Resultados de la búsqueda: diana miriam

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El lenguaje, la estructura y la forma cinematográfica nunca seguirán los mismos lineamientos que la literatura lleva consigo. Si bien el desarrollo narrativo y de personajes es de gran importancia en ambos rubros, la forma de escritura como tal entre uno y otro sigue diferentes reglas.

 El lenguaje literario, independientemente del estilo y la temática, siempre cuenta con un poder más reflexivo y detallado. Es común encontrar que las novelas, los cuentos y las historias cortas se construyen a través de la descripción tanto de espacios, situaciones, sentimiento y pensamientos. Cuando un libro es adaptado a la pantalla grande, el guión, por su parte, lo constituyen escenas y diálogos, perdiéndose en el proceso de adaptación el análisis que el autor deja en libros y que ha plasmado en su obra.

 

Un buen guión, una buena adaptación de libro a película, lo constituye un trabajo que capta y transmite la esencia de la obra literaria en el trabajo cinematográfico. Mientras la temática, la moraleja, el mensaje, la estructura y el motivo del libro sean expresados dentro de la película, el proceso de adaptación podría considerarse exitoso.

Para muchas personas las mejores adaptaciones son aquellas fieles a la obra, pero esto no significa seguir las páginas de un libro al pie de la letra. Harry Potter, por ejemplo, no sólo es una película que cuenta las historias de un grupo de jóvenes magos, es una historia sobre crecimiento, sobre valores como la amistad, sobre la lucha entre el bien y el mal. Las mejores películas de esta saga son aquellas en las que se crece con el espectador y con el protagonista a la par, tal como sucede en las páginas del libro. Muchos fanáticos de la saga reprocharon la adaptación de los últimos libros de esta franquicia por dejar fuera sucesos y eventos que la autora aborda en sus libros. Como tal, ese es el trabajo del guionista que adapta una obra literaria, el de seleccionar, dar orden y contar la historia que leyó. Determinar si el trabajo está bien o mal hecho es debatible en el sentido de que una película y un libro nunca podrán ser juzgados al mismo nivel. La lógica, los sentidos y el interés que se despierta al leer un libro no son los mismos que se despiertan al ver una película.

El guionista no podrá alcanzar las expectativas de los lectores si no toma en cuenta que se trata de dos trabajos diferentes entre sí.

La tendencia a buscar novelas con el fin de adaptarlas como películas no obedece al cien por ciento a la falta de creatividad, ideas, e historias originales por las que el cine de masas transita, más bien obedece, por mucho, a que un proyecto literario previo significa la mitad de trabajo hecho en cuanto a historia y personajes, como si se tratara de un borrador al que solo le hace falta ser pulido. Entonces, la futura película puede tomar dos rumbos: el primero consiste en acelerar el proceso de escritura y producción y dar un copiar-pegar a la historia; el otro camino es el de dar forma, “adaptar” al lenguaje cinematográfico la obra, poniendo especial énfasis en el ritmo y atención en lo que el espectador quiere para con la película.

Las mejores adaptaciones son aquellas que funcionan en pantalla, independientemente de su éxito, reconocimiento o eficacia en papel. El diablo viste a la moda, por ejemplo, es un libro de lectura ligera pero con un mensaje propio y consciente del viaje de su protagonista a través de sus aventuras. La guionista de la película, Aline Brosh McKenna, toma los aciertos de la novela (personajes, situaciones, escenarios) y los traslada hacia una trama de 109 minutos, con un inicio y un final entretenido, preciso, con un proceso dramático en el medio y con un toque atractivo para el lenguaje visual que el cine, como la imagen en movimiento, representa.

Otras obras atraviesan un proceso opuesto, en donde los aportes cinematográficos no hacen más que perder la frescura y lenguaje presentes en las palabras que el autor plasma en sus páginas; y otras tantas obras son una copia calca del otrora libro en el que se basan, en donde la imaginación y el aprendizaje que se obtiene con la lectura se pierde en la película. Obras como “Ensayo sobre la ceguera”, “El niño con el pijama de rayas” o “Emma” son ejemplos de ello; libros divertidos, entretenidos, educativos, y reflexivos, pero películas promedio que no llegan a ser ni memorables ni trascendentes y mucho menos del mismo grado de impacto social, cultural e intelectual.

Ahora bien, la relación puede darse al reverso y a la inversa, es decir, buen libro-mala película o mal libro-buena película. Y apelando a la lógica matemática, entonces, tanto un buen libro puede significar una buena película, como un mal libro también puede traducirse a una mala película. Por lo tanto, la conclusión no puede ser otra que leer mucho y ver mucho, pero sobre todo, esperar que los guionistas sepan de la labor de adaptación, al tanto de la libertad y la creatividad, a la par de honrar y darle su importancia al trabajo que el autor hace en su obra literaria,» No sólo saber transmitirlo, sino también saber respetarlo.»

—

—

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El film noir o cine negro es un género de la cinematografía que se desarrolla en Estados Unidos entre 1940 y 1950. El primero en ocupar este término fue el crítico de cine italiano Nino Frank al referirse al tipo de cine del país norteamericano de la época de los años cuarenta.

Las características del género son específicas y van desde el diseño visual hasta el contenido de las historias.

Tras los años de crisis en Estados Unidos la dinámica social cambiaba, tanto en el ambiente entre las personas como dentro del sistema económico, político y social. La mayoría de las temáticas en las películas del cine negro son reflejo de las diferentes etapas de cambio que se vivían y por lo general iban de la mano de una postura crítica en donde los protagonistas se veían involucrados en distintos crímenes, siendo su labor la de encontrar los medios posibles para resolver casos a pesar de las dificultades del ambiente, del contexto social, de la corrupción, los engaños, el chantaje.

Visualmente las películas se construían con base en el expresionismo. El juego de luz y sombra se juntaba con el uso de claroscuros, texturas y ambientes que resaltarían por la imagen blanco y negro de la época. De esta manera, el tratamiento visual ayudaba a crear sensaciones que alimentaban las situaciones que transcurrían en pantalla; por ejemplo, la angustia cuando un personaje está a punto de ser descubierto como el asesino, o la desesperación al huir durante una persecución, por mencionar algunos.

Otras directrices del género son el marcado prototipo de héroe/antihéroe y la presencia de una mujer fatal dentro del relato. El protagonista por lo general suele ser un personaje de fuerza en su carácter, así como de intrépidas habilidades y conocimientos en el área de la investigación, aunque sus acciones no sean del todo las más respetables. Con ello no se pretendía que el protagonista fuera un hombre modelo, más bien un hombre más realista que se adaptara a las circunstancias: Ejemplo clásico: Humphrey Bogart en The big sleep – El sueño eterno (EUA, 1946), un detective contratado para investigar un chantaje y que en el camino se encuentra con una serie de mentiras y asesinatos por lo que se ve forzado que recurrir a las mismas prácticas con el fin de desenmascarar los motivos reales de los sospechosos.

Por su parte, el personaje principal femenino suele ser una mujer directamente involucrada con el conflicto principal. Como mujer fatale se entiende al personaje que utiliza su sexualidad para atraer y engañar al protagonista, por lo que la convierte generalmente en una especie de villana dentro de la historia. Ejemplo de ello es el personaje de Barbara Stanwyck en Double Indemnity (EUA, 1944). En la película un agente de seguros es convencido por una mujer para arreglar una póliza contra su esposo para después matarlo y quedarse con el dinero, pero en cuanto los jefes del agente comienzan a investigar el caso, el hombre descubre que la mujer no es tan inocente ni confiable como parece.

La película con la que se considera el inició del cine negro fue El Halcón Maltés (EUA, 1941), aunque otras más realizadas en años anteriores también califican dentro del género, pero fue ésta la que puso ciertos criterios específicos a considerar que más tarde fueran catalogados como un estilo de la cinematografía. La película cuenta la historia de un detective contratado por una mujer perseguida por diferentes criminales, en busca de un objeto valioso que se encuentra en su posesión, pero, asesinato tras asesinato, el número de personas en quienes el detective puede confiar se reduce, incluyendo a la mujer.

 Las historias del género también tienen su base en la literatura con las denominadas novelas negras.

Autores como Dashiell Hammett, James M. Cain o Raymond Chandler vieron sus obras llevadas a la pantalla grande e incluso trabajaron como guionistas en el cine. La llave de cristal (EUA, 1942), El cartero siempre llama dos veces (EUA, 1946) y La dalia azul (EUA, 1946) son algunos ejemplos de estos escritores respectivamente.

Otras películas representativas del género son: La carta (EUA, 1940), Rebecca (1940), Laura (EUA, 1944), The killers – Los asesinos (EUA, 1946), Gilda (EUA, 1946), Notorious (EUA, 1946), La dama de Shanghai (EUA, 1948), El tercer hombre (Reino Unido-1949), El crepúsculo de los dioses – Sunset Boulevard (EUA, 1950), Extraños en un tren (EUA, 1951), Touch of Evil (EUA, 1958) e incluso Chinatown (EUA, 1974) o Los Ángeles al desnudo (EUA, 1997), aunque realizadas años después, pero cumpliendo con los parámetros generales del género.

 Muchas películas más son ejemplo de este tipo de cine, siempre con un toque de temática criminal y con un aire de misterio, drama y suspenso.

El prototipo se ha seguido dentro del mundo de la cinematografía a través de los años, pero las variables que se presentaron en aquellos años y que dieron pie al cargado contenido de las historias o a su manufactura de producción y técnicas en áreas como la actuación, la dirección o la escena, son irrepetibles. Sin embargo, el cineasta tiene la oportunidad de analizar aquellas peculiaridades del cine negro y retomar lo más destacado para mejor alimentar y perfeccionar el cine actual.

Film Noir

Realizado por: Matt Fox

DePaul University’s College of Computing and Digital Media

24 | noviembre | 2009

 2:45

—

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México 

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El surrealismo es un movimiento artístico caracterizado por la búsqueda de la interpretación de la realidad a través de la interiorización de los hechos (imaginación, subconsciente e irracionalidad) para exportados hacia un exterior palpable. Las visiones son cambiantes y muy subjetivas, abiertas a un alto nivel de interpretación, expresión y comunicación. Por ello, para muchas personas el estudio del movimiento surrealista significa adentrarse a un mundo difícil de entender que requiere salir de sí para explorar perspectivas poco evidentes pero muy cargadas de información.

Probablemente tanto en éste como en otros movimientos artísticos, la visión propia es la única verdaderamente válida cuando se trata de interpretación de hechos; es difícil entender los verdaderos motivos y pensamientos que llevan a un autor a realizar una obra, pero en el caso del surrealismo, la carga emocional, intelectual y personal es tan fuerte que lo mejor es adoptar como propio el trabajo que se presenta y darle el valor que toma en la vida del espectador.

El cine, y el cine surrealista, no es la excepción en este tipo de procesos. Algunos artistas creen que sus obras dejan de ser propias cuando alguien más, al verlas, escucharlas o mirarlas, las toma como suyas tras explorarlas y aprender, congeniar o disertar de ellas. Uno de los motivos del cine coincide con este pensamiento de colaboración artista-espectador, se alimenta de esta relación, se nutre y crece a fin de motivar a ambas partes implicadas.

 El surrealismo es entonces una reflexión interna del mundo subconsciente, no siempre existe una explicación para todo lo que se ve en pantalla y muchas veces se puede extraer algo de algún rubro cinematográfico de donde otras personas no logran encontrar ningún aporte.

Los sueños han sido para el ser humano una interrogante constante, por ello han sido abordados desde diversos enfoques; mientras que las ciencias lógicas sostienen teorías en donde se explica este estado de la mente como una manifestación del subconsciente, otros personajes más espirituales afirman incluso que se trata de mensajes del alma o seres fantásticos.

Retomar el tema de los sueños desde una enfoque surrealista es enriquecedor y disfrutable, en especial porque no implica forzosamente para el espectador una lógica como tal, los sueños y el surrealismo no deben ser tomados como una fórmula correcta o incorrecta, lo positivo de este movimiento es que la mente puede experimentar, crear y, aunque parezca incomprensible, soñar.

Si, por lo tanto, este tipo de cine es una vía para que el mundo exterior pueda acercarse al estado subconsciente de las personas, entonces ¿estamos hablando de éste como un movimiento revolucionario? ¿O será acaso que el surrealismo ha sido un movimiento incomprendido?

Como corriente artística, y cinematográfica, el surrealismo permite manifestar sentimientos y reclamar atención, en temas generales, sociales y externos, pero sobre todo, dentro de análisis internos y personales, del individuo; más que de las masas, de las personas. Si esto es cierto, entonces el movimiento surrealista puede ser considerado como un reclamo pacifista que demanda reflexión, meditación y relajación.

Tal vez por ello haya surgido el estereotipo de que las personas cuyas obras tengan un tinte surrealista sean personas de pensamiento libre, pero sí, idóneamente lo son, por explorar su capacidad de creatividad y expresión, finalmente, la escuela surrealista exalta las emociones del ser por sobre muchas otras áreas.

El movimiento ha evolucionado, cambiado y se ha adaptado al propio crecimiento artístico mundial. Dentro del cine, el surrealismo no ha sido del todo explorado y comprendido, fácilmente es confundido con un cine experimental, pero ante todo, se encuentra presente en muchas formas de la cinematografía; con películas que forjan su argumento en el estudio de la mente, de los sueños, del arte y de la vida del individuo. Tal vez sólo haga falta poner mayor atención.

Un chien andalou | Un perro andaluz

Dirigido por: Luis Buñuel

Guión: Salvador Dalí y Luis Buñuel.

Francia, 1929

—

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México 

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Las grandes empresas productoras y distribuidoras de cine nacieron en la época conocida como la edad de oro de Hollywood; Hollywood era un negocio creciente que se cimentaba en una nación en crecimiento capaz de ver el potencial de una industria que significaba entretenimiento, comunicación, información y conjunción, todo al mismo tiempo, nación que apoyaría a la industria cinematográfica por muchas razones y en su propio beneficio y, por ende, por el de sus ciudadanos.

La época de oro Hollywoodense comienza a inicios del siglo XX, aunque algunos ponen fecha alrededor de 1910, otros hasta 1920, y hay quien considera que se extendería hasta finales de los años 40, aunque también algunos marcan su fin hasta los años 60, más-menos. Ésta industria se caracteriza por una narrativa detallada, una producción pulida y un adentramiento a los géneros que marcarían el rumbo de la industria del cine, entonces en construcción.

La gran característica del cine producido durante estos años es el poder de las grandes productoras sobre el tipo de películas que se realizaban, desde imagen hasta producción eran cuidadosamente elegidas; la selección minuciosa del elenco, las historias y el equipo (guionistas y directores) tenía como fin dar un enfoque particular, un sello distintivo, a cada producción realizada.

De allí nació lo que más tarde se conocería como el “star system”, un sistema en donde las personalidades del cine eran mitificadas y vanagloriadas a fin de convertirlas en “estrellas”. Estos actores eran contratados bajo exclusividad y se comprometían a una devoción y lealtad a la empresa para la que trabajaban. Por supuesto, muchos conflictos derivaron de este tipo de sistemas, en especial por parte de actores, directores y guionistas en busca de identidad profesional propia y a quienes se les sometía a un régimen condicionado, tanto artística como profesionalmente.

Casas productoras forjaron su renombre en esta época, entre ellas se encuentran: MGM, Twentieth Century Fox o Paramount, compañías a las que se les deben grandes proyectos, películas inspiradoras de alta calidad y de gran legado cinematográfico; entre ellas se encuentran: ¿Por quién doblan las campanas? (1943) de la Paramount, Lo que el viento se llevó (1939) o El mago de Oz (1939) de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) o ¡Qué verde era mi valle! (1941) producida por Twentieth Century-Fox.

 La mira del cine Hollywoodense estaban principalmente enfocada hacia las demás sociedades del mundo.

Estados Unidos se dedicaba a realizar películas con el fin de, más tarde, exhibirlas en otros países y generar ganancias. El dinero que se recibía no provenía por completo de las personas de su mismo país, lo que permitía de alguna forma generar un producto tanto efectivo como fructuoso, permitiendo además un margen de experimentación y libertad, tanto artística como mercadotécnicamente hablando, algo que beneficiaba a la economía de la industria del cine hollywoodense, así como del país que la alojaba.

La apertura hacia otros mercados, otros realizadores y otras industrias constituyó una forma de comunicación con el exterior, tanto para los realizadores como para la sociedad en general. Esta colaboración abrió puertas y otorgó oportunidades para ambas partes, formándose una relación de autoayuda. Muchas producciones viajaban a países extranjeros para rodar películas bajo una mano de obra más barata, al tiempo que, por otra parte, jóvenes realizadores aprendían un oficio de mano de los expertos más experimentados para, más tarde, ponerlos en práctica con sus propios proyectos.

La producción en masa era primordial, mantener el entretenimiento presente, crear una máquina realizadora de películas que fuera, ante todo, remunerada. Los estudios se hacían de un buen número de actores y realizadores a quienes acercaban al público a través de eventos sociales, para luego ponerlos frente a la cámara; el resultado era una constante producción cinematográfica que, más que exitosa, era popular, accesible y añorada.

 La guerra, la invención de la televisión y la separación entre productoras y equipo creativo resultaron en la decadencia del cine de Hollywood.

El poder de las grandes productoras comenzó a desvanecerse al perder el control sobre los técnicos y artistas, su hegemonía se disipó, lo mismo que la homogeneidad en las producciones. La falta de ganancias resultó en una producción más limitada y en menor cantidad, dejando al cine en un segundo plano.

Años más tarde la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos otorgó fallo a favor de la industria cinematográfica reconociéndola como un medio artístico y, por lo tanto, recibiendo la protección de libertad de expresión que dicta la Carta de Derechos de ese país. El cine se enfrentó a una competencia equitativa, a un redescubrimiento y a una reinvención. El cine hollywoodense, además, se vio forzado a afrontar su propia sombra, su propio legado y un ligero toque de presión que, afortunadamente, logró sacar adelante.

—

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México  

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Históricamente la cinematografía se ha apoyado en otras artes para su desarrollo, entre ellas el arte escénico, éste ha aportado técnicas o herramientas en algunos de los procesos del mundo del cine. El teatro significa la representación de historias frente a una audiencia en directo, así, aspectos como la escenografía, la actuación, la literatura y la música se convierten en algunos de los elementos más importantes para el teatro, mismos a los que la cinematografía pone detallada atención, en especial porque también son elementos importantes para las películas.

Han existido diversas comparaciones entre el teatro y el cine, finalmente porque ambas cuentan historias en escena, pero mientras uno lo hace en escenarios en vivo, el otro lo hace frente a una cámara; ésta capta la escena que quedará grabada en imágenes, mismas que después son reproducidas a través de un proyector para la audiencia. Pero el punto convergente entre ambas artes, sus similitudes, recaen en la manera en que trasladan la palabra escrita hacia un ambiente escénico dramático.

Los orígenes del teatro en nuestro continente datan, según historiadores, desde épocas prehispánicas, con la transmisión de relatos por parte de los sabios hacia sus tribus, o de rituales que se pasaban de generación en generación en tiempos antiguos. En otro contexto las civilizaciones egipcia, griega y romana desarrollaron la dramaturgia a través de obras, poemas, relatos y demás escritos; tal como posteriormente lo harían otras culturas, civilizaciones orientales, mayas, africanas, europeas y demás.

Este proceso de contar historias a través de tres actos, de dar diálogo a personajes, o el representar acciones y situaciones, van muy ligadas a la escritura de un guión y a la construcción de escenas, es decir, a varios de los aspectos que contribuyen y significan hacer una película.

Muchos de los primeros proyectos cinematográficos iniciaron en una etapa en la que el cine comenzaba a experimentar posibilidades a través del uso de la cámara; en ese entonces mucha de la producción se limitada a capturar imágenes en movimiento en tiempo real, tal como se puede observar en cortometrajes, documentales o películas de inicios del siglo XX. Para expresarlo en término prácticos, era como capturar en rollo fílmico una representación teatral. No obstante, el lenguaje y la narrativa cinematográfica fueron evolucionando para dejar de expresar sólo el reflejo de una realidad y para construir sus propios escenarios. De ahí que el cine sea tan distintivo de las otras artes, que haya evolucionado y que se diferencie de otros espectáculos de entretenimiento.

Pero la colaboración entre ambas artes no ha cesado, al contrario, se ha mantenido presente a través de los años. Ejemplo de ello son las varias adaptaciones que se han realizado de obras teatrales al ámbito cinematográfico. Entre algunas de las películas que se encuentran basadas en obras de teatro se encuentran: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (EUA, 1966), Cuestión de honor (EUA, 1992), La duda (EUA, 2008), así como conocidas obras de la literatura como La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde o Hamlet de Shakespeare; u obras musicales como Rock of ages (EUA, 2012) o Sweeney Todd (EUA-Reino Unido, 2007).

Es importante observar cómo muchas veces la cámara, la cinematografía misma, ha sido utilizada a favor del cómo contar la historia. Algunas de las ventajas del uso de la videocámara son el poder mover la perspectiva de los personajes, el poder estar en dos o más lugares a la vez, la habilidad para moverse entre escenarios y momentos de la historia, o el transmitir mayor o menor intimidad entre el espectador y los personajes, es decir, poder acortar distancias; situación que se encuentra limitada en un teatro, por los espacios y la temporalidad al contar una historia en vivo y en tiempo real.

Al igual que las adaptaciones literarias, lo más importante al llevar al cine una obra teatral es el de ser fiel a las intenciones, los mensajes, las reflexiones y las temáticas estudiadas por el o los autores de las obras, pero sobre todo, el de aprovechar las ventajas que la cinematografía ofrece para el enlace y la conexión que se crea con el espectador a través del cine.

…

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México   

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por:  Diana Miriam Alcántara Meléndez

En la industria del cine las estrategias de mercadotecnia son de vital importancia, ya que significan el plan a seguir para convertir un producto (la película) en un éxito de venta. Los objetivos a alcanzar varían de acuerdo con el tipo de cine del que se trate, pero en general lo que se busca es el éxito y la ganancia que conlleva, ya sea que se trate de festivales, premiaciones, en taquilla o en ventas de dvd u otros productos conexos; por ejemplo, la venta de figuras de acción a partir de personajes en películas de superhéroes.

 Las estrategias de marketing, mercado o mercadotecnia, sirven para presentar, exponer, vender y comercializar un producto. Al realizarlas no sólo deben tomar en cuenta a la competencia y al consumidor, también mucho de su éxito está en función del producto mismo y del potencial promocional que se puede de lograr del mismo.

Las tácticas a seguir para la venta de una película son procesos que se planifican desde la etapa de preproducción de un proyecto cinematográfico, e incluso, son contempladas en el presupuesto que se organiza, se programa y se calendariza durante el tiempo de preparación y procesamiento de la película.

Los detalles más importantes a determinar en tales estrategias de mercado van ligadas con el tipo de venta que desea realizarse. Por ejemplo, películas independientes buscan constantemente darse a conocer a través de su proyección en diversos festivales, lugares en los que incluso puedan encontrar una compañía que compre los derechos de distribución de la misma y, por lo tanto, una oportunidad de ser consumida (vista) por el público, la crítica, los medios de comunicación, etcétera, etcétera.

Las campañas publicitarias de otro tipo de películas, por lo general aquellas que cuentan con el presupuesto necesario para sostener sus propias operaciones de venta, se encargan de realizar todo tipo de publicidad para promover sus largometrajes; algunos ejemplos estratégicos comunes en los que consisten estas técnicas de promoción son: entrevistas con los actores, director o productor expuestas en diferentes medios de comunicación (revistas, radio, Internet o televisión, por mencionar los más significativos), comerciales promocionales y avances del filme en cine o televisión, o la asistencia del elenco a los estrenos en cines programados alrededor o en diferentes ciudades estratégicamente seleccionadas, nacional e internacionalmente hablando.

Así mismo es importante recalcar que  las estrategias de venta están ligadas a todos los aspectos de la película en cuanto a lo referente a la comercialización de la misma; incluso detalles como el diseño del cartel publicitario o el corto cinematográfico son considerados en las estrategias de mercadotecnia, lo mismo que los puntos en los que estos posters son colocados. Detalles que se eligen de manera local pues, por ejemplo, no es lo mismo ubicar una imagen del poster de la película en un espectacular, una valla o una parada de autobús en una pequeña ciudad que en una metrópoli urbanizada y con una población creciente.

Las estrategias de marketing además no sólo incluyen su plan a seguir para el lanzamiento en cine de un largometraje, también contemplan eventos posteriores a este acto. Los estrenos en renta, video on demand, dvd o blu-ray, así como la venta de demás productos relacionados con la película también son parte de las estrategias de mercado. En cuanto a lo que productos relacionados significa, algunos ejemplos son: juguetes, cosméticos, dulcería, joyería, ropa o mueblería en donde se muestre la imagen de uno o varios de los personajes de la película.

La creatividad e inventiva es lo más importante para el equipo de mercadotecnia; áreas de la publicidad y el marketing, así como el acercamiento al público, cuentan con ciertas libertades. Ejemplo de ello sería lo que hicieron los actores Jerry Seinfeld y Renée Zellweger para promocionar su película animada Bee movie; ambos se presentaron a promocionar el filme en algunos festivales y programas de televisión disfrazados de abejas; la idea podría sonar absurda pero el hacerlo no sólo resultaba a tono con la comedia y el estilo de la película, también llamaban  la atención de las personas y las invitaba a conocer más acerca de ese proyecto cinematográfico.

Aspectos como la calidad del largometraje o la opinión de la crítica entran en juego para determinar el éxito o fracaso de una película. En realidad el móvil de las estrategias de marketing es dar a conocer una película e invitar al público a verla.

Independientemente de si una película es de buena o mala calidad, las estrategias de mercado también pueden ser consideradas exitosas o decepcionantes. Por ejemplo, el largometraje John Carter de Marte de los estudios Disney no impactó en su campaña publicitaria y pocos asistentes fueron registrados el fin de semana de estreno del filme en cines, posteriormente la asistencia decayó tras la negativa difundida por los medios en cuanto a su opinión del largometraje.

El equipo de mercadeo tiene por tanto una gran responsabilidad por delante cuando asume un proyecto; mientras el equipo de producción se preocupa por el grupo de personas que trabajarán en una película y los medios necesarios para que realicen su labor, el personal de mercadeo comienza a trazar los lineamientos de marketing y de publicidad desde el inicio del proyecto, trabajo que continuará incluso en tiempos posteriores al estreno en las salas de cine. El trabajo de estas personas es incesante y cambia constantemente; su labor es parte importante de la industria de la cinematografía pero que no siempre es percibida a detalle pues es sencillo darla por sentado.

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México  

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.