Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.
John Death | Mako Animation Studio | México, 2015
Una serie realizada por: Mako Animation Studio
-Sinopsis-
La muerte intentando llevar una vida normal en el mundo de los vivos.
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John Death
Capítulo 1: John Death visita el lago
Dir. Mau Orozco
Mako Animation Studio
México, 2015
00:57
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Sinopsis, capítulo 1 , John Death va al lago
John Death intenta llevar una vida normal entre los vivos y hace una inocente visita al lago cercano, aunque al parecer no será tan placentera para algunos.
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Equipo:
Direcció: Mau Orozco
Guión: Mau Orozco
Edición Frank Rivera
Producción: Juan Rivera, Francisco Pérez y Carmen Zaldívar
Sinopsis capítulo 8: ¡Es un clásico! | Temporada 1
Sor Juana y el Padre Beto llegan a la casa de una familia integrada por una pareja de homosexuales en busca de apoyo para la colecta de damnificados. En este contexto, el Padre Beto demuestra sus prejuicios y la actitud intolerante y poco respetuosa de la jerarquía católica hacia estas uniones, mientras que Sor Juana le recuerda que Gaudium et Spes dice que toda forma de discriminación debe ser eliminada por ser contraria al plan divino.
Synopsis Episode 8:That’s Classic! | Season 1
Sister Juana and Father Beto, appealing for support for hurricane victims, arrive at the house of a homosexual couple. In this context Father Beto demonstrates his prejudices and the Catholic hierarchy’s intolerant and disrespectful attitude towards these unions. Sister Juana then reminds him that Gaudium et spes states that all forms of discrimination are contrary to God’s plan and must be eliminated.
Apenas el viernes 8 de enero nos volcamos en las redes y medios de comunicación para celebrar el cumpleaños número 69 de David Bowie, ese mismo día se lanzó al mercado y en las plataformas su más reciente vídeo, Lazarus, dirigido por el director Johan Renck, reconocido director de comerciales y televisión, director del capítulo piloto de Bloodline (Netflix), entre otras series, así como de publicidades para Cartier, Calvin Klein , Valentino por mencionar algunas marcas, quien, también, había dirigido el primer corte del nuevo material del innovador Bowie “Blackstar”.
Lazarus | David Bowie | Dir. Johan Renck | Blackstar, 2016
En Lazarus se muestra a un hombre que yace en una cama, en lo que se presume su lecho de muerte. Con los ojos vendados, y una lúgubre habitación, destaca Bowie, que además de ser un músico, y escritor excepcional, poseía un estilo propio de actuación, participando en más de 30 títulos. El personaje principal de este vídeo es un hombre que sufre con su condición, que trata de levitar quizá para desprenderse del dolor, pero sobre todo para evolucionar. En el vídeo, otro personaje representado por David, vestido de negro, escribe lo que pueden ser sus memorias, quizá en un autoanálisis.
Mira aquí arriba, estoy en el Cielo
Oh, seré libre
David Bowie, Lazarus
Después de enfrentar durante 18 meses al cáncer, el material ‘Blackstar’, será emblemático pues refleja el amor que Bowie le tenía no sólo a la música, sino a la vida. David nos prepara con sus letras para afrontar este viaje.
El sentido del viaje no es la despedida, no es el adiós, es el encuentro.
Es una adaptación de la novela de Emma Donoghue con las actuaciones de Brie Larson y Jacob Tremblay, que narra la historia del cautiverio de una chica adolescente que estuvo en encierro por 7 años y procrea un hijo. La película es narrada a través de los ojos de Jack, para quien desde que nació, su mundo han sido las cuatro paredes del cuarto, donde la única entrada de claridad en la habitación, es un tragaluz. Los elementos del cuarto toman sentido y el mundo real no existe a los ojos del niño. La tele representa ese otro mundo inasequible. La actuación de Jacob es simplemente brillante, convence al espectador de su existencia durante 5 años en encierro.
La escritora se basa en un hecho verídico, el caso descubierto en 2008 en una pequeña localidad de Austria en donde Elisabeth Fritzl de 19 años es encerrada por su propio padre durante 24 años. En un hecho repugnante, la chica encerrada en un desván, compartía la prisión en la que habitaba con sus tres hijos procreados por la violación del padre. Tuvo 7 hijos, uno murió a los pocos días de nacido y los otros tres al nacer fueron “adoptados” por el padre y la madre de quien se asegura no sabía nada de lo que pasaba. La historia de estos hechos inspira la obra de Emma Donoghue, centrada en Felix de 5 años, el último hijo de Elisabeth Fritzl quien infunde elementos a la novelista para la creación del personaje de Jack. La historia de la película dirigida por Lenny Abrahamson muestra con crudeza la vida en encierro pero, con llana sensibilidad, aborda el miedo de Joy “Ma” y la seguridad que tiene que hacerle sentir a Jack.
La madre se alimenta de la esperanza de salir libre de ese cuarto para mostrarle a su hijo otra vida que no sabe que existe y que rehúsa reconocer cuando ella misma enfrenta la situación. ¿Cómo hacerle entender a Jack que esta vida no la merece nadie? Sin romper ese lazo de seguridad que le amarra con su madre. Jack crece cuando en complicidad con ella planean su libertad. Jack sobrevive a la reclusa experiencia y conoce el mundo como lo aprendió su mamá antes del encierro. Los detalles de la película presentan elementos que ayudan a salir adelante a los dos protagonistas, la madre y su hijo, de una vivencia traumática.
La habitación es una película que hay que experimentar, ver y sufrir. Entender la complejidad de los personajes y su relación para sobrevivir cuando se priva de la libertad y se les confina a vivir en una representación sádica del captor.
Recomiendo ver “La Habitación” cuya historia fluye además de la estupenda actuación de Jacob como Jack, a quien me encantaría poderlo ver nominado a diversos premios como actor estelar y no actor secundario. Es sin duda una de las mejores representaciones realizadas por un niño que he visto.
Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.
A 120 años del inicio de la cinematografía (la primera presentación de imagen en movimiento sucedió en París el 28 de diciembre de 1895), el séptimo arte ha cambiado, se ha adaptado, ha experimentado, ha evolucionado y ha revolucionado tanto al mundo como a sí mismo. Realizadores y partícipes de un ambiente artístico creativo que se encuentran en un entorno igual de cambiante y que, al mismo tiempo, con su trabajo, se permiten reflexionar sobre el mundo, sobre su evolución, respecto al sentido de la vida y en relación al proceso de cambio en sí.
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Cantando bajo la lluvia (EUA, 1952) es un musical que habla del cine y de, precisamente, una de sus más grandes adaptaciones al cambio, el tránsito del cine mudo al sonoro. La película saca provecho de su género (coreografía y música por igual), pero también, en el proceso de desarrollo de su historia, habla de otras realidades de forma crítica: la fijación del espectáculo con las estrellas del cine, la insistencia por dicho cambio enfocado hacia un negocio-espectáculo, complaciendo al público y dejando claro que el cine pasa a ser una industria, en donde la forma creativa de hacer ese espectáculo consiste en construir historias y sacar proyectos narrativos a flote, jugando con pasiones, sentimientos e intereses de los espectadores.
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Don (Gene Kelly) y Lina (Jean Hagen) son un dúo exitoso en las películas mudas, pero cuando “El cantante de Jazz” (en efecto, la primera película con sonido sincronizado, estrenada en 1927) se convierte en un éxito, y por ende, en un tipo de cine novedoso que el público clama, un estudio productor se propone hacer de su siguiente película un proyecto sonoro. La inexperiencia del equipo se conecta con la poca habilidad de expresión y habla de Lina, quien además cree que Don de verdad la ama, a pesar de que la pareja sólo simula estar junta como una estrategia publicitaria. Don conoce entonces a una talentosa joven, Kathy (Debbie Reynolds), de quien se enamora, y cuando la película de Don pinta para el fracaso, ella accede hacer el doblaje de voz de Lina para poder transformar el proyecto al género musical, decisión que se toma para aprovechar las habilidades de canto y baile de Don y su amigo y colega Cosmo (Donald O’Connor); sólo que Lina, toda una diva, odia a Kathy y está decidida a destruir su carrera.
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La película habla de las apariencias del medio, tanto en el sentido de las falsas expectativas que la cultura popular trae consigo, como en el estudio productor teniéndose que adaptar a las demandas de su público, incluso si no está del todo preparado para ello, dando de paso, con esta línea de trama, una mirada a la oferta y demanda dentro del mundo del cine.
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Mientras el cine era mudo, el público se hacía una idea de quiénes eran y cómo eran sus estrellas favoritas, esperando de ellas ilusiones e ideales que los actores, por supuesto, no podían ni debían cumplir. La gente olvida que los actores no son las mismas personas que los papeles queinterpretan. El control y dominio que un estudio cualquiera de cine tenía sobre el actuar y decir de los artistas (algo que en efecto sucedía en la edad de oro de Hollywood), los llevaba a crear figuras inalcanzables para ponerlas en un pedestal, con un manufacturado perfecto (un trazado que aplica a muchas de las figuras públicas actuales), pero cuando el mundo se enfrentaba al verdadero yo de estas personas, las presión caía en todas direcciones: la prensa, los medios de comunicación, los estudios de cine y los artistas mismos.
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Es como si se les exigiera a los actores (cantantes, productores, directores, etcétera) ser algo y alguien que no son, un propia imagen pública que viene con su propio precio a pagar. Una situación que, estrictamente hablando, no debería existir. La figura pública actual, por ejemplo, debe cuidar lo que hace, dice, piensa, escribe, expresa y siente, la gente con la que sale, los lugares que frecuenta e incluso la ropa que usa. La fijación e idealización se lleva al extremo sin ningún verdadero motivo o valor; el mérito del actor debería ser su capacidad actoral. Algunos utilizan su imagen y todo lo que esta implica estratégicamente a su favor, otros eligen dejarla al límite o al margen, pero la realidad de esto sólo refleja la cultura y mentalidad de una sociedad recargada en la banalidad, alimentada precisamente por el cambio y la presencia de los medios de comunicación y la tecnología, un primer escalón que, en la película, se enfrenta cuando se ven forzados a dejar el mundo del cine como lo conocían para dar paso a una nueva modalidad, las películas sonoras. El mundo artístico se convierte, en el caso del cine, en vender una imagen, efectos especiales, color, sonido o estrellas.
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En la película Don y Lina no están románticamente juntos, pero es más redituable hacer pensar al mundo que lo están. Algo parecido en relación a la careta creada se ejemplifica al inicio de la historia, cuando Don platica a una reportera su perfecto acenso al estrellato; mientras las imágenes nos muestran la realidad, sus palabras hacen todo lo contrario. Él cuenta que siempre tuvo los mejores estudios gracias a sus padres y que formó parte de los más exitosos espectáculos, cuando en realidad estudió en la práctica, ganando dinero al presentarse con su amigo Cosmo en bares y otros espectáculos del estilo. Es su talento lo que eventualmente lo hace resaltar y prosperar en su profesión, sus habilidades de baile, acrobacia y canto que lo ponen en la mira de aquellos que necesitan a alguien capacitado para hacer trabajos de doble de acción, el inicio de un camino futuro próspero y destinado al ascenso. Eventualmente eso mismo, el profesionalismo y preparación, es lo que hace que Kathy sea propiamente reconocida por su trabajo, en su apoyo y solidaridad hacia Don, Cosmo, el estudio y el proyecto.
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“Si has visto una película, las has visto todas”, dice Kathy a Don recién lo conoce, una plática que subsecuentemente hace al actor dudar de sus capacidades en el ramo, cuando Kathy, con formación en teatro, insiste que los que trabajan frente a las pantallas de cine en realidad no son actores, sino piezas de un tonto espectáculo visual. Una forma crítica con que la película logra decir que el cine no puede olvidar notar su evolución ni a las disciplinas que lo alimentan, como tampoco puede olvidar notar estos cambios y las circunstancias y descubrimientos tecnológicos que los impulsa a suceder. El paso del cine mudo al sonoro, en el caso de “Cantando bajo la lluvia”, pero, por ejemplo, en el presente, también está el paso del cine análogo al digital, una evolución más reciente en la historia de la cinematografía.
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Dirigida por Stanley Donen y Gene Kelly, escrita por Betty Comden y Adolph Green, la película estuvo nominada a dos premios Oscar, mejor actriz de reparto para Jean Hagen y mejor partitura de música para una película musical (banda sonora). La película, cabe recalcar, ha sido catalogada como uno de los grandes musicales y filmes de este arte gracias a su importante contenido temático, así como al despliegue icónico de baile y canto; la escena de Gene Kelly bailando tap, precisamente, bajo la lluvia, así como la coreografía de Donald O’Connor en el número musical “Make ‘em laugh” (Hazlos reír), por mencionar dos ejemplos, se han convertido en referencia de la cinematografía y la cultura popular.
Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.
Como todos los días, en Filmakersmovie.com, nos damos a la tarea de buscar, encontrar y conocer, nuevas y atractivas propuestas audiovisuales independientes que surgen en cualquier país del mundo, con creadores iberoamericanos, esta vez tuvimos la oportunidad de coincidir con un proyecto que está acaparando el gusto del público en redes sociales, desde Guadalajara, Jalisco México, John Death para el mundo…y que tenemos el gusto de presentar muy pronto en esta página.
Mauricio Orozco Rodríguez, encargado de creación de contenidos y supervisor de comunicación de Mako Animation Studio amablemente nos concedió esta entrevista.
Cortesía: John Death | Mako Animation Studio | México 2015
¿Quién es John Death y cómo surgió?
John Death es una caricaturización de La Muerte, que parte del humor ácido que nos caracteriza a la cultura mexicana; en donde se establecen escenarios y situaciones ficticias como si intentará llevar una vida normal en el mundo de los vivos.
La idea de hacer esta serie es encontrar humor en una situación tan normal como el fin mismo de la vida, y al personaje que por excelencia le acompaña. Sin embargo, quitándole el folclor que normalmente se le agrega en nuestro país, y dotándola de características que la vuelven inocente e inclusive torpe, como si la volviéramos instantáneamente humana, sin despojarla de sus “poderes”.
En primera instancia John Death surgió por la inquietud de meternos de lleno a la industria de la animación, pero no sólo en pequeña escala, sino tratando de incrementar la producción nacional y también buscando una inserción en el mercado internacional. Y hasta ahora la respuesta que hemos tenido ha sido bastante positiva, por lo que se está planeando seguir por este camino.
¿Cuál es su objetivo con esta serie, qué quieren contar?
El objetivo de esta serie fue, en primer lugar, obligarnos a meternos de lleno en la industria nacional de la animación, pero teniendo en cuenta que ésta sería por medio de un acercamiento de experimentación. Según hemos ido avanzando, nos hemos dado cuenta que a la gente le gusta la serie, se siente identificada con algunos (o todos) los capítulos y que aprecian detalles que han encontrado en diferentes niveles de John Death.
Es por esto que nuestro objetivo era salirnos un poquito de los “estándares normales” y buscar hacer animación con toda la libertad posible. Por eso es que se decidió que You Tube fuera el canal de distribución primario, que los capítulos fueran de corta duración, que no hubiera diálogos y que la temática sería La Muerte; enfocada desde un tono ácido y cómico de sus situaciones y de las acciones mismas del personaje. Con lo que más que querer contar algo en concreto…
…queríamos demostrar que la animación es un medio con el cual se pueden contar historias, y que en México se pueden desarrollar la creatividad sin limitantes, y que traspasen fronteras.
¿Cuáles han sido los mayores desafíos para producir Jonh Death?
Nosotros mismos (jajaja). Por lo mismo que hemos tratado de contar con mucha libertad en los diferentes niveles de producción, hay veces que las exigencias y labores nos han tenido trabajando contra tiempo o subiendo los niveles de la calidad de los productos. Aunque la verdad es que lo hemos visto como algo muy positivo, porque estamos a dos capítulos de cerrar con la primera temporada y haciendo un balance preliminar consideramos que nos ha ido de maravilla, lo cual es un aliento para todos en el equipo para seguir produciendo, no sólo John Death, ni solamente para You Tube, sino ir buscando entrada a proyectos más ambiciosos y canales diferentes, que se vuelvan más retadores.
¿Por qué es importante hacer animación e invertir en esta industria?
Como mencionaba previamente, creo que la animación es un canal muy noble, que permite desarrollar historias y universos, que incluso vemos como inimaginables o increíbles, pero aquí todo se vale.
Además de que la animación se ve como un recurso sólo para niños, y es una percepción errónea que afortunadamente con los años ha ido cambiando. Actualmente podemos encontrar películas y series animadas que se vuelven más interesantes y complejas que muchas de live action, pero que además colabora a la conformación de públicos exigentes y propositivos.
Creemos que la animación es un buen ejemplo de cómo a partir de una idea y un buen desarrollo se puede hacer lo que sea y se puede llegar hasta donde se quiera ya que no segmenta ni discrimina. Bien manejado se puede llegar a volver un negocio rentable, y para muestra veamos a los grandes estudios norteamericanos o europeos que como todos comenzaron desde cero.
Cuéntanos sobre Mako Animation Studio, quiénes lo integran, a qué se dedican, dónde están ubicados.
Somos un estudio de animación ubicado en Guadalajara, Jalisco. Habíamos tenido algunas participaciones en convocatorias y paulatinamente tratábamos de no separarnos de la producción, pero fue hasta agosto del 2015 que nos metimos de lleno con este proyecto y con el cual hemos ido creciendo poco a poco.
Foto: Mako Animation Studio | Facebook
Realmente somos un equipo pequeño, pero muy trabajador que no nos encasillamos en una labor única, nos gusta aprender del trabajo de todos y tratamos de ser participativos en todas las áreas, siempre respetando roles y actividades, claro.
Nada de esto sería posible sin el CEO de nuestro estudio de animación, Juan Rivera, que ha buscado la forma de que poco a poco el equipo vaya creciendo en tamaño y calidad, pero también creando un ambiente muy padre, ameno y bastante creativo para trabajar.
Juan Rivera también está involucrado en la escritura de las historias junto a Frank Rivera y algunas veces yo, que en conjunto hemos escrito los primeros 12 capítulos de la serie y los encargados de dirigir los capítulos en colaboración directa con el equipo de animación, que está conformado por Héctor Guerrero, Lorena Espina, Felipe Corona y Toño León, que son quienes dan vida a John Death y sus aventuras. Frank Rivera es el editor de los capítulos y el encargado de las creaciones audiovisuales del estudio. Para la musicalización de esta primera temporada tuvimos la cordial colaboración de Frankie Mares, quien participa en diferentes proyectos musicales, entre ellas Troker (una gran banda tapatía, que si no la conocen, les recomiendo que la busquen, no se van a arrepentir).
Completan nuestro estupendo grupo de trabajo, Carmén Zaldívar y Paco Pérez, encargados de redes sociales y manejo de información, en conjunto conmigo (Mau Orozco). Somos los que estamos al pendiente de toda la información que entra y sale por los medios con los que contamos.
¿Cómo se percibe la industria de la animación en Guadalajara, en México y Latinoamérica?
Aun es pequeña, pero prolífera. Considero que se vienen buenos años para la industria de animación local, nacional e internacional, sólo es cosa de que busquemos los mejores canales para conectarnos y producir bajo un manto de compañerismo, más que de enemistades, ya que el sector, como todos los sectores culturales de nuestro país, necesitan que sean los productores /creadores los que le demos los empujones más fuertes para seguir creciendo.
¿Qué artistas de la animación, mexicanos o extranjeros, influyen en su trabajo?
La verdad es que para esto tuve que asesorarme con los chicos de animación, que se saben los nombres de todos. Y me dijeron muchísimos, pero entre los que sobresalen …
Chuck Jones, Tex Avery, Bruce Timm, Don Bluth, Glen Keane, Hayao Miyazaki, Pendleton Ward, Alex Hirsch, Eric Golberg, Andreas Deja ,Lisa Keane, Rebecca Sugar, Luis de la Rosa, Richard Williams, Rita Basulto y Trey Parker.
Ellos consideran que son influencia de nuestro trabajo porque fueron con los que crecimos y los que hasta ahora nos siguen pareciendo maravillosos, aunque desde luego que no son los únicos.
Cuáles son los 5 consejos que les daría John Death a los contadores de historias.
1.- No se detengan. Si tienen una idea desarróllenla, que no les de miedo presentarla o apostar por ella.
2.- Suena a cliché, pero es cierto. La animación tiene tantos límites como la imaginación.
3.- No les de miedo “pensar fuera de la caja”, siempre hay público para todo, el reto es saber buscarlo.
4.- Encuentra un equipo de trabajo propositivo y que siempre busque el crecimiento en común, la animación es un negocio que se hace en colectivo y se disfruta igual.
5.- No dejen de consumir animación, no sólo mexicana sino de todos lados, es un medio con cabida para todas las edades, todas las razas, todas las temáticas y todas las historias.
Cuáles son las 5 animaciones que considera Mako Animation Studio que no podemos dejar de ver.
Tenemos muchísimas pero les dejamos 5 que creemos que son muy buenas por miles de razones y que son disfrutables en todo momento:
4. Over the Garden Wall – Patrick McHale (Miniserie animada)
5. Fantastic Mr. Fox – Wes Anderson (Película animada)
Algo que quisieran agregar:
No se pierdan los episodios de John Death y los siguientes proyectos que estamos preparando en Mako Animation Studio.
— Termina la entrevista.
Gracias a Mauricio Orozco y todo el equipo de Mako Animation Studio, son un ejemplo del trabajo constante, perseverante, con talento y en equipo, que se desarrolla en México y en iberoamérica de manera independiente.
Jonh Death
Mako Animation Studio
México, 2015
Trailer 00:22
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Estamos muy contentos porque pronto estaremos compartiendo los capítulos de la primer temporada de John Death, y si quieres conocer más sobre este proyecto, te dejamos sus datos de contacto.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
El 29 de julio de 2003 se cumplieron 30 años de la muerte de uno de los directores y creadores de cine más importante del siglo XX, Luis Buñuel Portolés, nacido en Calanda, Teruel, Aragón, España en 1900. A más de 30 años de distancia, consideré que la mejor manera de recordar al gran cineasta es presentando a Usted mi apreciado lector, sus memorias escritas y publicadas en 1982, bajo el título de: “Mi último suspiro”. De entrada, Luis Buñuel manifiesta que él no es un hombre de pluma y aclara que quien escribió sus memorias, fiel a lo que él le dictó, fue su amigo de profesión Jean-Claude Carriére.
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No hace falta ser un cineasta para que uno pueda interesarse en las memorias de Luis Buñuel, “Mi último suspiro” es una joya de cultura, de arte, en la cual puedes conocer a personajes, acontecimientos, el nacimiento del surrealismo, de geografía, de tradiciones, de aclaraciones de mitos, etc. pero sobre todo un gran recorrido por toda la producción cinematográfica de Luis Buñuel, quien adquirió la nacionalidad mexicana y fue en este país donde produjo 32 películas memorables, entre ellas, “Viridiana en coproducción con Gustavo Alatriste, Simón del desierto, Nazarín, El Ángel Exterminador, Gran Casino protagonizada por Jorge Negrete y Libertad Lamarque, El Gran Calavera”. La inolvidable película “Los Olvidados” por la cual recibió fuertes críticas, porque describía una realidad que ponía en muy mala posición a México y en la fecha que salió al público sólo Octavio Paz, Siqueiros y otros intelectuales, reconocieron el valor de la película que lo hizo ganar la palma de oro en el festival de Cannes.
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Mi último suspiro
Podría en la presente columna dedicarme sólo a mencionar las grandes películas de Buñuel y eso bastaría para justificar el contenido de mi publicación, pero a las películas puede acudir de manera muy sencilla comprándolas y viéndolas, el objetivo central es invitarlo a la lectura de “Mi último suspiro” y le garantizo que no saldrá decepcionado, porque como lo señala Feliciano Fidalgo de (El País): “Buñuel lo evoca todo con precisión y humanidad, con sorna, a veces, y con autenticidad tangible: Lorca, Dalí, el superrealismo, la guerra civil, el franquismo, Viridiana, el catolicismo, su ateísmo, México, Hollywood, tejen la aventura de una vida que, hoy, aún, respira al acecho de la libertad.”
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Un capitulo de sus memorias lo tituló: “Los placeres de aquí abajo”, con sencillez, claridad y sobre todo sinceridad nos cuenta el placer y gusto que siempre tuvo al bar, nos platica los recorridos en los bares de Madrid, París y México, puede Usted apreciado lector a través de la lectura, acudir a los cafés literarios más importantes de Madrid como son el: “Café Gijón que aún existe, la Granja del Henar, el Café Castilla, Fornos, Kutz”, y conocer las grandes platicas que tenían hombres de la talla de Salvador Dalí, Federico García Lorca, Gómez de la Serna, e incluso las reuniones de dos generaciones históricas de España como son la del 98 con personajes como, Unamuno, Valle Inclán, Pío Baroja, Antonio Machado, conviviendo y discutiendo con la joven generación del 27 integrada por Ortega y Gasset, Lorca, Dalí, Buñuel, Alberti, Pedro Garfias, entre otros.
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De la misma manera podrá viajar a los felices años 20 en Francia y acudir al Café la Rotonde, reunirse con la generación fundadora del surrealismo integrada por André Bretón, Max Ernst, Paul Eluard, Tristán Tzara, René Char, Pierre Unik, Tanguy, y naturalmente Buñuel y Dalí e incluso Dalí llegó a declarar que él era el surrealismo, sin dejar de definir que el surrealismo es: “un movimiento artístico que intenta buscar y representar una creación y realidad subconsciente, onírica, imaginaria e irracional más allá de la realidad física”.
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Con Luis Buñuel, de México se puede aprender mucho, llegó a vivir en el año de 1946 y en este bello país murió en 1983, manifiesta el cineasta que para realizar la película “Los Olvidados” caminó y convivió con el mexicano pobre, aprendió mucho de nuestra cultura, parte de ella está representada en su cine, pero su mundo desde niño siempre estuvo rodeado de los ricos, de los poderosos, de los intelectuales y de la política en la cual tuvo experiencias fuertes, en sus memorias nos relata que: “se reunía con frecuencia con Alfonso reyes y que un día le platicó que fue a ver al despacho al Secretario de Estado para la Instrucción Pública José Vasconcelos, charló con él unos minutos – siempre sobre las costumbres mexicanas- antes de concluir: creo que, menos tú y yo, todo el mundo lleva aquí un revólver. Habla por ti le respondió Vasconcelos, mostrándole un 45 que llevaba oculto bajo la chaqueta”.
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Todo lo narrado y mucho más es Luis Buñuel, un hombre que nació con el siglo XX y que fue de los cineastas más importante del mundo, por eso la mejor manera de recordarlo es disfrutando: “los placeres de aquí abajo”, es decir, leyéndolo, viendo sus películas, bebiendo, comiendo, viajando, en conclusión en la medida de nuestras posibilidades la vida se trata de vivirla de una manera intensa y apasionada, porque nuca sabemos si pudiera ser nuestro último suspiro.
José Miguel Naranjo Ramírez, es un escritor, articulista y ensayista mexicano. Desde hace más de diez años comparte sus reflexiones, estudios y reseñas acerca de literatura, música y cine, a través de su columna “Ruta Cultural”, publicada en diversos medios impresos y electrónicos; así mismo conduce un programa de radio.
Esta noche se lleva a cabo la 73 entrega de los Golden Globles (Globos de Oro), entregados por la prensa extranjera en Hollywood. Te presentamos las películas nominadas en la categoría drama.
Mejor Película – Drama
Madmax
Nominaciones: 2
Mejor Película
Mejor Director: George Miller
Sinopsis: cuando Mad Max decidía seguir solo su camino, se encuentra con un grupo de mujeres que huyen en busca de esperanza para su pueblo y las nuevas generaciones, lideradas por Fury.
Filmakersmovie.
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Room
Nominaciones: 3
Mejor Película
Mejor Actriz Dramática: Brie Larson
Mejor Guión: Emma Donoghue
Sinopsis: El universo que comparten una madre y su hijo en cautiverio se reduce a las paredes de una pequeña habitación.
Filmakersmovie.
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Spotlight
Nominaciones: 3
Mejor Película
Mejor Director: Tom McCarthy
Mejor Guión: Tom McCarthy, Josh Singer
Sinopsis: El nuevo editor en Jefe del Boston Globe encomienda una misión al equipo de Spotlight, que en su investigación periodística dejan en descubierto los abusos de un considerable número de sacerdotes en la ciudad y en el estado de Massachusetts.
Hechos reales.
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The Revenant
Nominaciones: 4
Mejor Película
Mejor Director: Alejandro G. Iñárritu
Mejor Música Original: Ryuichi Sakamoto, Alva Noto
Mejor Actor: Leonardo DiCaprio
Sinopsis: Cuenta la historia de Hugh Glass, quien tras ser abandonado por su grupo tras el ataque de un oso y la muerte de su hijo, decide no rendirse y buscar a los responsables de su tragedia.
Hechos Reales.
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Carol
Nominaciones: 5
Mejor Película
Mejor Director: Todd Haynes
Mejor Música Original: Carter Burwell
Mejor Actriz Dramática: Cate Blanchett
Sinopsis: En medio de la insatisfacción de su matrimonio, Carol Aird conoce a una joven dependienta que aspira a una vida mejor, Therese. Ambas sienten una extraña conexión, que deriva en una relación tan fuerte y profunda que no podrán volver atrás.
Los Ángeles, CA. | La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció que el próximo 9 de junio se cerrarán las votaciones para elegir a las películas nominadas en la categoría de Efectos Visuales para la 88a Premios de la Academia en Los Ángeles, California.
Para elegir esta terna se valoraron 20 películas en la misma categoría.
Te presentamos la lista de las 10 semi-finalistas en orden alfabético:
“Ant-Man”
“Avengers: Age of Ultron”
“Ex Machina”
“Jurassic World”
“Mad Max: Fury Road”
“The Martian”
“The Revenant”
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“Star Wars: The Force Awakens”
“Tomorrowland”
“The Walk”
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El comité de VFX de la Academia determinó esta lista preliminar después de evaluar 20 títulos, este año la categoría superó el número de películas elegibles.
Las nominaciones de los 88vos Premios de la Academia se anunciarán el jueves 14 de enero de 2016 a las 5:50am PT en el teatro de la Academia Samuel Goldwyn, en Bervely Hills, California.
La 88va entrega de los Oscar se celebrará el domingo 28 de febrero de 2016, en el Dolby Theatre® en el Hollywood & Highland Center ® en Hollywood, siendo televisado en vivo por la cadena ABC a las 19:00 ET/ 16:00 PT, a más de 225 países en el mundo.
Hace algunos meses tuve el gusto de conocer un importante proyecto de Cine Foro en la Ciudad de Mérida, Yucatán, México, a través de una de sus integrantes Laura Sánchez, con quien también tuve la oportunidad de trabajar en un proyecto. Después de asistir a una de sus funciones, y siendo diciembre mes de su aniversario, me pareció que esta historia debería compartirla con quienes respetamos y valoramos profundamente el mundo audiovisual y cinematográfico.
Laura Sánchez es una talentosa realizadora audiovisual y cinematográfica, originaria de la Ciudad de México y radicada hace muchos años en Mérida. Laura, sin pensar, logra junto a Hernán Berny, quien tiene una larga trayectoria como organizador de “Cine Foros” en la Ciudad, y Jimena Díaz, creadora de la página en Facebook de “Asterisco Cinematográfico”, fusionar sus pasiones en este Cine Foro, que todos los martes, desde hace 4 años, invita al público a celebrar la experiencia del cine con cada película que se proyecta en la sala de Cairo Cinema Café.
Este tipo de espacios aportan no sólo una cultura cinematográfica, sino que también, invitan a la reflexión del alma de cada historia, de sí mismos y del diálogo.
Asterisco Cinematográfico | Laura Sánchez y Berny Hernán | Cairo Cinema Café | México, 2015
“Formalmente en diciembre de 2011 comenzamos nuestra programación, sin saber, realmente, cuánto iba a durar esta aventura…”
Laura Sánchez
El Cairo Cinema Café es un importante espacio de expresión artística y cinematográfica en Mérida, es cafetería, galería, y cine. Permite a los cinéfilos disfrutar de un café mientras la atmósfera les envuelve, rentar una película para verla con los amigos para después charlar sobre ella, rentar su sala para celebrar cumpleaños o presentar proyectos, y también, abre su foro para que “Asterisco Cinematográfico” tenga su lugar de honor en la ciudad, la entrada es libre.
Platicamos con ellos, nos contaron cómo surge el proyecto, cómo construyen sus ciclos de cine, cuál es la recepción del público, y de su amor por el cine.
Fragmento de la entrevista:
Laura:“Nuestro primer ciclo se llamó Dejarlos comer Pastel. Era diciembre y queríamos algo como festivo, sin que fuera necesariamente navideño. Queríamos fiestas como de derroche, películas que fueran excesos… banquetes, entonces estuvo María Antonieta, Saló de Pasolini, La Gran Comilona y El Ángel Exterminador…”
Hernán: «…y en enero venía la cuesta de enero…»
Laura: «Era la otra cara de la moneda…qué es lo que pasa en enero. En diciembre todo el mundo perdemos el control, derrochamos, y en enero, todos estamos arañando las paredes porque no sabemos qué hacer…»
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El Ángel Exterminador | Dir. Luis Buñuel | México, 1966
Laura: “Queremos alejarnos de esta idea que los cine foros deben ser un espacio súper clavado, o en el que tienes que saber muchísimo para venir, porque…
Hernán:»…o que tenga que ser cine de cierto estilo, cine de arte…cuando lo que tratamos de hacer es balancear un poco. Agarrar un tema de, no sé, por ejemplo cine de chavitos y ahí entran películas nuevas, viejas…»
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Laura: «Dramas, comedias…»
Hernán:» …de directores que ganaron, de directores muy clásicos, películas que nos gustan que son muy divertidas…»
Laura: «…como que siempre tratamos, dentro de la temática que elegimos, de combinar géneros, películas que hablen sobre ese tema, y tratamos de acomodar la programación de poner una comedia, y a la siguiente un drama y luego algo un poco más nuevo…tratamos de darle un ritmo.»
Hernán: “Y hay algunos ciclos sobre géneros y ha habido dos ciclos de terror, pero es igual, combinando películas de terror de distintas épocas…”
¿Cómo ha sido la recepción del público en estos cuatro años? …¿Qué director es consentido del cine foro?
Entrevista: Cine Foro Asterisco Cinematográfico
México, 2015
16:01
Gracias a Laura y a Hernán por dejarnos descubrir su amor por el cine.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
Inspirada en hechos reales, The Revenant (El Renacido) es una historia épica de la supervivencia y la transformación en la frontera americana. Mientras que en una expedición en tierra salvaje, el legendario explorador Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) es brutalmente mutilado por un oso, y luego abandonado por miembros de su propio equipo de caza. Solo y con la muerte de cerca, Glass se niega a sucumbir. Impulsado por pura voluntad y el amor por su esposa e hijo nativo americano, emprende una odisea de 200 millas en medio del salvaje oeste, tras la pista del hombre que lo traicionó: John Fitzgerald (Tom Hardy). Lo que comienza como una búsqueda implacable de venganza se convierte en una saga heroica contra viento y marea en su regreso a casa y el encuentro con la redención. The Revenant se dirigió, produjo y co-escrita por Alejandro G. Iñárritu.
Acerca de la Producción
Alejandro G. Iñárritu trae la leyenda de Hugh Glass a la pantalla con The Revenant, una épica aventura ambientada en el inexplorado siglo 19 en la frontera estadounidense. Pretende sumergir a la audiencia en el misterio y peligro de la vida en 1823 de los Estados Unidos.
La película explora la transformación de un hombre en una lucha por la supervivencia. Parte thriller, parte viaje en el desierto, The Revenant explora impulsos primarios no sólo para la vida en sí, sino por la dignidad, la justicia, la fe, la familia y el hogar.
Conocido por películas como 21 gramos, Babel y la ganadora del Oscar® por Mejor Película Birdman, The Revenant es primera epopeya histórica Iñárritu. Él propone una mezcla distintiva de la inmediatez visual y la intimidad emocional con una historia que transporta al público a un tiempo y lugar que rara vez se han experimentado en la cinematografía moderna.
Courtesía: Twentieth Century Fox 2015.
El mito de Glass comenzó en 1 823, cuando estaba entre los miles de hombres que se dedicaban al comercio de pieles, un nuevo motor de la economía de Estados Unidos. Fue un tiempo cuando muchos vieron a la naturaleza como un vacío espiritual que exigía a ser domesticado y conquistado por las armas. Incitando a estos hombres comerciantes a aventurarse en largos viajes a lugares desconocidos en pos de la conquista de ríos, exuberantes bosques, movidos por la emoción y la aventura, pero también por las feroces ganas de dominar las tribus nativas que poseían riquezas naturales, quienes habitaban grandes territorios al ser pueblos originarios.
Muchos de estos hombres murieron de forma anónima, pero Glass entró en los anales del folclore americano por su fuerza y coraje, porque se negó a morir, y regresó de entre los muertos. En el relato de Iñárritu, Glass se aferra a la vida, andando peligrosos caminos, descubriendo culturas desconocidas, que le harán saber que su búsqueda no es la venganza, sino la redención.
Dice Iñárritu:
«La historia de Glass nos cuestiona: ¿Quiénes somos cuando estamos completamente despojados de todo? ¿Qué hemos hecho y qué somos capaces de hacer? «
Courtesía: Twentieth Century Fox 2015
Añade Leonardo DiCaprio:
«The Revenant es un increíble viaje a través de los elementos más duros de una América desconocida. Habla sobre el poder del espíritu de un hombre, la historia de Hugh Glass es del tipo de leyendas de fogata, pero Alejandro utiliza ese folclore para explorar lo que realmente significa: … lo que usted puede soportar y lo que le ocurre cuando soporta tanto.”
Para Iñárritu “The Revenant” es un giro de 180 grados desde el mundo de Birdman. Después de haber apuntado a las neurosis de los tiempos que corren, Iñárritu ahora rasca en el pasado americano, logrando un equilibrio entre la tensión que produce el salvajismo y la civilidad, la serenidad y ambición.
«Durante más de cinco años, este proyecto ha sido un sueño para mí», dice Iñárritu.
«Es una historia emocional contra un hermoso telón de fondo, épica, que explora la vida de los cazadores que crecieron espiritualmente y cómo ellos sufrieron inmensamente físicamente. Aunque gran parte de la historia de Glass es apócrifa, tratamos de estar muy fiel a lo que estos hombres fueron vivieron en estos territorios sin explorar. Pasamos por las condiciones físicas y técnicas difíciles de exprimir cada emoción honesta de esta increíble aventura.”
Esa confrontación con la mortalidad también se entrelaza con una historia de amor entre padre e hijo: la de un hombre que en su momento de pérdida se vuelca más que nunca hacia la vida.
Courtesía: Twentieth Century Fox 2015
«The Revenant es una historia de supervivencia dura, pero también tiene esperanza y es inspiradora», dice Iñárritu.
El productor Steve Golin observa:
«Alejandro siempre trae verdad en todo lo que hace, hay una sensación de chispa en su trabajo, pero también hay un elemento espiritual – y en The Revenant , esta mezcla la convierte en una potente combinación que no hemos visto de esta manera. «.
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The Revenant (El Renacido)
Dir. Alejandro G. Iñárritu
Trailer
2:19
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20th Century Fox y New Regency presenta The Revenant, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner, Joshua Burge y Duane Howard. La película está dirigida por Alejandro G. Iñárritu y el guión está escrito por Mark L. Smith y Iñárritu, basado en parte en la novela de Michael Punke. Los productores son Iñárritu, Arnon Milchan (12 Years A Slave, Gone Girl), Steve Golin (Babel, True Detective), Mary Parent (Godzilla, Noé), Keith Redmon y James Skotchdopole (Birdman, Django Unchained); productores ejecutivos son James Packer (The Lego Movie), Jennifer Davisson (The Ides of March), David Kanter (Rendition) y Brett Ratner (X-Men: Last Stand). El equipo de realización incluye al dos veces , ganador del Oscar, el director de fotografía Emmanuel «Chivo» Lubezki, ASC / AMC (Gravedad, Birdman); el diseñador de producción Jack Fisk (There Will Be Blood); editor Stephen Mirrione, ACE (Los Juegos del Hambre); supervisor de efectos visuales Rich McBride (Gravedad); y la diseñadora de vestuario Jacqueline West (El curioso caso de Benjamin Button).
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A 120 años del inicio de la cinematografía (la primera presentación de imagen en movimiento sucedió en París el 28 de diciembre de 1895), el séptimo arte ha cambiado, se ha adaptado, ha experimentado, ha evolucionado y ha revolucionado tanto al mundo como a sí mismo. Realizadores y partícipes de un ambiente artístico creativo que se encuentran en un entorno igual de cambiante y que, al mismo tiempo, con su trabajo, se permiten reflexionar sobre el mundo, sobre su evolución, respecto al sentido de la vida y en relación al proceso de cambio en sí.
Inspirada en hechos reales, The Revenant (El Renacido) es una historia épica de la supervivencia y la transformación en la frontera americana. Mientras que en una expedición en tierra salvaje, el legendario explorador Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) es brutalmente mutilado por un oso, y luego abandonado por miembros de su propio equipo de caza. Solo y con la muerte de cerca, Glass se niega a sucumbir. Impulsado por pura voluntad y el amor por su esposa e hijo nativo americano, emprende una odisea de 200 millas en medio del salvaje oeste, tras la pista del hombre que lo traicionó: John Fitzgerald (Tom Hardy). Lo que comienza como una búsqueda implacable de venganza se convierte en una saga heroica contra viento y marea en su regreso a casa y el encuentro con la redención. The Revenant se dirigió, produjo y co-escrita por Alejandro G. Iñárritu.
