Celebramos a todos aquellos médicos que se preparan para ofrecer sus conocimientos en beneficio de la humanidad, cualquiera que sea su grado de especialización, sin duda, la mejor de todas es el trato que le brindan a sus pacientes.

¡Gracias a todos los médicos en su día!

Tienen fama de galanes, rompe corazones y tiernos, pero sobre todo grandes seres humanos.

Aquí algunos de ellos…

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DR. YURI ZHIVAGO | Omar Shariff

Doctor Zhivago

Dir. David Lean | Estados Unidos 1965 | Basada en la novela homónima escrita por Borís Pasternak

DR. ALBERTO ROBLES | Arturo de Córdoba

El Rebozo de Soledad

Dir. Roberto Gavaldón | México 1952

DR. JOHN FRANCIS XAVIER «Trapper John» McINTYRE,  DR. AUGUSTUS BEDFORD»Duke» FORREST y DR.BENJAMIN FRANKLIN «Hawkeye» PIERCE

Elliot Gould, Tom Skerrit, y Donald Sutherland

MASH  | Dir. Robert Altman , Estados Unidos 1970

DR. BOCK | George C. Scott

The Hospital

Dir. Arthur Hiller | Estados Unidos, 1971

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DR. MALCOM SAYER | Robin Williams

Awakenings

Dir. Penny Marshall | Estados Unidos, 1990

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DR. MATTHEW CLARK | Burt Lancaster

A Child is Waiting

Dir. John Cassavetes | Estados Uniodos 1963

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 DR. HUNTER «Patch» ADAMS | Robin Williams

Patch Adams

Dir. Tom Shadyac | Estados, Unidos, 1998 | Basada en la novela Gesundheit: Good Health is a Laughing Matter, de Adams y Maureen Mylander

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DR. SALVADOR MEDINA | Mario Moreno «Cantinflas»

El Señor Doctor

Dir. Miguel  M. Delgado | México, 1965

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DRA. MICHAELA QUINN «Dr. MIKE»

Dr. Quinn, Medicine Woman

Serie creada por Beth Sullivan | Estados Unidos,  1993-98

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DR. GREGORY HOUSE

House. M.D.

Serie creada por  David Shore | Estados Unidos, 2004 – 2012

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DR. APOLO ATANACIO

Médico real, de carne y hueso.

Cine y salud | Filmakersmovie.com | Chinaco Broadcasting

Médico que combina el cine y la medicina a través de cortometrajes y artículos.

ARTÍCULOS

¡Nuestro reconocimiento a todos los médicos en su día!

CINESCOPIO: Christopher Nolan

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Christopher Nolan explora desde su fuerza visual, nuevas formas de plasmar las imágenes en movimiento mediante la innovación del guión cinematográfico que posiciona la emotividad por encima del sentimiento, y que de alguna forma, logra conectar la intensidad de los sucesos con lo sensible, para hacer de la oscuridad ominosa y a la vez expectante de la salas de cine, una luz de asombro y expectativa constantes al proyectarse su obra. Desde que “El Seguidor” 1997 emergiera en los circuitos de culto a finales de la década de los 90, el acecho por cada nuevo proyecto del director nacido en Westminster, Inglaterra en 1970, quedaría de manifiesto con la obra maestra que dejaría su nombre en legado permanente -“Memento”- 2000, obra temprana y cumbre que revolucionó la estructura narrativa y la dirección con audacia cinematográfica, capaz de generar debates explicativos desde su trama, como lo hiciera en el amanecer del nuevo siglo la cinta “Mulholland Drive” 2001 del maestro David Lynch.

Nolan logra proponer nuevas formas de expresar el ímpetu visual del cine, enmarcadas en la fascinación del impacto creativo, y al mismo tiempo de generar una audiencia que acude a sus cintas más por el propio Nolan que por el reparto o la historia, casi todas sus películas han tenido efecto de atracción en la taquilla y la unánime aclamación de la crítica y premios consecuentes. Su nombre se une al de otros directores que a lo largo de la historia, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, George Lucas,  Steven Spielberg o Quentin Tarantino, por mencionar algunos, han logrado ser una marca registrada no sólo de audiencia o reconocimiento, sino desde un punto de vista mercadológico, que hace de sus piezas un acontecimiento, una experiencia ineludible para disfrutarse en la más grande pantalla posible de cualquier complejo.

En “Interestellar” 2014, Ópera espacial y destino manifiesto, espacio y tiempo relativos en la inmensidad del universo, agujeros negros, dimensiones planetarias y horizontes de sucesos, cohabitan la lírica cinta que Nolan ofrece como un viaje necesario, impostergable y a la vez íntimo. La misión ineludible de la humanidad por hallar un hogar cuando ésta haya terminado con el mundo que nos convoca y al que lentamente consumimos, representa la comanda loable y el renacer de la conquista de territorios no explorados a los que se ha temido volver una vez concluida la Guerra Fría en plena globalización. “El Gran Truco” 2006, ahonda una constante en Nolan: la obsesión. Una rivalidad creativa, constante y a la vez leal hacia los rivales, comprende el éxito y el fracaso, la gloria y la tragedia ambientadas hacia finales del Siglo XIX, cuando la Revolución Industrial en sus dejos y el Colonialismo en sus ambiciones, han dejado el escenario propicio para incentivar inventos y de creaciones la competencia.

Uno de los principales retos de un cineasta que aboga por ser original y presentar ideas revolucionarias, innovadoras o inquietantes, es no ceder ante la tentación de una industria que seduce mediante presupuestos y posibilidades difusoras, a los directores con ansia de difundir su arte. Los siguientes sellos tienen relación con esta premisa, aunque con la afortunada y no siempre común resolución a favor del creador. El director explora las motivaciones como disyuntiva y las posibilidades del heroísmo como una carga cuyo peso radica en la visibilidad de la bondad en una ciudad cubierta de sombras, las sombras del mal, de la violencia y la ambición, características de la urbanidad, el poder y la avaricia fundidas en la noche.

Quizá la mayor sorpresa que haya causado hasta el momento la elección de proyectos del director británico no haya sido propiamente “Batman Inicia” 2005 sino “Insomnio” 2002, un remake que encendía alarmantes señales a las luces de la originalidad mostrada por Nolan en sus primeras cintas, las cuales habían dado a su lente unánime prestigio.

Alaska es el paraje donde conviven el blanco de la nieve y el rojo de la sangre derramada por accidente, en la persecución misma del criminal por el que se inicia la trama y el delito no admitido por el detective que se ha pasado de incriminador a culpable en la búsqueda del asesino, quien al medio de este juego del destino, se ha convertido en testigo del infortunio. El insomnio será ahora la nueva compañía, la dubitación entre asumir el accidente por el que ha muerto su compañero y atrapar al criminal, osarán la débil línea que separa el accidente de lo intencional.

“El Origen” 2010 es la película más compleja del director desde su variopinta construcción cinematográfica, una sinfonía compuesta por enfáticas secuencias a tiempo y a destiempo entre personajes y lugares de forma simultánea, ya sea entre sueño y realidad o entre imaginación y fantasía, ofreciendo en este sello una apuesta por la indefinición, donde la inserción de una impronta que no fenece o la implantación de una idea que sí genera, conforma una espiral que abre dimensiones y perspectivas. Hans Zimmer, compañero de Nolan, quien capta con total empatía la intencionalidad sonora del director británico, acompasa los sucesos con una música extraordinaria, cimentada en la cresta por la canción Non, je ne regret rien en voz de Edith Piaf, caracterizada en “La Vida en Rosa” por la misma Cotillard, y cuya duración 2 minutos 28 segundos, coincide la numeralia de la cinta, 2 horas, 28 minutos. “El Origen” integra dos universos que gravitan la dual órbita de Christopher Nolan: la imaginación como alternativa de la realidad y la idea como alternativa de los sueños.

En “El Caballero de la Noche” 2008, la muerte inesperada como antesala de una actuación memorable, el emotivo adiós a un actor entregado a la posteridad de su talento como legado, y una representación vívida, emocional y profundamente explorada del súper héroe, no desde sus causas y consecuencias sino desde sus circunstancias, llevaron a “El caballero de la noche” a dar verosimilitud, continuidad y enlace a la trilogía de Nolan sobre Batman, como un interludio único, desbordante y magistral. Estrenada tras el duelo sorpresivo en el público por el aparente suicidio de uno de los más prometedores y confirmados talentos de su generación, Heath Ledger, en la que sin duda es la mejor actuación que haya visto el celuloide de Nolan a lo largo de sus ya diez cintas, “El Caballero de la Noche” es una perturbadora y reflexiva inquisición desde la confrontación ético moral ante el discernimiento que conlleva la bifurcación de dos caminos y la dualidad de una moneda lanzada al aire. La tensión y el suspenso envuelven a los personajes que dubitan cada toma de decisión, donde la maldad obliga desde los contextos y la bondad se muestra como una debilidad más que como una fortaleza incólume, el ser humano es llevado al límite de las alternativas y sus escasas opciones, la exploración de los rincones de la maldad en lo bueno y de lo bueno en la maldad, son algunas de las caleidoscópicas temáticas que hacen de esta segunda entrega de la trilogía, una cinta fundacional del género de súper héroes.

En “El Caballero de la Noche Asciende” 2012, Nolan concluye su trinomio épico a través de un mensaje que resultó un tanto polémico, como aterrador fue el entorno de su estreno luego de un tiroteo de supuesta inspiración en la oscura maldad de esta saga. Una crítica social, un villano que atisba la repartición inequitativa de la riqueza pero en la concentración de poder, un alegato político que enfunda las causas y las consecuencias del heroísmo y la inmolación del héroe, convergen para dejar un final abierto que acusa la bondad y la persigue, pues los tintes de la percepción cambian dependiendo de dónde se mire. Finalmente “Dunkerque” 2017,  generó desde su anuncio como proyecto una expectativa punzante que fue confirmada tras las reveladas escenas de sus avances, donde una tripulación aglomerada en un pequeño buque, giraba la mirada hacia el cielo en angustia, el sonido de la amenaza se aproxima y el estupor de lo que vendrá dejaba su proclama en suspenso. Aunado a dicha secuencia, así como a un elenco en secrecía de complicidad creativa, rumores y ansias acrecentaron el interés por ver lo que el director resguardaba desde sus expresos deseos por filmar una película de guerra, el resultado: una obra impactante que celebra el décimo sello de su filmografía.

Aunque la batalla acontecida durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial fue llevada al cine por Leslie Norman en 1958 con un cuadro de lujo encabezado por Richard Attenborough, “Dunkerque” no es propiamente un remake sino una nueva forma de contar la historia, una película que desde ya, ocupa un lugar de privilegio en el cine bélico de nuestro tiempo. Nolan despliega su talento mediante la dirección de un portentoso equipo técnico que coreografía una poética obra maestra. Si sus cintas innovadoras son admiradas, sus películas de ciencia ficción éxitos de taquilla y sus versiones fantásticas aclamadas, “Dunkerque” como su primera cinta histórica, no sólo se encamina hacia todas las cualitativas calificaciones anteriores, sino quizá finalmente, a la premiación del director como un merecido reconocimiento a quien ha logrado aportar al cine, una propia visión estética, poética y emocional.

Leer sección Cinescopio

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Series maratoneadas NO son las más vistas de la plataforma.

Por: Netflix 

Netflix ha cambiado la forma en la que el mundo disfruta las historias: los espectadores pueden verlas cuando, donde y como quieran, al paso que prefieran y, al hacer esto, han creado un nuevo tipo de fanáticos: los supermaratoneros. Lograr en un día lo que a otros les toma semanas es la misión de los supermaratoneros, quienes aspiran a ser los primeros en terminar una serie, y ven una temporada completa en menos de 24 horas a partir de su momento de lanzamiento ¹.

En total, 8.4 millones de miembros² han elegido maratonear alguna serie en Netflix y lo único más veloz que su forma de ver televisión es el crecimiento del comportamiento en la plataforma. Entre 2013 y 2016 la cantidad de personas que termina una temporada el día de su lanzamiento creció más de 20 veces ³.

Y, antes de asumir que todos los maratoneros son ermitaños que no se levantan del sillón, deben saber que para estos superfanáticos la velocidad a la que pueden ver un programa es un logro del cual pueden sentirse orgullosos.

«Para nuestros miembros, terminar una serie —sin importar a qué velocidad lo hagan— se ha convertido en una insignia de honor, una fuente de orgullo», dijo Brian Wright, vicepresidente de Series Originales. «Netflix te permite ver el contenido de una forma que antes era imposible, y es increíble ver cómo un programa los engancha y despierta su pasión por verlo».

Ya sea por el amor que le tienen a una serie en específico (cinco miembros en Estados Unidos han maratoneado las cinco temporadas de House of Cards en su día de lanzamiento) o por el amor que le tienen a muchas series (un miembro de Francia ya ha maratoneado 30 series en lo que va del año), los espectadores están abrazando esta nueva forma de fanatismo en todo el mundo. Sin embargo, el lugar en el que viven estos supermaratoneros (pista: en todo el mundo) y qué están eligiendo ver (pista: de todo), podría sorprenderte.

Programas de todo tipo, género y formato despiertan el instinto maratonero. Claro, las comedias de 30 minutos como Santa Clarita Diet, GLOW y The Ranch se pueden ver más rápidamente, pero algunos thrillers de una hora como Stranger Things, House of Cards y Orange is the New Black, o anime, como The Seven Deadly Sins, son consumidos con fervor también.

Gilmore Girls: A Year in the Life tiene la mayor cantidad de maratoneros globales a 24 horas de su debut (culpamos al café); pero el primer lugar de la lista varía según el país: Club de Cuervos quedó en primer lugar en México, Fuller House es el rey supremo en Ecuador y Marvel –  The Defenders se corona triunfador en Corea. México además tiene el porcentaje más alto de supermaratoneros para las series Club de Cuervos e Ingobernable.

Hay maratoneros viendo series velozmente en busca de la gloria en todo el mundo, pero Canadá es quien tiene el más alto porcentaje de miembros que las acaban en menos de 24 horas (culpamos a la nieve). Los mexicanos no se quedan atrás: son el país con mayor número de supermaratoneros en América Latina y el número 7 en la lista global:

Top 20 de series más maratoneadas en México:

Entonces, en resumen:

¿Eres un supermaratonero?

Fuente: Netflix, octubre, 2017

Ha sido una noche larga

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Ha sido una larga noche de brazos alzados, de máquinas en movimiento, del silencio que anhela escuchar palabras de vida, de escombros que van de mano en mano, de generosidad vertida en los acopios; una larga noche de solidaridad donde el día se ha hecho y no sobran los esfuerzos compartidos desde todas las trincheras posibles. Ha sido una larga noche donde fuimos uno, y ante el cansacio de las horas, llegaba el continuo aliento de otras manos, de lágrimas alegres que brotan al escuchar los aplausos que indican el rescate de una nueva vida. Ha sido una larga noche de muchos días que vendrán, donde seguirá necesitándose la ayuda y con ella la señal inequívoca de que la esperanza habita.

En estos tiempos donde la tierra tiembla, la lluvia ahoga y azota el viento, bien vale escuchar la voz de la natura y mirarnos en la otredad que nos conforma, así, desde esa mirada que nos refleja, desde esa mirada que nos conforta, darnos cobijo, regazo y aliento, darnos en un mar de abrazos a cada momento.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |

México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Reflexiones

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

Escribo con el privilegio de vivir, después de una tragedia como la que se vive en México, un temblor que sacude nuestra frágil y vulnerable existencia. NO lo sentí como lo sintieron muchas de las personas que quiero y que viven en la ciudad de México y en Puebla padeciendo primero el sonido de la alarma sísmica, que si bien, te alerta del movimiento de la tierra te hace esperar y después la tierra se mueve como si respirará y quisiera expresar algo, de esa respiración nos movemos todos y todas y todo lo que hay en ella, los edificios se descolocan, se vuelven trampas en donde quedan las cosas de quienes la habitaban, las personas que esperaban que este movimiento no hiciera caer la casa que los guarece y ahora se vuelve en trampa mortal.

Todas y todos nos volvemos en esa fracción de segundos víctimas de la naturaleza, y que nos llama, el temblor que sucedió y cae en la remota posibilidad de que fuera el mismo día de 1985. Después de este movimiento de la tierra viene una inquieta y terrible calma, aquella calma de la que no quieres jamás volver a experimentar, la alarma ha parado, el temblor ha terminado y ahora yacen en la tierra los cimientos de edificios y en ella la gente que permaneció en estos. Te sientes impotente, buscas entender que acaba de suceder, tu vida te paso en fracción de segundos pensaste a momentos que la librabas, y en otros que aquí sería el final de tu vida.

Los temblores nos mueven y hacen reaccionar a unas y a otros de manera tan distinta, hay quienes gritan, o quienes intentan razonar sobre el suceso, o culpan a unos y a otros, pero los hay los más quienes salen a ver por los suyos, y otros por todos y todas. En este momento todas las personas nos volvemos uno en la inmensidad de un tragedia que necesita la acción y reacción para rescatar, apoyar y ayudar; solidaridad que el temblor no cimbró, cimbrará otras cosas, a momentos el ánimo y en otras ocasiones la esperanza. La solidaridad no tiene fronteras, no conoce de clases, de razas, de religión de etnia, de discapacidad, de edad, nos volvemos parte de esta incertidumbre que siempre ha estado presente solo que ahora se hace evidente.

Ya nada será igual, no para quienes experimentamos esta sacudida, no para quienes vieron el sufrimiento, la desesperación, pero también la valentía de quienes arriesgan todo y nada, de quienes traen víveres, de quienes buscan entre los escombros, entre quienes hacen los recorridos a pie y mantienen a las personas informadas, de quienes desde las redes se movilizan para dar a conocer la lista de las personas que están en el hospital.

Nos preocupa ahora la inevitable recuperación de una sociedad que se sacudió, pero de las personas, hombres, mujeres, niños y niñas que lo perdieron todo porque nos faltan las personas que murieron, el patrimonio que construimos, la ciudad que conocimos.

¿Qué sigue? Levantarse ante un estrés evidente, suenan las alarmas de los coches y nos ponemos en alerta, vemos gente correr y nos sacude el miedo pero toca reconstruirnos, animarnos, solidarizarnos y apoyarnos, pensando que podemos hacer de esta tragedia una gran oportunidad para la unidad, una unidad no superficial, correosa o endeble, sino una unidad pensando en nuestras diferencias pero con miras en lo profundo, en la esencia de lo que nos hace profundamente humanos y humanas. Buscamos la trascendencia y este es un momento para reconsiderar nuestras trayectorias, nuestra vida como hasta hora la conocemos pero con gran potencial por transformar nuestra realidad y la de otros, es la actitud, es la convicción es la espiritualidad más allá de credos.

Hace una semana nos reuníamos en marcha, indignantes por los feminicidios, Mara nos congregaba en solidaridad para reclamar y dar un basta, no olvidemos con este temblor las grandes injusticias de las que somos participes con nuestra indiferencia busquemos la manera de actuar, de transformar el mundo en el que vivimos, no se necesitan grandes hazañas. Hemos visto el heroísmo de quienes regalan sus tamales, de quienes donan su mercancía, de quienes salen a buscar a pesar de la lluvia.

Que nos mueva el corazón, en el sentido más personal de que lo que vemos nos duele, nos conmueve, nos afecta de que somos parte de esto y del todo, necesitamos ahora y siempre creer que nadie hará lo que a mí y a cada una y uno de nosotros nos toca hacer, contribuir para que mi entorno sea mejor que antes, mejor en lo espiritual y en lo material y que somos cuerpo y alma para los demás. Trabajemos y busquemos que en medio de estas sacudidas hagamos en conciencia lo que nos toca hacer- vivir para que todos estemos mejor, que la justicia no sea un término trillado, que la libertad no este secuestrada y la fortaleza nos sostenga. Vivimos solo esta vida y hay que intensamente aprovecharla, ¿tú que estás haciendo?

Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, es  Doctora  en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

VEO UN MÉXICO UNIDO ¿Y después?

Por: Perla Atanacio

Veo a un México unido en la esperanza, en medio del dolor, de la angustia, el temor y la incertidumbre.
En cada testimonio, en cada nota, en cada puño cerrado en lo alto, conocemos una de las miles de historias que se cuentan sobre los huracanes sociales, meteorológicos y los sismos de septiembre…de todo el año, y los años que nos anteceden.

Y después ¿seguiremos unidos? ¿Nos preocuparemos del otro? ¿Del que no tiene casa, del que no tiene trabajo, del que no ha vuelto a casa, del que quiere estudiar, del que no puede cruzar la calle, del que no tiene qué darle de comer a sus hijos porque no le alcanza, del que quiere hacer sus sueños realidad?

La Madre Tierra nos habla, no olvidemos que estamos de paso, y que sólo los árboles y las montañas son las que reverdecen, y quien verdaderamente es dueña de este suelo es ella. 

México es un país rico, poderoso, lleno de historia, de naturaleza, con más gente buena que le ama y respeta.

Unámonos hoy y también después.

Links que pueden interesarte:

Donaciones Cruz Roja Mexicana 

Cómo Ayudar MX

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Productora Audiovisual y cinematográfica,  diseñadora publicitaria.  Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida. 

#SinManualParaVivir, documental como herramienta de transformación social

Karen Dueñas es una guionista y realizadora audiovisual colombiana que desde hace 5 años radica en Buenos Aires.

En el mes de mayo (2017) comenzó la travesía de realizar un documental en Bolivia, con el apoyo de Patoneando, blog de viajes y la productora audiovisual argentina Terciopelo Rojo Films. El objetivo fue crear una película sobre la importancia de la reflexión para llegar al empoderamiento.

“Hace un año hice un viaje a Bolivia después de haberme separado de una relación de violencia doméstica y descubrí, a partir de la posibilidad de viajar sola, mi propio poder de reinvención y empoderamiento.

Al volver a Buenos Aires sentí la necesidad de realizar una película documental que hablara sobre ese poder. Entonces se dio que Lina de Patoneando blog de viajes, una amiga de infancia que hace 4 años renunció a toda su estabilidad para irse a recorrer el mundo me contactó porque quería retratar su viaje alrededor de Sudamérica. Junto a ella, y con el apoyo de Terciopelo Rojo Films, decidimos filmar el documental.”

Karen Dueñas

La importancia de este film es documentar la reflexión y el camino hacia el empoderamiento, como una herramienta de transformación social que pueda ayudar a otras personas. En un inicio este film lanzó una campaña de crowdfunding  pudiendo realizarse con los aportes de las muchas personas que creyeron en el proyecto.

Ahora, en su etapa de post producción, se lanza una nueva campaña de crowdfunding  para que más personas puedan ser parte de esta iniciativa documental.

El apoyo entre “realizadores”, así como entre  “audiencia y realizador”, es vital para la creación, desarrollo y difusión de filmes honestos y sensibles que sin el respaldo de la industria comercial tiene el propósito de llegar con su mensaje al público, aportando en su día a día, hombres y mujeres que encuentran en el cine íntimo y de autor, un refugio en medio de la saturación de historias que poco enriquecen el alma y que sólo benefician a los grandes estudios.

“¿Qué pasa si creamos juntos este documental? ¿Si llevamos un pedacito de cine a lugares donde de otra forma no llegaría?” (Texto extraído de lavaquinha.com)

#SinManualParaVivir

Un film de Karen Dueñas

Tropo Audiovisual

Trailer 1:31

¡Click para donar!

Todas y todos podemos ser parte de la culminación de #SinManualParaVivir, guía, acompañamiento, dosis de realidad para reconocernos y reconocer lo que otras personas, en cualquier lugar del mundo, viven y quieren decir.

Le deseamos una gran campaña a Karen y todo el equipo, esperando pronto poder ver terminada esta travesía que buscará dar sus pasos entre la audiencia.

¡Súmate en la campaña!

Para más información escribe a : sinmanualparavivir@gmail.com

Para donar ve a: SinManualparavivir

Otras ligas:

Patoneando, blog de viajes

Terciopelo Rojo Films

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Productora Audiovisual y cinematográfica,  diseñadora publicitaria.  Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida. 

Cine de autor

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El cine de autor es aquel que cuenta con características particulares y distintivas de su realizador; normalmente sale de los cánones establecidos pues el director imprime su sello distintivo, vaya o no a la par con lo cotidianamente establecido entre las reglas del mundo del cine.

No todo el cine fuera de lo ordinario es cine de autor, como no todos los realizadores son descritos con este calificativo para su trabajo, pues el cine de autor realza las impresiones y visión de su director, al grado que se distingue de entre todo el cine que se realiza a la par, gracias a los elementos típicos que se encuentran siempre en sus obras; por ejemplo, la agilidad de diálogo entre los personajes del cine de Robert Altman (1925-2006), conocido por películas como MASH, Gosford Park, Vidas cruzadas o El Dr. T y sus mujeres, o el humor cómico pero con crítica social que impera en el trabajo realizado por Charles Chaplin (1889-1977), cuyos productos cinematográficos que lo ejemplifican son, entre otros, Tiempos modernos, Luces de la ciudad y El gran dictador. Por cierto, ambos autores reconocidos tardíamente por los premios Oscar, al recibir el galardón Honorifico en reconocimiento a su trayectoria profesional en el séptimo arte.

El director debe realizar su propia impresión de la historia que cuenta, plasmándola de su visión particular y dotándola de peculiaridades propias, ya sea en cuestiones técnicas como un movimiento de cámara o en el tipo de edición de la película, incluso en cuestiones temáticas y de contenido. Su narrativa, personajes o innovaciones técnicas muy particulares, son los componentes que le llevan a ser identificados como generadores de “cine de autor”.

Para ello el autor busca libertad creativa y cierto grado de control sobre su trabajo, por lo que mucho del cine de autor resulta también ser cine independiente, autónomo en todo sentido, en especial de las reglas de la cinematografía o de las imposiciones de un estudio productor, que a veces procuran más el resultado mercadotécnico que el artístico.

También el cine de autor puede llegar a catalogarse como cine de arte, porque los realizadores, con su libertad creativa y experimental, suelen proponer historias menos comerciales y, en efecto, más artísticas.

Se considera que el cine de autor inició a clasificarse de esta manera a partir de aproximadamente la década de 1960 (aunque ya se debatía este término desde tiempo atrás) cuando, en contra del neorrealismo italiano, movimiento que proponía un cine más real, filmando, para lograrlo, en locaciones naturales en lugar de estudios de grabación y con personas comunes en lugar de actores profesionales, la nueva ola de cine francés proclamó la importancia de la visión del autor, del director o guionista, para moldear las historias, para dar forma a esa realidad de la que hablan otros autores.

Con figuras como François Truffaut (1932-1987), Jean-Luc Godard (n.1930) o Claude Chabrol (1930-2010) entre sus representantes, los pertenecientes a este movimiento apelaron por un cine más personal, reconociendo que la visión del director detrás del proyecto como la guía que construye la historia, es el vehículo verdadero que permite pasar del guión plasmado en papel al rollo de filmación.

Así, aunque el cine de autor se refiere a los realizadores de quienes se percibe su trabajo como únicos entre los demás: Quentin Tarantino (n. 1963), Akira Kurosawa (1910-1998), Woody Allen (n. 1935), Luis Buñuel (1900-1983), Alfred Hitchcock (1899-1980), David Lynch (n. 1946), Pedro Almodóvar (n.1949) o Terrence Malick (n. 1943), por mencionar algunos ejemplos, también se considera cine de autor al conjunto de realizadores dentro de una misma corriente que trazan un tipo de cine fuera del movimiento comercial y mercadotécnico de la industria.

En cualquier caso, este tipo de cine se caracteriza por la puesta en escena que plasma el director de la película, con sus técnicas de filmación, forma de abordar la historia y contenido audiovisual, creando ciertas características en pantalla que conforman su particular modo de hacer películas, al grado que se hacen propias para su cine. Y porque el autor propone su perspectiva de la historia, suele hacerlo directamente desde el guión, pues aunque muchos autores no se involucran con el proceso de escritura, la mayoría sí lo hacen, ya que su panorama del relato que cuentan viene desde la historia misma hasta su realización.

Los hermanos Cohen, por mencionar un ejemplo, usualmente trabajan desde el guión hasta la realización sus propios proyectos. Esa es la clave que da flexibilidad a la libertad creativa y al mismo tiempo forja y construye ese sello distintivo, reconocible, que hace que el cine de los hermanos Cohen sea en todos sus elementos (historia, música, tono, actuaciones), su particular estilo de hacer cine. Fargo, de 1996, Sin lugar para los débiles, de 2007, y Quémese después de leer, de 2008, son por ejemplo películas que los identifican.

En el cine de autor es tan importante el qué se cuenta, igual que el cómo se cuenta, porque influye tanto la técnica como la modernidad, el contexto o el subtexto que se desee manejar en la historia. Un cine de autor de los años 50 no puede compararse con el moderno; el anterior no podrá reproducirse ni tendrá el mismo impacto en el presente como lo tuvo en el pasado, porque la forma de hacer cine es diferente, pero también porque el pensamiento de la sociedad de entonces no es el mismo que el del presente. La cultura cinematográfica ha evolucionado, modificando la forma de percibir las películas filmadas en otros momentos y circunstancias. La visión del autor puede perdurar el paso del tiempo; el suspenso de las películas de Hitchcock es tan efectivo hace 50 años como lo es ahora, pero su estilo particular de hacer cine y abordar un proyecto sólo puede hacerse por el autor mismo en su presente, en su momento de hacer el cine, con las herramientas que tiene a su alcance y la mirada particular con que lleva sus historias a la pantalla grande en ese particular contexto.

La base para definir el cine de autor es que el responsable de la obra es el director, que con su trabajo y visión indica a cada departamento la forma de hacer realidad esa mirada propositiva con que asume un filme. La idea no debe ser controladora y excluyente, pues el propósito es el trabajo armonioso que opera bajo una visión característica del realizador, es decir, un cine hecho bajo el trabajo en equipo como cualquier otro, pero en el que el autor plasma su percepción única para contar la historia en todo momento, donde de alguna manera controla lo que se hace y cómo se hace, porque cada acción debe corresponder con su mirada de realización.

Esta categoría de cine es vasta y aunque no todos los realizadores encuentran sus películas en este apartado, a pesar de contar con un estilo de cine particularmente único, muchos autores independientes y vanguardistas encontraron en estas corrientes artísticas una forma propia de hacer cine, y con ello, un tipo propositivo de contar historias, es decir, el cine de autor.

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

CINESCOPIO: STANLEY KUBRICK

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Cinescopio es una nueva ventana de reflexión que abrimos en Filmakesmovie como parte de nuestro 5to aniversario, mediante el análisis a modo de ensayo sobre la semblanza creativa de quienes han marcado, innovado y definido la historia del cine, y cuyas trayectorias han influenciado nuevas formas creativas de expresar la narrativa visual de las imágenes en movimiento. Cinescopio propicia un diálogo entre la intencionalidad del director y la interpretación de la audiencia frente a su legado fílmico. De esta manera el trabajo de directores, guionistas, actores y de quienes hacen posible el séptimo arte, aparece en nuestra columna como un viso conceptual a las propuestas artísticas que han dejado huella en la cinematografía universal. Y para inaugurar nuestro Cinescopio, optamos por revisar a modo de reflexión, algunas cintas, temáticas y conceptos que definen al maestro de la construcción lingüística desde el montaje: Stanley Kubrick.

Referente fundacional de la cinematografía universal, admirado, reconocido y estudiado por realizadores, críticos y cinéfilos, Kubrick irrumpió el séptimo arte desde sus primeros cortometrajes a principios de los años cincuenta hasta su última cinta, estrenada justo a fin de siglo. Nacido en Nueva York en julio de 1928, el director oriundo del Bronx, creció en una migrante familia de origen judío y desde su infancia mostró un gusto genuino por la fotografía y el valor de la imagen, la música y su atmósfera, así como por la literatura y sus posibilidades narrativas. Kubrick forjó de esta forma los postulados creativos que caracterizaron su obra, como  la polémica, el debate y la profundidad psicológica, así como la oposición a los dogmas religiosos, sociales y políticos. Kubrick ejerció el periodismo fotográfico al tiempo que se especializaba en empalmar las imágenes en secuencias, una vocación editora que mostraría posteriormente al dominar todos los aspectos técnicos de la cinematografía. A partir de sus primeros cortometrajes, el director forjó una carrera de cinco décadas en las que sólo dirigió 13 películas, debido en parte a su meticulosa selección de novelas para su adaptación, a las interminables jornadas de rodaje, a las repeticiones incesantes de cada escena, a la pericia técnica y a la búsqueda constante por el ensamble armónico del sonido.

A esto se suma la concordia entre pausa y ritmo, su compás sedicioso y vertiginoso, que lo mismo hipnotiza que invita a la reflexión profunda, y que integraron en su conjunto un proceso de filmación legendario. Cada escena en Kubrick está supervisada por su óptica, por sus sentidos y por el arte definitivo de un maestro consumado, que ha influenciado a diferentes generaciones de realizadores alrededor del mundo. Gracias a su influjo en los aspectos narrativos y visuales, hemos disfrutado de sendas películas dirigidas por realizadores contemporáneos como Steven Spielberg, Darren Aronofsky o Christopher Nolan. Su variopinto canon cinematográfico apela a la provocación temática y a una sintaxis contemplativa que describe las acciones sin juzgar más allá del comportamiento de sus personajes. Su genuina estructura transita con precisión e independencia entre thrillers policíacos y psicológicos, dramas bélicos y sociales, adentrándose en los prejuicios y complejos humanos, los mitos, el horror, la historia y la ciencia ficción. Su corolario visual y fondo musical clásicos brindan sentido estético a su obra, epifanías que ofrecen meditación, asombro y misterio, que provocan, perturban y vinculan símbolos y significados agnósticos tan inextricables como pedagógicos, situando debates ético-morales, conflictos de fe y religión, la ambición, el poder, la reflexión del espacio-tiempo y su devenir histórico.

Por citar breves ejemplos del análisis anterior, presentamos algunas cualidades temáticas, simbólicas y conceptuales que aparecen en una selección de sus películas.   En “Casta de Malditos” 1956, Kubrick dirige la trama hacia los crímenes de la noche y la oscuridad de sus instintos, donde  la estrategia, la tragedia y el misterio determinan la condición social, la ambición y la avaricia, la lealtad y la traición de sus personajes, formando en la suma, una gama de posibilidades por cometer el crimen perfecto. “Senderos de Guerra” 1957 en tanto, reviste el ideal del honor, del deber ser y de la ética, es una reflexión profunda de la posibilidad de la guerra desde la paz y desde el heroísmo, que no siempre se muestra al arrojarse al fuego de las armas. En “Espartaco” 1960, Kubrick muestra la emancipación de las conciencias, libertad del credo y su defensa ante el exterminio. Una cinta de poéticas coreografías que sustenta no sólo en la fuerza la supervivencia sino en la voluntad, y que resalta la compasión, la bondad y la rebelión emancipadora del exilio consecuente de la lucha por la libertad, el sacrificio de un hombre por su pueblo y de un pueblo por su colectivo.

“Dr. Insólito” 1964, funciona para hacer una crítica a la histeria colectiva de una época crucial de la historia del siglo XX. Un momento determinante en el devenir de la modernidad que agoniza, de un nuevo orden económico internacional que se instituye, de ideologías que dominan y se imponen, y de la posmodernidad que aguarda fanatismo y ambición como una consecuencia de la libertad suprimida. El preludio del fin de los tiempos proviene del totalitarismo intencional que desde la perspectiva subjetiva y cómica del director, describe sin más posicionamiento que el humor negro y la realidad de una tensión política mundial, que vista como una sátira política, convida la eliminación mutua de los poderosos con el afán de que ninguno prevalezca al final.

“La Naranja Mecánica” 1971, quizá su película más provocadora, rebelde y original, representa a una generación perdida y en búsqueda, al advenimiento del capital como punto decisivo de las divisiones sociales en el mundo consecuente del totalitarismo político, sustituido por un sistema que se transforma. La violencia es presentada como causa y consecuencia, como producto de una sociedad maniatada, donde fe, religión y confianza han subyugado al libre albedrío. Al tiempo, explora la naturaleza humana desde la pérdida de vínculos sociales que se aprestan a la condición humana. En “El Resplandor” 1980, Kubrick atiende a la -dualidad- como una posibilidad infinita, intrínseca y perenne en las personas, y averigua el thriller psicológico desde el horror, los trastornos de personalidad y el insomnio de la intranquilidad. Esa dualidad que desde la pérdida de sensibilidad por la guerra, lleva al director a filmar “Cara de Guerra” 1987, donde examina la deshumanización, la pérdida de la cordura y la indolencia de por la sinrazón de la guerra, y lo hace desde la contemplación que advierte la pérdida de valores, del nihilismo que reprime y que busca ganar a beneficio de un sistema. Con “Barry Lyndon” 1975, el director deleita la imagen en movimiento a través de un lienzo colorido cuyo tinte dibuja un paisaje y plasma una emoción, donde la ambición es intrínseca desde el mito, la leyenda y el posicionamiento, que se muestra como una aspiración de la audiencia. La alegoría, la codicia y la fatalidad representadas en el viaje y la peripecia, se deslizan nuevamente al abandono para volver a empezar mientras orquesta un nuevo duelo, el de su propia ambición.

“En Ojos Bien Cerrados” 1999, epitafio artístico del maestro, es una provocación de la libido despierta, que se presenta como un viso a la doble moral de la aristocracia ante la infidelidad y la ética, y con mayor atrevimiento, como un repaso de temas tabúes de la sociedad posmoderna, y desde ese cuestionamiento social se adentra en las azuladas pesadillas de un matrimonio que experimenta la crisis de la tentación y la confianza semejadas en la necesidad de la confesión.

Y si “Ojos Bien Cerrados” es su epitafio, “2001: Odisea del Espacio” 1968, es el legado más valioso de su testamento. Kubrick nos invita a posar la mirada en el universo y contemplar así la ronda impar de nuestra existencia.  Reflexiva, metafísica y a la vez terrenal, es una sinfonía de imagen y silencio, de imagen y música, de imágenes y símbolos, un viaje a través del tiempo, un atisbo al origen, una serie de preguntas perennes que no responden a nuestro posicionamiento de sentido y significado ante la vida, pero que sugiere reflexionar sobre ella; poesía visual que devora los sentidos e invita recorrer su caleidoscopio de emociones y aliento. Un salto cuántico sin espacio y tiempo, donde pasado, presente y futuro coexisten en el universo paralelo de la evolución, la tecnología, la inteligencia artificial, la vida extraterrestre y el regreso del ser humano al origen de la vida y la creación. La asimilación existencial percibe la aparición atemporal de un monolito, no como un acontecimiento del entorno, no como parte del descubrimiento intrínseco de la aventura y la exploración, sino como un visión del amanecer como un misterio, como esa necesaria capacidad de asombro que necesitamos los seres humanos ante la inextricable inmensidad del universo.

Stanley Kubrick es uno de los directores más estudiados en las escuelas de cine, cátedras completas se llevan a cabo desde la academia para teorizar su quehacer cinematográfico, y la lista de directores que se han inspirado en su obra es interminable, como enorme es la legión de cinéfilos y amantes del cine que hemos quedado atónitos ante sus lienzos filmados desde una lente ávida de provocar la emoción y la reflexión al mismo tiempo, capaz de impactarnos y habitar nuestra mente desde la catarsis que brindan las poderosas imágenes de su arte contemplativo.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com