5 marzo, 2026

Resultados de la búsqueda: Los tres

Memorias del Subdesarrollo | Dir. Tomás Gutiérrez Alea | Cuba, 1968

Memorias del Subdesarrollo: Retrato de un Momento Histórico de la Revolución

Por: Daisy Novoa Vásquez

 

Memorias del Subdesarrollo | Tomás Gutiérrez AleaMemorias del Subdesarrollo es una película cubana de 1968 del director Tomás Gutiérrez Alea que está basada en la novela del escritor cubano Edmundo Desnoes.  En el filme a blanco y negro el personaje principal es un escritor aspirante de la burguesía cubana, Sergio, quien se queda en la isla luego de ver partir a su familia y amigos en exilios voluntarios hacia Miami un par de años después de la Revolución Cubana de 1959.  A lo largo de una narrativa compleja donde los monólogos interiores del protagonista son un pilar importante de análisis y reflexión sobre la realidad cubana, además de abundante información visual y otras perspectivas vamos descubriendo el impacto inmediato del régimen comunista en el estilo de vida del país y su gente. Vemos los cambios mayormente negativos que la revolución ha traído a la isla, además de la constante incertidumbre de no saber que pasará cada día, de ver a la gente partir o desaparecer, mientras se sabe a viva voz que miles de niños mueren de hambre en la isla a pesar de que las promesas de la revolución eran de equidad y bienestar para todos.

La voz de Sergio nos recuerda periódicamente a lo largo de la película que nadie sabe a donde irá a parar el proceso histórico que se está viviendo en Cuba, pero nos deja claro el impacto feroz del subdesarrollo en el que yace ahora su país no sólo es evidente y tangible en la arquitectura decadente del lugar,  en la incapacidad de mecánicos de arreglar automóviles por la falta de piezas, sino también en la forma de pensar de algunos cubanos, como por ejemplo el de la inconsecuente Elena quién pretende atarse a él a la fuerza luego de inventar que ha perdido su virginidad en los brazos de Sergio.

 Sin embargo a lo largo del film, que transcurre entre la invasión de Bahía de Cochinos y la Crisis de los Misiles, el mismo Sergio es ambivalente ante su postura política, sentimientos personales, y rol social. Así como divaga en su narración histórica sobre los acontecimiento de la época, de la misma forma divaga en un nihilismo existencial.  Sergio, al final de cuentas es un burgués pasivo con una propensión a la crítica, que muestra a veces incongruencias en sus pensamientos y acciones, y otras veces observaciones humanos profundas y ciertas; pero en definitiva sus acciones y pensamientos son fundamentalmente intrascendentales por no tener una postura clara.

A lo largo del largometraje Sergio recuerda a viva voz como La Habana se ha convertido en una ciudad que parece de provincia, que desde que se quemó El Encanto, La Habana que antes era conocida como la Paris del Caribe ahora no es más que una Tegucigalpa del Caribe.  La revolución de una forma u otra es una involución en algunos aspectos para el protagonista.  Las palabras y recuerdos de Sergio están mayormente llenos de desesperanza y apatía. Por ejemplo, Sergio critica a  Picasso por considerarse un “comunista” cuando este vive como millonario en Paris con todas las comodidades que el comunismo no tiene y que de hecho quita a la gente.  Además habla claramente de cómo la revolución ha callado al individuo y este se ha convertido en una criatura que vive con miedo, que se ha vuelto reaccionaria. Dispuesta a echarle la culpa a otros para evitar responsabilidades. Sergio analiza la relación dialéctica entre los individuos y el grupo, y finalmente concluye que la gente bajo esta revolución no es consciente y analítica y necesita que alguien siempre piense por ellos.

 

Titón, como era conocido Gutiérrez Alea por amigos, utiliza muchos elementos visuales y narrativos para retratar el profundo impacto del gobierno Castrista en la vida privada y colectiva de su gente.

Una escena poderosa y de reflexión en la película es la de cubanos en el aeropuerto listos para abandonar su país mientras tienen que entregar sus relojes antes de irse. El símbolo de dejar obligatoriamente sus relojes es importante pues refleja por un lado la opresión del régimen comunista que toma control sobre  los bienes materiales de las personas y por otro la abnegación de las personas dejar atrás “su tiempo” en la isla, de ver por última vez las manecillas de reloj avanzando allí en Cuba, para irse en un exilio a otra parte.

Memorias del Subdesarrollo | Tomás Gutiérrez AleaOtro elemento narrativo y visual importante para demostrar el subdesarrollo en el que se encuentra Cuba, son las tomas en la casa-museo del escritor Hemingway en la isla. Aquí Sergio por un lado ve como Elena es incapaz de apreciar el valor histórico y educativo de la casa del famoso americano y así demuestra la poca sofisticación y madurez intelectual y estética de la joven que es semejante a la de muchas personas en la isla.  Del mismo modo, al hacer todo un recorrido por la casa de Hemingway encontramos que el escritor realmente no tenía nada de valor cultural o folclórico de la isla por lo que Sergio interpreta que Cuba era realmente insignificante para el americano. Sergio observa también que los países atrasados solo le sirven a la gente de países desarrollados para matar animales, pescar, tomar el sol y por sus mujeres preciosas.  Todas las cosas de las que Hemingway disfrutaba en Cuba.

Tomás Gutiérrez Alea usa una narración fragmentada similar a la de la memoria humana y es así como vemos a su protagonista  recordando partes de su vida con su ex-esposa antes de que abandonara Cuba, con su ex-novia europea cuando estos eran muy jóvenes y tal vez narrando subjetivamente algunas partes y poniendo más valor sentimental en algunas memorias que en otras.  Pero es así como poco a poco entre esas memorias aparecen las memoria del régimen. La evidencia del abuso de poder. De como Sergio es visitado por gente del gobierno que viene a investigar sobre sus posesiones, inmuebles, y estilo de vida, y como eventualmente pierde derecho sobre algunas de estas para acomodar el bienestar de todos, pues ese es el objetivo del comunismo; de dejar de ser un individuo y formar parte de un todo.  Así mismo Gutiérrez Alea, emplea a Noemí, la muchacha que limpia la casa de Sergio para demostrar como el gobierno comunista censura la religión.  Pues vemos a Noemí confesarle a Sergio que ella es protestante y que fue bautizada en secreto en el río.  Sergio imagina a la bella joven siendo sumergida en el agua con un traje blanco que al pegarse a su piel muestra su cuerpo; más adelante Noemí comparte fotos de su bautizo con Sergio y este se da cuenta como su imaginación fue más lujuriosa que las vivencias reales de Noemí. Así Gutiérrez Alea muestra nuevamente que la mente humana puede ser subjetiva y también emplea fotografías como un recurso del recuerdo.

Una forma de memoria más objetiva pero no infalible pues siempre son sujetas a nuestra interpretación.

 Noemí muestra estas fotografías a Sergio con mucha timidez, y vemos como a la mujer no le queda más remedio en el régimen comunista que ocultar la práctica de su fe.  De esta forma vemos como la revolución usurpa derechos básicos de las personas, y cómo estas a veces tienen que resignarse a sufrir en silencio o a recordar sólo lo más tolerable para poder subsistir, tienen que olvidar u omitir lo que no les gusta si es que no tienen escape.  Es así como también Sergio reflexiona en un momento casi al final de la película que “en el subdesarrollo todo se olvida. Nada es consecuente.”  Tal vez tratando de evocar que la mayoría de cubanos que siguen en la isla, sin poder huir, han olvidado consiente o inconscientemente las promesas buenas que Castro les hizo algún día y las mismas promesas que ellos se hicieron para así poder seguir viviendo.

Al final de Memorias del Subdesarrollo Tomás Gutiérrez Alea nos da a entender que alrededor de tres años han pasado desde que Fidel Castro tomó control de Cuba.  Kennedy habla el 22 de Octubre de 1962 y luego se muestra a Castro en televisión diciendo que “todos deben ser uno en esa hora de peligro y que la gente debe saber vivir en la época que le ha tocado”, haciendo alusión a la crisis de los mísiles.  Gutiérrez Alea demuestra la incertidumbre y preocupación de vivir en una época de revolución, sabiendo que hay la probabilidad de tener una guerra.  A través de Sergio vemos esa impotencia de no saber que pasará en cualquier segundo, mas este mismo personaje ve a muchos de su compatriotas caminando por la calles de La Habana sin miedo a lo que pueda pasar, tal vez ignorando las repercusiones de un desastre armamentístico.

Sergio claramente dice: “Nada tiene sentido, la gente se mueve y habla como si la guerra fuera un juego.”

Esto puede ser interpretado como el subdesarrollo analítico de las personas en Cuba, quienes en realidad no entienden las consecuencias de esta amenaza, o su indiferencia a morir, o tal vez la insensibilización a este tipo de amenazas puesto que se han acostumbrado a vivir bajo un gobierno militarista donde las libertades y los derechos humanos son pocos. Donde bajo esa revolución cada día se vive con incertidumbre, sin saber que pasará el día siguiente y con miedo a pensar y a hablar libremente.

Memorias del Subdesarrollo

Dir. Tomás Gutiérrez Alea

Cuba, 1968

Película Completa

Canal YouTube: encubalovi1

1:34:12

 

 

Daisy Novoa VásquezDaisy Novoa Vásquez | daisynovoavasquez.com | Estados Unidos

Daisy Novoa Vásquez es una escritora chilena-ecuatoriana. Emigró a los  Estados Unidos en el 2002. Desde entonces ha vivido en varias ciudades  del país y trabajado para empresas de medios de comunicación y  publicidad. Estudió la universidad en los Estados Unidos y Corea del  Sur. Ha viajado extensamente por Norte América, Europa, Asía, y  Latinoamérica. En la actualidad es consultora de medios multiculturales, contribuye para el periódico Hispano El Planeta de Boston y para el  portal bilingüe tuboston.com  Daisy escribe mayormente artículos, poesía y  cuentos cortos; abarcando una variedad de temas y estilos. Su nueva  publicación es el libro de poemas Fluir en Ausencia.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez | Barcelona,  2013

 

Trama | Foto: Diana Alcántara | Filtro: Filmakersmovie
Trama | Foto: Diana Alcántara | Filtro: Filmakersmovie

“En la narración, la innovación semántica consiste en la invención de una trama”, dice Paul Ricoeur (1913-2005), filósofo francés, en la introducción de su libro “Tiempo y narración”; esto es, que en toda narración la forma en que se plantea un relato (en estructura y traza del discurso), tiene como fundamento la inventiva, es decir, la utilización lógica de las herramientas que lo conforman, dándole uno u otro significado a cada uno de los elementos que forman parte de ella. El cine, por ejemplo, alimenta su narrativa cuando crea nuevas maneras de contar historias a partir de la forma y significación que da a los elementos que le construyen, a sus partes; tales son las imágenes, el sonido, el diálogo, los símbolos, los escenarios, etcétera.

La creación de narrativas es un puente entre realidad y ficción en donde la asimilación del entorno tiene un eco en la creación del relato. Este proceso permite la exploración de ideas o temáticas, en sus representaciones tanto poéticas como de narrativa, dependiendo del lenguaje que se escoja. Por ejemplo, en la cinematografía, la construcción del guión o la realización de la película. Tal exploración es una forma de libertad creativa que no se deja (o no debería dejarse) atropellar por la cotidianeidad de la vida.

 

Si bien la creación de relatos implica hacer uso de la función mimética, de imitación de la realidad, la narrativa como tal, en su inventiva (literaria, audiovisual o artística), implica una asimilación esquemática y relacional con la realidad, muchas veces a través del uso de la metáfora; ésta, junto con la retórica, son algunos de los instrumentos de los que hace uso el cine para contar historias, ya sea en su escritura en guión o en su etapa de adaptación a material  audiovisual.

 

El proceso como tal, de tejido o entramado, apela a la capacidad de imaginación creadora propia del hombre. La imaginación busca la creatividad a partir de formas previamente aprendidas, es decir, se toma como base el conocimiento previo para, a partir de allí, llegar a un nuevo conocimiento. Ejemplo de ello es la estructura del relato, una película cualquiera, siempre divida en tres partes esenciales: principio-medio-final (presentación del caso-peripecias-resolución). Esta estructura lógica, e incluso evidente, es aprendida por el hombre desde pequeño y pasada de una generación a otra; la ideación de este modelo es parte de la llamada trama del relato; romper o reestructurar dicho modelo lineal significa alimentar la trama, darle complejidad e intención, mayor significado y uso.

 

La trama en el cine es por tanto la línea estructural de la historia, en su orden, su perspectiva o su temporalidad. Una misma idea puede contarse de diferentes formas de acuerdo con el uso de la trama pues se trata del ¿cómo se cuenta la historia? El clásico cuento de un príncipe que rescata a una princesa puede ser contada de muchas maneras, según se estructuren los acontecimientos que conforman dicho cuento.

Otras importantes herramientas del relato son consideradas al momento de trazar una trama, desde el tono de la historia (género y estilo), hasta la capacidad fílmica propia del cine, por ejemplo la posibilidad de que varios eventos puedan suceder al mismo tiempo dentro del desarrollo de una película.

 

Se dice que no puede haber dos películas idénticas porque no puede haber dos tramas idénticas, a menos que deliberadamente se copie una de la otra. Esto significa que la posibilidad para contar historias es innumerable, los recursos con que el cine cuenta para llevar un relato a la pantalla son vastos, tanto que incluso una misma historia, una misma idea, puede presentarse de diferente maneras, con una diferente trama o una diferente intención, sólo este cambio de perspectiva, tiempo y estructura, hará que la experiencia de ver una u otra película sea totalmente diferente.

La experiencia del cine es irrepetible, siempre toma un nuevo significado. Ver, por ejemplo, una película por segunda o tercera ocasión no provocará las mismas sensaciones ni reflexiones que como la primera vez que se miró y eso pasa, en parte, porque la perspectiva con que se asimila la trama (la historia o su discurso) no es la misma que como la primera vez que el espectador se acercó a ella.

La trama, como estructura, es el esqueleto que sostiene al cine.

Diana Alcántara Diana Miriam Alcántara Meléndez | México | España

 Guionista y amante del cine, ha estudiado  Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin  de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca,  entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

 

Por: Perla Atanacio

 

La humildad, una costumbre que se practica muy poco, sutil característica de los hombres que dejan huella de sus pasos.

Perla A.

@MasterChef España | Foto: RTVE  2013
@MasterChef España | Foto: RTVE 2013

Durante trece emisiones fuimos testigos de un contenido vuelto fenómeno en la televisión española, un reality que convocó a cocineros aficionados de todo el país para mostrar sus mejores platos, entre 9mil aspirantes 40 pasaron a la siguiente ronda, 15 entraron a la casa y sólo 1 ha obtenido el título de Master Chef, Juan Manuel, un joven  camarero de 25 años que desde el inicio del programa expuso que ser chef era el sueño más grande  de su vida, acompañado de la humildad que lo hizo grande, las ganas de aprender y su evolución dentro de la cocina.

El formato creado por Franc Roddam y adaptado a la televisión española por RTVE y Shine Iberia, bajo la producción de Macarena Rey  y Ana Rivas, contando con la dirección de Eva Sanz y Jordi Rossell, ha resultado un gran acierto. Nos llevó de la mano entre pasiones y fogones, brindando 120 minutos de tensión, alegría, drama, enfrentamientos en la sartén, en el paladar, conocimiento y gusto de Samantha Vallejo-Nájera, la naturalidad y exigencia de Pepe Rodríguez y  la disciplina de Jordi Cruz, merecedores de premios nacionales e internacionales de cocina, cabeza de importantes empresas de catering y restaurantes de sumo prestigio. Los jurados sin duda fueron la sal y pimienta para degustar este rico plato fuerte cada semana, aportando a la mesa la elegante frescura  de Eva González, quien daba el toque dulce y refinado en cada emisión.

No podría definir qué sabores me ha dejado @MasterChef en la boca, estando la cocina llena de un universo infinito, las definiciones parecerían pocas, y son vastos los gustos.

 

La realidad en este “reality” fue suprema, pues gana el esfuerzo, la humildad, el ser humano que persigue un sueño. El contenido hizo honor a su nombre y cumplió su tarea al serlo, se enfatizó en los retos y la manera de resolver cada prueba, cómo se  trabaja en equipo, en unitario, y lo que uno lleva en la sangre, en las manos, el corazón y la cabeza.

No hubo lugar para pleitos, si para disputas profesionales y diplomáticas, no hubo espacio para el ocio, el cuchicheo,  la vulgaridad, en este programa se pudo sufrir y disfrutar la destreza de los participantes.

Ojalá existieran en la televisión abierta mexicana propuestas audiovisuales de este tipo, pues hasta el momento hemos sido expuestos a un cúmulo de odas al ocio y enredos baratos, que años más tarde realizan “re encuentros”, tal vez lo más cercano a respetar el talento ha sido “La voz”, que ha destacado eso, la voz sobre la trivialidad y el sinsentido de realities previos y posteriores, tanto de baile como de la “imitación, de la imitación de la imitación de los imitadores”.

Aplaudo cambio de horario que se realizó en un principio dentro de la barra programática de la 1, dando identidad a la emisión entre los seguidores como los “#MartesChef” que se reflejó en redes sociales, así mismo expresiones de alegría al conocer el ganador de esta contienda culinaria.

Imagen de Twitter, inspiración para el título de esta reseña, respetando los derechos de su autor.
Imagen de Twitter, inspiración para el título de esta reseña, respetando los derechos de su autor.

Me gustaría destacar el trabajo del equipo técnico, que puedo reflejarse en la producción de cada programa, así mismo a quien nos mostró, a través de su lente, momentos que se han vuelto clásicos en el programa, Mario Biondo, cámara.

Celebro a la distancia los premios que ha recibido y habrá de recibir este programa, esperando que ese ingrediente secreto nos deleite con un plato tan magnífico en su próxima edición.

Ahora a disfrutar de los relatos de Fabián  en su página http://foodtografia.net/ , las delicias que Eva nos trae a la Riviera Maya y el vestigio que Juan Manuel nos transmite en su libro de recetas.

Este programa acercó la cocina al público, volcando al público a la cocina, ahora tal vez, cada que prepare una sencilla tortilla de patatas la servirá de manera diferente, “con mucho mimo”, o seguramente ya se encuentra experimentando con nuevos sabores en la mesa, y es que para cocinar, como dijo Pepe Rodríguez, hay que comer mucho, así como para hablar y hacer tele hay que quererla, disfrutarla y respetarla con la misma pasión.

Mientras tanto…

¡Hay que darle sabor a la vida!

Eva González

 

Uno de los mejores programas de @MásterChef:

 

Capítulo 12 

 —

Perla Atanacio MedellínPerla Atanacio | IMDB@pratanacio |  México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones,  la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

 

Antes del Anochecer | Before Midnight | Dir. Richard Linklater | Estados Unidos, 2013

Por: Iván Uriel

Los besos no ofrecían resistencia porque le dejaban el deseo en los labios…me voy pero te llevo conmigo, premura tengo en verte llegar y aún no te has ido.

Iván Uriel

 Before MIdnight

El amor a todas horas, en la premura, en la calma, puntual y a destiempo; el amor que irrumpe, el que avisa, el que conversa; el amor que se sabe; que renueva, que madura; el amor sutil y sereno, el amor como mentira, el amor como verdad; el que engaña, el que ilusiona, el ideal. El amor que inicia, el que termina; el de unas horas, el de un instante, el de toda la vida… amor en la palabra, amor en la caricia.

Así se suceden las casi dos décadas desde que “Antes del Amanecer” cimbrara las convencionales historias de amor, y el interludio que significó la bella postal “Antes del Atardecer” con el mismo reparto y director, determinados a seguir contándonos en tiempo real y jugando con el espacio como una suerte de virtud, la historia de Jesse y Celine, la pareja que se enamora al caminar, al hablar, al escuchar, al debatir, al dialogar, al compartir.

 

Richard Linlaker deja así el testamento amoroso que literalmente se saborea paso a paso, palabra a palabra, y que se cubre de caricias en tres entregas cinematográficas que hacen de su trilogía, un legado de los afectos.

 

En 1995 “Antes del Amanecer” celebró el encuentro como acontecimiento, como milagro, como señal, como aventura; en 2004 “Antes del Atardecer” celebró el encuentro como un acto de voluntad, de deseo, del anhelo compartido en los albores de una decisión. En la primera cinta los jóvenes que se encuentran en el tren acuerdan espontáneamente recorrer la ciudad como escala de su tiempo compartido, justo antes de volver a los vagones donde se conocieron para tomar cada quien su sendero en la soledad que deja el vacío de una compañía cuando en realidad lo fue. Una década después, literalmente separados por un océano, por amores, por los andares distintos, vuelven a toparse, ahora los jóvenes son adultos, ahora el encuentro es reencuentro, pero igualmente un acontecimiento, y aquello que sintieron antes del amanecer funge como testigo. No son los mismos, su vida no es la misma, y la conversación tampoco lo es, no es que haya crecido con ellos, sino que la conversación se reinventa, fluye y no se agota, y no se agotará antes del atardecer que nos deja sin aliento, hasta otros casi diez años cuando Ethan Hawke y July Delpy reinterpreten sus roles emblemáticos en “Antes del Anochecer”. En la tercera parte 2013, tras casi diez años de espera y contemplación, de nueva cuenta la caminata se disfruta, la caminata se acompaña en soledad y en pareja, la reflexión sobre el amor y sobre nuestras relaciones comienza en uno mismo.

 

La trilogía de Linklater lleva al espectador a conocer el amor que dura las horas de un día en cada cinta, y que en la tercera, y con la misma duración de tiempo real, nos describe como el amor de aventura y voluntad, se convierte en una celebración del encuentro como reflexión, madurez, reflejo y destino.

 

El amor de un día se convierte en el amor de todos los días, y el amor de unas horas en el amor de todas las horas. Escenas evocadoras para los amantes y para quienes amamos el amar en sus distintas expresiones, nos hacen abrazar los hubieras con la cadencia de las decisiones, del dolor o el gozo de tomarlas, en la responsabilidad de asumirlas. El amor idealista se ha instituido con los años, la convivencia de unas horas cada diez años se ha vuelto la convivencia de todos los días, y ante el tedio, la costumbre o la meditación de las decisiones; el enamoramiento, los estados del amor, la voluntad, el deseo.

 

Antes las metáforas, las experiencias que en su vivencia se vuelven consejos, los amantes siguen conversando, y a cada paso dejan que fluyan los pensamientos, las sensaciones y las reflexiones del mundo, de la gente, del arte, de la comida, de los gustos, de los sueños, de las expectativas, de la realidad, de la fantasía, de lo que fue, de lo que es. El amor y las relaciones humanas son cuestión de andarse, hablarse, escucharse, sentirse, al menos así lo hacen sentir “Antes de Amanecer, Antes de Atardecer y Antes de Anochecer”, una trilogía para observar, reflexionar y sentir, para disfrutar en soledad y en compañía, antes de que amanezca, de que la tarde llegue, de que la noche avance, antes y después, el amor a todas horas.

Antes del Anochecer | Before Midnight

Dir. Richard Linklater

Estados Unidos, 2013

Tráiler 1:50

Canal YouTube/ Cinescondite Rises

 

IvanUrielIván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

..

www.flacsoandes.org
www.flacsoandes.org

Ecuador | Redacción Filmakersmovie | 22 julio de 2013.- Se llevará a cabo los días 23,24,25 de julio 2013 el taller «Sonido vs. Comportamiento Humano», dirigido a personas relacionadas con la producción audiovisual y sonora, así como público en general en el Project Room de Arte Actual FLACSO en Quito, Ecuador.

Durante estos tres días, los alumnos disfrutarán de sesiones teórico-prácticas que abordan la influencia del sonido sobre el ser humano en su comportamiento, características y evolución.  expuestos a conceptos clave del sonido en la música, el cine y publicidad, realizando trabajos, participando en actividades que desvelen sus puntos de vista sobre este tema, forjando su postura sobre el «Sonido vs Comportamiento Humano».

Pablo Tello será el responsable de dirigir e impartir este taller.

 

Pablo Tello (1984) es tecnólogo en sonido, músico y fotógrafo. Realiza sus estudios en el Instituto de Artes Visuales de Quito. Desde muy corta edad empieza una reflexión sobre la influencia que tiene la música y el sonido en el comportamiento humano. Durante sus estudios superiores y luego de un aprendizaje autodidacta de varios instrumentos musicales, enfoca su trabajo profesional al estudio e investigación de la psicoacústica.

Flacsoandes.org

Enhorabuena por realizar estas actividades que fomentan la discusión y construcción del pensamiento humano y artístico.

Para conocer las actividades de Flacso, te invitamos a visitar su sitio oficial.

www.flacsoandes.org

Fuente

Redacción

T.Na.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

 

El guión cinematográfico es la estructura escrita de la película. Hacer un guión para una película es contar una historia a través de palabras escritas que evoquen las imágenes que la conforman. Su formato, estructura y planeación sigue parámetros específicos, entendidos por los que trabajan en la industria y aprendidos-enseñados por los que se dedican a su crecimiento y evolución.

Construcción fílmica | Foto: Diana AlcántaraAlgunos de estos parámetros son, por ejemplo: la división de la historia en tres actos o la escritura en tiempo presente – voz activa para el guión literario-.

 

Precisar el uso del tiempo presente en el guión permite una descripción de acciones de manera activa y dinámica, la voz pasiva por el contrario, pone las acciones de los personajes en un plano casi indiferente con lo que sucede en la historia; no es lo mismo decir “ella se levanta” que “levantarse hace ella” o “ella se levantó”. Importante recalcar que el uso de la voz activa es una regla que se sigue en el guión al narrar acciones, el diálogo sigue las mismas reglas de conversación propias de las personas, la voz de cada personaje es única, así como su forma de hablar.

 

La temporalidad se usa como un modo indicativo para entender, tanto para el lector, que la historia se desarrolla y fluye, como para la filmación, que la acción toma lugar frente a la cámara. Este estilo de narración, establecido dentro de la cinematografía con la práctica y los años, sirve para aproximarse a la historia, lo mismo para el que lee, como el que representa, el que trabaja en ella o el que la ve.

 

El guión está escrito de manera descriptiva, contando la historia a través de palabras que narren y digan lo que sucede. Así como el buen hablar es importante para ciertas formas artísticas y sociales, está el bien escribir como base para la escritura de guiones. El guión no sólo es el fundamento de un filme, es la base de la historia, su lenguaje debe ser claro, preciso y poético, las directrices del guión no son meras indicaciones, son, más bien, un relato (en palabras) literario, con reglas gramaticales y directrices de estilo que envuelvan al lector tal cual lo hiciera una novela, un cuento o un artículo periodístico.

 

El paso de guión a película será preciso e incluyente si el guión mismo se presenta de esta manera. Las emociones de una tragedia o una comedia, los enredos, las discusiones y la profundidad de las conversaciones y reflexiones deben estar presentes en el escrito de la película como en su resultado audiovisual.

El largometraje, una vez terminado, queda guardado en un dispositivo de video para ser transmitido a un espectador que ve el material audiovisual, de alguna manera, también en su presente; es decir, el público, la primera vez que ve una película, vive el momento, el momento del cine, aunque esté viendo imágenes previamente grabadas; su experiencia es irrepetible porque se da en tiempo real.

 

Dentro del relato el tiempo es relativo; una historia puede tomar lugar en un solo día o en varios años, el tiempo del relato puede ser tan largo o tan corto como se desea, sin embargo, la película, en su tiempo real, dura en promedio de 90 a 120 minutos. La película dentro de su realidad puede pausarse, saltarse varios años dentro de la historia, poner en cámara lenta una escena o retroceder en su propio tiempo, todas estas son herramientas de la narrativa de las que el cine también hace uso.

El relato fílmico utiliza estas herramientas para enriquecer su trama; su estructura, el uso del flashback o del flash forward (saltos del tiempo hacia atrás o hacia adelante), las acciones simultáneas o la pluralidad de acciones, los montajes o las elipsis, son recursos que permiten la forma narrativa del cine en un estado complejo, desafiante para la mente, para la creatividad y a favor de la potencialidad del relato en su formato audiovisual.

El cine es un relato complejo pero libre, libre para experimentar y libre para crear y expresarse, pero su construcción va de la mano de especificidades, más que de reglas o directrices, de lineamientos que lo hagan competente consigo mismo, desde la ideación de un argumento a la escritura de un guión, de la filmación de escenas a la postproducción de material visual y sonoro.

Diana Alcántara Diana Miriam Alcántara Meléndez | México | España

 Guionista y amante del cine, ha estudiado  Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin  de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca,  entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.
Xalapa, Ver. | Redacción Filmakersmovie | 22 de mayo de 2013 .- Los alumnos de 4° semestre de la Licenciatura de Comunicación de la Universidad Anáhuac de Xalapa,  tienen el agrado de invitar a la comunidad audiovisual veracruzana, a la «Muestra Cinematográfica Pininos». 
En la Muestra presentarán realizaciones que los alumnos han  producido como proyecto final para la materia de  «Lenguaje Cinematográfico», a cargo del Mtro. Andrés Palma Buratta, realizador audiovisual,  director de cine y guionista de tv.

La exhibición se realizará el próximo viernes 24 de mayo 

a las 11:30 hrs.

En la Galería de Arte Contemporánea (GAC)

Calle Xalapeños Ilustres #135 (esq. Santos Degollado)

Centro Histórico,  Xalapa, Veracruz,

México.

Muestra Cinematográfica Pininos | Anáhuac de Xalapa
Muestra Cinematográfica Pininos | Anáhuac de Xalapa | Cartel diseñado por los alumnos para la difusión de este evento.

Queremos felicitar esta iniciativa, que pone desde ya a los alumnos en un panorama artístico profesional, al valorar el esfuerzo impreso en sus realizaciones.
¡Enhorabuena chicos!

Filmakersmovie  presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

afiche

Dirigido y adaptado por:  Julián Franco Lorenzana

-Sinopsis-

Adaptación del relato de Poe que indaga en los sentimientos del odio y la venganza, en la que asistimos con detalle al plan que despliega el implacable Montresor para asesinar a su amigo Fortunato. Sirviéndose de la vanidad de éste, Montresor lo conducirá a través de las catacumbas de la antigua casa familiar en un clímax en el que la soberbia y el rencor mueven los hilos de un engaño mortal.

 

La Barrica del Amontillado de Edgar Alan Poe

Dir. Julián Franco Lorenzana

España, 2004

14:05

 

 

 Manuel de Blas | José María Blanco

Adaptación: Julián Franco Lorenzana

 

Equipo:

Directora de Producción: Alejandra R. Ortas

Jefe de Producción Cáceres: Alberto Palacios

Ayudantes de Producción: Chema Ramos | Antonio Villanueva | Teresa De Paz |  Antonio Pérez Lobo | Julián Casasolas | Lourdes De la Vega | Enrique Botejara

 

Jefe de Producción: Beatriz Vives

Ayudante de Producción en Post Producción: Alberto Rodríguez

Locaciones Pre Producción: Juan José García

Ayudante de Dirección: Gaby Beneroso

2° Ayudante de Dirección: Jauma Fonte

Script: Rosa González

 

Dir. Fotografía: Miguel Amoedo

Operador: Javier Calvo

Foquista: David Rengel

Ayudante de Cámara: Marini Brusasca

 

Dir. Arte:  Stefanía López

Atrecistas: Adela Pérez | Daniel Santos | Francisco Tocón | Milagros Puentes

Gafer: Carlos López

Eléctricos: Pedro Velasco | Alejandro Rebollo | Pablo Montesinos | FAHD | Martha García | Zuriñe Moreno

 

Jefe de Sonido: Sergio Bernal

Ayudante de Sonido: Salva Sepúlveda

Montaje: Daniel Urdiales

Mezclas: Germán Pujol

 

Música Original: Luis Felipe Gutiérrez

Violín y Cello: Jan Oelman

Producción musical: Carlos Mata | Luis Felipe Gutiérrez | Alberto Téllez

 

Cortometraje |  Color. 35 mm

Productora: Avimaytu

Una producción de: Julián Franco Lorenzana y Alejandra R. Ortas

 

 

 

Galería:

 

España , 2004

 Contacto:

Julián Franco Lorenzana

 

 

 Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos: contacto@filmakersmovie.com

 

 

 

 

LA BARRICA DEL AMONTILLADO from Franco Lorenzana on Vimeo.

TelefilmesLanzamiento Canal 22México | IMCINE | 22 octubre de 2012.- El Instituto Mexicano de Cinematografía y Canal 22, se unen este lunes 22 de octubre en el Lunario del Auditorio Nacional  a las 18:30hrs para presentar el lanzamiento de tres telefilmes que serán emitidos en el mes de noviembre en canal 22, con el fin de promover realizadores y realizaciones mexicanas entre su audiencia, ofreciendo este espacio de expresión y entretenimiento en su programación.

Las películas a presentar son:

Hecho en China
Largometraje 90 min.
México, 2012
Dirección:Gabriel Guzmán S.
Producción: Ale García, Antonio Urdapilleta.
Guión:Gabriel Guzmán S.
Fotografía: Alejandro Cantú Medero.
Edición:Gabriel Campillo.
Música:Rodrigo Montfort.
Dirección de arte: Pablo Garza Segovia.
Compañías productoras : Imagyx Entertainment, FOPROCINE, Canal 22.
Reparto: Odiseo Bichir, Víctor Hernández, Carlos Cobos, Eduardo España, Claudia Ramírez, Norma Angélica, Takahiro Murokawa, Mario Zaragoza, Omar Fierro, David Colorado, David Arauza
En su cumpleaños número 50 Marcos Márquez, un obsesivo y frustrado escritor, sólo recibe de regalo una extorsión de la mafia china y la invitación a la boda de la única novia que tuvo hace 30 años. Cansado de sus problemas y con la esperanza de ver a sus viejos amigos, Marcos decide cruzar en auto el país para ir a la boda. Sin embargo, no cuenta con que en su viaje lo acompañará Fernando, un repartidor de 18 años, con gustos y personalidad completamente opuestos a los suyos. Juntos, tratarán de llegar a tiempo a la boda… y de no asesinarse en el camino.

 

En el ombligo del cielo
Largometraje 106 min.
México, 2012
Dirección:Carlos Gómez Oliver.
Producción:Patricia Coronado, Claudia Flores Lobatón.
Guión:Carlos Gómez Oliver.
Fotografía:Alejandro Cantú.
 Edición:C´Cañak Weingartshofer, Carlos Gómez Oliver.
Música:Luis Leñero.
Dirección de arte:Daniela Cruz.
Compañías productoras:IMCINE, FOPROCINE, Canal 22, Malicia Producciones, S. de R.L. de C.V., con la participación de la UNAM, Coordinación de Difusión Cultural, CUEC.
Reparto:Magali Boysselle, Noé Hernández, Montserrat de León, Mossy Santini, Emilio Guerrero, Guillermo Larrea, Esteban Soberanes.
Una joven ejecutiva, Andrea, se queda atrapada durante un fin de semana en la azotea del edificio donde trabaja, en compañía de Gualberto, un intendente de limpieza. Auténticos náufragos en un mar de concreto y vidrio, los personajes reflexionarán sobre sus vidas y su escala de valores.

 

Chalán
Largometraje 60 min.
México, 2012
Dirección:Jorge Michel Grau.
Producción:Verónica Novelo, Jaye Galicot.
Guión:Édgar San Juan Padilla.
Fotografía:Alberto Anaya.
Edición:Miguel Schverdfinger.
Música:Pascual Reyes.
Compañías productoras:Film Tank S.A. de C.V., FOPROCINE, IMCINE, Canal 22 con el apoyo de Banco Santander, UNAM, CTT Exp &  Rentals.
Reparto:Noé Hernández, Juan Carlos Remolina, Ari Brickman, Luis Cárdenas, Marco Antonio Argueta, Antonio Zúñiga.
El día a día de Alan -chofer y asistente de un diputado federal- consiste en aguantar la ira y prepotencia de su superior; sortear el menosprecio de los escoltas; y sobre todo, limpiar todo rastro de las travesuras del diputado. Hoy Alan vivirá un día distinto.

 

Entre las personalidades que estarán presentes en este lanzamiento se encuentran Marina Stavenhagen, Directora General del IMCINE, Magdalena Acosta, Directora General de Canal 22, así como realizadores, productores y talento de cada cinta.

HwoodSDEstados Unidos | TWS | septiembre 2012.- Se lanza al mercado online, el  producto con más de tres décadas de preparación, dedicados a recabar información  por parte de The Writers Store’s , que ha trabajando directamente con la gente detrás de las películas favoritas del mundo para conformar:  «El Directorio de Hollywood Screenwriting«,  un recurso especializado para descubrir dónde y cómo vender un guión.

Con más de 1.500 anuncios con expertos del sector, tales como estudios, compañías de producción y financiamientos independientes, el libro ofrece:

Información verificada de contacto, incluyendo números de teléfono, direcciones y direcciones de correo electrónico.

Los detalles cruciales de cómo si se acepta «material no solicitado» y cómo prefieren recibir presentaciones.

Una guía de formato de la escritura correcta y asesoramiento sobre embalaje de su presentación.

• Paso a paso las instrucciones sobre la escritura de cartas profesionales de consulta, tratamientos y líneas de registro.
Además, el libro contiene material  ilustrado,  con consejos y sugerencias que le ayudarán a crear una presentación de calidad.

Se dice que con el Hollywood Screenwritting Directory, se tiene a lado, una confiable fuente de información que presume, dará significantes posibilidades de vender un guión en Hollywood o bien en el merecado en donde desarrolle su trabajo.

Para mayores informes, viste la página The Writer’s Store.

Fuente.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Teatro en Pantalla
Teatro en Pantalla | Foto: Diana Miriam Alcántara

Históricamente la cinematografía se ha apoyado en otras artes para su desarrollo, entre ellas el arte escénico, éste ha aportado técnicas o herramientas en algunos de los procesos del mundo del cine. El teatro significa la representación de historias frente a una audiencia en directo, así, aspectos como la escenografía, la actuación, la literatura y la música se convierten en algunos de los elementos más importantes para el teatro, mismos a los que la cinematografía pone detallada atención, en especial porque también son elementos importantes para las películas.

Han existido diversas comparaciones entre el teatro y el cine, finalmente porque ambas cuentan historias en escena, pero mientras uno lo hace en escenarios en vivo, el otro lo hace frente a una cámara; ésta capta la escena que quedará grabada en imágenes, mismas que después son reproducidas a través de un proyector para la audiencia. Pero el punto convergente entre ambas artes, sus similitudes, recaen en la manera en que trasladan la palabra escrita hacia un ambiente escénico dramático.

Los orígenes del teatro en nuestro continente datan, según historiadores, desde épocas prehispánicas, con la transmisión de relatos por parte de los sabios hacia sus tribus, o de rituales que se pasaban de generación en generación en tiempos antiguos. En otro contexto las civilizaciones egipcia, griega y romana desarrollaron la dramaturgia a través de obras, poemas, relatos y demás escritos; tal como posteriormente lo harían otras culturas, civilizaciones orientales, mayas, africanas, europeas y demás.

Este proceso de contar historias a través de tres actos, de dar diálogo a personajes, o el representar acciones y situaciones, van muy ligadas a la escritura de un guión y a la construcción de escenas, es decir, a varios de los aspectos que contribuyen y significan hacer una película.

Muchos de los primeros proyectos cinematográficos iniciaron en una etapa en la que el cine comenzaba a experimentar posibilidades a través del uso de la cámara; en ese entonces mucha de la producción se limitada a capturar imágenes en movimiento en tiempo real, tal como se puede observar en cortometrajes, documentales o películas de inicios del siglo XX. Para expresarlo en término prácticos, era como capturar en rollo fílmico una representación teatral. No obstante, el lenguaje y la narrativa cinematográfica fueron evolucionando para dejar de expresar sólo el reflejo de una realidad y para construir sus propios escenarios. De ahí que el cine sea tan distintivo de las otras artes, que haya evolucionado y que se diferencie de otros espectáculos de entretenimiento.

Pero la colaboración entre ambas artes no ha cesado, al contrario, se ha mantenido presente a través de los años. Ejemplo de ello son las varias adaptaciones que se han realizado de obras teatrales al ámbito cinematográfico. Entre algunas de las películas que se encuentran basadas en obras de teatro se encuentran: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (EUA, 1966), Cuestión de honor (EUA, 1992), La duda (EUA, 2008), así como conocidas obras de la literatura como La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde o Hamlet de Shakespeare; u obras musicales como Rock of ages (EUA, 2012) o Sweeney Todd (EUA-Reino Unido, 2007).

Es importante observar cómo muchas veces la cámara, la cinematografía misma, ha sido utilizada a favor del cómo contar la historia. Algunas de las ventajas del uso de la videocámara son el poder mover la perspectiva de los personajes, el poder estar en dos o más lugares a la vez, la habilidad para moverse entre escenarios y momentos de la historia, o el transmitir mayor o menor intimidad entre el espectador y los personajes, es decir, poder acortar distancias; situación que se encuentra limitada en un teatro, por los espacios y la temporalidad al contar una historia en vivo y en tiempo real.

Al igual que las adaptaciones literarias, lo más importante al llevar al cine una obra teatral es el de ser fiel a las intenciones, los mensajes, las reflexiones y las temáticas estudiadas por el o los autores de las obras, pero sobre todo, el de aprovechar las ventajas que la cinematografía ofrece para el enlace y la conexión que se crea con el espectador a través del cine.

Diana AlcántaraDiana Miriam Alcántara Meléndez | México   

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Focus ForwardEstados Unidos.- Un selecto grupo de famosos directores internacionales, se reúnen para filmar pequeños documentales de tres minutos, destacando los importantes avances en materia tecnológica, artística, cultural, en el transporte, asistencia higiénica, terapia genética, gestión de residuos, y cualquier otra esfera que sirva de inspiración para las excepcionales ideas que cambian al mundo, y que han influido en el curso del desarrollo humano con un gran potencial para afectar significativamente la manera en que nosotros o las próximas generaciones viven.

A través de sus ojos verás cómo los ingenieros, educadores, inventores, filósofos, cirujanos, trabajadores sociales y otros están utilizando sus habilidades y visión para ayudar a sembrar las semillas de un futuro mejor.

Para mayor información visite la página oficial de Focus Forward.

Fuente.

Focus Forward website