario para el pueblo como el Cine Alameda que Don Juan de la Riva trabajó por más de 36 años, ahí donde nació Juan Antonio de la Riva, el director con quien tuve la oportunidad de conversar de manera atenta y afable recientemente, que actualmente funge como Presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de México.
Él me comentó una cita de León Tolstoi, “descríbeme a tu pueblo y serás universal” y que cuando él conoció esa frase, entendió muchas cosas de los autores que admiró y lo motivaron a reflexionar sobre lo que quería hacer.
El maestro De la Riva logró con los reconocimientos internacionales a Vidas Errantes y a Pueblo de Madera, que su cine fuese universal, y tal como versa Pueblo de Madera al inicio, “Mi pueblo es tan pequeño, que cabe en el corazón” y ambas cintas se quedan en el corazón de los espectadores.
Vidas Errantes, 1984 y Pueblo de Madera1990, se suman a las películas emblemáticas del medio rural latinoamericano, que desde el cine mexicano, directores como Roberto Gavaldón, Emilio Fernández, Alejandro Galindo, Gilberto Martínez Solares, Ismael Rodríguez, Alberto Isacc y Luis Buñuel, entre otros, dibujan con pinceles de profunda realidad. De la Riva plasma historias íntimas, las narra, y al dejarlas en libertad las describe tal cual son. Cine rural e itinerante, que se plasma al recorrer los pueblos, al respirar, sentir, palpar, experimentar los sentidos a través de la lente, y quedarnos con un pedacito del pueblo, del paso del tiempo y del imaginario mexicano.
Las Vidas Errantes de un Pueblo de Madera, título de este artículo, pareciera remembrar la actualidad de millones de vidas migrantes en México y el mundo, en Vidas Errantes habla el alma de un pueblo, y en ella, todos los pueblos juntos.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
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