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Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

El imaginario parapsicológico del Doctor Spengler, el atrevimiento emprendedor del Doctor Venkman, y el ánimo idealista en vocación investigadora del Doctor Stanz, aúnan suposiciones e instintos para formar la epifanía que convirtió a “Ghostbusters” 1984, en una cinta de culto, favorita del público y la crítica, comedia ingeniosa de humor melódico, de notas simpáticas en la increíble premisa que dio aún más brillo, a los ya para entonces consagrados Harold Ramis, Bill Murray y Dan Aykroyd.

En el año en que se celebra el 30 aniversario de esta obra maestra del cine de los años 80, recordamos con el cariño presente, la nostálgica melancolía que cimbra desde su banda sonora, advierte en los sonidos del Ecto 1, y brinda la sonrisa desagradablemente viscosa de Pegajoso. Una cinta que termina por aterrarnos en la ternura de Puffy, el alegre caminante de malvavisco que recorre las calles de Nueva York.

Desde la inteligente dirección de Ivan Reitman, el guión escrito por Ramis y Aykroyd sobre los científicos desdeñados de su universidad por romper paradigmas y esquemas de lo paranormal, “Ghostbusters” deja una traza indisoluble en la historia del cine. Bill Murray podría en sí mismo, representar el espíritu de un cazafantasma, hábil, interesado, ávido por conocer y valeroso aunque la sorpresa termine siempre por despertar los gritos y elevar los cabellos erizados de sus expresivo rostro.

La comedia llena de astucia y espontaneidad de “Saturday Night Live” y “National Lampoon” catapultó las propuestas visuales estelarizadas por Chevy Chase; la acción de situacional comedia protagonizada por Eddie Murphy, John Belushi, y el mismo Aykroyd, que en películas como “Beverly Hills Cop” 1984, “Trading Places” 1983, “Animal House” 1978 o “The Blues Brothers” 1980, elevaron la simulación al paroxismo de millones de cinéfilos en todo el mundo, John Landis, Harold Ramis e Ivan Reitman, supieron leer con profunda sensibilidad el deseo ávido por comedias que cautivaran al público de todas las edades, sobre todo después del cine más lúgubre, profundo y realista de los años 70, que buscó una salida en la ciencia ficción al final de la misma, logrando la realización de sendas obras maestras en diferentes géneros.

Una guía de espíritus, un detector espectral, un arma de protones, unas trampas como amenaza, una oficina a cuya llegada se describe visualmente el ir y venir del Puente de Brooklyn, una secretaria igualmente comprometida y un cazafantasma honorífico en Rick Moranis, son parte de un elenco completado por Ernie Hudson como Winston (papel pensado para Eddie Murphy) y Sigourney Weaver, la gran heroína de Alien 1979.

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Los años 80 en su legado de franquicias llenas de espíritu aventurero como “Raiders Of The Lost Ark” 1981, y “Back To The Future” 1985, atestiguó en “Gostbusthers”, una cinta que comulgando en ese universo, sirvió de intermedio a la aventura histórica del pasado antropológico y la aventura que juega con el espacio y tiempo en pasado, presente y futuro, “Ghostbusters” plantea una historia de lo inexplicable, de lo tenebroso, y propone una solución que irrisoria en inicio, termina siendo la trama de los emprendedores de sueños que cazan pesadillas, una oda al ingenio, al descubrimiento y a la ciencia.

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“Los Cazafantasmas” título en español, invitó a descubrir y disfrutar, al relajamiento y al suspiro, al salir de las salas de cine nos hacía anhelar haberlo vivido en realidad, o añorar que la cinta haya concluido en su muestra. Las dimensiones y relatividad del tiempo que el mismo Ramis magistralmente filmaría precisamente con Murray como protagonista en “Groundhog Day” 1993, el día que se repite una y otra vez, que en cada día más que tedio, brindaba la posibilidad de ser mejor, una oportunidad de cambiar lo malo o preservar lo bueno, ese intento y error que llevaría a los astutos cazadores de miedos, a conquistar literalmente los corazones de la audiencia.

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Pocos logos pueden ser tan identificados en el cine a la luz de 30 años, y el de esta cinta lo logró y por partida doble, no en la tibia recepción de su segunda entrega cinco años más tarde aún con el mismo elenco, sino en la presencia permanente que recuerda que siempre estarán ahí para recibir el llamado, ¿A quién llamaremos? ¿Quién nos ayudará?, en el mismo tenor del estupendo Roberto Gómez Bolaños, preguntas que se responden al teléfono de una ayuda necesaria que parecía intrascendente, al principio locos, después héroes; en la ciudad que tanto en la realidad como en la ficción ha vivido la crueldad y la incredulidad, el cine ha ofrecido la intromisión de un Gorila que escala su rascacielos en el amor irrealizable, la visita de un monstruo que en su visión original era un defensor más que un peligro, y que en la saga de “Los Cazafantasmas”, ve colaborar a la Estatua de la Libertad y el andar del oso de malvavisco que precede un desfile al máximo estilo de las recepciones de los héroes de la aviación, de los deportes y la política en antaño; los barrios, los callejones, los viejos edificios, las cocinas, restaurantes, las oficinas, todos los resquicios por donde lo paranormal cobra sentido en la explicación científica de una sonrisa.

 

Con la muerte de Harold Ramis se pierde una parte importante de la saga, más no la ilusión de tantos que aún soñamos con que suene ese teléfono solicitando su auxilio y se deslicen los rescatadores al sonido de la sirena de un viejo auto que rueda la ciudad desde sus puentes.

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Es probable que Aykroyd y Murray en homenaje a Ramis, tengan una consulta más que hacer a su guía, una carga de protones que realizar, y una sonrisa que ofrecer al entretenimiento universal.

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Ghostbusters

Dir. Ivan Reitman

U.S.A, 1984

Ghostbusters Tema Oficial | Ray Parker Jr.

Canal YouTube: RayParjerJuniorVEVO

Tráiler 4:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

«Somos un punto entre millones de puntos”.

Iván Uriel

Hace ya 35 años de que un pasajero no advertido, entró como polizonte al medio de la navegante tripulación que explorando el vacío del universo, encontró a sus más antiguos habitantes, el pasajero no advertido dejaría su huella indeleble en la cinematografía mundial a través de una cinta plena de sorprendentes y realistas efectos especiales, de un sonido cuyo terror pudo escucharse desde el espacio, y que dejaría impregnadas las pantallas desde las entrañas de la ciencia ficción que aún extraña su frescura, su luminosidad y su nacimiento, irónicamente desde la oscuridad que advierte nada, el pasajero no advertido literalmente emergió para hacerse presente como un intruso en la tripulación, luego como parte de la misma, finalmente como el único pasajero capaz de habitar a otros más, capaz de irrumpir en la nave y provocar los más agudos gritos dirigidos hacia dónde habita el silencio.

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“Alien, el octavo pasajero”, la obra maestra de Ridley Scott, que este año cumple 35 de haberse estrenado, convirtiéndose en un clásico instantáneo, y dejando varios legados fundacionales que atestiguaron la unicidad y originalidad compartidas.

Suspenso que convoca diversos géneros, terror que antecede a la expectativa, acción que reluce heroísmo y valentía; audacia, astucia, prudencia, cada movimiento será calculado desde el momento en que somos asechados, la audiencia pasa de observar a escapar, sufre como cada miembro de la tripulación y desconfía de cada uno; el espectador observa solitario, sólo en la compañía de Ripley, la heroína que revoluciona el “género” en muchos géneros, y llena de símbolos cada uno de sus actos, hasta la escena final que dará lugar a sólidas secuelas como Aliens 1986, estupenda película de acción dirigida por James Cameron, o a la intrigante precuela Prometeus de 2012, dirigida por el mismo Ridley Scott; sin que esto ignore las continuaciones forzadas, las pretensiones al alinear personajes de otras sagas, o simplemente las propuestas que buscaron explicar lo inexplicable y quedaron en sendos intentos, incluso teniendo directores a la postre consagrados como David Fincher.

En Alien, la compenetración con cada pasajero es inaudita, conocemos a cada uno, sentimos sus temores, su sentir e incluso la insensibilidad que nos hace caer en la suposición o en la sospecha. Elenco de maravillosa composición, Tom Skerritt, en su inolvidable Capitán “Dallas”; el icónico Harry Dean Stanton, como el ingeniero “Brett”, primer pasajero en topar con el octavo a bordo, y que no era precisamente el felino “Jones”; John Hurt en una de sus mejores épocas interpretativas como “Kane” y la memorable fuerza de la escena en donde de su pecho emerge el pasajero inadvertido. Yaphet Kotto interpreta a “Parker” amigo y colega de “Brett”; mientras que el maestro Ian Holm, da cátedra de ambigüedad, dualidad e inteligencia a su personaje “Ash”.

Como si fueran un escenario propio de los realities que han caracterizado la televisión mundial en el presente siglo, Alien, presenta esa lucha por la supervivencia, la suspicacia, la falta de confianza, la credibilidad y la lucha por sobrevivir al otro mientras se ha sembrado la duda, personificada, imaginada, o aterrorizada en un pasajero no invitado al abordaje. Esta selección de caza y presa, sería poco tiempo después, también inmortalizada en la maravillosa “La Cosa” 1982 de John Carpenter, y tendría en los mismos años setenta, una veta abierta en “Deliverance” 1972 de John Boorman.

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Lo que más destaca, por encima de la espectacularidad de una ciencia ficción inteligente, emotiva, pausada, en silencio y al estruendo, es la redimensión de “género” en todos sus sentidos, hay dos personajes femeninos en la tripulación, “Lambert”, caracterizada por Verónica Cartwright, y “Ripley” la quintaesencia del héroe de acción, que en este caso sería también la del héroe femenino de acción.

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Con “Terminator”, años más tarde, James Cameron elevaría a la ciencia ficción a otros niveles con un personaje de similar calibre, Linda Hamilton haría de “Sara Connor” una heroína potente, llena de fuerza y energía; curiosamente después como hemos mencionado, Cameron dirigiría a Weaver en “Aliens” con el mismo tenor de acción de su “Terminator”.

Ridley Scott quien cimbró la ciencia ficción en 1982 con “Blade Runner”, con “Alien”, dejó cimentado el rol femenino a la estratósfera, unió la valentía, la determinación y el erotismo en uno, la femeneidad no asociada al género sino a la sobrevivencia y a la inteligencia del ser humano sin género determinado, el atractivo, la belleza, la seducción, fueron por antonomasia una compañía del personaje. “Gravity” no puede negar la influencia que ha tenido de “Ripley” para solventar su protagonista y dialogar con el atractivo, la sensibilidad, la inteligencia y el erotismo que Sandra Bullock muestra en homenaje directo o indirecto a Sigourney Weaver. Weaver que aparecería de la mano de Cameron hacia guiños e su gran papel en “Avatar” 2009.

A 35 años de distancia, “Alien” sigue siendo valorada y reconocida como una obra maestra fundacional, una película para la historia en diversas formas interpretativas y una nueva forma de ver el cine, justo en la década que hizo de la ciencia ficción una vía seria para contar historias íntimas y repito, redimensionar a la mujer como personaje multidimensional y héroe de la película; como “Edge of Tomorrow” 2014, cinta de acción sorprendente, en cuyas secuencias de heroísmo, Doug Liman realiza sendos homenajes temáticos, entre ellos recurre en “Rita Vrataski” Emily Blunt, al reconocimiento involuntarios o intencional, a la más grande heroína de ciencia ficción de la cinematografía, “Ripley”, la única capa de convivir, cohabitar y derrotar al octavo pasajero, al menos hasta la siguiente continuación de esta pieza generacional.

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Alien

Dir. Ridley Scott

E.U.A., 1979

Canal YouTube: Moviepilot Trailers

Tráiler 2:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

ELLA,  su voz, y  la soledad que le acompaña

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Ella y su voz, su matiz, su tono; ella y su eco, ella y su pausa, ella y su prisa; ella que enciende, ella que apaga; ella y la luna, ella y el mar; ella y las letras, ella y las cartas; ella, simplemente ella. No hay miradas cruzadas  pero sí ojos atentos, no hay sonrisas dibujadas en el rostro pero sí escuchadas con el alma, no hay gestos que denoten la tristeza pero sí sollozos que laceran; no hay roces que seducen, pero sí abrazos que acaricia; no hay pasión en la piel pero sí humedad en los labios, no hay el vaivén de los cuerpos, pero sí pasión y el orgasmo.

El amor se vive al hablar, al ser escuchados, el amor se vive desde dentro, cuando nos damos tiempo para viajar a la interioridad y dejar que esta nos envuelva, no en el amor egoísta de amarnos a nosotros mismos sino del amor que se comparte desde dentro hacia el otro y desde el otro hacia dentro; amor al conversar, al dejar expresarnos en la palabra, en la caricia, en la mirada, de cualquier forma, al dejar que el sentido más nuestro sienta y se haga sentir.

Vivimos el vértigo de la sociedad posmoderna que especializa los sentimientos y los devora enviándolos a la realidad virtual, insertos en el mundo en que es más fácil comunicarnos con quien está lejos y alejarnos de quien está cerca, en un tiempo en que la amistad y la atención se disponen en la fascinación de un dispositivo y en la aplicación de sentirnos parte. Justo en este tiempo y en su visión futura, “Ella” se presenta como una apuesta cinematográfica tan simple como compleja, tan real como ficciosa, tan próxima como distante, tan cinematográfica como la vida cuando la alejamos de lo que nos rodea, cuando vivimos el mundo imaginario o el que existe al interior de nuestros ordenadores, teléfonos o tabletas. Ella y su pausa, ella y la seducción de serlo, ella y su desesperación por encontrarse, ella y su desesperación por sentir, tan solo sentir lo que ya de suyo habita en la voz, en la palabra, en el otro.

Él y su soledad, él y la nostalgia, él y el desamor, él y los recuerdos del amor que fue y del que sería; él y el amor que ronda pero no percibe, él y el amor que idealiza, él y un mundo sobre sus hombros, el mundo del tedio, de la resignación y de la expectativa esperanzadora.

Theodore se enamora no de su computador ni de la voz que del programa emana, se enamora de la voz porque es humana sin serlo, se enamora del amor y se enamora de la cadencia, de la naturalidad, de la palabra cuando se abre para ser escuchada, y de su propia capacidad para escuchar. ¿Cuánto nos cuesta escuchar?

Samantha es capaz de acompañar la soledad y desaparecerla, es capaz de existir, de ser una presencia. Él se enamora de quien atiende su voz como una promesa, como un acontecimiento, como una realidad, de su voz como verdad y sentimiento, se enamorada del pasado y del presente, se enamora quizá de quien al igual que ella, vive la separación y el encuentro como un horizonte compartido.

Tuve oportunidad de dirigir el documental “La Voz Humana de Jean Cocteau”, una mujer al teléfono en un monólogo doloroso en desamor,  y la reflexión de la voz humana vino a mí con fuerza al disfrutar “Ella” con casi ocho décadas de diferencia, Cocteau de una forma distinta, representaba el mismo acto de la virtualidad de una voz que no está presente pero se escucha. La diferencia entre la apuesta moderna de Cocteau y la posmodena de Jonze, radica en la existencia o no del interlocutor, en una es él, en la otra es ella, en ambas la voz humana, en ambas la existencia.

Joaquín Phoenix brinda una actuación llena de melancolía, de duelo y de esperanza; Scarlett Johansson es capaz de dar su mejor actuación desde una voz que seduce e invita, que se agrieta desde lo más profundo para ser más humana; Amy Adams es tan ella como la trama, acompaña la soledad y la ahuyenta. El visualmente poético guión, escrito y dirigido por Spike Jonze, nos cimbra el amar desde la voz, desde Ella, desde él, desde la mirada, desde el corazón cuando se abre, cuando siente, cuando se expresa en cualquiera de los sentidos.

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Her

Dir. Spike Jonze

Estados Unidos, 2013

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The Moon Song

Karen-O

2:21

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Extracto de la Ponencia «IMAGEN DE LA LETRA, confines del diálogo entre literatura y adaptación» presentada en el 1er Congreso Internacional Literatura y Cine, en la Universidad de los Andes Chile, octubre 2013

La imagen de la letra como proceso creativo, converge en los confines del diálogo entre literatura y adaptación. Narrativa e imaginación dirimen la forma en que una obra original llevada al cine, atiende al sentido de la trama y sus personajes. La adaptación no es una traducción sino la interpretación de un mensaje que porta experiencias e historias de vida, un proceso dialéctico entre realidad y ficción, entre cine y literatura; escritor y guionista tienen una relación dinámica que posibilita el texto como argumento.

Los clásicos y las obras contemporáneas desde sus representaciones en pantalla fluyen de ideas primigenias, íntimas y universales del ser humano, donde residen el sustento de la apreciación artística y sus expectativas. Una obra literaria es referida por los contextos, espacio y tiempo, su esencia es atemporal y su trascender perenne; es definida por el respeto continuo a su integridad, por la interpretación de instantes escritos para la lectura y desde escenas creadas para la observación, la esencia de la literatura transforma las palabras en imágenes. La lectura da sentido al arte que se expresa cuando el escribir no es una habilidad del ser humano sino una forma de expresión de sí mismo y del mundo que le rodea.

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El debate: ¿Deben o no las obras literarias adaptarse a guiones? ¿Es estrictamente necesario llevar una novela al cine? ¿Debe una obra literaria editar su emotividad al ser filmada? ¿Hasta dónde y cuáles son los límites de la literatura si los tiene? ¿Cuáles los límites del cine? En la adaptación el guionista debe jugar con dos tiempos, con dos momentos y con dos intenciones. Los límites dispuestos están determinados y son cuantitativos, los alcances interpretativos son infinitos y cualitativos. La propuesta: sostener un diálogo a fondo que delimite los alcances y expectativas de la adaptación.

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El cine hace uso de los recursos visuales, efectos, musicalización, y demás elementos técnicos que redimensionan al espectador y lo hacen sentir de maneras en las que la lectura del libro por sí mismo no logra, aunque con ello signifique una limitación. Al leer una novela, el lector figura ambientes, música, aromas, rostros y situaciones, cuando el cine coloca esos recursos para nosotros, el impacto de la obra original desvanece por la ayuda involuntaria o se enriquece porque logra permear más a fondo la audiencia.

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La relación entre una obra literaria y la adaptación no debería ser un debate sino un diálogo entre quien escribe, quien adapta y quien dirige; quien actúa y quien lee. El resultado de ese diálogo lo tendrá la audiencia en su reacción ante la forma en que la obra llevada al cine atiende al sentido de la trama y sus personajes.

La figura del guionista como parte central del quehacer cinematográfico debe redimensionarse en reflejo de la responsabilidad que conlleva su trabajo. La adaptación implica moldear y adecuar la obra original a un nuevo formato de difusión de la expresión artística, adaptarse a las circunstancias, a las temporalidades y a las intenciones de quien las realiza. La adaptación deberá responder directamente las exigencias y expectativas de un público que las has conoce.

La obra literaria es un proceso creativo, nace de la observación de un hecho real, de la interpretación de un suceso; nace de la investigación de un acontecimiento, de la representación de la historia; nace de la inspiración, de imaginar lo ficticio, de la relación entre narrativa e imaginación. Cuando una obra es publicada, el impacto técnico, estructural y comercial obedece a distintos sectores e intereses, pero el mensaje y su poder sensitivo, sólo acontecen cuando las palabras, frases y párrafos tienen un receptor que le da al mensaje y al emisor sentido, es entonces cuando una obra que ha pasado por el proceso de la escritura, desarrollo y edición, al ser leído se cumple.

Que la obra vaya del papel hacia la pantalla, requiere adaptar la imaginación a la narrativa; la narrativa a la imaginación y la imaginación a la imagen, directa e indirectamente proporcional a su fin último: el lector y el espectador.

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La adaptación es un riesgo y es un reto per se, tan importante como la traducción de una novela en otro idioma distinto del que fue escrita, el diálogo se da entonces en comprensión de la realidad y en la medida en que la historia no se pierda por la intención, es llevar una idea original a otro lenguaje. El guionista debe expresar la obra literaria como una obra visual, utiliza la objetividad y subjetividad de su propia lectura, para mostrar lo que él, el director y la producción pretenden. Es un proceso solitario y en compañía, donde todo un equipo depende del texto. Tener libertades creativas, respeto y fidelidad en favor del argumento, es una condición vital para que una obra literaria al ser adaptada perdure, que no se agote y que mane la esencia del escritor.

La complejidad de algunas obras resulta en complicadas adaptaciones debidas a la estructura del idioma, a la forma de pensar el mundo, sintetizar y delimitar la profundidad de la reflexión o los alcances de la narrativa, es la relación entre las palabras y la imagen.

Hoy la adaptación atiende de igual modo a la tecnología provee recursos a cada momento que alteran, invitan o convencen al guionista y al realizador cinematográfico sobre innovar o continuar estructuralmente desde la narrativa, la obra literaria que motive su proyecto. “Los Miserables” de Víctor Hugo, muestra que las versiones son inagotables, y las adaptaciones también.

La imaginación nos permite navegar por los viajes que ofrece y la aproximación del director plasma sus intenciones al momento; literatura y cine brindan la posibilidad permanente de contar la misma historia en diversos lenguajes.

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

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Por: Iván Uriel

Un lugar de encuentro, así podría definirse a un espacio donde convergen  las ideas, sentimientos, experiencias, las historias de vida de diversos países, de diversas culturas; un lugar de encuentro donde las emociones y los sueños tiene cabida en el mismo espacio en donde habitan realidad y ficción, las imágenes en movimiento.

 

El Boston Latino International Film Festival a lo largo de 12 ediciones ha mostrado diversas formas de expresión cinematográfica y lo ha hecho con extraordinario éxito. Su lema “bridging Communities through movies” tiende puentes entre comunidades, une, comulga con la constante renovación de sus contenidos, con la apuesta a nuevos directores y con la premisa permanente de preponderar las historias que narran un pedacito de la vida de  América Latina y de los latinos en Estados Unidos.

Un debate permanente y un diálogo abierto, caracterizan a esta labor de difusión cinematográfica dirigida por su fundador José Barriga. Uniendo esfuerzos, el festival contó desde un principio con el apoyo de la Universidad de Harvard, y ha sido sustentado por  organizaciones e instituciones académicas como Northeastern  University.  Más de 60 películas, 15 países, la asistencia de 14 directores y múltiples eventos alternos, son el antecedente inmediato de lo que será la edición número 13 del festival. El impacto visual y posteriormente el sonoro de la cinematografía, han hecho que los mensajes de las imágenes en movimiento tengan un impacto universal y de mayor difusión prácticamente desde cualquier formato.

Es indispensable fomentar la generación de cineastas independientes, que en sus propuestas puedan aportar y dedicar su cine a causas sociales, a temas concretos de la vida atendiendo a ciertos acontecimientos históricos, referenciales o fundacionales de las transformaciones y movimientos sociales a lo largo de la historia, otros por ejemplo, que dediquen su propuesta a contar historias más íntimas y desde la intimidad narrar la vida misma. 

El cine que converge en el festival difunde, inspira, invita, comparte, informa, un lienzo donde convergen la capacidad, creatividad, el ingenio de un director, de un guionista, del equipo en general, para narrar las historias. También nos muestra las nuevas formas de contar historias, la adecuación de la tecnología, las técnicas visuales, las novedosas y a la vez simples formas de contar lo complejo y hacerlo universal.

En una conversación reciente con José Barriga, conocimos la profunda sensibilidad que acompaña y da cabida a las películas seleccionadas, así como los esfuerzos que implica organizar un festival de este tipo en donde los apoyos son fundamentales y a veces escasos, sin embargo ha sido una aventura que vuelta en institución, sostiene más de una década de trabajos, talento y de historias que han dejado huella en las instalaciones del David Rockefeller Center for Latin American Studies, uno de los recintos que albergan la apuesta de festín cinematográfico que el Boston Latino International Film Festival es.  Cada edición representa un reto y a la vez una oportunidad.

El festival proyecta largometrajes, cortometrajes y películas documentales, y a través de ellos da a conocer las creaciones de cultura, contracultura, historias de las comunidades latinas, busca además que los trabajos seleccionados se difundan en el área de Boston y en Estados Unidos uniendo comunidades y formas de concebir nuestro entorno.  Es una celebración a las imágenes en movimiento del cine latino en Estados Unidos,  del cine latinoamericano, de las pequeñas grandes historias y de su alcance universal.

Próximamente tendremos en “Encuentros” la entrevista con José Barriga y una cobertura de lo que acontezca en la 13ª edición.

La convocatoria para la 13er edición del Boston Latino International Film Festival está abierta en http://www.bliff.org/

Galería del Festival:

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Iván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

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