Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

«Somos un punto entre millones de puntos”.

Iván Uriel

Hace ya 35 años de que un pasajero no advertido, entró como polizonte al medio de la navegante tripulación que explorando el vacío del universo, encontró a sus más antiguos habitantes, el pasajero no advertido dejaría su huella indeleble en la cinematografía mundial a través de una cinta plena de sorprendentes y realistas efectos especiales, de un sonido cuyo terror pudo escucharse desde el espacio, y que dejaría impregnadas las pantallas desde las entrañas de la ciencia ficción que aún extraña su frescura, su luminosidad y su nacimiento, irónicamente desde la oscuridad que advierte nada, el pasajero no advertido literalmente emergió para hacerse presente como un intruso en la tripulación, luego como parte de la misma, finalmente como el único pasajero capaz de habitar a otros más, capaz de irrumpir en la nave y provocar los más agudos gritos dirigidos hacia dónde habita el silencio.

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“Alien, el octavo pasajero”, la obra maestra de Ridley Scott, que este año cumple 35 de haberse estrenado, convirtiéndose en un clásico instantáneo, y dejando varios legados fundacionales que atestiguaron la unicidad y originalidad compartidas.

Suspenso que convoca diversos géneros, terror que antecede a la expectativa, acción que reluce heroísmo y valentía; audacia, astucia, prudencia, cada movimiento será calculado desde el momento en que somos asechados, la audiencia pasa de observar a escapar, sufre como cada miembro de la tripulación y desconfía de cada uno; el espectador observa solitario, sólo en la compañía de Ripley, la heroína que revoluciona el “género” en muchos géneros, y llena de símbolos cada uno de sus actos, hasta la escena final que dará lugar a sólidas secuelas como Aliens 1986, estupenda película de acción dirigida por James Cameron, o a la intrigante precuela Prometeus de 2012, dirigida por el mismo Ridley Scott; sin que esto ignore las continuaciones forzadas, las pretensiones al alinear personajes de otras sagas, o simplemente las propuestas que buscaron explicar lo inexplicable y quedaron en sendos intentos, incluso teniendo directores a la postre consagrados como David Fincher.

En Alien, la compenetración con cada pasajero es inaudita, conocemos a cada uno, sentimos sus temores, su sentir e incluso la insensibilidad que nos hace caer en la suposición o en la sospecha. Elenco de maravillosa composición, Tom Skerritt, en su inolvidable Capitán “Dallas”; el icónico Harry Dean Stanton, como el ingeniero “Brett”, primer pasajero en topar con el octavo a bordo, y que no era precisamente el felino “Jones”; John Hurt en una de sus mejores épocas interpretativas como “Kane” y la memorable fuerza de la escena en donde de su pecho emerge el pasajero inadvertido. Yaphet Kotto interpreta a “Parker” amigo y colega de “Brett”; mientras que el maestro Ian Holm, da cátedra de ambigüedad, dualidad e inteligencia a su personaje “Ash”.

Como si fueran un escenario propio de los realities que han caracterizado la televisión mundial en el presente siglo, Alien, presenta esa lucha por la supervivencia, la suspicacia, la falta de confianza, la credibilidad y la lucha por sobrevivir al otro mientras se ha sembrado la duda, personificada, imaginada, o aterrorizada en un pasajero no invitado al abordaje. Esta selección de caza y presa, sería poco tiempo después, también inmortalizada en la maravillosa “La Cosa” 1982 de John Carpenter, y tendría en los mismos años setenta, una veta abierta en “Deliverance” 1972 de John Boorman.

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Lo que más destaca, por encima de la espectacularidad de una ciencia ficción inteligente, emotiva, pausada, en silencio y al estruendo, es la redimensión de “género” en todos sus sentidos, hay dos personajes femeninos en la tripulación, “Lambert”, caracterizada por Verónica Cartwright, y “Ripley” la quintaesencia del héroe de acción, que en este caso sería también la del héroe femenino de acción.

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Con “Terminator”, años más tarde, James Cameron elevaría a la ciencia ficción a otros niveles con un personaje de similar calibre, Linda Hamilton haría de “Sara Connor” una heroína potente, llena de fuerza y energía; curiosamente después como hemos mencionado, Cameron dirigiría a Weaver en “Aliens” con el mismo tenor de acción de su “Terminator”.

Ridley Scott quien cimbró la ciencia ficción en 1982 con “Blade Runner”, con “Alien”, dejó cimentado el rol femenino a la estratósfera, unió la valentía, la determinación y el erotismo en uno, la femeneidad no asociada al género sino a la sobrevivencia y a la inteligencia del ser humano sin género determinado, el atractivo, la belleza, la seducción, fueron por antonomasia una compañía del personaje. “Gravity” no puede negar la influencia que ha tenido de “Ripley” para solventar su protagonista y dialogar con el atractivo, la sensibilidad, la inteligencia y el erotismo que Sandra Bullock muestra en homenaje directo o indirecto a Sigourney Weaver. Weaver que aparecería de la mano de Cameron hacia guiños e su gran papel en “Avatar” 2009.

A 35 años de distancia, “Alien” sigue siendo valorada y reconocida como una obra maestra fundacional, una película para la historia en diversas formas interpretativas y una nueva forma de ver el cine, justo en la década que hizo de la ciencia ficción una vía seria para contar historias íntimas y repito, redimensionar a la mujer como personaje multidimensional y héroe de la película; como “Edge of Tomorrow” 2014, cinta de acción sorprendente, en cuyas secuencias de heroísmo, Doug Liman realiza sendos homenajes temáticos, entre ellos recurre en “Rita Vrataski” Emily Blunt, al reconocimiento involuntarios o intencional, a la más grande heroína de ciencia ficción de la cinematografía, “Ripley”, la única capa de convivir, cohabitar y derrotar al octavo pasajero, al menos hasta la siguiente continuación de esta pieza generacional.

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Alien

Dir. Ridley Scott

E.U.A., 1979

Canal YouTube: Moviepilot Trailers

Tráiler 2:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Los motivos visuales son imágenes que contienen un significado narrativo y una carga simbólica inmersa en sí mismas, a fin de que su presencia enriquezca el todo del que forman parte, una película por ejemplo.

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“Motivo visual nos remite al contenido, al tema que quiere transmitir, a su narratividad”, dice Jordi Balló en su libro “Imágenes del silencio”. El autor habla de los motivos visuales como imágenes que representan algo de modo metafórico o simbólico.

“Los motivos visuales se presentan como momentos aislables dentro de las películas, en escenas y en secuencias”, dice el autor. Esto es, las imágenes, las escenas y las secuencias son parte clave dentro del todo que es la película. Por sí solas son representativas, pero, cuando se embonan con el resto, cargan con el mensaje total del filme en cuestión.

Como ejemplo tomemos la película Blow-up de Michelangelo Antonioni. La historia de un fotógrafo asediado por su reputación, constantemente perseguido por aspirantes a modelos; harto de tal superficialidad, el fotógrafo tiene un proyecto alterno que incluye fotos de otra naturaleza, fotos de trabajadores en su ambiente laboral, indigentes en las calles, la vida normal, real y mundana de una clase social. Entonces un día toma unas fotografías en el parque, para luego descubrir, a través del revelado, un asesinato.

Los temas de la película son la percepción, la ilusión y la realidad, la confusión sobre la línea divisoria entre éstas; el “querer” algo frente a “tenerlo” realmente y cómo las obsesiones nublan el juicio de las personas, del protagonista, en este caso. Varios elementos y motivos visuales enriquecen, simbólica y/ o metafóricamente, el mensaje de la historia.

Las fotografías son el principal elemento a resaltar, en especial la secuencia en la que el fotógrafo las revela y las amplía. Es entonces cuando descubre el asesinato, pero, es aquel momento de mayor claridad el más nublado objetivamente (la ampliación de la imagen ha hecho que la fotografía se vea borrosa).

La manera en la que se enriquece un relato a través de sus motivos visuales se determina por la codificación que el espectador le otorga a la imagen. Un árbol, por ejemplo, no sólo es tronco y ramas, también es vida y crecimiento. Aquí hay una importante relación entre el significado y el significante; el motivo visual es la combinación de ambos. La relación entre denotación y connotación se construye gracias a la organización e importancia que una persona cualquiera le otorgue a cada concepto. El árbol representará aquello a lo que el espectador esté acostumbrado a adjudicarle a la palabra y/o concepto “árbol”, determinado, ya sea por conocimiento propio, por sus experiencias, por su imaginario o por el colectivo social.

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Otro elemento recurrente en la película de Antonioni son un grupo de mimos, que aparecen al principio y al final, en especial la secuencia última en la que este grupo comienza a jugar un partido de tenis con una bola y raquetas imaginarias. El fotógrafo les observa hasta que la bola cae a su lado y entonces decide participar activamente en el juego lanzando la bola “imaginaria” de regreso. Esta decisión es importante en cuanto a aquella línea entre realidad y no realidad que caracteriza al largometraje y que, finalmente, el protagonista decide aceptar.

Las secuencias y los motivos visuales en Blow-up por sí solos cuentan con un mensaje y una carga simbólica y representativa, pero es su papel dentro de la película lo que logra que cobren mayor relevancia y significado de contenido, tema y mensaje.

Para construir motivos visuales es necesario evocar la memoria visual, iconográfica y cinematográfica. Estos íconos se van formando cada vez que se utilizan de una misma manera y con un mismo “motivo” en las películas, y se enriquecen gracias al espectador y su capacidad constructiva/creativa: éste llena los espacios en blanco (los motivos visuales) con su imaginario y es capaz de sentir lo que los personajes sienten a través de la composición visual [el espectador tiene un conocimiento previo (memoria iconográfica) y conoce las reglas del juego de acuerdo con su acervo fílmico].

De acuerdo con Balló (en Imágenes del Silencio), los motivos visuales tienden a ser reducidos por el cine comercial y/o clásico. Las imágenes evocativas son tan directas en su significación que pierden realmente su capacidad evocativa; es como si se le dijera al espectador qué pensar o qué sentir. Un motivo visual reducido dentro del mundo de la cinematografía es, por ejemplo, el villano con sombrero, traje y bastón, el detective al margen del sistema (gracias a la literatura y el cine negro) o la dama vampireza con vestido ajustado y labios rojos, como lo ejemplifica Balló.

“Cualquier texto contiene la clave de su propio misterio”. “La clave del misterio se centra en descifrar el texto entendido como un laberinto […] el misterio está en la obra que se contempla, y el espectador tiene que interpretarlo”. Estas son dos reflexiones que Balló hace cuando analiza Blow-up, pero tales enunciados ejemplifican también, de manera general, lo que son los motivos visuales.

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Blow-Up

Dir. Michelangelo Antonioni

Italia/UK 1966

Canal YouTube: Fragmentos de Cine

Fragmento  4:53

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México | España

Los viajes de Sullivan | Sullivan’s Travels | Dir. Prestor Sturges | E.U.A., 1941

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

“Siempre fui rebelde y, probablemente, podría haber llegado mucho más lejos si hubiera cambiado de actitud. Pero cuando lo piensas bien, he llegado lo suficientemente lejos sin el cambio de actitud. Estoy feliz con eso.” 

 Verónica Lake

Los viajes de Sullivan (Sullivan’s travels, EUA 1941), escrita y dirigida por Preston Sturges, trata de un director de cine que quiere enfocarse a realizar películas serias,  que reflejen al mundo real y a las personas comunes; presionado por los ejecutivos para hacer una comedia, Sullivan (interpretado por Joel McCrea) logra acordar con ellos realizar un trabajo de investigación de campo en el que éste salga al mundo real y se haga pasar por un pordiosero para aprender de la vida en la calle y los problemas de la gente común; en el camino se encuentra con una joven aspirante a actriz (Verónica Lake) quien decide ayudarle a completar su misión mientras ambos se ven envueltos en aventuras y otras circunstancias, tanto divertidas, por la naturaleza propia del experimento, como trágicas, por la misma razón.

Existen dos ejes principales de discurso que se desarrollan durante la película: el primero es el mundo de la cinematografía y cómo la industria opera; el segundo es la realidad de la diferencia de clases y de conflictos sociales que cualquier sociedad tiene en sí.

Durante la historia los personajes hablan de por qué se hacen películas y para qué. El director sostiene que las películas son espacios donde se puede reflejar a la sociedad, donde se puede aprender de ella y estudiarse, es un espacio para el mundo; según su perspectiva (y cansado de realizar historias sobre escapistas y aventureros cuyos personajes realizan increíbles hazañas y maniobras acrobáticas), las películas son para contar historias reales y deben ser serias. Hacia el final de la historia, cuando eventos desafortunados lo llevan a quedarse sin nada ni nadie a quien pedir apoyo, es una película de comedia lo que le impulsa a seguir viviendo y luchando, a seguir con la esperanza de que hay una solución para sus problemas. ¿Son entonces mejores las películas alegres y amenas? ¿Es que todas las películas serias deben exclusivamente reflejar la realidad social, es que para eso están hechas? No, y de eso se trata esta historia.

El proyecto mismo va de la comedia al drama, sin caer en la sobre exposición de ninguno de los dos rubros, pero más importante, la película puede ser entretenida y disfrutable al tiempo que trata temas serios y habla de lecciones de vida; ese es el gran mensaje que ofrece “Los viajes de Sullivan”.

Las películas pueden ser serias en sus historias pero eso no significa que el mundo rotundamente deja de ser cómico una que otra vez, al mismo tiempo la comedia y las risas no significan que una historia no tenga algo serio que decir.

Allí entra la reflexión sobre el por qué se hacen películas, o el para qué se hacen, incluso el por qué la gente mira el cine. El arte cinematográfico puede ser cultural, educativo, de entretenimiento o de estudio social al grado que quiera serlo, porque las historias en el cine ofrecen una variedad de temas, de personajes, de formatos y de oportunidades, no tiene nada de malo acercarse al cine para entender una historia de vida, trágica o dramática, o dura o real, como no tiene nada de malo acercarse al cine para pasar un rato alegre y divertido. ¿Por qué un director (o un productor o un actor, por ejemplo) elegiría realizar proyectos variados, a veces más serios, más dramáticos, más cómicos, románticos o aventureros? Porque hay que ser dinámico en el proceso y en la profesión, porque hay que aprender lo mejor y lo peor de cada género, de la misma manera que el público lo hace cuando mira una u otra película.

Esta historia es ejemplo de tal discurso. El protagonista puede realizar un viaje de autodescubrimiento donde su vida entre la gente pobre le enseñara a apreciar lo que tiene y lo que no tiene, pero la película no termina ahí, permite a sus personajes, y por extensión al espectador, preguntarse sobre la importancia de aprender de los errores, a valorar lo que se quiere y por qué se quiere, a entender las razones por las que uno mismo hace lo que hace, qué le  motiva y a dónde quiere llegar.

Ello lleva al segundo importante tema que aborda la película: las clases sociales y cómo, a pesar de las marcadas diferencias entre una y otra forma de organización y nivel social, no son detonante en el comportamiento o actuar de una persona. En un punto al inicio de la historia el protagonista pide a sus empleados le consigan ropa de estilo pordiosero para poder hacerse pasar por una persona pobre, a lo que uno de estos personajes le responde que el ser rico o ser pobre no es algo que deba ser encasillado ni menospreciado, una persona rica haciéndose pasara por alguien que no tiene dinero no es una acción admirable ni enaltecida, menos aún si esta persona va con prejuicios y expectativas ya preestablecidas de lo que los otros son, en especial porque al final la acción no deja de ser un experimento pasajero en donde el personaje volverá eventualmente a su cómoda vida.

En la vida hay todo tipo de gente en todo tipo de lugares. Sullivan, disfrazado de pobre, vive dos experiencias que lo demuestran: la primera es cuando una joven, sin conocerlo, le ofrece comprarle un desayuno por simple solidaridad; en el lado opuesto está un evento que sucede hacia la segunda mitad de la historia, cuando el protagonista regresa a los lugares frecuentados por gente pobre y comienza a regalar dinero a estas personas, sólo para verse atacado por uno de ellos, un hombre que al darse cuenta de las acciones del director (disfrazado de pordiosero) decide robarle el dinero para quedárselo él.

Al final del relato el espectador podrá preguntarse qué aprendieron los personajes y si realmente cambiaron. ¿La experiencia los hará más tolerantes consigo mismos y con los demás (ya sea en el tema de la diferencia de clases o en el tema de la industria cinematográfica)? Que las personas, a través del relato, logren ponerse en los zapatos del otro (y no sólo del protagonista, sino también del resto de los personajes) y preguntarse qué habrían hecho en su lugar, es el mejor regalo que una película como esta puede ofrecer; además de, tal vez, enseñarles algo, entretenerles, divertirles, hacerles reír o hacerles llorar. Después de todo el cine es reflejo de la realidad, construcción de escenarios potencialmente verídicos y medio de entretenimiento.

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Los Viajes de Sullivan  | Dir. Preston Sturges | E.U.A., 1941

Canal YouTube : El Despotricador Cinéfilo

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