Resultados de la búsqueda: Los tres

Por: Iván Uriel

“Birdman” inicia esta nueva apuesta cinematográfica, con una toma secuencial que nos recuerda la introducción de cintas emblemáticas como “Rope”, 1948, “The Million” 1934, y “A Touch of Evil” 1959, donde la cámara realiza un viaje sin respiro en su visualidad, y se adentra a la temática de su narrativa desde la primera voz, para no soltarla hasta que la película culmina. Las secuencias no dan tregua y nos brinda la oportunidad de disfrutar la genialidad de Emmanuel Lubezky, quien una vez más, se apodera de las cintas en que participa, para dejar una huella superior a la del director en turno.

“Birdman” aborda en sus personajes tres temas clave: la realización, el ego, y la redención; para llegar a ellos nos adentra en diversos subtemas que entretejen los telones del teatro y las actuaciones superlativas de su elenco. Cada personaje habita el ensayo, cada personaje habita la función, la espera para el estreno y la posibilidad del fracaso o del éxito que sustenta la existencia de su puesta en escena. Cuando “Amores Perros” 2000 sacudió al mundo, Iñárritu y su guionista de cabecera Guillermo Arriaga, iluminaron el firmamento del cine latinoamericano con una oferta textual y poderosa, una telaraña de sensaciones, frustraciones y anhelos que entre la complicidad, el desencanto y la expectativa, hicieron una obra maestra instantánea. “21 Gramos” 2003, y posteriormente “Babel” 2006, consagraron a la dupla, haciendo de sus enhebradas historias un collage de sentimientos universal, un reflejo y una alternativa cinematográfica diferente. Las sólidas interpretaciones de sus elencos, las nominaciones y premios, se hicieron una constante, hasta que la dupla se disipó y la duda emergió como alarma. Darle Iñárritu un sello propio  su legado sin la pluma de Arriaga,  llegó con “Biutiful” 2010, y aunque la trama de nuevo aborda un tema universal desde lo individual, la actuación de Javier Bardem superó posiblemente a la trama; con “Birdman” Alejandro G. nos vuelve a mostrar que su estilo se define en cada paso, y que su sello, sin abandonar las influencias de diferentes directores, es un sello propio.

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La “realización” como primer tema, brinda perspectiva a todos los personajes de “Birdman” la actuación como motivo de vida, el teatro como símbolo, el escenario como significado y la audiencia como razón de ser, se combinan para mostrar un corolario de imágenes que van de un lado a otro, llevándonos por los entramados detrás de las cortinas, tras bambalinas y sobre la duela que aguarda la pisada firme, nerviosa y temerosa de la actriz, del actor, de la realización de una vocación intensa que se vierte fugaz una vez que los parlamentos han sido expulsados como una consciencia.

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El “ego”, como segunda y más importante temática, se regodea en la presencia activa de la memoria, de la cualitativa cantidad encumbrada en los premios, en la popularidad, en las cifras, en las notas, en la fama, en el reconocimiento como inspiración superlativa al abrazo, como inspiración metafísica y real de una vocación que aparece en medio de una reflexión que pudiera olvidar que el teatro es arte y no negocio, que actuar es pasión y no el hastío, que mantenerse vigente implica realizarse y no supervivencia.

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“Redención”, cierra el círculo temático que sumerge la fuerza interpretativa en la admiración, en el aplauso que nace de la sorpresa, de la posibilidad de seguirnos asombrando ante lo que consideramos no puede generar el asombro, una carrera en decadencia, una carrera en el olvido, la persistencia de lo que puede ser con lo que fue. Aquí es donde la película se convierte en una epifanía cinematográfica, que conjuga la historia real con la ficción, nunca antes Michael Keaton ha sido tan reconocido, alabado y admirado por su actuación, nunca antes tan valorado, y sí antes mucho más explosivo en la popularidad que gozaron algunos de sus personajes y que aún lo mantienen activo en su recuerdo. “Mr. Mom” 1983,  “Beattlejuice” 1987, y “Batman” 1989, son inolvidables caracteres para quienes en los años ochenta acompañaron su popularidad. Su nominación como “Batman”, por el genio Tim Burton, generó controversia, picardía e incredulidad en la designación, hasta que él mismo alter ego pronunció su nombre para hacerse insustituible en la saga cinematográfica que arrojó varias cintas más, aunque sólo memorables las personificadas por el mismo Keaton en la dirección de Burton.

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Batman existió en él con la misma dualidad  en la identidad que los superhéroes tienen, hasta que Christopher Nolan se permitió regalarnos una trilogía contundente. La cinta de 1989 se convirtió en un enorme éxito taquillero, generó una moda hacia el súper héroe, y después se agotó en su formato hasta que “Spiderman” 2002 renació la fórmula para darle al género una década y media de éxitos que al parecer se extenderá al menos, por otra más.

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 En “Birdman”, Michael Keaton hace una actuación formidable, profunda, detallada, no deja huecos y se apodera por completo del súper héroe, él dio rostro a las películas de súper héroes cuando no existían prácticamente, o cuando los intentos por hacerlas terminaban fallidas comedias involuntarias, Keaton le dio identidad a Batman y esa misma identidad es la que busca en el reflejo de cada diálogo frente al espejo, mientras escucha la voz de su “Birdman” que lo mueve por dentro y desde dentro, nada de lo que sale hacia afuera va solo, le acompaña el reconocimiento, el ego, la frustración, el éxito, el temor, la vocación, la aventura y la posibilidad de redimirse como única esperanza de vida. El arista se debe a su público, a su personajes o a su obra, pero también se debe a él mismo.  El yo, el súper yo,  los guiños a la crítica de un cine invadido por las historias de súper héroes, y por la lejanía de la realidad, se suman a la fantasía que está en nosotros mismos, a la realidad vivir en un personaje y no salir de él pues en su seno radica la seguridad y la única manera de ser.

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 “Birdman” es la mejor cinta de Iñárritu desde “Amores Perros”, en principio por que evade posicionamientos, se aleja de los contextos dubitativos o en debate, y se adentra en la personalidad, en la mente, en las preguntas perennes, en los lamentos y en la alegría de un vuelo;  Iñarritu va más allá en esta ocasión que plantear el desamparo del personaje principal y de su circunstancia, lo rodea de personajes tan profundos o más profundos que el protagonista, con sus miedos particulares, con sus derrotas, con sus victorias y con la esperanza compartida en el próximo estreno, la marquesina que ilumina y abarrota, o la comparsa de una industria que da cabida a la indulgencia.

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 La película explora los ecos del ego y los exclama en gritos desesperados que se ahogan, luego los regurgita entre una secuencia y otra, es una cinta coreográfica, a minutos pretenciosa, a minutos muy íntima, y en síntesis rescata en el espectador la sensación de estar viviendo la experiencia del teatro como “A Street Car Named Desire” 1951 lo consumó; en “Birdman”, cintas de dramaturgia cinematográfica sin ser precisamente teatrales como “Trought a Glass Darkly” 1962, “Who Affraid Virginia Wolf” 1966, “Sonata de Otoño” 1978, “Interiors” 1979, “The Last Metro” 1980, “Leaving Las Vegas” 1995, y “Carnage” 2011, entre otras, encuentran un espacio en “Birdman” para argumentar un soliloquio en las alas del teatro, de la intensa redención, y del intento.

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Birdman

Dir. Alejandro G. Iñárritu

Estados Unidos, 2014

Official International Trailer

2:52

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Aprieta Tuercas

“Nacer para esto”

¿Qué hace a Gustavo Cerati un gran músico? La respuesta simple y directa sería “su talento”, pero tal vez no es suficiente. Contrario a muchos que se pierden en el ocaso después de uno o dos discos, el argentino permaneció vigente en el universo musical durante toda su carrera, como líder de Soda Stereo y, después, como solista. ¿Por qué?

Primero, porque en lugar de seguir alguna fórmula – que dejó bien establecida en canciones como ‘Cuando pase el temblor’, ‘Persiana americana’ o ‘De música ligera’− al modo que la mayoría hace para ser rentable comercialmente (pienso en Arjona, tan alabado por su capacidad de crear la misma canción durante casi cuatro décadas), Cerati logró reinventarse en cada disco, abriendo brecha por terrenos inexplorados en la música latina. Segundo, porque tuvo la complicidad de Zeta Bosio y Charly Alberti para llevar por buen cauce ese talento, sacudiendo sin reparos el río aletargado del rock latino. El resultado fue que el trío de la Soda creó el sonido más original e influyente en el panorama de lo que se denomina “música alternativa.” De solista, también se rodeó de músicos que lograron expresar con fortuna sus ideas musicales, como Daniel Melero, Flavius Etcheto o Richard Coleman, entre otros.

Y tercero, por la calidad de sus composiciones, que va de la mano con su negativa a conformarse una fórmula, atreviéndose a experimentar con nuevos sonidos y formas de componer. Basta hacer un repaso por la discografía de Soda para confirmar este hecho. De ser una especie de adaptación al español de The Cure + The Police en los primeros discos (Soda Stereo y Nada Personal), pasaron a forjarse una identidad en Signos y Doble Vida, hasta alcanzar el grado de clásico con Canción Animal. En este punto, parecía que el grupo ya había pavimentado su camino hacia una gloria confortable, pero decidió bifurcar por una senda azarosa, probando con sonidos electrónicos y guitarras distorsionadas en Dynamo (su mejor disco, en mi opinión). Después, vendría Sueño Stereo para consolidar la fusión rockera-electrónica. Y cuando parecía que aún habría más ramificaciones en su camino innovador, el grupo decidió separarse en 1997, pero poco antes dejó una joya como consuelo: Comfort y música para volar, el cual reelaboró canciones previas –‘En la ciudad de la furia’, ‘Un misil en mi placard’ o ‘Té para tres’− que ya nunca volvieron a ser escuchadas igual.

Por otra parte, su calidad también quedó establecida en solitario. Antes de la separación de Soda, Cerati ya había publicado su primer disco solista, Amor Amarillo (1994), que perfeccionaba el experimento iniciado en Dynamo. Para muchos seguidores fieles, éste ha sido su mejor disco ya que dejaba en claro que se había adelantado a su tiempo con su “rock electrónico”. En aquél trabajo había una armonía insospechada entre la música de las consolas (‘Pulsar’ o ‘Ahora es nunca’) y aquélla salida de instrumentos más tradicionales (‘Te llevo para que me lleves’ o ‘Av. Alcorta’).

El uso de computadoras para crear música fue llevado al extremo en Bocanada y Siempre es hoy. El primero es considerado su mejor álbum por la crítica especializada –donde también incluyó una orquesta en la canción ‘Verbo carne’− y el segundo fue una secuela más rockera, con ‘Cosas Imposibles’ como emblema. En Ahí vamos regresó a un sonido más tradicional, usando las guitarras como fundamento apoteósico de un viaje que alcanza su clímax en ‘Lago en el cielo’; y, finalmente, en Fuerza Natural (2009), su último álbum, agregó un poco de folk-country a su sonido electro-rockero.

Anexos a los discos oficiales quedaron tres experimentos: Colores Santos, +Bien y 11 episodios sinfónicos, que fueron tan imprescindibles en su trayectoria como los “capítulos prescindibles” contenidos en la Rayuela de Cortázar. Para resumir, cada disco de la carrera solista de Cerati fue un peldaño más en la escalera espiral hacia el viento que lo llevó a observar horizontes vedados para músicos y escuchas comunes, a la manera de aquél que pudo asomarse un instante fuera de la cueva platónica y vislumbrar un arquetipo.

Breve comparación “Tabú”

Mencioné de pasada a Ricardo Arjona líneas arriba, pero ahora lo uso como ejemplo para contrastar entre un músico regular y un fuera de serie. Para ser más claro, recurro a una comparación literaria para establecer la diferencia entre ambos músicos: Arjona es un equivalente al escritor Jorge Bucay en el campo de las letras, ya que los dos han explotado sus fórmulas de composición aplicando el mismo procedimiento en cada nuevo disco o libro, después de descubrir que eran atractivas para millones. Ser del agrado de la mayoría los ha transformado, sin asombro, en “éxitos de venta” o, para hablar en lengua común, bestsellers. Tener fama y vender mucho no tiene nada de malo –en el fondo, todos quieren una rebanada del pastel− pero utilizo la comparación para resaltar el hecho de que un artista exitoso no necesariamente es un gran artista.

En cambio, un gran artista sí puede ser famoso y ese fue el caso de Cerati, quien sería una especie de Julio Cortázar, porque ambos rompieron esquemas, jugaron con las tradiciones para reinventarlas e intentaron algo distinto en cada nueva obra (por cierto, Cerati murió el 4 de septiembre, poco después de la celebración por los 100 años del nacimiento del cronopio, quien “vio la luz” el 26 de agosto de 1914). Por otra parte, músico y escritor fueron sensibles al “pulso” del tiempo y navegaron por la cresta del cambio (the times they are a-changin’, sentenció para todas las épocas Bob Dylan), guiando a las nuevas generaciones por sonidos o formas de narrar distintas, más acordes con sus inquietudes y pasiones, indescifradas por la generación anterior. Por ello, tanto Cerati como Cortázar fueron seguidos con fervor por los jóvenes.

“Marea de Venus”: la alucinación

A Gustavo Cerati se le califica con frecuencia como “poeta” por la calidad enigmática y evocadora de sus letras. Sin entrar en debate sobre su capacidad lírica, para mí sus letras guardan una cualidad alucinatoria que rima sin cortapisas con su música. No un bardo, pero sí un trovador que comunica los ecos de sueños envueltos en atmósferas claroscuras, de guitarras densas y ligeras (“mójate los labios y sueña”, sugiere en ‘La secuencia inicial’). Poco después del colapso lamentable de 2010 en un concierto en Venezuela, que lo dejó en coma durante cuatro años, un amigo me dijo que Cerati parecía haber anticipado su muerte en las letras sombrías de Fuerza Natural. Yo había escuchado el disco antes, de pasada, sin mayor atención. Pero luego noté que, en algunas, hay un dejo de abandono: Me perdí en el viaje/Nunca me sentí tan bien/Todo por delante/Todo está hablándome (‘Fuerza Natural’); Cerca del final/Sólo falta un paso más/Siento un deja vu (‘Déjà Vu’); En el goteo de la soledad/Es el sonido de alguien que pende de un hilo/¿Hasta dónde lo vamos a estirar? (‘Dominó’); Son los juegos de Neptuno/Quién sabe cuánto habrá que remar/Oh oh oh (‘Sal’); y He visto a Lucy/Cuando entró a la habitación/El espacio se curvó/Vimos luces, y el metrónomo de Dios/Puso el tiempo en suspensión (‘He visto a Lucy’).

Por algún tiempo asumí que el argentino había entrevisto el final y lo plasmó en estas letras. Luego pensé que quizá sólo estaba buscando frases que confirmaran esta impresión, porque, por otra parte, en el mismo disco había otras canciones que reafirmaban su alegría de existir (‘Cactus’ o ‘Tracción a sangre’, por ejemplo). Y, de cualquier forma, los mensajes “oscuros” estaban incluidos en álbumes anteriores: Separarse de la especie/Por algo superior/No es soberbia es amor/…Poder decir adiós/Es crecer (‘Adiós’).

Siempre es arriesgado querer interpretar las canciones para encontrar una intención oculta; puede ser la antesala al ridículo, porque generalmente se escriben siguiendo impulsos ambivalentes, sin reflexiones sesusadas acerca de su significado. Y Cerati, en mi opinión, escribía de esta forma.

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La suposición del final previsto quedó desmentida también por una entrevista que el músico concedió a Fernando Rivera Calderón el 3 de septiembre de 2009, para promocionar su último disco. En ella, el autor de ‘Nada Personal’ se muestra relajado, ajeno a grandezas y satisfecho con su vida. Considera a Fuerza Natural un disco evasivo, igual que toda su música, porque el objetivo final de ésta es transportar a otros confines, quizá más placenteros que la realidad ordinaria.

Confiesa, además, que escribir las letras es lo que más trabajo le cuesta y lo hace después de crear la música: “Tengo que reconocer de que eso es un mayor trabajo para mí, porque no tengo la costumbre de escribir todo el tiempo y sí de hacer música todo el tiempo.” Por otro lado, afirma que es una persona desequilibrada e incluso un tanto bipolar, como la mayoría de la gente (“Dios es bipolar”, escribió en ‘Fuerza natural’) e, incluso, bromea sobre la posibilidad de que Dios sea también sujeto a terapia: “el psicólogo de Dios me gustaría conocerlo… Imagínate la cantidad de conflictos.” Sin embargo, reconoce que la vida artística es desgastante y a los 50 años su prioridad ya no está en los escenarios, sino en su familia.

Con respecto a la alucinación, Cerati asocia a ésta con la psicodelia, que considera un modo artístico próximo a lo infantil y absurdo, como la “patafísica” o la ló(gi)ca de Cortázar, contradiciendo la noción común de que lo psicodélico es producto de las drogas ácidas. Cita como ejemplo a Syd Barrett de Pink Floyd con su frase de “te mando una carta por un lavaropa”. Dice Cerati: “Los niños en general tienen una psicodelia inherente, ellos alteran el espacio y el tiempo de una forma que a nosotros cuando vamos creciendo nos cuesta más.” Podría inferirse, entonces, que la intención del argentino al escribir es captar esa cualidad infantil a través de metáforas que se convierten en juegos o asociaciones insensatas, en una especie de Rayuela musical que trastoca el tiempo y espacio habituales.

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Ya lo anunció Cerati en ‘He visto a Lucy’: “Yo alucino y lo haré mil veces más»

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Fernando Rivera Calderón entrevista a Gustavo Cerati

Realizada el 3 de septiembre del 2009 en el programa de radio La Noche W

Canal de YouTube: El Weso

40:19

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Por: Francisco Vergara Perucich

El reciente lanzamiento y frenética difusión en el mundo de la economía del libro «El Capital en el Siglo XXI» de Thomas Piketty ha puesto el acento en varios aspectos críticos de nuestra sociedad contemporánea; tales como la acumulación de capital en las ciudades, la inexistencia de la meritocracia y un inminente retorno a los patrones del siglo XIX, donde la economía se basaba en relaciones oligárquicas.

Como consecuencia de esos comportamientos sociales, estallaron diversas revoluciones y guerras que acabaron con la vida de miles; la injusticia social es un gran detonador de conflictos de gran envergadura, lo que se ha comenzado a manifestar furtivamente en diversas partes del mundo a partir de la crisis del 2008.

Este libro de Piketty en cierto modo es un sucesor del Capital de Marx y Engels, y así lo han entendido los intelectuales especialistas en este tipo de temas. No es el primer esfuerzo que se hace desde la academia para prevenir un eventual caos social ante el nivel de injusticias presentes en el mundo, arrastrado por un modelo capitalista carente de capacidades efectivas de otorgar equidad. Ya en 1970 el filósofo francés Henri Lefebvre llamaba a levantarse en contra del capitalismo y revolucionar la forma en que se construyen las relaciones sociales en búsqueda de generar una sociedad que en aquel entonces se consideraba utópica. Las ideas de Lefebvre fueron seguidas por diversos intelectuales como David Harvey, Edward Soja, Susan Fainstein, Neil Smith, entre tantos. Para todos ellos, las ciudades serían el retrato de las diversas crisis capitalistas que enfrentaría el mundo si no se alcanzaban soluciones efectivas a las injusticias sociales que se avenían.

La consecuencia de esta crisis global sería la producción de una sociedad distópica; es decir, una civilización indeseable, que muchas veces ha sido retratada de manera fantástica por el cine.

La ciudad, la distopía social y el cine han sido aliados estratégicos desde la ya lejana Metrópolis de Lang (1927). Parece ser entretenido ver nuestro entorno construido sumergido en una crisis. Esto entrega parámetros altamente sugerentes para cualquier guion que busque situar a los espectadores en un ámbito reflexivo, crítico y expectante sobre el futuro. La ciudad, entendida como el cuerpo construido donde se desarrollan las relaciones humanas, ha sido y será siempre la principal protagonista de los argumentos que apuntan a generar una crítica social congruente a los problemas que vive la sociedad contemporánea y el cine desde sus inicios ha contribuido a visualizar el futuro de nuestras ciudades y de nosotros mismos como sociedad desde.

A continuación se presentan algunas películas notables que han logrado instalar reflexiones críticas de nuestro tiempo a partir de la representación de la ciudad, reflejan una crisis social. Estas distopías entregan un cuerpo reflexivo y prospectivo sobre el futuro que vale la pena revisar.

Algunas de estas reseñas pueden tener spoilers:

Wall-E

El cuento del robot que buscaba limpiar por si solo la totalidad de la basura acumulada en la ciudad de Nueva York pasa a segundo plano cuando la película nos lleva a una ciudad espacial llamada Axioma, construida dentro de una nave flotante que ha reemplazado a la tierra sobreexplotada. El espectador pasa de observar un escenario destruido por los desechos, a una ciudad que se visualiza como un constante Times Square del mismo Nueva York, lleno de anuncios lumínicos y de paisajes virtualizados, donde la sociedad ha perdido la necesidad de relacionarse físicamente para pasar a depender únicamente de la interfaz.  Esta dependencia tecnológica y nuevas maneras de relacionarse hacen que la ciudad como contexto construido pase a segundo plano y así  mismo se pierda el sentido de la relación social que tiene lugar en un contexto físico dado. En relación a esta nueva idea de ciudad sugerida por la película, resultan atingentes las reflexiones de Manuel Castells sobre la sociedad de la información, en tanto enfatizan el lugar de los avances tecnológicos como el gatillantes de una transformación total en la base material de nuestras vidas.

Fragmento Wall-E |Dir. Andrew Stanton | E.U.A., 2088

Canal YouTube : Francisco Albarello

Watchmen

Podría ser interpretado desde el concepto de “violencia asertiva” acuñado por Slavoj Zizek. Este tipo de violencia, según Zizek, está referida a los actos cargados de sentido político, que muchas veces vemos defendidos en discursos públicos que apuntan a justificar la guerra. La estrategia que utiliza Ozymandías () para lograr la definitiva paz mundial es una distopía futura que calza con dicho término. Según la anécdota, Moore (y Sydner La película de superhéroes inspirada en la obra de Alan Moore expone un argumento que podría ser conectado con el texto de Slavoj Žižek sobre violencia, calificando la estrategia que utiliza Ozymandias (Adrian Veidt) para lograr la definitiva paz mundial como un caso de distopía futura como consecuencia de lo que el eslovaco llama «Violencia asertiva». Este tipo de violencia está referida a los actos cargados de sentido político, que muchas veces vemos en discursos politicos que apuntan a justificar la guerra. En este caso, Moore (y Snyder por consecuencia) plantean la destrucción por ataques atómicos de las ciudades más emblemáticas del mundo, aquellas donde la producción y acumulación de capital es más evidente, indicando que esta sería la mejor manera de iniciar un camino hacia la paz mundial. Como bien dice Veidt en el comic: aniquilar a millones, para salvar a billones. Este escenario futuro con la destrucción masiva de las llamadas «capitales globales», implicaría repensar el modo en que se produce el capital y en que se reproducen las relaciones sociales, eventualmente cambiando de una escala global hacia una local. Lo distópico, en este caso, es el camino elegido por Ozymandias para alcanzar ese fin.

Watchmen | Dir. Zack Snyder | E.U.A., 2009

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District 9

El Apartheid produjo negativos efectos urbanos, los cuales son innegables. Numerosos son los estudios que indican de que manera se siguen produciendo áreas de segregación espacial en las ciudades de Sudáfrica, a pesar de que el Apartheid se dio por terminado durante los notables gobiernos de Nelson Mandela. A pesar de avanzar hacia mejorar estas situaciones, los cambios introducidos durante el mandato de Mandela no lograron alcanzar todos los cambios que se esperaban, lo que se hizo manifiesto al mundo con la copa del mundo de futbol del año 2010. La película de Neil Blomkamp, cuya anécdota ensaya en torno al eventual escenario que provocaría la acogida por parte del gobierno a un grupo de indefensos extraterrestres, muestra una visión critica de esta nueva Sudáfrica, donde si bien existen buenas intenciones por parte del estado en relación a recibir y acoger a los que son diferentes (en este caso los alienígenas que vienen en la nave), ante los desencuentros culturales toma medidas segregatorias y represivas. La creación de guetos en Johannesburgo ofrece una reflexión sobre la forma en que se enfrenta hoy en día el problema de la escasez de vivienda en el mundo: la crisis de los «sin techo» ha decantado en la producción de asentamientos informales, que surgen de manera casi biológica dentro de las grandes urbes las que concentran los recursos para la generación de empleos y que ofrecen mayor cantidad de posibilidades de ingresos para sus habitantes.

District 9 | Dir. Neil Blomkamp | Sudáfrica y Nueva Zelanda, 2009 

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Elysium

A mi parecer, Elysum es una película que está en la misma línea del texto de Piketty en relación a la validez de la lucha de clases que planteaba Marx en el siglo XIX. En esta visión distópica, las elites económicas lisa y llanamente han abandonado la tierra para evitar todo tipo de contacto con la clase obrera. En una referencia a los panópticos de Michel Foucault, no solo se han ido de la tierra para vivir en un espacio paradisíaco (emulando a los campos elíseos), sino que además han desarrollado todo un sistema de vigilancia desde el exterior hacia lo que ocurre en el planeta, de manera tal que las clases sociales no se mezclen. Esta forma de vida es ampliamente difundido en Latinoamérica, que posee espacios diferenciados para la elite que en Chile se conoce como «Barrios Altos» (donde vive, se educa y moviliza la gente con mayores ingresos de cada ciudad). Ante la segregación urbana aparece la insurgencia social, tal y como lo ha planteado James Holston en «Ciudadanías Insurgentes», propone que ante la falta de oportunidad y equidad de derechos sobre la ciudad la ciudadanía tiene la capacidad de organizarse y depender de ella misma para salir adelante, revelándose ante el sistema para imponer sus propias reglas. En la película, dicha insurgencia se podría interpretar como el intento de Max da Costa (Matt Damon) por lograr que toda la tierra tenga acceso al sistema de salud que tenían en Elysium. Una lucha por un derecho social muy vigente en Estados Unidos por estos días.

Elysium | Dir. Neil Blomkamp | E.U.A., 2013

 Canal YouTube: CBMT Trailers

El cine ofrece muchos escenarios distópicos para nuestras ciudades enfrentadas a las crisis que todos vivimos a diario. Para quienes estudiamos los fenómenos urbanos, mantener la mirada atenta a nuevas visualizaciones de un futuro crítico para nuestra civilización nos permite reflexionar teóricamente sobre la factibilidad de estas realidades y como se pueden llegar a evitar. La ciudad seguirá siendo fruto de especulaciones sobre un futuro terrible, mas lo importante es que como sociedad logremos mantener dichas escenas en el mundo de la fantasía.

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Francisco Vergara Perucich | www.democracities.com | Chile –  Inglaterra

 Arquitecto Universidad Central de Chile, Magister en Arquitectura PUC, Master en Construcción y Diseño Urbano en Desarrollo de la University College London y Candidato a Doctor de la misma Universidad en Planificación y Desarrollo. Se ha desempeñado en cargos representativos como Presidente del Centro de Alumnos de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Central, Vice-Presidente Comité Arquitectos Jóvenes de Chile y profesionalmente como Asesor de Gestión y Planificación Director Regional de Vialidad. Actualmente es Presidente de la Chilean Society de la University College London, socio del estudio Plural Arquitectos y director del sitio: www.democracities.com.

Por:  Aprieta Tuercas

 Publicado el viernes, 18 de abril de 2014 en morellet.blogspot.com, ahora compartido por su autor en esta página a modo de breve homenaje.

Hoy es día de luto universal. Por ello, en lugar de publicar la última parte de la trilogía sobre la hegemonía y el asesino solitario, esta entrada está dedicada a Gabriel García Márquez, uno de los escritores más queridos y citados, y el mejor periodista que ha habido, según mi opinión ranchera. Acepto que escribir sobre el recién fallecido Nobel colombiano es una decisión un tanto oportunista, pero también está motivada por un sentimiento extraño de tristeza. Es raro sentir pena, porque nunca conocí en persona al escritor y empecé a leerlo cuando ya estaba consolidada su fama y prestigio. Es decir, muchos años después de que publicara su obra cumbre, Cien años de soledad.

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Hay un vínculo extraño entre escritor y lector que se consolida por la admiración de quien lee, como si el que cuenta las historias fuera un amigo entrañable no visto durante años, pero que está cerca porque revela aspectos extraordinarios de la vida que nuestra inteligencia pierde en el trajín ordinario de la rutina.

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Esta cercanía la sintieron por Márquez millones de lectores, constituyéndose en su cualidad más misteriosa y envidiada, a tal grado que muchos le decían “el Gabo” con inusitada familiaridad. 

Lo primero que leí de Márquez -como tantos porque era la obra más citada y preferida- fueron los cien años solitarios y me pareció la novela más completa por tener un final que cerraba sin fisuras la monumental epopeya de los Buendía. En mi lectura ingenua, pensé que la novela tenía la forma de un círculo perfecto porque principio y fin coincidían en el mismo punto. Como muchos, admiré sin reservas a la obra y al autor. Después, renegué de este entusiasmo al considerar que el colombiano había usado hasta el hartazgo la fórmula del “realismo mágico” y, además, era un best-seller. Otra cualidad (o defecto, según la perspectiva) del escritor era haber logrado que lo leyeran quienes se jactaban de no ser lectores. En lo personal y en un arranque de esnobismo, opté por descalificar el resto de su obra como una derivación marchita de la leyenda de Macondo, influenciado por el movimiento McOndo, creado por el escritor chileno, Alberto Fuguet, para criticar el exotismo desmesurado de las historias del colombiano, refutado por la realidad urbana y sin “fantasías” de Latinoamérica, más parecida al mundo consumista anglosajón. Por otro lado, algunos sostienen que Cien años de soledad fue un hito en la literatura y, por tanto, es injusto medir con esta cumbre el resto de las creaciones de Márquez porque era imposible repetirla. Al respecto, recomiendo la lectura de García Márquez: Historia de un deicidio -largo ensayo sobre la obra del colombiano escrito por su amigo Mario Vargas Llosa- para entender de qué manera se gestó el estilo mágico-realista y cómo todas las novelas previas y posteriores confluyen en la saga de la familia Buendía.

Recientemente he revalorizado la obra de García Márquez a través de la lectura intermitente de sus Notas de prensa (1980-1984). El libro es una selección de las columnas publicadas durante esos años en el periódico colombiano El Espectador. En ellas, el autor de El amor en los tiempos del cólera escribió abiertamente sobre cualquier asunto de forma menos adornada y, a mi parecer, más contundente porque expresa en dos o tres cuartillas la esencia de su estilo y de algunas historias incluidas en sus novelas. De ahí que piense que es mejor periodista que novelista porque, además, sin la primera actividad jamás habría sido capaz de escribir sus ficciones. Incluso, algunas de sus historias, como Relato de un náufrago o Noticia de un secuestro, son más cercanas a la crónica periodística. Es un ejemplo escaso de una persona que combinó con fortuna dos actividades creativas, de las cuales la base y la cúspide son el periodismo.

El novelista, en su caso, no logró superar al periodista, actividad que el propio escritor consideraba el “mejor oficio del mundo”. Por ello se sentía tan cercano a Hemingway, quien también se había formado en el periodismo, aunque desconozco si el norteamericano fue mejor novelista porque nunca supe qué sucedió con el “gato bajo la lluvia”. Por ejemplo, con sentido del humor llano e incisivo, Márquez comparte en estas Notas un “domingo de delirio” que vivió en Cartagena de Indias con su editor español, en el cual se juntaron tantos sucesos inconcebibles que el visitante le dijo que ‘no había inventado nada en sus libros’ y, para ser francos, era un ‘simple notario sin imaginación.’ Movido por su humildad de grillo, el colombiano no refuta esta opinión en la nota y se dedica a narrar lo que pasó aquél día, demostrando, de paso, el origen de su estilo “mágico”. De la confusión en el aeropuerto por los letreros que indicaban la salida y entrada de pasajeros, Gabo y su editor vieron después cómo el mercado popular más concurrido había sido sustituido por el Centro de Convenciones, un edificio enorme y de costo estratosférico que las autoridades justificaron bajo el argumento de que era necesario para ‘coronar todos los años a la reina de la belleza.’

Antes de poder asimilar semejante astucia, el editor visitó la casa de los padres del escritor y experimentó en carne propia el comportamiento peculiar de una familia en la que el padre de 80 años planeaba una excursión por la selva amazónica; la madre de 76 lavaba los platos por segunda vez porque la lavadora eléctrica no lo había hecho bien; una nieta contaba con naturalidad cómo se había visto a sí misma desde la cama cuando regresaba del baño; y la tía Elvira de 84 años llegaba de improviso a la casa, feliz, abriendo los brazos y declarando que venía a despedirse porque ya casi se iba a morir… Como podría esperarse, el escritor tuvo que esforzarse (¿qué le habría dicho?) para convencer al editor de que ésa era su vida cotidiana. Su proceder como reportero (simple notario que consigna la realidad) al escribir ficción lo confirma su impresión de que los escritores de América Latina y el Caribe tienen que reconocer, ‘con la mano en el corazón’, que la realidad es mejor escritor que todos.

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‘Nuestro destino y tal vez nuestra gloria, es tratar de imitarla con humildad, y lo mejor que nos sea posible’. La realidad latina es tan copiosa en detalles insólitos que ya no es necesario imaginarla (transformarla), como intentaría un novelista. La gloria del colombiano reside, entonces, en haber sido el mejor al emular esta realidad.

En cuanto a su muerte, las notas de prensa mexicanas y colombianas informaron que el escritor padecía cáncer en fase de metástasis y, por su avanzada edad, se descartó la quimioterapia. Encima, era víctima de Alzheimer, diagnosticado desde 2006. Tenía 87 años recién cumplidos el pasado 6 de marzo y ya había superado previamente un cáncer linfático. Por coincidencia extraña, días antes de su muerte leí en las Notas una columna titulada La vejez juvenil de Luis Buñuel, dedicada a la autobiografía que había publicado el cineasta en 1982, preocupado por su pérdida de la memoria, y que motiva una digresión sobre la vejez. Cita Márquez a Buñuel, sin saber que 24 años después experimentaría algo similar: ‘hay que haber empezado a perder la memoria, aunque sólo sea a retazos, para darse cuenta de que esta memoria es lo que constituye nuestra vida’. El colombiano apunta que empezará a escribir sus memorias en cuanto antes para acordarse de todo. El resultado fue Vivir para contarla, publicada en 2002, donde hace un recuento de su juventud e infancia. Muchas de las notas incluidas en el libro que refiero incluyen recuerdos de esta época, como el asesinato real que inventó Crónica de una muerte anunciada; el viaje iniciático en buque, de Barranquilla a Bogotá, por el Río Magdalena; o el encuentro a distancia en París con su querido Ernst Hemingway.

Para quienes esperaban otro volumen con los recuerdos de la edad adulta deberían adentrarse en esta selección de columnas, que incluyen un sinnúmero de vivencias, como la noche de terror que vivió junto a su esposa en un castillo medieval de la campiña toscana; los cables interceptados y descifrados de la CIA cuando trabajaba en Prensa Latina, que permitieron anticipar el desembarco en la cubana Bahía de Cochinos; la locura vivida durante el día más caluroso en Ámsterdam, donde hasta las computadoras se negaban a funcionar con normalidad; o su último encuentro con el panameño Omar Torrijos, un día antes del accidente fatal del general. Sobre la condición indeseada de hacerse viejo, Márquez da un consejo simple: la vejez se contiene no pensando en ella y viviendo hacia el porvenir.

Miro la última fotografía publicada el 6 de marzo por su cumpleaños: Gabo viste impecable de traje gris con una flor en la solapa. Sonríe y aplaude a los reporteros que fueron a su casa a cantarle “Las mañanitas”. Es un viejo joven. Ajeno a sentimentalismos, la muerte del colombiano significa la partida de un escritor universal (de ahí que sostuviera al inicio lo del luto universal) y uno de los más queridos. Al lado de Guerra y Paz, Crimen y Castigo, Madame Bovary, La comedia humana, Historia de dos ciudades y obras afines, estará Cien años de soledad. Como escribió el periodista Jon Lee Anderson, García Márquez será extrañado como un padre.

Paquidermo

El mejor cuento de García Márquez fue aquél que cuenta la historia del hombre que se extravió para siempre en sus sueños. Soñaba que dormía en un cuarto igual al que dormía en la realidad y, en ese segundo sueño, soñaba de nuevo que dormía en el mismo cuarto. El despertador sonaba en la mesa de noche de la realidad y el dormido empezaba a despertar. Primero tenía que despertar del tercer al segundo sueño y, lo hizo tan lentamente, que el despertador dejó de sonar. Tuvo entonces la duda de estar en el cuarto real o seguir en el segundo sueño. Cometí el error de dormirme otra vez para intentar descubrir un indicio más certero de la realidad en mi segundo sueño. Fracasé y, por consiguiente, me dormí en este sueño para buscar la realidad en el tercero, después en el cuarto, el quinto y así sucesivamente. Con desesperación, empecé a despertar hacia atrás, del quinto al cuarto, del cuarto al tercero, etcétera, pero perdí la cuenta y pasé de largo por la realidad. Empecé a soñar, qué remedio, detrás de la realidad, en otros cuartos, hasta perderme en la galería sin fin de cuartos iguales. Dormido para siempre se paseaba de un extremo a otro de los sueños incontables, sin encontrar una puerta de salida a la realidad. En un cuarto de número intraducible, la muerte fue su alivio.

–    Ligera alteración del proyecto de cuento nunca escrito por García Márquez, que lo emparentaba con Borges y, a su vez, con Kafka (El mar de mis cuentos perdidos, 25/08/1982).

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.