21 abril, 2026

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Rápidos y Furiosos, lecciones para una franquicia y sus apegos

 

Filmakersmovie.com

La industria cinematográfica como negocio, ha sustentado gran parte de su estrategia avocada al entretenimiento desde la imagen, mediante la consecución de historias probadas, secuelas, precuelas, remakes, relanzamientos y experimentos de construcción narrativa basados en el universo de personajes entrelazados. Con frecuencia el desgaste de las franquicias, la baja calidad de las entregas o la indiferencia paulatina del espectador, terminan por agotar una formula o de asfixiar una nomenclatura.

 

Cuando en 2001 “Rápido y Furioso” de Rob Cohen apareció en escena, la propuesta parecía fresca, una iniciativa estratégica que intercalaría pequeñas películas de acción con las grandes producciones de los estudios. No obstante, la saga adherente a la pasión por los autos, personajes aguerridos, bellas mujeres y música pegajosa de las citadinas calles nocturnas, emergió para instalarse como una de las franquicias más exitosas del siglo presente.

 

En 2017 y tras sólo un tropiezo acontecido en Tokyo (donde por cierto no aparecen los caracteres principales) la octava entrega de los autos que corren con furia, ritmo y un sinfín de aventuras sobre ruedas, ha vuelto a poner de manifiesto la excelente visión financiera y de empatía que los estudios Universal plantearon para las vicisitudes de Vin Diesel y Paul Walker. Después del éxito inusitado de “Rápido y Furioso 7” de James Wan, en gran medida atribuido al dolor y homenaje causados por la muerte de Walker, Diesel y su personaje Torreto, asumen, más no en solitario, la estafeta de una serie que parece no agotarse sino mantenerse tras el pináculo. La visión de sumar actores con cierta trayectoria y por ende a sus respectivas audiencias, ha cautivado a quienes degustan la velocidad, las persecuciones, el sonido de los motores y la cada vez más inverosímil pero entretenida historia hasta el vértigo que les brinda éxito constante.

 

Dwayne Johnson, Jason Statham, Michele Rodriguez y Tyrese Gibson, forman un equipo que independientemente de su posicionamiento heroico-villanesco han sumado junto a Kurt Rusell, Elsa Pataky, Hellen Mirren, Scott Eastwood un coral reparto que puede intercalarse con invitados ausentes como Ludacris o recurrentes como Don Omar.

 

En clara carga de apego social por la vida callejera, a la música urbana, a la fascinación material y a la personificación casi animista de los automóviles, “Rápido y Furioso” parece no detenerse en la construcción de una identidad particular en cada cinta, sino en una esencia general que le brinda a su público lo que busca, pretende y espera de su marca registrada. En “Rápido y Furioso” 8, Charlize Theron hace su aparición para generar más allá de un triángulo amoroso, una cadena de sucesos que ponen a prueba la lealtad, la amistad o las vocaciones de interés que derivan en bandos opuestos  a la “familia” y que ineludiblemente conllevan a una novena entrega de liberación emocional. La trama se aleja de las competencias callejeras para definitivamente catapultar a los ases del volante en héroes de la humanidad, en paladines de la democracia y curiosamente, del orden ante el caos de la anarquía que acecha el mundo donde ellos mismos gozan de rebeldía.

 

La película ofrece como ninguna otra, secuencias de acción coreografiadas en torno de la pantalla y de la irresoluble posibilidad de la inercia. Los autos están en constante movimiento, los escenarios son más diversos, y el sentido de su guion ahora centra su viaje del héroe, en una búsqueda por la esencia misma de Dominc Torreto. La seducción, la ambición o la traición oscilan entre los muros que se construyen a la amistad, a la lealtad o al cariño que sienten entre sí los protagonistas. El héroe es villano y los villanos ahora son los héroes porque en realidad nunca ha habido un mal obligado sino necesario para dar sentido a la trama, la vulnerabilidad de la vocación hacia el bien y de los sentimientos ante el deseo, invitan al espectador a seguir el viaje global en ajustados cinturones de seguridad.

 

Tal cual ofreciera la obra maestra de Christopher Nolan “El Caballero de la Noche”, la dinámica “Capitán América: Guerra Civil” 2016 de Joe Russo y Anthony Russo, o incluso la polémica “Batman Vs Superman” 2016 de Zack Snyder ésta octava película se constituye con bases de voluntad y discernimiento, amparada su misiva en una acción sin freno y en efectos visuales que acompañan los engranajes de la mecánica y que dejan abierta la resolución del entramado ético.

 

Las millas recorridas en alta velocidad desde aquella primera cinta que costó cerca de 40 millones de dólares, hasta la octava que costó cerca de 300, han pasado kilómetros de reinvenciones creativas que han mantenido increíblemente activo, fresco y dinámico el proceso de filmación y estrenos de forma consecutiva.  “Rápido y Furioso” 8 se apresta a ser la segunda entrada en la franquicia que rebase el billón de dólares en taquilla a nivel mundial. Para disfrutar de esta cinta,  la credencial de manejo solicita gusto por los autos, la velocidad y la testosterona ávida de transitar las aventuras de un grupo de amigos y rivales al son de la música estilo Miami, sin más predisposición que el entretenimiento, dejando al lado la búsqueda de profundidad en el guión o la exageración de una franquicia que da lecciones de cómo mantener cautiva a la audiencia y seguir cultivando la empatía por los personajes y sus apegos de automovilísticos.

Fast & Furious 8

Dir. F. Gary Gray

E.U.A., 2017

3:017

 

 

Filmakersmovie.com

Película «Los Niños» lanza viral en el marco del día mundial del Síndrome de Down

Cada 21 de marzo, desde el año 2011, se celebra el día mundial del Síndrome de Down con el espíritu de concientizar a la población sobre la existencia de este síndrome y la imperante necesidad de incluir socialmente a quienes lo padecen.

Así, por medio del nuevo viral, conoceremos a Ricardo Urzúa, uno de los protagonistas de «Los Niños» la nueva película de Maite Alberdi que sigue a un grupo de amigos con Síndrome de Down que lleva 40 años asistiendo al mismo colegio: mismas clases, profesores y rutinas pero a pesar de los obstáculos siguen adelante con sus esfuerzos diarios por lograr sus sueños.

 

Maite Alberdi, reciente ganadora del premio del público en el Festival Internacional de Films de Femmes de Créteil, Francia.

Ricardo, es parte de un taller de gastronomía y organiza a sus compañeros para la fabricación y venta de dulces caseros con el fin de que a través de su trabajo, pueda alcanzar uno de sus sueños como adulto: ser independiente económicamente, tener su propia casa y construir una familia.

«Los Niños» se estrena en cines el próximo 8 de junio. Su estreno mundial tuvo lugar en el pasado Festival Internacional de Documentales de Ámsterdam (IDFA), el evento más importante del mundo dentro del género.

En el reciente Festival du film de femme, Creteil, Francia, ganó el premio del público. Mientras que en el Miami Film Festival recibió el premio «Zeno mountain award» que se le otorga a películas que: ayudan a derribar las barreras en nuestro entendimiento de las personas con discapacidad.

Llega a los cines a través de Market Chile.

Los Niños

Viral

Ricardo #LosNiños

Chile, 2017

00:59

 

 

 

Para conocer más sobre este proyecto:

#LosNiños

Twitter: @losninos_peli

Facebook.com/thegrownupslosninos

www.thegrown-ups.com

Chile, 2017

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Filmakersmovie  presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

 

Una serie realizada por: Francesca Franchini  e Ileana Guzman

-Sinopsis-

La Serie Documental “La Ruta de los Mayas” será un viaje entre el presente y el pasado de esta cultura, donde descubriremos su arquitectura, tradiciones y cómo estos lugares que en un tiempo fueron el nicho de esta gran civilización, se transformaron en grandes centros turísticos. Donde más de setenta nacionalidades del mundo llegan constantemente en búsqueda del deseado paraíso. Es el testimonio de personas que viven en estas hermosas tierras, su pasado, su presente y su visión de lo que podría pasar en un futuro.

Esta es una producción de Trip in México

La Ruta de los Mayas, es un proyecto que busca financiamiento para su producción, invitamos a entidades gubernamentales e iniciativa privada a que apoyen proyectos como este, que difunden la grandeza cultural de México y su gente.

La Ruta de los Mayas

Capítulo 3: Puerto Morelos

Dir. Francesca Franchini Maestri

Productora: Ileana Guzmán Dávila

México, 2017

20:30

Sinopsis Capítulo:

Dentro de la historia moderna de la Riviera Maya, Puerto Morelos nace en el siglo XIX con la fundación de la Compañía Colonizadora de la Costa Oriental de Yucatán, para exportar palo de tinte, chicle, vainilla, tabaco, cedro y corcho. Tras esto, Puerto Morelos comienza a progresar y se convierte en el puerto natural más antiguo de Quintana Roo. Además, existen vestigios del Cacicazgo de Ekab en la selva y en la costa como Coxol, El Altar, Las Barradas Mayas y Pirámide de Muchil.

En los años setenta nace Cancún y con la promoción del turismo, Puerto Morelos comienza su crecimiento poblacional y económica por la inmigración de diversas personas nacionales y extranjeras. Este crecimiento fue una causa de preocupación por el daño que le estaban haciendo al ecosistema y en especial, al segundo arrecife más grande del mundo. Viajaremos en la historia a través de su propia gente y cómo lograron el equilibrio entre el crecimiento turístico y el cuidado y la preservación de su medio ambiente.

Ver más capítulos: La Ruta de los Mayas


Entrevistados:
Goyo Morgan 
Pedro Solis
Miguel Zetina
Silvia rubio
Sandra Dayton
Natalia Ayala

Producción Ejecutiva: Ileana Guzmán Dávila

Dirección y Montaje: Francesca Franchini Maestri

Música Original: Daniel Suárez Escobar (Chile)

Galería:

 

Contacto:

Productora Ejecutiva : Ileana Guzmán Dávila
Teléfono: 55 2401 4136
ileana@tripinmexico.mx
Instagram: @trip_in_mexico
México.
 –
Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

 

Filmakersmovie presenta  trabajos de realizadores iberoamericanos.

Una realización de: Javier Ortiz Alcamí

Sinopsis

En ocasiones las cosas más bonitas están frente a nosotros y no las vemos. Quizá porque vivimos demasiado rápido o simplemente porque no nos detenemos a mirarlas.

Rodado en la ciudad de Valencia.

Slow Valencia

Una realización de: Javier Ortíz Alcamí

España, 2017

3:55

Sometimes the prettiest things are just in front of us and we cannot see them. Maybe we live too fast to do it, or maybe we do not spend enought time looking at them.
Shot in Valencia city.

Roller skater: Antonio Montesinos
Agradecimientos a  Antonio Zanón

Música: Eternal Hope de Steven Gutheinz

 

Equipo Técnico:

Canon 5D Mark IV
Canon 70-200mm f2.8 IS L
Canon 35mm f2 IS

Shot to 100fps & sequence conformed to 25fps
Adobe Premiere Pro CC & Ari Colour luts

Galería:

Ver más trabajos de: Javier Ortiz en Filmakersmovie.

 

Contacto:

Vimeo: Javier Ortiz Alcamí

FB: Javier Ortiz Alcamí

jaoral@hotmail.com

Valencia, España 2016

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

 

Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos en una producción original.

 

– Sinopsis-

Una conversación con los protagonistas y sus historias en las artes, conducido por el escritor mexicano Iván Uriel Atanacio Medellín. En cada capitulo conversaremos con artistas del Cine, Teatro y Televisión, quienes comparten reflexiones den vida y trayectoria.

Encuentros con Iván Uriel: Laura Zapata

Dir. Andrés Palma Buratta

Filmakersmovie

México, 2016

Esta entrevista fue grabada en 2013.

18:52

Laura Guadalupe Zapata Miranda es una reconocida  actriz y cantante mexicana de cine, televisión y teatro. Su trabajo en la actuación le ha llevado a recibir nominaciones y reconocimientos como los Premios Tv y Novelas, por su rol de «Mejor Villana» en las telenovelas «Rosa Salvaje » (México, 1988) y «María la del Barrio» (México, 1993).

En 2010 fue galardonada con el Premio Silvia Pinal  que otorga la Agrupación de Periodistas Teatrales por su participación en la puesta en escena «12 mujeres en pugna«. También, la Asociación de Cronistas y Periodistas Teatrales  la reconocen como «Mejor Actriz» por sus interpretaciones en «No seré feliz, pero tengo marido» como mejor monologo de una actriz en 2010, y en 2012 por su desempeño en la obra «El efecto de los rayos gamma«, obra producida por los jóvenes productores Abe RosenbergClaudio Sodi.

Agradecemos a la Laura Zapata por abrirnos las puertas de su casa para la realización de esta conversación del teatro, el cine, la televisión y sus historias.

 

Una producción Original Filmakersmovie.com

contacto@filmakersmovie.com

México, 2016

IMPORTANTE: algunas imágenes que aquí se exhiben no pertenecen a Filmakersmovie, y han sido utilizadas para mostrar el trabajo de nuestro entrevistado, respetando los derechos de autor. Encuentros es un programa de entrevistas sin fines de lucro.

Coco, la animación, la vida y la música

Se estrena el teaser de «Coco» la nueva cinta de la unión de Disney y Pixar con la que busca mostrar la cosmovisión de la «vida y la muerte» en la tradición de «Día de Muertos» de México.

Esta cinta dirigida por Lee Unkrich, (Toy Story 2 y 3, Buscando a Nemo, Monsters Inc.) mostrará la vida de Miguel, un niño de 12 años amante de la música quien sin esperarlo tendrá una experiencia mística en busca de su origen.

 

Recordemos que  Disney cuando quiso  registrar como marca el nombre «Día de Muertos» para su film le fue negado en virtud de que una productora mexicana, Metacube, ya había registrado este nombre para una de sus películas, la cual tenía algunos años es producción.

Sin duda alguna es una apuesta de Disney Pixar al representar una de las tradiciones más emblemáticas de México, mezclando, la vida, la muerte, la música, los charros y el amor, universal y sin fronteras.

 

Coco

Teaser

2:04

La película contará con las voces del pequeño Anthony Gonzalez, Benjamin Bratt y Gael García Bernal, entre otros.

Se prevé su estreno para octubre de este año.

 

 

Filmakersmovie presenta  trabajos de realizadores iberoamericanos.

Dirigido por: José Rubén Hernández Torres

Sinopsis

Hasta Gritar ¡Gol! es la historia de los jugadores de Los Topos, el equipo fútbol para ciegos de Puebla, y su constante trabajo por ser mejores que los demás jugadores de México y poder formar parte de la Selección Nacional de este deporte.

Hasta Gritar ¡Gol!

Dir. José Rubén Hernández Torres

HT Films

México, 2017

1:41

 

Hasta Gritar ¡Gol! es la opera prima documental del joven director José Rúben Hernández Torres, egresado de la Ibero Puebla.

¿Qué significa gritar Gol?

Esta producción contó con el apoyo del Programa para el Estímulo de Jóvenes Creadores y Realizadores de Puebla, entre otros, y ha estado trabajándose durante algunos años.

 

Durante 60 minutos, los deportistas nos convidan pasajes de su vida, recuerdos que han forjado su carácter y espíritu de convivencia, y el cómo seguir este sueño les ha llevado por caminos que jamás imaginaron, enfrentándose a circunstancias que poco a poco se volvieron oportunidades de superación.

La educación los encontró, el futbol les unió.

Actualmente, “Hasta Gritar ¡Gol!” se encuentra participando en el circuito de festivales internacionales de cine, mostrando una realidad necesaria de ver, entender y disfrutar junto a sus protagonistas.

El documental estará presentándose del 29 de marzo al 2 de abril de 2017 en el Tlanchana Film Festival en Metepec, Estado de México.

Algunos de los productores de este documental son Laura Pino, productora de “Santo, el hombre detrás de la máscara” y Arturo Tay, productor poblano que se encuentra documentando la vida de la actriz mexicana “Silvia Pinal” bajo la producción de Carla Estrada.

Este documental es una oportunidad para conocer, además de sus historias, que en México existe la liga de Fútbol Sala para Ciegos, donde cada año se realizan torneos nacionales e internacionales, formando parte de los Juegos Olímpicos. Saber y conocer más sobre el deporte hacen que sea un buen pretexto para apoyar a los nuestros.

Descubre esta apasionante historia de sueños, pasión y fútbol.

 

Le deseamos lo mejor a esta producción, ¡vamos Topos!,  Hasta Gritar ¡Gol!

Contacto:

T: @hastagritargol

Fb:  /Hasta Gritar Gol

V: /hastagritargol

Youtube: /hastagritargol

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Vimeo 360, el poder de la audiencia

Vimeo, la preferida para los realizadores audiovisuales innova, y amplía su sus servicios, gratuito y premium, para ofrecer su nueva plataforma 360.

Vimeo 360 es un nuevo  portal exclusivo para disfrutar y cargar este tipo de contenidos podemos encontrar un vídeo introductorio sobre el sistema y esta innovación, además de disfrutar algunas producciones en este formato.

Imagen: Vimeo 360

YouTube experimento mucho antes la exhibición de estos contenidos, donde la animación fue quien predominó las producciones difundidas y creadas por la plataforma, Pearl (Dir. Patrick Osborne),  el corto animado nominado al Oscar, en esta edición , posé este formato.

A partir de este momento puedes disfrutar producciones breves como «The Future of Music» dirigido por Greg Barth o LIFE VR, un acercamiento a los campamentos de Naciones Unidas.

 

 

Vimeo también ofrece un apartado Vimeo 360 School, donde podemos encontrar  lecciones de cómo poder producir y post producir paso a paso un vídeo con estas características, así como la recomendación de las mejores cámaras para grabar en este formato, sugerencias, precios estimados y detalles de cada producto.

 

Fuente: https://vimeo.com/blog/post/find-the-best-360-camera

Sin duda una experiencia que va cobrando popularidad entre los realizadores y consumidores más arriesgados, como la productora Merced de Chile que hace poco presentó su film 360 «Constitución«, dirigida por Leo Medel.

Este cine busca dar el control al espectador para decidir qué ver dentro del mundo que se le presenta.

Por el momento la distribución por Internet, y la aplicación de esta técnica en algunos museos, acerca al consumidor a esta nueva experiencia audiovisual y sensorial.

 

Redacción Filmakersmovie.com

Fuente: Vimeo 360

 

La importancia de una buena historia

Por: Un Tal Luis

Muchas cosas hacen que una película sea catalogada como buena: ya sea por su producción, sus efectos especiales o lo innovadora que pueda llegar a ser. Sin embargo, lo más importante es la esencia: la narrativa; sin ella no tenemos la semilla de algo que valga la pena, de algo que trascienda. No importa cuántos buenos ingredientes tengamos, si no tenemos una buena historia que contar, un filme puede caerse.

Debemos tomar en cuenta que toda la producción es fundamental pues hace que realcen las historias, es por esto que hay que traer dinero en el bolsillo para un buen guionista; así un buen Director tendrá material suficiente para contar las cosas de manera que enganchen al público. Pero vayamos más profundo todavía, porque más allá de que el gusto se rompa en géneros, un buen guionista encuentra oro en una buena narración, en aquello que permita imaginar; la información a contar es lo más importante. Pensemos, por ejemplo, en El Padrino, cuya saga se ha vuelto de culto y no ha dejado de generar fans de la saga hasta nuestra fecha. Y es que la novela de Mario Puzzo está tan bien narrada que permitió a los actores desarrollar exquisitos personajes, como lo hicieran Al Pacino y Marlon Brando junto con el resto del elenco: lo que cautivó a la gente fueron los matices humanos de los personajes dentro del mundo de la Mafia; no fue la clásica historia de ladrones y policías, ni la clásica lección de moral, fue el análisis de un grupo de personas cuya disyuntiva de negocios involucraba a su familia y su entorno particular. Es por eso que se le encuentran lecciones para el mundo de los negocios y la política entre otros ámbitos.

Y es que cada género requiere de ciertos elementos con los que pueda identificarse el espectador, como en el caso de Grandes Esperanzas: la obra fue escrita por Charles Dickens en 1860 y pertenece a un contexto histórico diferente al nuestro. Sin embargo, en la adaptación cinematográfica de 1998, el guionista supo  adaptarla a nuestra época, y lo pudo hacer gracias a la calidad de la historia, la cual ofrecía grandes giros con personajes profundos: Gwyneth Paltrow pudo recrear a una chica que se hacía de los favores de un pintor debido a su belleza y  los sentimientos que lo atraían hacia ella; no era un personaje generoso, no era solidaria siquiera; era más bien caprichosa y con un criterio que nunca tomaba en cuenta más que su propia necesidad y sentir, y eso es lo que hizo que algunos espectadores la rechazaran, la criticaran o anhelaran que pagara su mal karma, pero no pasó indiferente, y es por esto que trascendió en la historia, porque se parecía a personas de la vida real, porque su destino fue impredecible, más que justo. Las historias rosas no son malas, si se sabe contarlas, pero lo impredecible siempre logra puntos a favor.

Ahora podemos hablar de Best sellers, que como bien sabemos, no siempre corren la misma suerte en la pantalla grande. Pero tomemos de ejemplo El Resplandor, que contó con la dirección del legendario Stanley Kubrick, así como el gran trabajo actoral de Jack Nicholson y Shelley Duvall. Aún así, el autor del libro, Stephen King, no quedó satisfecho con la versión final. Lo importante es que se juntaron varias mentes talentosas: Kubrick supo crear escenas memorables como la de la sangre cayendo por la escalera, o la de las siniestras gemelas y su encuentro con Danny Terrance. Y es que el director se esforzó a tal grado de que la actriz, Shelley Duvall, llegó a sentirse incómoda por el trato hostil que recibía por parte de él, aunque después expresó que esto le ayudó a desarrollar su crítico personaje. Además de que la famosa escena donde se defiende de Jack Nicholson con un bate, se filmó unas 127 veces. Pero todo el esfuerzo del director y los actores valió la pena al ver el resultado en pantalla, incluso habiendo implicado un ambiente incómodo y para algunos, poco saludable.

Por otro lado tenemos a Forest Gump, cuya versión cinematográfica superó a la del libro, a pesar de que no se apegaba tal cual. Aquí se combinó la gran actuación de Tom Hanks que logró un personaje entrañable, cuya historia atrapó al espectador con una excelente trama. Y aquí encontramos otro punto muy importante: centrarse en la manera de contar las cosas del personaje. No fue la producción, no fueron los escenarios; fue el propio personaje de Forest Gump el que generó un gran punto de vista porque su historia valía la pena contarse, a pesar de sus infortunios y limitaciones que encuentra a lo largo de la cinta, el espectador quería saber qué pasaba con él.

Y es que es importante aprovechar los recursos al máximo, incluso si no se tiene una gran post-producción o una serie de locaciones, como lo hiciera Alfred Hitchcok en 1948 con La Soga, que está basada en la obra de teatro Rope, de Patrick Hamilton. Y precisamente pareciera que Hitchcok hubiera filmado la obra, ya que realizó una serie de plano secuencias, ya que no pudo filmarlo todo en una sola toma, como pretendía, debido a que las cámaras de aquel entonces sólo grababan diez minutos seguidos. Aun así, se las arregló para que todo pareciera filmado tan sólo con dos cortes, que en realidad fueron hechos a propósito. Aquí vemos un ejemplo de cómo la interpretación y el argumento pueden generar algo grandioso por sí solos. Un buen camarógrafo sabrá hacer mucho con poco, y así darle un gran material al director. La historia nos cuenta un asesinato y nos engancha sin salir nunca del departamento en el que transcurre todo, dejándonos ver el interior de cada personaje.

Como pueden ver, la historia es el alma del buen cine, claro que se pueden contar de muchas maneras y eso forma parte del arte. Pero siempre es importante tener algo que decir. Obviamente todos los involucrados juegan un papel fundamental a la hora de hacer una película, pero siempre es imprescindible tener una buena historia que permita al resto del staff compartir su talento a gusto.

Un tal Luis UntalLuis| México

 
Publicista de formación académica. Ha participado desde hace algunos años en varios proyectos en el mundo de la Producción audiovisual, desarrollando funciones de Storytelling y Post-producción, entre otras. Cinéfilo por convicción, disfruta de las buenas historias y charlar sobre cine.

 

 

Buenas noches, y buena suerte

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

 

Los medios de comunicación informativos presentan las noticias y los hechos, cualesquiera que sean, como son, sin importar ningún tipo de implicación externa; esa es  la responsabilidad ética hacia la gente a quien el periodista y el medio le responden; no al gobierno, no a los dueños del capital y no a un grupo selecto de personas. De forma ideal, la relación debe ser bilateral, la gente debe demandar la información y responder ante ella (en acciones, comentarios, debates y cuestionamientos) en lugar de desecharla, olvidarla, negarla o evitarla.

 

Esa es la dinámica básica como se conforma la relación entre sociedad y medio masivo de comunicación, en un diálogo abierto sobre sucesos que afectan a todos los implicados, a la sociedad misma.

 

Pasaremos a las historia por nuestros actos”, señala el personaje de Edward Murrow, protagonista de la película Buenas noches, y buena serte (EUA-Francia-Reino Unido-Japón, 2005), en relación a que sus acciones dentro de su profesión como periodista, al cuestionar en 1953  públicamente los métodos con que el senador Joseph McCarthy conducía sus investigaciones, provocaron un empuje de conciencia social cuando con el análisis que presentaba en su programa televisivo, trabajo en equipo con sus colaboradores de investigación, llevó al gobierno y a las personas a debatir los métodos de persecución presididas por el senador.

 

Edward R. Murrow fue un periodista televisivo que durante el macartismo se enfrentó al senador en nombre de la libertad de expresión y de información. “Buenas noches, y buena suerte”, expresión que proviene de la forma habitual en que Murrow cerraba su programa “Cara a cara”, película dirigida por George Clooney, escrita por Clooney y Grant Heslov, protagonizada por David Strathairn, George Clooney, Robert Downey, Jr., Patricia Clarkson, Frank Langella y Jeff Daniels, entre otros, trata la historia de ese momento histórico en el mundo de la televisión. La película fue nominada a seis premios Oscar, entre ellos mejor película, director, guión original y actor principal para Strathairn.

 

Murrow y su equipo siguen el caso de un hombre del ejército irlandés que fue expulsado por acusaciones anónimas que lo asocian con el comunismo, pues una vez vieron al padre de éste leer un periódico serbio. Se le exige al soldado acusar abiertamente a su padre y hermana de comunistas, pero él se niega. Ante los hechos, el programa de Murrow investiga a fondo la forma en que el juicio es llevado a cabo y cuestionan públicamente, frente a la televisión, cómo es que se pueda condenar a un hombre cuando no hay pruebas tangibles que lo inculpen. El soldado es juzgado por asociación y Murrow pregunta a su audiencia si es correcto, ético y lógico sentenciar a una persona basándose en chismes, habladurías, suposiciones y rumores, ante lo que el Comité de investigación se justifica diciendo son medidas que se toman en nombre de la seguridad nacional.

 

El director de la división de noticias de la cadena televisiva que transmite el programa (la CBS: Columbia Broadcasting System) sabe que las acciones tienen consecuencias y que el trabajo de investigación de Murrow y su equipo puede ser considerado, por parte del Comité e incluso de un sector de la opinión pública, como una forma de traición. Durante el macartismo, muchos periodistas se negaron a levantar la voz para cuestionar el movimiento por temor a ser señalados, acusados de comunistas, de traidores a la Patria. Murrow razona que su programa debe servir como una puerta abierta al debate, pues es su deber hablar con franqueza, presentar los distintos puntos de vista, ser objetivo. Durante una ceremonia en la que recibe un premio especial (de la Radio-Television News Directors Association – RTNDA), años después de lo sucedido, el periodista hace un llamado a preguntarse sobre la presencia e influencia de la televisión en la vida de las personas y la forma en que ésta es manejada. Murrow señala cómo la televisión se vuelve un medio de distracción, aislamiento, engaño y entretenimiento, el contenido pasajero y superficial que la gente prefiere por sobre otro tipo de funciones posibles que el medio de comunicación puede ofrecer. El periodista concluye diciendo que las personas son las responsables de esto, tanto quienes miran como quienes la hacen. La televisión puede enseñar si la usáramos con esos fines, analiza él. Su discurso invita a la reflexión sobre la forma en que la televisión se maneja, se utiliza, diciendo que si se le continúa viendo sólo como un negocio financiero, los que la ven y los que la producen no pueden ver el error del que se son parte.

 

La respuesta del Senador en relación al programa de denuncia de Murrow no se hace esperar y su réplica acusa directamente al periodista de apoyar el movimiento comunista. “Si ninguno  hubiéramos leído un libro peligroso, tenido un amigo diferente o colaborado alguna vez por el cambio, seríamos la clase de persona que Joe McCarthy querría”, les dice el periodista a su equipo cuando se cuestionan si seguir adelante con su trabajo de investigación. Después de esto, dedican su siguiente programa a otro caso revisado por el Comité que preside el Senador: una mujer acusada de ser comunista, a quien se le niega saber la identidad de sus denunciantes o entablar un juicio, o diálogo, cara a cara con ellos. El anonimato como medio de denuncia policial, la mentira, la calumnia y el rumor, como pruebas judiciales, en el marco de una política social que promueve el miedo para paralizar cualquier crítica al poder establecido. Tal era la esencia de la política anticomunista de J. McCarthy.

Good Night, and Good Luck | Dir. George Clooney | E.U.A., 2005

 

Aunque la voz de estos periodistas es escuchada y eventualmente el gobierno pone a juicio al Senador, las repercusiones hacia los involucrados tienen también un eco en el mundo del periodismo y la televisión. Los patrocinadores del programa poco a poco se retiran, con el consiguiente efecto económico para la empresa y para quienes trabajan en el programa, en tanto, parte de las exigencias de McCarthy es que a periodistas como Murrow no les sea permitido presidir programas que hablan al público, por la posible influencia que podrían tener en la conformación de su propia opinión. La cadena televisiva no puede dejar pasar por alto el impacto que la situación trae directamente a su empresa. En consecuencia el programa de Murrow queda casi desaparecido y pasa, de ser una emisión diaria en horario estelar, a convertirse en emisión semanal, limitada, a transmitirse en un horario menos sintonizado.

 

Las elecciones de estos personajes, en su responsabilidad de voz pública y trabajo de análisis, son importantes porque deciden cumplir con la oportunidad que les ofrece el alcance que tienen como medio de comunicación para hablar con claridad sobre hechos y acontecimientos que afectan a la sociedad, cuestionando a las personas que, actuando en nombre del gobierno, abusan de su posición de poder.

 

La sanción de la cadena, que aparentemente no deja de apoyar la posición de Murrow, responde a compromisos generales en su relación con el gobierno y su audiencia, previniendo otro tipo de repercusiones.

 

De la forma en que la televisión informativa asume una noticia y la difunde, su papel crítico respecto a los hechos y la responsabilidad periodística, la película abarca temas relacionados con el papel de los medios de comunicación en su impacto social, hablando también, de paso, de un periodo histórico como el macartismo, al que era difícil cuestionar por sus irregularidades legales y excesos autoritarios, sin automáticamente también ser señalado, aunque no hubiera justificación con sustento para ello; que en su persecución olvidaba los derechos civiles de las personas y condenaba a cualquiera que no se alineara con una forma de pensamiento o corriente política, específicamente, la que dictaba el gobierno estadounidense en curso, de profunda convicción anticomunista, no muy lejana ideológicamente de lo que se observa en la política social de quienes presiden, o intentan presidir, el gobierno en ese país.

Buenas noches, y buena suerte

Discurso Edward Murrow

Dir. George Clooney

Estados Unidos, 2005

Foto: Diana Alcántara

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

City of Stars ¿brillas sólo para mi?

Por: Perla Atanacio Medellín

 

“Una mirada en los ojos de alguien

que ilumine los cielos

para abrir el mundo y ponerlo de cabeza

una voz que diga “estaré aquí”

y tú estarás bien.

No me importa saber

si sé donde voy,

porque todo lo que necesito es este sentimiento loco,

el rat tat tat de mi corazón…

que quiero que se quede.”

Fragmento City of Stars (Justin Hurwitz ), La la land E.U.A., 2017

 

 

La magia

 

Cuando se apagan las luces y nos dejamos llevar por lo que en la pantalla grande aparece todo es posible.  Damien Chazelle logra con La la land (Una historia de amor) redimensionar la magia y el significado del cine, en su técnica, en su estructura, pero también en su texto, además de exponernos a una entrañable historia de un amor, nos lleva de la mano para danzar en el baile de los sueños, hurgando en lo más profundo de nuestro corazón dejando al descubierto ese anhelo que cada uno llevamos dentro.

 

IMDB | La la land | Dir. Damien Chazelle | E.U.A., 2016

 

La música no es un pretexto, es motivo para reunirnos en el encuentro del amor posible e inevitable entre la aspirante a actriz Mia (Emma Stone) y Sebastián (Ryan Gosling), amante del Jazz con el único sueño de tener su propio bar para homenajear este género.

 

¿Qué estamos dispuestos a hacer por cumplir nuestros sueños?

 

No se puede imaginar el impacto de esta cinta sin la música por la complejidad de su argumento: seguir un sueño. A primera vista pudiera parecer un plot sencillo, pero cuando caemos en cuenta de las circunstancias y decisiones que los personajes deben toman para lograr sus sueños, sabemos que sin la música no podríamos asimilar su intensidad, como en el caso de West Side Story (Dir. Robert Wise y Jerome Robbins, Estados Unidos 1961), donde las coreografías y sus letras nos permiten digerir el conflicto social y sectorial en NY entre puertoriqueños y  “blancos” en la época. La danza es su lenguaje.

 

Entonces, ¿Qué estamos dispuestos a sacrificar por cumplir nuestros sueños? Es una pregunta difícil, quizá en la respuesta va implícito el carácter que nos ha forjado la vida, las circunstancias que hemos vivido y lo que esperamos. Es en todo momento un acto de dar, de darse sin límites, pero también es un pronunciamiento serio y consciente de desprenderse para “Ser y dejar ser”.

 

Los Ángeles

 

Esta City of Stars no sólo seduce a Sebastián y Mia, enamora a todo aquel que tiene  un sueño. Según Demian, pensó en L.A. para desarrollar esta historia por lo poético de la misma, donde todos los soñadores deambulan día a día para hacer posible sus ilusiones.

Las calles y bulevares de Los Ángeles no sólo albergan la historia de una industria cinematográfica en su eterno romance con la audiencia, también, es hogar de todos aquellos “sonadores” que llegan hasta aquí para poder “ser alguien”, el riesgo es mucho y algunos no lograr mirar las estrellas a sus pies, aunque las pisen a diario.

 

Es un drama particular a ritmo de amor y esperanza, de ilusión,  oportunidad, libertad, de saber que, en su momento, alguien te acompañará en el camino esté o no contigo.

 

IMDB | La la land | Dir. Damien Chazelle | E.U.A., 2016

 

¿El Oscar?

 

Este año La la land llega como la gran favorita por los críticos al recibir 14 nominaciones a los premios de la Academia, le acompañan otras cintas como Arrival del Dir. Denis Villeneuve, Hacksaw Ridge que marca el regreso de Mel Gibson a los Oscars como director; Hidden Figures de Theodore Melfi, Lion dirigida por Garth Davis, Moonlight del Dir. Barry Jenkins, la valiente Hell or High Water de David Mackenzie, Fences del actor y director Denzel Washington, y Manchester by the sea del director Kenneth Lonergan.  La contienda no es fácil, e incluso es una de esas ternas impredecibles, donde hay temas pendientes. Chazelle ha escrito su nombre, nuevamente, en la historia del cine con este clásico musical.

 

Un musical clásico

 

Chazelle, a detalle, vuelve de este musical moderno una obra clásica, haciendo sutiles homenajes a distintos musicales en la historia del cine, y prevaleciendo la gracia, la magia y la cadencia de “Singin’ in the rain” (Dir. Stanley Donen y Gene Kelly, Estados Unidos, 1952) de hecho en una de las escenas de la cinta se puede ver un claro guiño en las colinas de Los Ángeles, donde puede verse, además del esplendor de la ciudad de los sueños,  a Sebastián afianzado en un poste de luz, mientras Mia, con su vestido amarillo, el bolso rojo y sus zapatillas azules emulan el atuendo reconocible de Kathy Selden (Debbie Reynolds) en la cinta, en uno de sus bailes más épicos.

 

IMDB | La la land | Dir. Damien Chazelle | E.U.A., 2016

Metáfora de la vida

 

Cada danza se muestra como metáfora de la vida, de su vida y de la nuestra, del presente, del pasado, del hubiera, de lo que vendrá en cada estación del año, de aquello que va más allá de nuestra comprensión, de lo que se habla mucho y se entiende poco, el amor.

 

La la land es un pretexto para cantar, bailar,  amar y soñar.

 

La la land

Dir. Damien Chazelle

Canción: City of Stars

2:23


 

Visita el sitio oficial de la cinta.

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

 

El internacional director de teatro y ópera David Amitin estrena en Madrid El hombre inexistente, basada en textos de Chéjov

El Hombre Inexistente | Dir.David Amitin | España, 2016 | lalocomotora.es

Madrid | lalocomotora.es | febrero 2016.-  El internacional director de teatro y ópera David Amitin va a estrenar su próximo montaje del que es director y dramaturgo: El hombre inexistente, basado en el cuento El hombre enfundado del ruso Antón Chéjov. La obra aborda, en tono de comedia (muy cercana a la farsa), algunos de los temas más habituales del escritor ruso: la hipocresía, la rigidez, el tedio, la crueldad, el chismorreo y la mediocridad. El estreno será el próximo viernes 3 de febrero a las 20h en El Umbral de Primavera, y se podrá ver en esta misma sala los viernes y sábados (20h) de febrero y marzo.

 

El montaje sitúa a los siete personajes en un pueblo cualquiera en el año 1900 donde vive un profesor de Griego muy excéntrico, Platón, que tiene aterrorizado a todos sus compañeros y vecinos. Es un personaje singular que prácticamente no habla con nadie, parece aislado del mundo, y tiene una constante e irresistible inclinación a cubrirse con algo que lo proteja de cualquier influencia exterior (aunque haga un espléndido sol, él siempre luce chanclos y paraguas).

 

La historia se complica cuando aparece Fedora, la hermana de un nuevo profesor nada comedido, Archibaldo, que se incorpora al colegio. Entonces todos los vecinos y compañeros deciden que hay que casar a Platón… y ahí comienzan las desgracias de nuestro protagonista.

 

La estructura narrativa es libre, por momentos la acción se desarrolla exclusivamente entre los personajes, en otros momentos se interpela al público. El humor alterna con la exasperación y el patetismo con la ternura. Este espectáculo, en el límite del teatro del absurdo, cuenta con «un lenguaje teatral para ser decididamente inventado con los actores, ya que el texto hace una apelación constante al imaginario actoral», explica Amitin.

 

Por su parte, la música (la apertura de La gazza ladra de Rossini) se conforma como un elemento fundamental del montaje ya que aporta un elemento al mismo tiempo festivo y humorístico que parodia el desconcierto de los personajes ante el devenir de sus vidas.

 

Equipo

El Hombre Inexistente | Dir.David Amitin | España, 2016 | lalocomotora.es

 

El elenco está formado por siete actores: Bernardo Riaza (Platón), que ha trabajado en montajes como Boris Godunov de la Fura dels Baus, y Caídos del cielo de Paloma Pedrero; Juan Rueda (Petronio, narrador), que ha colaborado con en más de 50 obras de teatro; Iván Mínguez (Archibaldo), fundador de la Compañía OTROTEATRO y parte del equipo en Mi misterio del interior dirigida por Yayo Cáceres; Beatriz Pasamón (Fedora), medalla de plata de LAMDA en el año 2000; Sergio de Lucas (Afanasi, criado de Platón), actualmente en cartel con De muerte; Ernesto Sierra (Alexander, director del Instituto), actor, director y dramaturgo que ha trabajado, entre otros, con Donatella Danzi; y Verónica Bardera (esposa del director), actualmente con La herida del tiempo de Paco Vidal. Esta última artista realiza también la ayudantía de dirección y Sara Pérez es la responsable de vestuario

 

Sobre David Amitín Teatro

 

David Amitin (Buenos Aires) tiene estudios musicales, en interpretación y dirección teatral y de ópera. En su país natal ha recibido el Premio Molière en 1984 por su dirección de Memorias del subsuelo de Fedor Dostoievsky y el Premio de la crítica al mejor espectáculo de la temporada 2000 por Bartleby de Herman Melville. Su trabajo como director teatral ha tenido un amplio desarrollo en Buenos Aires con montajes, entre otros, como Fando y Lis de Fernando Arrabal, o más recientemente Tango ruso (versión teatral de El eterno marido, de Fedor Dostoievsky) y El experimento del Próspero (adaptación libre de La disputa de Marivaux).

 

Su labor como director teatral también ha llegado a Londres (Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams, Red Cross de Sam Shepard), Alemania (Esperando a Godot de S. Beckett, Los siameses de G. Gambaro), y Bruselas (La señorita Julia de A. Strindberg).

 

En 2005 David Amitin decide crear su propia compañía en Madrid, concebida como plataforma de creación y experimentación teatral. Comienza su andadura con Leonce y Lena de Georg Büchner y continúa en 2007 con su adaptación de Hamlet (conjuntamente con José Ramón Fernández) titulada Buenas noches, Hamlet. En 2011 llega Geografía de un soñador de caballos de Sam Shepard.

 

Su trayectoria como director de ópera ha sido también muy relevante llegando a estrenar, entre otros, en el Teatro Colón (Buenos Aires), en Alemania (El Caso Makropulos de Janacek), y en Austria (Carmen, de Bizet).

 

Paralelamente a su trabajo como director ha desarrollado una continua labor docente, impartiendo cursos para actores y directores en la Oval House y la Universidad de Exeter (Gran Bretaña), el Teatro Universitario de Oporto, y durante veinticinco años en su estudio de teatro de Buenos Aires. Actualmente reside en España donde, desde 2002, dirige la Escuela de Teatro David Amitin.

 

Para más in formación visita:

lalocomotora.es

Fuente.