Los Angeles| Netflix | 16 de noviembre de 2017– La serie original de Netflix, oficialmente autorizada y basada en la vida de Luis Miguel, el internacionalmente astro musical y artista discográfico multi-platino galardonado con el premio Grammy, inició grabaciones en la Ciudad de México. La serie cuenta con el cantante y actor mexicano Diego Boneta como Luis Miguel, y con un elenco estelar que incluye a Camila Sodi dándole vida al amor de Luis Miguel; Oscar Jaenada como su padre y Paulina Dávila como su primera novia. Producida por Gato Grande Productions, en unión con Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc (MGM), la serie estrenará exclusivamente en Netflix en América Latina y España en el 2018 y en en los Estados Unidos y Puerto Rico en Telemundo.
Crédito: Juan Carlos Polanco/Netflix
Mejor conocido por su participación en exitosas producciones mexicanas y de Hollywood incluyendo Rock of Ages yScream Queens de FOX, Diego Boneta protagoniza la serie como Luis Miguel; Oscar Jaenada, quien interpreta al papá de Luis Miguel, Luis Rey, es un galardonado actor español con el premio Goya que ha estelarizado exitosas películas como The Shadow y Snatched, y próximamente el largometraje de Lionsgate: Chaos Walking, y la película dirigida por Terry Gilliam, The Man Who Killed Don Quixote. Camila Sodi, reconocida actriz y cantante quien ha participado en numerosas películas taquilleras, será la novia de Luis Miguel. Paulina Dávila, quien ha trabajado en importantes películas y producciones televisivas, le da vida al primer amor de Luis Miguel. Juan Pablo Zurita, uno de los influencers más importantes de América Latina, será Alex, hermano de Luis Miguel. La serie también contará con el actor argentino César Bordón como Hugo López, Vanessa Bauche como la directora de prensa Rosy Esquivel, y el actor Andrés Almeida como el contable Armando Serna.
En esta producción se unen gigantes del entretenimiento como Netflix, la principal servicio de entretenimiento por internet en el mundo. Con una presencia que supera los 190 países, más de 109 millones de personas disfrutan más de 125 millones de horas de programas de TV y películas por día, incluidos los documentales, las películas y las series originales; NBCUniversal Telemundo Enterprises, compañía de medios de clase mundial, líder en la industria en la producción y distribución de contenido de alta calidad en español para los hispanos en los Estados Unidos y para el público alrededor del mundo; Gato Grande, empresa conjunta entre MGM quien desarrolla y produce contenido de alta calidad en Español y el productor Mark Burnett, diez veces ganador del Premio Emmy y Presidente de MGM, Television Group y Digital. Burnett ha producido más de 3.200 horas de programación de televisión, que se transmite regularmente en más de 70 países en todo el mundo.
Le deseamos suerte a toda la producción, esperando que el resultado deje satisfechos a los seguidores del ícono de la música hispana.
Cuando se maratonea en público las normas sociales pasan a segundo plano
Una nueva encuesta de Netflix revela que México es el país que más maratonea en público en el mundo, pues el 89 % de los mexicanos está dispuesto a exponerse a la vergüenza, ridículo y spoilers mientras ve sus series y películas favoritas.
Los Ángeles | Netflix | Noviembre 2017 .- Actualmente hay 2400 millones de usuarios de smartphones1 en todo el mundo. Cada vez se reproducen más contenidos en dispositivos móviles y las «zonas libres de maratones» quedaron en el pasado. Al mismo tiempo, ahora que millones de personas aprovechan todas las ventajas de Netflix para hacer streaming y descargar cuando sea y donde sea, las conductas privadas al maratonear quedan al descubierto.
Entonces, ¿por qué el 89 % de los mexicanos está dispuesto a exponer sus emociones para ver contenidos fuera de casa? (A nivel global es el 67 %). Porque quienes maratonean en público privilegian tener acceso a sus programas y películas más que otros elementos «esenciales», como la comida o el agua2. Sin duda, ver Stranger Things en un lugar lleno de extraños puso las convenciones sociales del Otro Lado… Lo mismo pasa cuando ves que alguien se asoma a tu pantalla en medio de una escena candente, o cuando ríes a carcajadas en un tren repleto. Es la nueva norma.
Nos ven mientras vemos
Globalmente, casi la mitad (el 45 %) de los encuestados que ve contenidos en un medio de transporte notó que alguien se asomaba desde el asiento de atrás. Esto no es tanto si lo comparamos con los brasileños, que resultaron los más metiches ( el 61 %) y en el caso de México el 54 % ha experimentado esto. Pero no nos apresuremos en llamar al jefe Hopper: solo el 18 % de quienes maratonean en público a nivel global siente vergüenza de lo que ve y el 77 % no deja de ver lo que está viendo. Nada de qué avergonzarse.
Si te asomas, te spoileamos la serie
¡Quienes se asomen a ver, pagarán las consecuencias! El 11 % de los encuestados que maratonea en público vio un spoiler mientras espiaba la pantalla de otra persona. En México, el riesgo es todavía mayor: el 17 % sufrió spoilers. ¿Dónde es más probable que esto ocurra? En los autobuses; pues aunque globalmente solo el 40 % maratonea en este lugar, en México lo hace el 58 %.
¿Quién eres para interrumpirme?
Más de un cuarto (el 27 %) de los encuestados que maratonea en público ha sido interrumpido por algún extraño para ponerse a hablar acerca del contenido. Sin embargo, no debemos juzgarlos tan arduamente; estos intrusos episódicos usualmente están celosos de que nosotros nos acordamos de descargar Club de Cuervos antes de salir de casa y ellos no.
Episodios debajo de la manga
No importa qué tan meticulosos seamos con nuestras vidas en las redes sociales; en la vida real, no hay filtros para las carcajadas o el llanto. Globalmente México, Colombia y Chile son los países más sensibles. A la inversa, es difícil ver a un alemán bajar la guardia mientras maratonea.
En última instancia, un spoiler o una escena candente con extraños al lado vale la pena, siempre y cuando podamos seguir viendo lo que nos gusta. Así que, la próxima vez que hagas las maletas, no te olvides de tus maratones favoritos.
Metodología
* La encuesta fue llevada a cabo por SurveyMonkey del 24 de agosto al 7 de septiembre de 2017 con 37 056 encuestados. La muestra se compensó por edad y sexo, y es representativa de la población adulta con acceso a Internet que ve series y películas a través de servicios de streaming en lugares públicos de EE. UU., Argentina, Australia, Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Francia, Alemania, India, Italia, Malasia, México, Países Bajos, Filipinas, Polonia, Corea del Sur, España, Suecia, Taiwán, Tailandia y Turquía.
1 Se estima que 2400 millones de personas usarán un Smartphone este año, es decir, un aumento del 10,8 %, según el último pronóstico de eMarketer.
2 Al preguntar qué elementos eran «esenciales», los encuestados que maratoneaban en público afirmaron preferir «tener acceso a programas y películas» más que comidas y bebidas (el 30 % contra un 25 % y un 23 %, respectivamente).
¿Qué tan difícil es ser dios? es la premisa para esta difícil, sobrecargada y bizarra película de Aleksey German basada en la novela homónima de los hermanos Arkady y Boris Strugatsky, autores de importantes títulos de ciencia ficción rusa, como la novela Piknik na obochine (Roadside Picnic) que Andrei Tarkovsky adaptara para su obra maestra Stalker (1979).
Y Hard to Be a God tiene mucho de Tarkovsky, pero más de su Andrey Rublev y las cuestiones teológicas que deambulan la época medieval, o de Ivan Groznyy (Iván el Terrible) de Eisenstein en clave ciencia ficción dirigida por los Monty Python.
Hard to Be a God | Dir. Aleksey German | Rusia y República Checa, 2013
La historia transcurre en el planeta Arkanar, dentro del universo Noon, creado y desarrollado por los hermanos Strugatsky a lo largo de su obra como escape a la censura de los gobiernos totalitarios rusos. Un planeta muy similar a la tierra, donde llega un grupo de científicos comandados por el científico Don Rumata para ayudar a la civilización local, que se encuentra en la fase medieval de su propia historia, a encontrar el camino correcto para el progreso. Algunos lo denigran y persiguen, otros lo consideran Dios.
Similitud o exégesis histórica de las varias conquistas a los “nuevos mundos” de parte de occidente, puede ser. Inevitable es pensar en Aguirre, der Zorn Gottes de Herzog. En la superficie, el viaje de inanidad espiritual que atraviesa Don Rumata es muy similar al de Don Lope de Aguirre, aunque Herzog bucea más en profundidad en el retrato de todas las aristas mentales de su protagonista explorando la locura terrorífica de la sique humana, que en la carga imaginaria, dualidad entre ficción o realidad, de creerse o que te crean Dios que enfrenta Rumata. Ambos, sin duda, construyen personajes con capas multidimensionales, aunque el primero a nivel humano, por tanto frágil y expuesto a la demencia, mientras que el último a nivel metafísico, el cual debe familiarizarse con esa fragilidad y demencia para entender al humano.
La pregunta entonces que plantea German es ¿qué harías en el lugar de Dios?
Los hermanos Strugatsky crearon una historia sobre juegos de poder y mostraron cómo un científico/dios se convirtió en un asesino, finalmente prevaleció lo humano sobre lo divino. Pier Paolo Pasolini ya en Il vangelo secondo Matteo plantea que Jesús, Dios, viene a traer una espada, no paz. Y en efecto su interpretación del discurso bíblico es bastante irreverente, radical, incluso brutal. En ambos autores, se plantean figuras divinas ininteligibles, viscerales, cada uno tiene su cristo o por lo menos la idea de él, dioses capaces de amar y odiar al mismo tiempo, ambiguos moralmente, supersticiosos, temerosos del caos y por ende urgidos en forjar su verdad absoluta por la razón o la fuerza.
El cosmos de la historia, perfecta en la construcción del auténtico ambiente medieval pestilente y putrefacto, reconfiguran la idea del cuánto y el cómo hemos avanzado, «existencialmente», de la edad media hasta el día de hoy. ¿Qué tanto Dios ha sido el arquitecto de ese progreso? ¿Será la sociedad realmente digna de progreso, o si podemos llamar a esto progreso? considerando que no distamos mucho de un estilo de vida medieval con ciertos avances éticos y sobre todo económicos, pero que en su avasallador avance ha destruido las grandes ideologías que mantenían ciertas coherencias sobre la realidad.
¿En esa “realidad” entendida como el interior del hombre, existe algún dios? Lo que finalmente convierte a Hard to be a God, no en una película sobre la crueldad de la religión, sino sobre el descubrimiento, sobre el renacimiento. Un renacimiento que ha estado allí, oculto en el barro, pero tangible, vivo, y que ha resistido las condiciones más difíciles de la evolución humana, el oscurantismo grotesco digno de pintura de El Bosco llamado Capitalismo que pisada a pisada lo ha hundido en la mierda de los autómatas del desarrollo. Resulta sugestivo, siguiendo esa ambigüedad moral antes mencionada, que la mayor preocupación de Don Rumata, un dios venido de la tierra (y no del cielo) bajo las vestes de un lascivo y borracho noble de la época, sea la de salvar a esos intelectuales, esas ideologías, esa ciencia de las garras de la humanidad. La necesidad o necedad de salvación, transforman a Rumata, de una despreocupada e irresponsable deidad, a un “científico” y/o antropólogo encargado, de preservar la ideas sobre el desarrollo social, sobre la moralidad y sobre el papel del pensamiento independiente en el progreso de la inteligencia, justamente las dificultades a las que debería verse enfrentado todo dios.
Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks, fue director de Camaleón Films, dirige Filmakers Media Content.
La muerte ha sido explorada en la historia de la cinematografía universal desde distintas ópticas, emociones, creencias y propuestas tanto narrativas como visuales, que han legado un serial de cintas memorables. En México, la muerte protagoniza como impronta, diversas celebraciones cuyo cenit habita la fiesta del Día de Muertos el día 2 de noviembre, fecha en la que, como una pila intercultural del mestizaje, comulgan el recuerdo, la nostalgia y el apego en la memoria de aquellos sabores, aromas e imágenes, que nos permiten hacer vívidos a los seres queridos que han partido, y convidarles a un convite de dispuestas ofrendas.
Ignacio López Tarso brilla intensamente en esta película que dejó su huella indeleble en el imaginario mexicano, si Los Hermanos del Hierro, El Hombre de Papel,Pedro Páramo, El Gallo de Oro, incluso Los Albañiles, son muestra viva de su legado, es Macario la pieza por excelencia que añade al historial del histrión, una aportación de indispensable consulta para quien se avoque al estudio de la cosmovisión mexicana desde la cinematografía. Pletórico de misticismo y enmarcado en el humo de leyendas a copales e inciensos, el ambiente visual de Macario es capaz de resaltar en la fantasía del blanco y negro, lo que en la realidad de una costumbre, asiste con las flores de amarillo afán acompañan las tumbas a cementerios, y el cariño se extraña para abrazarlo en el presente del recuerdo.
Macario | Dir. Roberto Gavaldón | México, 1960
El Día de Muertos evoca nítidos recuerdos de mi infancia, no sólo porque nací un 2 de noviembre, sino porque en las anécdotas de altares, no pudiera definir desde las sensaciones a otra festividad que más defina la cosmovisión mexicana de la vida desde la muerte. Así, bajo el sustento de una confrontación con la alteridad inextricable, con el misterio del incierto devenir y en certeza de la finitud, diversos directores han vertido en sus propuestas cinematográficas, en reminiscencia de la tradición mexicana hacia la muerte. Macario refleja las distintas formas de abrazar la muerte y simbolizar el diálogo entre vivos y muertos.
Su heredad refleja significativas imágenes de reflexión, mediante secuencias anecdóticas, duelen y celebran haber compartido la vida con quienes ya no están, que afrontan la muerte como sendero, y averiguan el espacio que habita más allá de ellas. Obra cumbre de la cinematografía nacional, Macario, filmada en 1959 y estrenada en los albores de 1960, es la pieza indispensable para comprender desde el cine la relación del mexicano con la muerte, una película fundamental para comprender la interculturalidad de nuestra costumbre, la valía de la tradición, las bases prehispánicas y coloniales, el mestizaje que le da fuerza a su propia creación simbólica.
Roberto Gavaldón acusa la aceptación de que, por más que el protagonista sea generoso y convide lo que ha reservado en codicia, por más que busque el engaño, la burla o la ausencia, la muerte aparece al final para concluir su encargo. Macario, encarnado en la soberbia actuación de Ignacio López Tarso, solicita a su esposa, interpretada por la poeta y actriz Pina Pellicer, el egoísta y quejoso deseo por comerse un guajolote (pavo) para sí solo, después de tener que compartirlo con sus varios hijos, a partir de esa ida al campo, se suceden una serie de acontecimientos que hacen de la película un mosaico de mexicanidad único.
Macario | Dir. Roberto Gavaldón | México, 1960
Macario encuentra al diablo, a dios, y a la muerte, quienes le solicitan les comparta un pedazo a cambio de diversas compensas, él acepta pactar con la muerte por la compasión de verle desvalida en el peso. A cambio de su solidaria acción, recibe el don de saber dónde podrá y no podrá aparecerse la muerte en los enfermos y en los sanos al mismo tiempo, y de esa manda, Macario recibe insospechados y provechosos beneficios, que le llevarán a un final angustioso, lleno de velas que representan vidas, una de ellas la de él que se agota como se agotan todos con el tiempo.
Con un guión basado en el relato de B. Traven, Macario fue la primera película mexicana nominada al Premio Óscar a Mejor Película Extranjera, e igualmente nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes donde resultó ganadora de Mejor Fotografía para Gabriel Figueroa. Gavaldón rescata la dualidad del México rural y el urbano, con las creencias y cosmovisiones mestizas, tal como hiciera en otras de sus cintas, en especial El Rebozo de Soledad 1952 por citar un ejemplo. En Macario, Gavaldón retrata la sociedad mexicana, con referencia a la colonia, pero sin dejar de hacer puntilla de la dual realidad que el México aspirante al urbanismo vivía.
De esta manera, tras los dejos revolucionarios y post revolucionarios del México de mediados de siglo, con sus temas pendientes y un incierto devenir de velas encendidas en las grutas y en la expectativa de su relación con la muerte, la película logra el cometido se volverse atemporal. Macario sigue siendo un referente en diversas plataformas para celebrar desde el cine el Día de Muertos, y se ha convertido en un clásico referencial de la cosmovisión del mexicano.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Celebramos a todos aquellos médicos que se preparan para ofrecer sus conocimientos en beneficio de la humanidad, cualquiera que sea su grado de especialización, sin duda, la mejor de todas es el trato que le brindan a sus pacientes.
¡Gracias a todos los médicos en su día!
Tienen fama de galanes, rompe corazones y tiernos, pero sobre todo grandes seres humanos.
Aquí algunos de ellos…
– DR. YURI ZHIVAGO | Omar Shariff
Doctor Zhivago
Dir. David Lean | Estados Unidos 1965 | Basada en la novela homónima escrita por Borís Pasternak
DR. ALBERTO ROBLES | Arturo de Córdoba
El Rebozo de Soledad
Dir. Roberto Gavaldón | México 1952
DR. JOHN FRANCIS XAVIER «Trapper John» McINTYRE, DR. AUGUSTUS BEDFORD»Duke» FORREST y DR.BENJAMIN FRANKLIN «Hawkeye» PIERCE
Elliot Gould, Tom Skerrit, y Donald Sutherland
MASH | Dir. Robert Altman , Estados Unidos 1970
DR. BOCK | George C. Scott
The Hospital
Dir. Arthur Hiller | Estados Unidos, 1971
– DR. MALCOM SAYER | Robin Williams
Awakenings
Dir. Penny Marshall | Estados Unidos, 1990
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DR. MATTHEW CLARK | Burt Lancaster
A Child is Waiting
Dir. John Cassavetes | Estados Uniodos 1963
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DR. HUNTER «Patch» ADAMS | Robin Williams
Patch Adams
Dir. Tom Shadyac | Estados, Unidos, 1998 | Basada en la novela Gesundheit: Good Health is a Laughing Matter, de Adams y Maureen Mylander
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DR. SALVADOR MEDINA | Mario Moreno «Cantinflas»
El Señor Doctor
Dir. Miguel M. Delgado | México, 1965
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DRA. MICHAELA QUINN «Dr. MIKE»
Dr. Quinn, Medicine Woman
Serie creada por Beth Sullivan | Estados Unidos, 1993-98
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DR. GREGORY HOUSE
House. M.D.
Serie creada por David Shore | Estados Unidos, 2004 – 2012
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DR. APOLO ATANACIO
Médico real, de carne y hueso.
Cine y salud | Filmakersmovie.com | Chinaco Broadcasting
Médico que combina el cine y la medicina a través de cortometrajes y artículos.
Christopher Nolan explora desde su fuerza visual, nuevas formas de plasmar las imágenes en movimiento mediante la innovación del guión cinematográfico que posiciona la emotividad por encima del sentimiento, y que de alguna forma, logra conectar la intensidad de los sucesos con lo sensible, para hacer de la oscuridad ominosa y a la vez expectante de la salas de cine, una luz de asombro y expectativa constantes al proyectarse su obra. Desde que “El Seguidor” 1997 emergiera en los circuitos de culto a finales de la década de los 90, el acecho por cada nuevo proyecto del director nacido en Westminster, Inglaterra en 1970, quedaría de manifiesto con la obra maestra que dejaría su nombre en legado permanente -“Memento”- 2000, obra temprana y cumbre que revolucionó la estructura narrativa y la dirección con audacia cinematográfica, capaz de generar debates explicativos desde su trama, como lo hiciera en el amanecer del nuevo siglo la cinta “Mulholland Drive” 2001 del maestro David Lynch.
Christopher Nolan | Foto: thecinematic.com
Nolan logra proponer nuevas formas de expresar el ímpetu visual del cine, enmarcadas en la fascinación del impacto creativo, y al mismo tiempo de generar una audiencia que acude a sus cintas más por el propio Nolan que por el reparto o la historia, casi todas sus películas han tenido efecto de atracción en la taquilla y la unánime aclamación de la crítica y premios consecuentes. Su nombre se une al de otros directores que a lo largo de la historia, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, George Lucas, Steven Spielberg o Quentin Tarantino, por mencionar algunos, han logrado ser una marca registrada no sólo de audiencia o reconocimiento, sino desde un punto de vista mercadológico, que hace de sus piezas un acontecimiento, una experiencia ineludible para disfrutarse en la más grande pantalla posible de cualquier complejo.
En “Interestellar” 2014, Ópera espacial y destino manifiesto, espacio y tiempo relativos en la inmensidad del universo, agujeros negros, dimensiones planetarias y horizontes de sucesos, cohabitan la lírica cinta que Nolan ofrece como un viaje necesario, impostergable y a la vez íntimo. La misión ineludible de la humanidad por hallar un hogar cuando ésta haya terminado con el mundo que nos convoca y al que lentamente consumimos, representa la comanda loable y el renacer de la conquista de territorios no explorados a los que se ha temido volver una vez concluida la Guerra Fría en plena globalización. “El Gran Truco” 2006, ahonda una constante en Nolan: la obsesión. Una rivalidad creativa, constante y a la vez leal hacia los rivales, comprende el éxito y el fracaso, la gloria y la tragedia ambientadas hacia finales del Siglo XIX, cuando la Revolución Industrial en sus dejos y el Colonialismo en sus ambiciones, han dejado el escenario propicio para incentivar inventos y de creaciones la competencia.
Uno de los principales retos de un cineasta que aboga por ser original y presentar ideas revolucionarias, innovadoras o inquietantes, es no ceder ante la tentación de una industria que seduce mediante presupuestos y posibilidades difusoras, a los directores con ansia de difundir su arte. Los siguientes sellos tienen relación con esta premisa, aunque con la afortunada y no siempre común resolución a favor del creador. El director explora las motivaciones como disyuntiva y las posibilidades del heroísmo como una carga cuyo peso radica en la visibilidad de la bondad en una ciudad cubierta de sombras, las sombras del mal, de la violencia y la ambición, características de la urbanidad, el poder y la avaricia fundidas en la noche.
Quizá la mayor sorpresa que haya causado hasta el momento la elección de proyectos del director británico no haya sido propiamente “Batman Inicia” 2005 sino “Insomnio” 2002, un remake que encendía alarmantes señales a las luces de la originalidad mostrada por Nolan en sus primeras cintas, las cuales habían dado a su lente unánime prestigio.
Alaska es el paraje donde conviven el blanco de la nieve y el rojo de la sangre derramada por accidente, en la persecución misma del criminal por el que se inicia la trama y el delito no admitido por el detective que se ha pasado de incriminador a culpable en la búsqueda del asesino, quien al medio de este juego del destino, se ha convertido en testigo del infortunio. El insomnio será ahora la nueva compañía, la dubitación entre asumir el accidente por el que ha muerto su compañero y atrapar al criminal, osarán la débil línea que separa el accidente de lo intencional.
“El Origen” 2010 es la película más compleja del director desde su variopinta construcción cinematográfica, una sinfonía compuesta por enfáticas secuencias a tiempo y a destiempo entre personajes y lugares de forma simultánea, ya sea entre sueño y realidad o entre imaginación y fantasía, ofreciendo en este sello una apuesta por la indefinición, donde la inserción de una impronta que no fenece o la implantación de una idea que sí genera, conforma una espiral que abre dimensiones y perspectivas. Hans Zimmer, compañero de Nolan, quien capta con total empatía la intencionalidad sonora del director británico, acompasa los sucesos con una música extraordinaria, cimentada en la cresta por la canción Non,je ne regret rien en voz de Edith Piaf, caracterizada en “La Vida en Rosa” por la misma Cotillard, y cuya duración 2 minutos 28 segundos, coincide la numeralia de la cinta, 2 horas, 28 minutos. “El Origen” integra dos universos que gravitan la dual órbita de Christopher Nolan: la imaginación como alternativa de la realidad y la idea como alternativa de los sueños.
En “El Caballero de la Noche” 2008, la muerte inesperada como antesala de una actuación memorable, el emotivo adiós a un actor entregado a la posteridad de su talento como legado, y una representación vívida, emocional y profundamente explorada del súper héroe, no desde sus causas y consecuencias sino desde sus circunstancias, llevaron a “El caballero de la noche” a dar verosimilitud, continuidad y enlace a la trilogía de Nolan sobre Batman, como un interludio único, desbordante y magistral. Estrenada tras el duelo sorpresivo en el público por el aparente suicidio de uno de los más prometedores y confirmados talentos de su generación, Heath Ledger, en la que sin duda es la mejor actuación que haya visto el celuloide de Nolan a lo largo de sus ya diez cintas, “El Caballero de la Noche” es una perturbadora y reflexiva inquisición desde la confrontación ético moral ante el discernimiento que conlleva la bifurcación de dos caminos y la dualidad de una moneda lanzada al aire. La tensión y el suspenso envuelven a los personajes que dubitan cada toma de decisión, donde la maldad obliga desde los contextos y la bondad se muestra como una debilidad más que como una fortaleza incólume, el ser humano es llevado al límite de las alternativas y sus escasas opciones, la exploración de los rincones de la maldad en lo bueno y de lo bueno en la maldad, son algunas de las caleidoscópicas temáticas que hacen de esta segunda entrega de la trilogía, una cinta fundacional del género de súper héroes.
En “El Caballero de la Noche Asciende” 2012, Nolan concluye su trinomio épico a través de un mensaje que resultó un tanto polémico, como aterrador fue el entorno de su estreno luego de un tiroteo de supuesta inspiración en la oscura maldad de esta saga. Una crítica social, un villano que atisba la repartición inequitativa de la riqueza pero en la concentración de poder, un alegato político que enfunda las causas y las consecuencias del heroísmo y la inmolación del héroe, convergen para dejar un final abierto que acusa la bondad y la persigue, pues los tintes de la percepción cambian dependiendo de dónde se mire. Finalmente “Dunkerque” 2017, generó desde su anuncio como proyecto una expectativa punzante que fue confirmada tras las reveladas escenas de sus avances, donde una tripulación aglomerada en un pequeño buque, giraba la mirada hacia el cielo en angustia, el sonido de la amenaza se aproxima y el estupor de lo que vendrá dejaba su proclama en suspenso. Aunado a dicha secuencia, así como a un elenco en secrecía de complicidad creativa, rumores y ansias acrecentaron el interés por ver lo que el director resguardaba desde sus expresos deseos por filmar una película de guerra, el resultado: una obra impactante que celebra el décimo sello de su filmografía.
Aunque la batalla acontecida durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial fue llevada al cine por Leslie Norman en 1958 con un cuadro de lujo encabezado por Richard Attenborough, “Dunkerque” no es propiamente un remake sino una nueva forma de contar la historia, una película que desde ya, ocupa un lugar de privilegio en el cine bélico de nuestro tiempo. Nolan despliega su talento mediante la dirección de un portentoso equipo técnico que coreografía una poética obra maestra. Si sus cintas innovadoras son admiradas, sus películas de ciencia ficción éxitos de taquilla y sus versiones fantásticas aclamadas, “Dunkerque” como su primera cinta histórica, no sólo se encamina hacia todas las cualitativas calificaciones anteriores, sino quizá finalmente, a la premiación del director como un merecido reconocimiento a quien ha logrado aportar al cine, una propia visión estética, poética y emocional.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Series maratoneadas NO son las más vistas de la plataforma.
Por: Netflix
Netflix ha cambiado la forma en la que el mundo disfruta las historias: los espectadores pueden verlas cuando, donde y como quieran, al paso que prefieran y, al hacer esto, han creado un nuevo tipo de fanáticos: los supermaratoneros. Lograr en un día lo que a otros les toma semanas es la misión de los supermaratoneros, quienes aspiran a ser los primeros en terminar una serie, y ven una temporada completa en menos de 24 horas a partir de su momento de lanzamiento 1.
En total, 8.4 millones de miembros2 han elegido maratonear alguna serie en Netflix y lo único más veloz que su forma de ver televisión es el crecimiento del comportamiento en la plataforma. Entre 2013 y 2016 la cantidad de personas que termina una temporada el día de su lanzamiento creció más de 20 veces 3.
Y, antes de asumir que todos los maratoneros son ermitaños que no se levantan del sillón, deben saber que para estos superfanáticos la velocidad a la que pueden ver un programa es un logro del cual pueden sentirse orgullosos.
BrianWright, VP de Series Originales | Netflix
«Para nuestros miembros, terminar una serie —sin importar a qué velocidad lo hagan— se ha convertido en una insignia de honor, una fuente de orgullo», dijo Brian Wright, vicepresidente de Series Originales. «Netflix te permite ver el contenido de una forma que antes era imposible, y es increíble ver cómo un programa los engancha y despierta su pasión por verlo».
Ya sea por el amor que le tienen a una serie en específico (cinco miembros en Estados Unidos han maratoneado las cinco temporadas de House of Cards en su día de lanzamiento) o por el amor que le tienen a muchas series (un miembro de Francia ya ha maratoneado 30 series en lo que va del año), los espectadores están abrazando esta nueva forma de fanatismo en todo el mundo. Sin embargo, el lugar en el que viven estos supermaratoneros (pista: en todo el mundo) y qué están eligiendo ver (pista: de todo), podría sorprenderte.
Programas de todo tipo, género y formato despiertan el instinto maratonero. Claro, las comedias de 30 minutos como Santa Clarita Diet, GLOW yThe Ranchse pueden ver más rápidamente, pero algunos thrillers de una hora comoStranger Things, House of Cardsy Orange is the New Black, o anime, como The Seven Deadly Sins, son consumidos con fervor también.
Gilmore Girls: A Year in the Lifetiene la mayor cantidad de maratoneros globales a 24 horas de su debut (culpamos al café); pero el primer lugar de la lista varía según el país: Club de Cuervos quedó en primer lugar en México, Fuller House es el rey supremo en Ecuador y Marvel – The Defendersse corona triunfador en Corea. México además tiene el porcentaje más alto de supermaratoneros para las series Club de Cuervos e Ingobernable.
Hay maratoneros viendo series velozmente en busca de la gloria en todo el mundo, pero Canadá es quien tiene el más alto porcentaje de miembros que las acaban en menos de 24 horas (culpamos a la nieve).Los mexicanos no se quedan atrás: son el país con mayor número de supermaratoneros en América Latina y el número 7 en la lista global:
“Dunkerque” generó desde su anuncio como proyecto una expectativa punzante que fue confirmada tras las reveladas escenas de sus avances, donde una tripulación aglomerada en un pequeño buque, giraba la mirada hacia el cielo en angustia, el sonido de la amenaza se aproxima y el estupor de lo que vendrá dejaba su proclama en suspenso. Aunado a dicha secuencia, así como a un elenco en secrecía de complicidad creativa, rumores y ansias acrecentaron el interés por ver lo que el director resguardaba desde sus expresos deseos por filmar una película de guerra, el resultado: una obra impactante que celebra el décimo sello de su filmografía.
Dunkerque | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2017 | Internet
Aunque la batalla acontecida durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial fue llevada al cine por Leslie Norman en 1958 con un cuadro de lujo encabezado por Richard Attenborough, “Dunkerque” no es propiamente un remake sino una nueva forma de contar la historia, una película que desde ya, ocupa un lugar de privilegio en el cine bélico de nuestro tiempo. Pero antes de comentar esta nueva oferta en la exclusiva relación de los Estudios Warner con Nolan, y que bien vale disfrutar en la mejor sala de cine posible.
“Dunkerque”, décima cinta en el canon cinematográfico de Christopher Nolan, conmemora un momento crucial de la Segunda Guerra Mundial, un instante definitivo de resistencia, aplomo y solidaridad, en los más tensos intervalos de retroceso, invasión y derrota que sufrían los ejércitos aliados. Amén del suceso histórico que fuese llevado al celuloide en 1958 por Leslie Norman, Nolan presenta su propuesta narrativa desde una concatenación de sucesos heroicos, enmarcados en el acontecimiento histórico que detonó en parte una segunda etapa de la guerra. Varios elementos del cine clásico de guerra que tuviera su auge justamente durante la Segunda Guerra Mundial y en los años posteriores a ella, aparecen en la película, la causa manifiesta, el heroísmo de los protagonistas, el sacrificio y la inmolación del regimiento, el enemigo indolente, el sentido patriótico y propagandístico de los sucesos, los discursos políticos y la crueldad reflejadas con suma realidad en las batallas, destacando la valentía de soldados británicos y franceses, así como de los voluntarios inmersos en la batalla al unísono de bombardeos y metrallas.
Dunkerque | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2017 | Internet
“Dunkerque” es una proeza de la cinematografía desde su manejo de los tiempos narrativos y visuales, donde los recuerdos del pasado y presente se conjugan para resaltar la importancia del acto, y el reconocimiento en conmemoración de los caídos y sobrevivientes del hecho histórico. Desde que inicia hasta que termina, la película no da tregua, ni siquiera en los silencios de sus personajes encarnados por un coral elenco encabezado por el joven Fion Whitehead y los experimentados Kenneth Branagh, Cillian Murphy (el ya citado fetiche del director) Mark Rylance y Tom Hardy entre otros. La banda sonora de Hans Zimmer alienta el sonido de las manecillas del reloj que avanzan como avanzan los aviones que surcan los cielos, los torpedos que hunden los buques y la tierra que ve sucumbir a regimientos ante los estallidos.
La duda y la suspicacia ante el propio aliado, el temor de volver a la guerra en quien la ha vivido y de quien avanza hacia ella sin uniforme pero con un ideal a cuestas, la gallardía de un comandante y su convicción por auxiliar al aliado a pesar de la muerte como amenaza, el honor de un piloto hasta aterrizar con dignidad su caza, y el instinto de supervivencia de los jóvenes soldados, hacen de esta película un artístico y solemne homenaje como vestigio. La derrota es mostrada como la unificación que inspiró continuar la guerra a pesar de las tendencias poco alentadoras en esa etapa del conflicto, y para asirse a ese objetivo, Nolan despliega su talento mediante la dirección de un portentoso equipo técnico que coreografía una poética obra maestra. Si sus cintas innovadoras son admiradas, sus películas de ciencia ficción éxitos de taquilla y sus versiones fantásticas aclamadas, “Dunkerque” como su primera cinta histórica, no sólo se encamina hacia todas las cualitativas calificaciones anteriores, sino quizá finalmente, a la premiación del director como un merecido reconocimiento a quien ha logrado aportar al cine en cada una de sus cintas, una propia visión estética, poética y emocional.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Ha sido una larga noche de brazos alzados, de máquinas en movimiento, del silencio que anhela escuchar palabras de vida, de escombros que van de mano en mano, de generosidad vertida en los acopios; una larga noche de solidaridad donde el día se ha hecho y no sobran los esfuerzos compartidos desde todas las trincheras posibles. Ha sido una larga noche donde fuimos uno, y ante el cansacio de las horas, llegaba el continuo aliento de otras manos, de lágrimas alegres que brotan al escuchar los aplausos que indican el rescate de una nueva vida. Ha sido una larga noche de muchos días que vendrán, donde seguirá necesitándose la ayuda y con ella la señal inequívoca de que la esperanza habita.
En estos tiempos donde la tierra tiembla, la lluvia ahoga y azota el viento, bien vale escuchar la voz de la natura y mirarnos en la otredad que nos conforma, así, desde esa mirada que nos refleja, desde esa mirada que nos conforta, darnos cobijo, regazo y aliento, darnos en un mar de abrazos a cada momento.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Escribo con el privilegio de vivir, después de una tragedia como la que se vive en México, un temblor que sacude nuestra frágil y vulnerable existencia. NO lo sentí como lo sintieron muchas de las personas que quiero y que viven en la ciudad de México y en Puebla padeciendo primero el sonido de la alarma sísmica, que si bien, te alerta del movimiento de la tierra te hace esperar y después la tierra se mueve como si respirará y quisiera expresar algo, de esa respiración nos movemos todos y todas y todo lo que hay en ella, los edificios se descolocan, se vuelven trampas en donde quedan las cosas de quienes la habitaban, las personas que esperaban que este movimiento no hiciera caer la casa que los guarece y ahora se vuelve en trampa mortal.
Todas y todos nos volvemos en esa fracción de segundos víctimas de la naturaleza, y que nos llama, el temblor que sucedió y cae en la remota posibilidad de que fuera el mismo día de 1985. Después de este movimiento de la tierra viene una inquieta y terrible calma, aquella calma de la que no quieres jamás volver a experimentar, la alarma ha parado, el temblor ha terminado y ahora yacen en la tierra los cimientos de edificios y en ella la gente que permaneció en estos. Te sientes impotente, buscas entender que acaba de suceder, tu vida te paso en fracción de segundos pensaste a momentos que la librabas, y en otros que aquí sería el final de tu vida.
Los temblores nos mueven y hacen reaccionar a unas y a otros de manera tan distinta, hay quienes gritan, o quienes intentan razonar sobre el suceso, o culpan a unos y a otros, pero los hay los más quienes salen a ver por los suyos, y otros por todos y todas. En este momento todas las personas nos volvemos uno en la inmensidad de un tragedia que necesita la acción y reacción para rescatar, apoyar y ayudar; solidaridad que el temblor no cimbró, cimbrará otras cosas, a momentos el ánimo y en otras ocasiones la esperanza. La solidaridad no tiene fronteras, no conoce de clases, de razas, de religión de etnia, de discapacidad, de edad, nos volvemos parte de esta incertidumbre que siempre ha estado presente solo que ahora se hace evidente.
Ya nada será igual, no para quienes experimentamos esta sacudida, no para quienes vieron el sufrimiento, la desesperación, pero también la valentía de quienes arriesgan todo y nada, de quienes traen víveres, de quienes buscan entre los escombros, entre quienes hacen los recorridos a pie y mantienen a las personas informadas, de quienes desde las redes se movilizan para dar a conocer la lista de las personas que están en el hospital.
Nos preocupa ahora la inevitable recuperación de una sociedad que se sacudió, pero de las personas, hombres, mujeres, niños y niñas que lo perdieron todo porque nos faltan las personas que murieron, el patrimonio que construimos, la ciudad que conocimos.
¿Qué sigue? Levantarse ante un estrés evidente, suenan las alarmas de los coches y nos ponemos en alerta, vemos gente correr y nos sacude el miedo pero toca reconstruirnos, animarnos, solidarizarnos y apoyarnos, pensando que podemos hacer de esta tragedia una gran oportunidad para la unidad, una unidad no superficial, correosa o endeble, sino una unidad pensando en nuestras diferencias pero con miras en lo profundo, en la esencia de lo que nos hace profundamente humanos y humanas. Buscamos la trascendencia y este es un momento para reconsiderar nuestras trayectorias, nuestra vida como hasta hora la conocemos pero con gran potencial por transformar nuestra realidad y la de otros, es la actitud, es la convicción es la espiritualidad más allá de credos.
Hace una semana nos reuníamos en marcha, indignantes por los feminicidios, Mara nos congregaba en solidaridad para reclamar y dar un basta, no olvidemos con este temblor las grandes injusticias de las que somos participes con nuestra indiferencia busquemos la manera de actuar, de transformar el mundo en el que vivimos, no se necesitan grandes hazañas. Hemos visto el heroísmo de quienes regalan sus tamales, de quienes donan su mercancía, de quienes salen a buscar a pesar de la lluvia.
Que nos mueva el corazón, en el sentido más personal de que lo que vemos nos duele, nos conmueve, nos afecta de que somos parte de esto y del todo, necesitamos ahora y siempre creer que nadie hará lo que a mí y a cada una y uno de nosotros nos toca hacer, contribuir para que mi entorno sea mejor que antes, mejor en lo espiritual y en lo material y que somos cuerpo y alma para los demás. Trabajemos y busquemos que en medio de estas sacudidas hagamos en conciencia lo que nos toca hacer- vivir para que todos estemos mejor, que la justicia no sea un término trillado, que la libertad no este secuestrada y la fortaleza nos sostenga. Vivimos solo esta vida y hay que intensamente aprovecharla, ¿tú que estás haciendo?
Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, es Doctora en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.
Veo a un México unido en la esperanza, en medio del dolor, de la angustia, el temor y la incertidumbre.
En cada testimonio, en cada nota, en cada puño cerrado en lo alto, conocemos una de las miles de historias que se cuentan sobre los huracanes sociales, meteorológicos y los sismos de septiembre…de todo el año, y los años que nos anteceden.
Y después ¿seguiremos unidos? ¿Nos preocuparemos del otro? ¿Del que no tiene casa, del que no tiene trabajo, del que no ha vuelto a casa, del que quiere estudiar, del que no puede cruzar la calle, del que no tiene qué darle de comer a sus hijos porque no le alcanza, del que quiere hacer sus sueños realidad?
La Madre Tierra nos habla, no olvidemos que estamos de paso, y que sólo los árboles y las montañas son las que reverdecen, y quien verdaderamente es dueña de este suelo es ella.
México es un país rico, poderoso, lleno de historia, de naturaleza, con más gente buena que le ama y respeta.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Productora Audiovisual y cinematográfica, diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
#SinManualParaVivir, documental como herramienta de transformación social
Karen Dueñas es una guionista y realizadora audiovisual colombiana que desde hace 5 años radica en Buenos Aires.
En el mes de mayo (2017) comenzó la travesía de realizar un documental en Bolivia, con el apoyo de Patoneando, blog de viajes y la productora audiovisual argentina Terciopelo Rojo Films. El objetivo fue crear una película sobre la importancia de la reflexión para llegar al empoderamiento.
“Hace un año hice un viaje a Bolivia después de haberme separado de una relación de violencia doméstica y descubrí, a partir de la posibilidad de viajar sola, mi propio poder de reinvención y empoderamiento.
Al volver a Buenos Aires sentí la necesidad de realizar una película documental que hablara sobre ese poder. Entonces se dio que Lina de Patoneando blog de viajes, una amiga de infancia que hace 4 años renunció a toda su estabilidad para irse a recorrer el mundo me contactó porque quería retratar su viaje alrededor de Sudamérica. Junto a ella, y con el apoyo de Terciopelo Rojo Films, decidimos filmar el documental.”
Karen Dueñas
La importancia de este film es documentar la reflexión y el camino hacia el empoderamiento, como una herramienta de transformación social que pueda ayudar a otras personas. En un inicio este film lanzó una campaña de crowdfunding pudiendo realizarse con los aportes de las muchas personas que creyeron en el proyecto.
Ahora, en su etapa de post producción, se lanza una nueva campaña de crowdfunding para que más personas puedan ser parte de esta iniciativa documental.
El apoyo entre “realizadores”, así como entre “audiencia y realizador”, es vital para la creación, desarrollo y difusión de filmes honestos y sensibles que sin el respaldo de la industria comercial tiene el propósito de llegar con su mensaje al público, aportando en su día a día, hombres y mujeres que encuentran en el cine íntimo y de autor, un refugio en medio de la saturación de historias que poco enriquecen el alma y que sólo benefician a los grandes estudios.
“¿Qué pasa si creamos juntos este documental? ¿Si llevamos un pedacito de cine a lugares donde de otra forma no llegaría?” (Texto extraído de lavaquinha.com)
Todas y todos podemos ser parte de la culminación de #SinManualParaVivir, guía, acompañamiento, dosis de realidad para reconocernos y reconocer lo que otras personas, en cualquier lugar del mundo, viven y quieren decir.
Le deseamos una gran campaña a Karen y todo el equipo, esperando pronto poder ver terminada esta travesía que buscará dar sus pasos entre la audiencia.
Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural. Productora Audiovisual y cinematográfica, diseñadora publicitaria. Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.
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