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MEMORIA:   LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

La lengua de las mariposas dirigida por José Luis Cuerda, está basada en el compendio de relatos ¿Qué me quieres, amor?, publicado en 1995 por Manuel Rivas. Este equipo creativo adaptó el guion ganador del Premio Goya en 1999 que narra la historia de Moncho, un niño que habita una localidad gallega en vísperas de la Guerra Civil española y que se apresta a iniciar clases en el colegio. Entrar a la escuela le genera zozobra, ya que la imagen de los maestros es represiva, autoritaria, el terror se apodera de él a tal grado que finge estar enfermo para no asistir, sin embargo, su contacto con Don Gregorio, su profesor, cambiará la dinámica de su vida, y dará sustento a la trama donde la ciencia, el conocimiento, la curiosidad, la amistad, la pérdida de la inocencia, los posicionamientos ideológicos, la doble moral de la curia, las ideologías, el amor, el sexo y la naturaleza, convergen como un coral caleidoscopio que refleja la cosmovisión de la España de julio de 1936.

La lengua de las mariposas revisita el suceso histórico apelando a la memoria. La recepción de su guion adaptado, le celebró como una obra artística que redimensionó las posibilidades cinematográficas para abordar la guerra desde sus causas y consecuencias, sin necesidad de describir la guerra en sí. El título de la película como hemos mencionado, se deriva de uno de los cuentos de ¿Qué me quieres, amor?, pero en realidad es la adaptación de tres cuentos del mismo libro, Un saxo en la niebla y Carmiña que completan la terna de relatos entrelazados por Moncho como hilo conductor que enhebra una misma trama. Su estructura narrativa muestra las diferencias y similitudes entre los relatos y la adaptación cinematográfica sin voz en off ni narradores externos, es directamente contada por sus personajes. En la película Moncho vive la historia en el presente, mientras que el cuento es narrado por su protagonista desde un presente que recuerda. La adaptación en todo caso, no es una traducción directa del texto, sino una adecuación de la interpretación plasmada a través de las imágenes. Cuerda y Azcona en relación con Rivas dirimen una íntima correspondencia con el argumento, de esta forma la intervención del autor de la obra primigenia en la adaptación brinda legitimidad al proceso creativo, ya que el autor sustenta su observación espacio-tiempo desde el contexto.

Moncho no quiere ir a la escuela y asume su identidad con el gorrión que como apodo le define, “es un gorrión y acaba de salir del nido” le dice don Gregorio al introducirlo a sus compañeros, papel interpretado por el espléndido actor Fernando Fernán Gómez. Actor, escritor, director, miembro de la Real Academia de la Lengua, Fernán interpreta de forma magistral al profesor que se dirige con respeto y cariño ante el pardal. El cuento es un recuerdo infantil, como el mencionado poema de Antonio Machado que refiere la película. La monotonía de lluvia es la metáfora que semeja llover sobre mojado, un preludio de lo que vendrá. La represión de quienes apoyan al fascismo, aparece en la sugerencia a coerción que el padre de familia solicita al maestro “hay que meterle las cuentas como sea”. El idealismo de don Gregorio se enuncia desde su definición de la libertad que para él, “es el espíritu de los hombres”. Los límites dispuestos están determinados y son cuantitativos, esto es, las páginas que integran los tres cuentos en el texto, y la duración de la película, una hora treinta y siete minutos. Su música es melancólica y nostálgica, se quiebra al compás de la fotografía bellamente trazada al montaje por Ignacio Cayetano.

Cuando el cine coloca esos recursos para nosotros, el impacto de la obra original desvanece o se enriquece porque permea a profundidad la experiencia sensitiva de la audiencia, en La lengua de las mariposas sucede lo último. La lengua de las mariposas implica todos los procesos anteriores, apela a un suceso histórico, atiende a algunos testimonios y a su vez, implica la imaginación del autor para crear una historia que empalme el suceso con la creación literaria. Cuando fue publicado el libro ¿Qué me quieres, amor?, recibió el Premio Torrente 1995 y el Premio Nacional de Narrativa 1996, un reconocimiento instantáneo que también logró la cinta que recibió trece nominaciones al Premio Goya, resultando ganadora como se ha mencionado, en la terna de Mejor Guion. Encomiable fue para la crítica y la audiencia reaccionó de igual forma en el ámbito comercial, pues con La lengua de las mariposas el cine abría una arista para explorar la revisión de la memoria, es sin duda, una película fundacional.

La película también ofrece un paisaje costumbrista de Galicia, las fiestas, las verbenas de Semana Santa, la música, los juegos, las máscaras y los disfraces. Las tradiciones en rutina fenecen tras el fervor del carnaval, del baile y de la orquesta que con cierta melancolía entona las últimas notas, el espectador sabe que vendrá.

En la novela, la tristeza se advierte como un recuerdo presente anclado en la memoria, es la remembranza, la reminiscencia de lo vivido, en la película el niño no sabe lo que vendrá, lo que significa la salida intempestiva del padre de familia en pleno discurso de don Gregorio. El niño debe mentir, aprende a mentir, no sabe por qué debe hacerlo, después, al ver a su padre, sabe que debe hacerlo por supervivencia, anunciando así el devenir del caos. El cuento presenta la mirada legítima de la preguerra, bandos en pugna y acciones rebeldes ostentan el recelo como una amenaza que lacera más que cualquier reprimenda, la Guardia Civil asienta fusiles dispuesta a coaccionar a los republicanos. Los niños conciben prejuicios de oídas, atienden las obsesiones delegadas por sus padres, la afirmación a costa de enfatizar las diferencias, las dimitidas comparaciones inocentes que no quieren sentir aunque sientan, los niños quieren jugar en la ribera, chapotear en el río, hacer bromas en la escuela, hacer ruido sin atender al maestro y al mismo tiempo suspender cualquier travesura ante el asombro del silencio.

La lengua de las mariposas muestra el presentimiento latente, el devenir incierto, la guerra cubrirá todo por igual y no habrá vencedores ni vencidos, sólo quedarán los sueños rotos y el adiós del primer amor. Dos ideologías confrontadas desde la percepción de ambos bandos, el niño tiene la división en casa, uno de sus padres cederá a sus convicciones por supervivencia. Los colores naturales se hacen más oscuros y termina por el dominando el negro fúnebre en las vestimentas. Las miradas son fundamentales, así como las manos y los objetos que se resaltan como referentes pasivos de sus referentes activos, los personajes. Cuerda y Rivas volvieron a colaborar en la cinta Todo es silencio del 2012, aunque el legado de La lengua de las mariposas quedará grabado en la historia contemporánea del cine español, es una película que hace consciencia, recupera la memoria de un doloroso hecho histórico y explora las vivencias de quienes fueron separados de sus afectos, ilusiones e ideales por motivos de la guerra. La cinta aborda el vacío de la esperanza cuando esta se esfuma ante la pérdida de la inocencia y se afirma ante la madurez de contar lo sucedido, es un llamado a no repetir la historia al recuperar la experiencia desde el compromiso social de sus realizadores. Moncho corre detrás del vehículo que se lleva a su maestro y le grita la palabra más dolosa que ciñe su dolor y complicidad: ¡Espiritrompa!

La Lengua de las Mariposas

Dir. José Luis Cuerda

España, 1999

Película completa: 01:31:32

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Nuestros Villanos Favoritos

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Si Minions había saturado de algún modo a un público ávido de sus alegres y disparatadas picardías, sumadas estas a un lenguaje creativo desde balbuceos y tonos que de suyo hacían trizas las sílabas provocando la hilaridad, Mi Villano Favorito 3, dirigida por  Pierre Coffin, logra revigorizar la saga y mantenerla en una aceptación  universal. Para ello, recurre a dejar en su propio espacio a los minions, y concentrarse en los personajes entrañables que hacen a los minions un acompañamiento ideal, en una trama que abre diferentes perspectivas sensibles, Gru, las niñas y su relación humana, la sensible exposición del amor entre Gru y Lucy, un villano que enfrenta el fracaso o las glorias perdidas de su pasado, y un nuevo personaje, que redondea los guiños familiares del protagonista. Matizada por un soundtrack ágil y evocador.

Mi Villano Favorito 3 explora la separación de los padres, las patrias potestades y los ausentes lazos afectivos de una forma llana, simple y a la vez compleja, que muestra en Dru, un reflejo a espejo de Gru y viceversa, formando una dual alianza aspiracional que resulta por demás divertida. Y si Dru presenta a un Gru distinto, vanidoso y a la vez afable, ofrece aristas en cuya hermandad afloran la complicidad, el cariño y la sensibilidad, misma que desde una quizá melosa pero real perspectiva, ofrece la adopción como tema en los deseos que Lucy muestra por dar abrigo y protección a las niñas. La ética y el deber ser son argumentos que exponen lo bueno y lo malo sobre la mesa del discernimiento entre los personajes, y aunque enfatiza el heroísmo superior a la villanía, deja suelta la bisagra de la picardía que da sentido al título de la entrañable villanía de la película.

Y si Dru resulta un personaje simpático y hasta tierno de ingenuidad, es Bathazar Bratt, el personaje más interesante de la cinta, un verdadero producto del entretenimiento de los años ochenta, de aspiración, aventura y música, para quien el ritmo a sintetizadores y break dance, motiva su venganza contra una sociedad que le vio subir a la cúspide y de una industria que ante el paso de la edad, lo bajó del pedestal como un producto pasado de moda, que se hace viejo.

Esta relatoría semeja a tantas estrellas infantiles de la década, a las bandas musicales de un solo éxito y también a las consagradas que perduran como sello de una década única, de pasos de baile que contagian y vestuarios de abombada nostalgia. Poblados franceses con aroma a queso, cerditos que repletan las arcas familiares, juguetes y figuras de acción que atiborran imágenes del pasado, una mamá que divierte sus avanzados años al gusto, la niñez curiosa, la adolescencia huraña, el amor filial, son elementos que pueden notarse en la simpleza de una trama estructurada para el cine animado de entretención. Si bien no tiene la viveza de la primera cinta, Mi Villano Favorito 3, es una adición dinámica que deja a continuación los encuentros y desencuentros familiares, que regresa la simpatía a los minions ahora rebeldes y prófugos convictos, y logra  que lo singular sea plural, haciendo de un villano un héroe, y de dos héroes, un par de villanos favoritos.

Mi Villano Favorito 3

Dir. Pierre Coffin y Kyle Balda 

Universal Pictures

Estados Unidos, 2017

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

La Momia, el primer viso de un nuevo universo

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Dirigida por Alex Kurtzman, el estreno de “La Momia” representa el lanzamiento del concepto Dark Universe de Universal Pictures, una vuelta al periodo clásico de las películas de monstruos que fueron sumamente populares en las décadas de los años 30 y 40. Algunas versiones de estas cintas son consideradas obras maestras de la cinematografía mundial, como las personificadas por el maestro Boris Karloff, la célebre “Frankenstein” 1931 y su aclamada continuación “La novia de Frankenstein” 1935 de James Whale, así como “La Momia” 1932 dirigida por Karl Freund.

Es precisamente ésta última la que vuelve a escena tras la saga cómica, de aventura y acción dirigida por Stephen Summers y que protagonizaran Brendan Fraser y Rachel Weisz entre 1999 y 2008. No obstante, la saga de Summers reinventaba la historia para adaptarla a una versión más dinámica, menos terrorífica y muy atractiva para las salas de cine, mediante efectos visuales, humor y romance. Kurtzman en cambio, trae de vuelta el clásico con miras a regresar la complejidad y solemnidad del relato, la momia vuelve a ser aterradora, misteriosa, enigmática, pero ahora encarnada en una mujer, la actriz y bailarina Sofía Boutella de Argelia, y protagonizada por la leyenda de Hollywood: Tom Cruise.

La momia de Alex Kurtzman abre su narrativa con la mira de introducir diversos personajes en un universo de dioses y monstruos, y para ello recurre a Rusell Crowe, quien personifica al Dr. Jekyll y a Mr. Hide, y que suponemos tendrá un papel fundamental en el universo oscuro de Universal Pictures. “La Momia” de 2017 no debe compararse con la de finales de los años noventa y principios de este siglo, ya que no es un remake sino el rebbot de la saga original, esto debiera tenerse en cuenta, ya que la nostalgia del pasado cercano pudiera ser un enemigo del espectador.

La momia de Alex kurtzman es un homenaje y recrea de alguna forma la versión original de 1932 con otro concepto, está ambientada en la época actual y no acusa a la tradición inaugurada por John Huston en “El Tesoro de Sierra Madre” 1948 ni a “Cazadores del Arca Perdida” 1981 de Steven Spielberg en las cuales se basó la versión de 1999.

Alexander Kurztman da un viraje al pasado y recurre a 1932 para traerlo al nuevo milenio. Con esta aclaración de prejuicios, nos disponemos a disfrutar la primera entrega de este universo. Tom Cruise. Cruise, una vez más se muestra encomiable, carismático y cómodo con el papel de Nick Morton, un buscavidas que tras las reliquias encuentra aventuras al lado de su compañero  Vail, personificado por Jake Johnson. Morton encuentra, por azar y destino, el sarcófago que contiene el cuerpo de la momia y con ella las maldiciones y energías propias de la profanación, el castigo a la ambición o a develar el misterio que tras el descubrimiento mostrará una horda de aves que recuerdan “The Birds” 1963 de Alfred Hitchcok, tormentas de arena que sacuden el desierto y llegan a Londres como sombras, zoombies derivados de la propia momia y una serie de persecuciones en cuyas pausas permiten que Crowe muestre sus ambos lados, Jekyll y Hide, además de asentar que será el responsable de la cofradía prodigium, en cuyos visos advertimos la existencia de otros monstruos.

Mientras los efectos visuales y las coreografías de acción están muy bien diseñadas y son presentadas con dinamismo en tres marcados actos, aunque el epílogo, que bien pudiera separase del resto, es sin duda la valía de la cinta. Es ahí donde todo adquiere sentido y brinda humanidad a la historia, ya que mostrará las razones por las cuales esta película pertenece a un universo de personajes que exploran su maldad inherente.  Siendo un universo de dioses y monstruos, se requiere por ende la existencia de nodos que justifiquen su vocación o relación con la maldad, para así conjugarlos en un todo que también implique la bondad como una concatenación de circunstancias y voluntades.

Dicho lo anterior, continuamos la presentación de la narrativa futura, donde la vida y la muerte juegan un papel situacional entre lo bueno y lo malo, esa es la resolución y a su vez el motivo de la película, hay un discernimiento permanente y que se avisa hacia el devenir. Las críticas que se han hecho a la película podrían advertirse desde la expectativa, el castigo presuroso,  desde la exigencia e incluso desde la espera por cortar la guillotina antes del juicio a una nueva versión del personaje mítico.

La propuesta de Kurztman no pretende ser una obra maestra, y sí una película que no puede ser disfrutada ampliamente por un espectador ávido de algo más que no sean súperhéroes para alentar el verano. Un clásico interpretado por otro clásico, esa es la sinergia que atrae de “La Momia” como personaje y “Tom Cruise” como el actor, y con esa premisa es como la audiencia global recibirá esta cinta a la inversa de sus críticas, especialmente en los seguidores de los personajes anunciados para la saga y de sus actores, aunados a Tom Cruise y Rusell Crowe, han sido oficialmente mencionados los de Johnny Depp como “El hombre invisible” o Javier Bardem como “Frankenstein”, y algunos sugerentes en la suposición como Angelina Jolie en “La novia de Frankenstein” o el mismo Dwayne Johnson como “El Hombre Lobo”.

Lo anterior suena por demás seductor para las pantallas, y con la variación de directores, podrían brindarse diversos enfoques y complejas aproximaciones a la interioridad del hombre posmoderno. Recordemos que muchos de estos personajes creados en el siglo XIX como Drácula de Bram Stoker o el propio Frankenstein, obra maestra de Mary Shelley,  abordan al hombre que inserto en la modernidad venidera y que se confirma a mitad del siglo XX con la búsqueda del hombre por superase así mismo como ser, el totalitarismo, los experimentos genéticos, la dualidad del desarrollo científico.

Este nuevo universo podría brindar nuevas observaciones a la maldad desde la posmodernidad, los miedos, filias y fobias del ser humano desde sus pesadillas y sueños. “La Momia” presenta de esta forma, una mirada por demás interesante, sugerente y provocadora que permitirá descubrir una sorpresa definitiva al discernimiento, la decisión y el libre albedrío que abre la pausa a su personaje central, y que da inicio a este nuevo universo.

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La Momia

Dir. Alexander Kurztman

Estados Unidos, 2017

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Personal Shopper,  las voces del otro yo

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

El espiritismo, la teosofía, la atracción por el abstracto desde los fundacionales trazos de Hilma Af Klint, fungen como corolario y palestra de la exploración artística y a la vez profunda del ocultismo, de la vida y la muerte desde el diálogo de los asuntos pendientes y de la búsqueda de significado en los días sin sentido que propone desde la vinculación moderna y posmoderna de la existencia, la extraordinaria cinta de Olivier Assayas : Personal Shopper, Compradora Personal, que ganara el premio a Mejor Director del Festival de Cannes en 2016.

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La evocadora cinta protagonizada por Kristen Stewart, Lars Eidinger y Nora Von Waldstatten narra la historia de Maureen, una joven dedicada a la asistencia personal de Kyra, una celebridad de la moda, a quien Maureen  asesora al comprarle ropa, accesorios y atuendos; Maureen pasa sus días entre el trabajo y los viajes que realiza a la casa que fuese de su hermano gemelo Lewis, y quien recién murió. La casa, ahora en encargo de la novia de Lewis, es el espacio vital y mortuorio en el que Maureen anhela comunicarse con su hermano, pues ellos compartían el don de comunicarse con los muertos, y Maureen supone, es el momento de que su hermano pueda comunicarse con ella.

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De pronto, en medio de esa búsqueda o de esa espera prolongada de los apegos, recibe un misterioso mensaje in remitente en su celular, el desconocido emisor muestra conocerle perfectamente, así como a sus temores, deseos y expectativas, incluso conoce los recovecos de su trabajo, los complejos y enconos en ella generados por los dejos e indiferencia de su famosa jefa.

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Entre el extraño suceso que hostiga, seduce y perturba a Maureen, y su espera de comunicación con Lewis, la trama de forma llana y a la vez aterradora, dibuja la soledad, la dualidad, la suplantación de personalidad, y el corazón que angustia mientras aguarda la comunicación desde la muerte. La comunicación sensorial, telepática, telequinesia así como las relaciones cibernéticas, virtuales e inexistentes oscilan la realidad, lo palpable y lo inefable al mismo tiempo.

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Assayas muestra a través de un guion estructurado desde la contemplación de las emociones, la cotidianidad de los días, el hastío, el letargo y la conexión bajo juramento de dos hermanos relacionados por la fatalidad de la genética que determina las fallas como designa los milagros, el amor, y la posibilidad del diálogo entre las almas que descansan una vez que el espíritu de la vida se ha ido, o más aún, ha mudado a otra dimensión.

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Deseamos lo prohibido y al explorar lo prohibido, lo común se vuelve extraordinario, es el riesgo del mito o la desmitificación del tabú. Assayas de igual forma explora las posibilidades del nuevo lenguaje, de las aplicaciones adictivas, del deseo por lo desconocido y de la inmediatez de la vida frente a la espera de la muerte. Su obra nos excita, asusta o reprime, indica que quizá buscamos a una persona concreta mientras quien aguarda por nosotros es alguien más, no comprendemos las cosas que nos han sido dadas sino las asimilamos por desidia, la misma desidia que lleva a la costumbre a ser un estilo de vida.

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Maureen podría pretender ser alguien más si lo deseara, más en el fondo lo único que anhela es no habitar el espacio sin sentido que sólo tendrá significado de ser cumplido el juramento, recibir una señal de su hermano, comprobar que la muerte es sólo un paso y la vida un camino.

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Autor de impacto permanente de Cahiers du Cinema, Assayas nos recuerda los matices de suspenso narrativo de Alfred Hitchcock y la profundidad humana de Francois Trauffaut al tiempo que hace una crítica a las relaciones humanas vacías y virtuales, carentes del contacto o de la compasión humana que aíslan las presencias, las energías y las voces que no hacen eco sino existen en la imagen asequible a la posesión. Es así como la esperanza reside en la señal, en el llamado, en la respuesta, en el cumplimiento de un juramento que brinde una posibilidad de tender puentes al único vínculo real: el amor.

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Personal Shopper

Dir. Olivier Assayas

Bélgica, 2016

2:00

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

PATERSON, la poesía del silencio, o lo real maravilloso en Jarmusch

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Dirigida por el maestro Jim Jarmusch, Paterson es una película que encuentra lo real maravilloso de Carpentier en la misma cotidianidad que le da sentido. Protagonizada por el estupendo Adam Driver, la evocadora cinta de Jarmusch se anida en la aspiración del poeta, en sus motivos, en las emociones que se agolpan cuando la inspiración emerge, y en el temor de mostrar lo que la pluma explora.

Una nueva obra maestra de la siempre desafiante filmografía del cineasta independiente que irrumpiera el mundo del cine con Stranger in Paradise de 1984, y que cimentara su relación cultural y contracultural con propuestas como Coffee and Cigarrettes 2003.

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Paterson presenta la historia de Paterson, chofer de autobús de la ciudad homónima –Paterson- New Jersey, y que más que aspirar a escribir, escribe de suyo todos los días antes y después de la jornada al volante. La descripción de los días comunes que se vuelven extraordinarios o de lo extraordinario de los días comunes, habitan su fascinación por el poeta boricua William Carlos Williams, pletórico de imaginación y representante del modernismo de las primeras décadas del siglo XX.

Paterson vive con su esposa Laura, interpretada por  la actriz Golshifeh  Farahani, y su perro Marvin; ella se convierte en su principal y quizá única lectora y le persuade de mostrar sus escritos, concursarlos, publicarlos y en principio, copiarlos de las páginas de su pequeña libreta que va con él a todos los rincones donde el autobús hace paradas.

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Jarmush utiliza los silencios y el espacio para recrear la vida de todos los días, las jornadas, la salida del sol y la forma en que este se oculta sin mayor asombro que el de hacer la noche y el día, mientras Paterson encuentra su poesía a versos desde cualquier objeto como puede ser en especial, una caja de fósforos que en sí misma, simboliza la posibilidad del asombro y la capacidad de asombrarnos.

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En el mismo viaje poético, Jarmusch hace remembranza a la poesía mítica en lengua inglesa, heredad de la sensible huella dejadas por las elegías de T.S. Elliot y sobre todo Walt Whitman. Laura tiene una energía por vivir, emprender, sentir, que pareciera agobiar al propio Paterson, que entabla nulos diálogos con los pasajeros y que atisba los problemas perennes de su jefe de estación, al que todos los días escucha antes de cerrar la puerta de su autobús para iniciar su recorrido.

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Un día de repente su autobús sufre una avería, y el mensaje de Jarmusch es contundente, no todos los días son iguales aunque parezcan comunes; un día, Laura logra una venta extraordinaria de sus cup cakes, y deciden celebrar la extraordinaria  noticia que recibe una descarga de esperanza que va y se esfuma a su regreso.

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Marvin en ausencia de paterson y Laura ha decidido probar las mieles de la poesía, devorarse los versos y tragar la misma angustia descriptiva del poeta, quien sin más copias que esos remansos de aquello, deberá volver a su libreta y, tras un encuentro fortuito con otro lector de Williams, darse cuenta de que lo real maravilloso habita en esa página en blanco a la que deberá volver a derramarse en su tinta.

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Paterson

Dir. Jim Jarmusch

Alemania, 2016

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com