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MEMORIA: CANNES desde Cannes

Temas, contextos y entornos del prestigiado festival

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Fundado en 1946, el Festival de Cine de Cannes, quizá el más prestigioso festival de cine del mundo, se ha convertido en un encuentro cinematográfico que comenzó como una muestra internacional de películas, prosiguió como una oferta de cine innovador, palestra del cine de denuncia y del realismo político, hasta desembocar, como casi todos los festivales de alto calibre, en el glamour y las negociaciones que hacen de cada edición un encuentro entre el arte y la industria de la distribución. Para la edición 71, la polémica no atendió tanto a la cinta ganadora de la Palma de Oro, máximo galardón otorgado durante el certamen, y que fue otorgada a la película japonesa “Shoplifters” de Hirokazu Kore-Eda, como a los vericuetos que previo al festival, derivaron en un debate irresoluble entre el cine clásico destinado a las salas de cine, y el dirigido a las salas de los hogares o dispositivos personales que atienden a la exposición de plataformas y contenidos audiovisuales.

Lo anterior nos recuerda el documental “Room 666” de Wim Wenders, quien a principios de los años ochenta, justo en la cita de la costa mediterránea, vislumbraba el debate entre el cine clásico, el que defendían los artistas consagrados y el cine proyectado en televisión o en videocaseteras. Aquél debate incluía testimonios a modo de confesión de directores que vislumbraban desde distintas aristas el futuro del cine, donde directores como Jean-Luc Godard, Reiner Werner Fassbinder o Steven Spielberg, dan su punto de vista.

Curiosamente, más de treinta años después, el propio Spielberg defiende el cine clásico destinado en primera instancia a las grandes pantallas, mientras otros directores optan por las nuevas plataformas de difusión de su material creativo. Como consecuencia del debate en la presente edición, la plataforma Netflix retiró sus películas, incluida la cinta “Roma” de Alfonso Cuarón.

Esta decisión, no exentó a México de participar en diferentes espacios durante el Festival, incluyendo la muestra remasterizada de la galardonada “María Candelaria” de Emilio “El Indio Fernández” (De quién recién se estrenó un documental) de 1943 que resultó premiada en aquella mítica edición de 1946 que celebró una Palma de Oro coral. Obra maestra de Emilio Fernández (una de las varias que posee su registro) pieza clave en la denominada –Época de Oro del Cine Mexicano-. “María Candelaria” 1946 también conocida como “Xochimilco”, extraordinariamente fotografiada en blanco y negro por el maestro Gabriel Figueroa, es un intenso drama que retumba los ecos de la mexicanidad dibujada por el México Post Revolucionario. Situada en los albores del siglo XX, antes de la Revolución Mexicana, en pleno porfiriato, “María Candelaria” narra su tragedia de amor, odio y destino a través de una pintura, el lienzo de una mujer indígena de cuyo pasado el autor no quiere hablar, quizá porque el pincel con el que ha coloreado sus labios carmesí, lleven la sangre misma de la historia.

El Festival de Cannes ha visto consagrarse a varias cintas representativas de todo el orbe que se han alzado con la codiciada “Palma de Oro”, películas como “Roma Cita Apertta” Roberto Rossellini, “Brief Encounter” David Lean , “The Lost Weekend” Billy Wilder, “The Third Man” Carol Reed, brillaron en los años cuarenta; “Miracolo a Milano” Vincente Minelli, “Marty” (También ganadora del Premio Óscar) Delbert Man, “Black Orpheus” Marcel Camus, impactaron los años cincuenta.

Las siguientes dos décadas traerían reconocimiento a películas como “Viridiana” Luis Buñuel, “Il Gattopardo” Luchino Visconti, “Las Sombrillas de Cherburgo” Jaques Demy, “Un homme et une Femme” Claude Lelouch, “Blow-Up” Michelangelo Antonioni, “La Dolce Vita”, quedaron grabadas para la posteridad en la historia de la cinematografía universal, como esa es sin duda la enorme, brillante y evocadora secuencia que muestra a la bella Anita Ekberg al interior de la Fontana de Trevi, donde Lo sagrado y lo profano habitan una misma ciudad, para Fellini este combo de juramentos, deidades y personalidades, ofrecen una sátira social y la irónica visión del imaginario italiano y europeo de la época.

Los años setenta vieron consagrarse a películas como “Mash” Robert Altman, “Die Blechtrommel” de Volker Schlondorff, “Taxi Driver” Martin Scorsese, “The Conversation” y “Apocalipsis Ahora” de Francis Ford Coppola, una pieza de arduo trabajo creativo y artístico, que derivó en un doloroso y apasionante viaje fílmico a su director, una lograda visión del dolor, de la incomprensión, de la desesperación y de las atrocidades de una guerra que marcó a una generación.

En los años ochenta, el Festival de Cannes albergó nuevas realizaciones y optó por abrirse al cine alternativo de jóvenes propuestas mezclando reconocer a directores consagrados, “Missing” Costa Gravas, “When father was away on business” Emir Kusturika, “Sex, Lies and Videotape” Steven Soderbergh, “Kagemusha”, que se convirtió a sí misma como un renacimiento del imaginario maestro Akira Kurosawa, y “París Texas” de Wim Wenders, basada en una obra del enorme Sam Shepard, que cobija la pista de las razones, de las causas y consecuencias, el viaje por cada rincón de un contexto desolador, aguarda la esperanza de que pueda recuperarse lo querido.

La última década del siglo XX, presentó alternativas sugerentes y a la vez perturbadoras para muchos, “Barton Fink” de los hermanos Cohen, “Farewell my Concubine” Chen Kaige, “The Piano” Jane Campion y el serial de historias entrelazadas por el destino, los tiempos y el espacio caprichoso de encontrarles desde la óptica de sus personajes en “Tiempos Violentos” de Quentin Tarantino, así como “El Sabor de las Cerezas” de Abbas Kiarostami, que hace un viaje a la interioridad desde los senderos que se adentran en la espiritualidad como una búsqueda del sentido a la vida y a la muerte, hacen de una de las más profundas y evocadoras cintas de los años noventa, obra magnífica, estremecieron a las audiencias en los noventa.

La llegada del nuevo milenio, continuó la senda de películas que apelaron a la reflexión y a la agitación de consciencias de modo contrastante, dejando las decisiones del espectador al libre albedrío, “Dancing in the Dark” Lars Von Trier, “Elephant” Gus Van Sant o “4 Months, 3 Weeks and 2 Days” Cristian Mungiu dan cuenta de ello; para después, en la década presente, atestiguar un cine vanguardista que lo mismo juega con la ilusión, el absurdo y la cosmovisión de las culturas en el mundo, que con la realidad económica de una sociedad que a nivel global enfrenta retos complejos, “The Tree of Life” Terrence Mallick, “Amour” Michael Haneke, o “I, Daniel Blake”, son resultado de esa nueva faceta en el festival.

Directores como Cecil B. DeMille,René Clément, Ingmar Bergman, Francois Truffaut, Robert Bresson, Sergei Yutkevitch, Glauber Rocha, Ettore Scola, Yuliya Soltseva, Werner Herzog, Wong Kar Wai, Pedro Almodóvar, Eward Yang, Paul Thomas Anderson o Carlos Reygadas entre otros, han visto reconocida por el jurado anual su obra, y legado la oportunidad de abrir espacio en la distribución internacional de la misma.

Esta edición 71 del Festival y su debate generado entre las diversas opiniones que gravitan las dimensiones de las pantallas, formatos e intenciones, nos dará material para debatir en nuevas ediciones, sin negar que, más allá de las películas que compiten o se muestran, el festival sirve también como un ágora para discutir temas que conciernen no sólo a los realizadores, sino también a sus audiencias, veremos si el debate de este año se convierte en una fundacional argumentación para cualquiera de los expresados argumentos.  El debate que directores como Christopher Nolan y Steven Spielberg, francos herederos del cine secuencial y destinado a la gran pantalla en una estructura narrativa exponencial y éxito comercial que tuviera Alfred Hitchcock, han abierto y continuado al respecto a la nomenclatura y clasificación del cine y de las películas en sí, nos da para abordar a fondo una profunda reflexión de la teoría cinematográfica.

La edición número 71 no sólo dejó películas de gran calibre como “Everybody Knows” de Asghard Fahardi, “BlackKklansman” de Spike Lee, que recibió diez minutos de ovaciones,  “Cold War” de Pawel Pawlikowski, “Border” de Ali Abbasi, o “Capernaum” de Nadin Labaki, que han sido reconocidas y en las próximos meses veremos copar las salas de cine a nivel internacional ya sea de forma comercial o en las denominadas salas de arte; lo que ha dejado ha sido mucho más generoso y fundacional, ha legado un debate que prevalecerá en las teorías, definición y clasificaciones del cine y de las películas que le hacen ser y dan sentido.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINE Y LITERATURA, 90 AÑOS DEL PREMIO ÓSCAR. (II)

“Ben-Hur.”

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez

Lewis Wallace es uno de los grandes personajes estadounidense del siglo XIX, participó en la Guerra de Estados Unidos contra México en 1847, fue comandante en el Ejercito del Norte en la Guerra de Secesión librada en su país, años después fungió como Senador del Congreso, Gobernador de Nuevo México, no obstante, a pesar de su destacada trayectoria militar y política, Wallace es recordado y universalmente conocido por su faceta de escritor, su novela considerada una obra maestra de la literatura universal se titula: “Ben-Hur”.

La novela fue publicada en 1880 y tuvo un éxito inmediato. En 1907 se realizó la primera película sobre la novela en un cortometraje de cine mudo. En 1925 se volvió a llevarla a la pantalla grande todavía dentro del cine mudo, siendo el actor estelar el mexicano Ramón Novarro, pero sin ninguna duda, la película que logró consagrarse como un clásico del cine mundial es la producida en 1959 por Sam Zimbalist y dirigida por William Wyley. Esta producción fue premiada con el Oscar como mejor película y el protagonista estelar que representó a Ben-Hur fue el actor Charlton Heston.

Ben-Hur es un personaje ficticio que vivirá en el mismo contexto histórico cuando Jesucristo vivió en el mundo, e incluso bien puede decirse que la novela en el hecho histórico nos está narrando parte importante de la vida de Cristo, ejemplos: su nacimiento, la adoración y reconocimiento de los tres magos, la predicación de Juan el Bautista, los milagros que realizó Jesús como convertir el agua en vino, multiplicar los panes, finalmente su enjuiciamiento, crucifixión y muerte, en todos estos acontecimientos Ben-Hur será protagonista central.

En esta interesante mezcla de ficción con hechos históricos, Ben-Hur es un joven príncipe de origen judío, heredó una enorme fortuna de su padre Itamar Hur, quien había muerto dejando gran prestigio a la familia Hur compuesta por Ben-Hur, su madre y su hermana Tirza. El pueblo judío se encontraba conquistado y gobernado por el Imperio Romano. Roma era una ciudad politeísta y respetaba la creencia de los judíos que tenían y tienen en un sólo Dios.

Ben-Hur en su infancia convivió mucho con su amigo Messala de origen Romano, Messala se fue a educar a Roma y cuando regresó y platicó con su antiguo amigo, Messalla había cambiado mucho. Claramente se percibe que Messala representa el poder autoritario, ensoberbecido, la figura materialista, el poder corrompido, mientras que Ben-Hur representa al pueblo judío, es un hombre de fe, orgulloso de su raza, de su historia, respetuoso del Tora que es la ley de Dios para el pueblo hebreo.

Si bien Roma respetaba la fe de los pueblos que conquistaba, ejercía su Imperio de Gobierno a través de diversas autoridades que representaban al Emperador. Valerio Graco fue nombrado Procurador de Roma en las tierras hebreas, y el día de su triunfante llegada accidentalmente de la casa de Ben-Hur cayó un ladrillo que golpeó la cabeza del Procurador, el joven Príncipe fue detenido, lo enviaron como esclavo de galeote y a su familia la encarcelaron con la intención que todos murieran para que desapareciera la estirpe de los Hur.

Los principales operadores de semejante acto de barbarie contra la familia Hur, fueron el joven Messala, todo autorizado por el Procurador Valerio Graco. La fortuna de Ben-Hur pasó a ser propiedad de los dos personajes mencionados, con el paso de los años por acontecimientos muy fortuitos el joven Ben-Hur logró recuperar su libertad, se convirtió en un hombre rico, recuperó algunas propiedades y bienes que habían pertenecido a su padre, se hizo de amigos leales, y su principal propósito era saber si su madre y hermana vivían, recuperarlas y vengarse del traidor y cruel Messala.

Cuando Ben-Hur recuperó su libertad, también adquirió la nacionalidad romana, su padre adoptivo el marino Quinto Arrio le dejó a su hijo no sólo bienes materiales, sino prestigio, reconocimiento, admiración y posición, a partir de aquí empezará todo un drama épico en la novela donde aparecen gran cantidad de personajes como Simónides quien era el antiguo administrador del padre de Ben-Hur, la hermosa Ester hija de Simónides y personaje que desde el primer momento se enamora del príncipe judío, reaparece Baltasar de origen egipcio y uno de los tres magos que fueron 27 años atrás a adorar al recién nacido niño Jesús, Iras hija de Baltasar, joven guapa, astuta y perversa que pretenderá con sus encantos engatusar a Ben-Hur, otro protagonista central es Ilderin un árabe rico amigo y protector de Ben-Hur.

Reinstalado en sociedad, amado y apreciado, Ben-Hur participará en la famosa e importante carrera de cuadrigas, su principal rival es el odiado Messala. Ben-Hur con diversas estrategias hace que las apuestas se eleven y al final el soberbio Messala apostó todo su patrimonio, porque estaba seguro que un romano es mejor que un “¡perro judío!”. El episodio de la carrera en la novela es impresionantemente cautivador, el judío no tan sólo ganó la carrera, además, el joven romano quedó paralitico para toda su vida, y si hasta aquí la historia resulta fascinante, falta lo mejor por venir, porque el dinero ganado en la carrera, las enormes fortunas que tenían Ben-Hur, el árabe Ilderin, el admnistrador Simónides, se utilizará para el siguiente propósito.

En toda Judea se escuchaba que el Rey de los judíos había llegado, Ben-Hur y sus compañeros no sólo querían vengarse del perverso Messala, también buscaban liberar a su pueblo del yugo romano, todos estaban ilusionado con la llegada del nuevo Rey, creían fervientemente que sería tan grande como David, tan sabio como el Rey Salomón, el viejo sabio Baltasar le explicaba a Ben-Hur y a sus compañeros que Jesús no venía a construir un reino terrenal sino espiritual:

“¡–¡Oh, sí!  –respondió el egipcio –. Y aún soy de la misma opinión. Tal es la divergencia de nuestra fe. Tú esperas a un Rey de hombres; yo un salvador de almas.”

El argumento de Baltasar hoy en día es muy entendible, pero en aquel momento histórico era el menos lógico y aprobado, todos esperaban a un Rey políticamente poderoso, que les restituyera la libertad y convirtiera al pueblo de Dios en la nación más poderosa del mundo, donde reinara la justicia y la paz, por lo tanto, Ben-Hur se fue al desierto y empezó a armar un ejército para ponerlo a disposición de Jesús el nazareno quien sin duda será el nuevo Rey de los judíos.

La historia final de Jesús la conocemos todos, la de Ben-Hur falta mucho todavía por conocer, tal vez, sea de los primeros personajes ficticios convertidos al cristianismo…

Ben Hur

Dir. William Wyler

Estados Unidos, 1959

Trailer 1:51

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

El planteamiento de la historia: ¿Qué es y por qué es importante?

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Planteamiento significa plantear algo, que a su vez se define como la exposición o trazo de un problema, tema o duda; es establecer las bases para la solución de un conflicto. En el cine, el planteamiento de la película significa presentar los elementos de la historia y el camino hacia el que se dirigen.

Una historia al estilo ‘príncipe debe ir a rescatar a princesa’ presenta durante su planteamiento esta misión, para también el contexto donde se desarrolla el relato y los personajes que en él conviven; por ejemplo, quién es la princesa, quién es el príncipe, por qué es importante que él la rescate a ella, qué está en juego o qué se gana y qué se pierde de cumplir o no cumplir la misión, quiénes son los aliados, quiénes son los enemigos, etcétera.

En un relato cualquiera, literario, televisivo o cinematográfico, las tres partes básicas de la historia son planteamiento, nudo y desenlace. Cada uno tiene su función específica. El planteamiento ubica a la historia en un lugar y un tiempo, sus personajes y la realidad tal cual la viven éstos. El nudo o la parte media es la pieza del relato en donde se desenvuelve el conflicto. Mientras que el desenlace es la resolución de los acontecimientos.

El planteamiento de la historia es importante por varias razones, establece un tono de historia, introduce el mundo en que se desarrolla el relato y los personajes que en él participan, además de cimentar las estructuras que funcionan como base para el desarrollo de la historia: las reglas de este mundo (real o ficticio) y las dimensiones de la situación en la que están envueltos los protagonistas (ya sea un relato romántico, de ciencia ficción, de intriga detectivesca u otro); en corto, es como si la historia pusiera sobre la mesa su identidad (quién es, qué hace y hacia dónde va), para así preparar al espectador para lo que viene (el resto de la historia: el nudo y el desenlace).

En una película, cuando un planteamiento está mal o accidentadamente trazado, el resto de la historia carece, sufre tropiezos y hasta pasa por inconsistencias. Por ejemplo, si los personajes no saben por qué hacen lo que hacen, es que no han sido bien desarrollados, algo que se viene arrastrando desde el planteamiento. Pero si la historia en sí tiene huecos y el rumbo hacia dónde va no está claro (y esto no significa que tenga o no giros sorprendentes, sino que no parezca que se han trazado bajo un objetivo) entonces el planteamiento es flojo y eso se traspasará hacia el resto de la historia.

Incluso los temas y el tono de la película (cómica, policiaca, de intriga, de investigación, suspenso o farsa) son presentados desde la primera parte del relato, y lo mismo pasa con los temas a tratar, las reflexiones a proponer y el rumbo hacia donde están destinados sus personajes, su arco. El planteamiento carga con todos estos elementos, es decir que el planteamiento, al presentar el mundo en que se desarrolla la historia, presenta también el panorama general que vivirán tanto los personajes como la narración misma.

Si ‘Los Juegos del Hambre’ se desenvuelve en un mundo distópico, las carencias o habilidades de la protagonista, y del mundo en el que vive, por la realidad en la que se desarrolla el relato, y a la que se enfrenta, deben están presentes desde los primeros minutos de la historia. En este caso, tanto en la novela como en la película puede observarse cómo la narración plantea las aptitudes y debilidades de Katniss Everdeen, que luego jugarán papel importante en el desarrollo, tanto en su nudo como su desenlace. El que sea buena con el arco, que su hermana sea lo más importante para ella o su lealtad para con quienes siente afecto son elementos claramente expuestos en el planteamiento, para luego profundizarse o retarse en un punto crítico de la historia.

Así, el planteamiento es tan importante para cada personaje como para cada línea de acción que tomará la narrativa, es decir, el rumbo hacia dónde se dirige y los obstáculos que pone frente a sus protagonistas y demás personajes. Si esta primera parte de un relato falla, puede resultar en personajes unidimensionales, confusión de la historia, dudas sobre quién es quién o cuál es su relación con los otros personajes, temas sin profundizar o que quedan superficiales, incluso temas sobreexpuestos o que la historia se sienta ‘lenta’, esto es, que tarde en arrancar o que, después de mucho tiempo, parezca que no va hacia nada. Lo cual no tiene que ver con que su ritmo narrativo sea pasivo, sino que la historia, la sucesión de hechos, parece no tener objetivo.

La primera toma de ‘Luz Silenciosa’, por ejemplo, película de 2007 dirigida por Carlos Reygadas, muestra un amanecer durante aproximadamente cinco minutos. Aquí no es que ‘no pase nada’, al contrario, esta elección visual de estilo que escoge el director tiene un motivo; esa escena, lo que muestra, incluso lo que dura, quieren decirle algo al espectador, algo que además resulta acorde con la historia que cuenta, los personajes que presenta y los temas que aborda.

Cada relato puede también tener sus giros sorpresivos, cambios de ritmo y dinámica versátil, que además puede alimentarse de las herramientas de la narrativa (historias no lineales o narradores omniscientes, por ejemplo); pero lo que no puede, o nunca debe hacer una historia, es contradecirse a sí misma, es decir, no puede dejar de ser coherente con su propia lógica. Para que no se cometa este error, el trazo del planteamiento debe ser claro y explícito. Al final, no se trata de que una historia tenga que ser completamente directa con su espectador, al contrario, se trata de que cada elemento (como la identidad y el propósito que cada personaje juega dentro de la historia) tenga sentido y esté explicado (de nuevo, no tiene que ser obvio, pero sí estar presente de alguna manera).

‘Donnie Darko’, por ejemplo, no tiene  porqué  explicar de forma evidente todos sus elementos metafísicos, ni que juegan un rol importante en el desarrollo de la historia, las temáticas que aborda y las reflexiones que propone, pero los viajes en el tiempo o la posibilidad de que dos universos paralelos puedan juntarse en un mismo punto deben plantearse desde la primera parte de la película, de forma que haya elementos, tal vez visuales y simbólicos, tal vez en subtexto, que indiquen que en este relato la posibilidad metafísica es más que una fantasía imaginada o irreal.

La silueta o estructura que toma un planteamiento, en comparación con otro, varía según cada tipo de historia; no es lo mismo adentrarse a un mundo futurista que ambientar un relato en el siglo pasado o en el presente; no es lo mismo si toma lugar en México, Japón o Irlanda; que sea una historia ficticia o un hecho real documentado, un romance juvenil o una investigación legal. No es tampoco lo mismo si toda la historia sucede en un mismo escenario, en una locación, con sólo dos personajes, o si sucede en diferentes realidades (pasado-presente-futuro) y con muchos personajes interactuando al mismo tiempo.

‘Muerte a la media noche’ por ejemplo, película de 2001 dirigida por Robert Altman, hace un trabajo sobresaliente en su guión y, más específicamente, en su planteamiento. La historia transcurre durante un fin de semana en una campiña inglesa, en 1932; hay una reunión entre varias familias adineradas, pero a mitad de la noche ocurre un asesinato. La historia presenta la vida de los hombres y mujeres de la alta sociedad, pero también la de sus sirvientes y criadas. La historia no sólo debe adentrar al espectador al mundo en su contexto histórico, lugar y tiempo, sino también a la realidad de los personajes que viven ‘arriba’ y los que viven ‘abajo’, (sus problemas, anhelos, expectativas y visión de su mundo), además de establecer el misterio del asesinato (quién fue y por qué lo hizo). Todo se logra durante el planteamiento con un buen ritmo y la suficiente introducción para dejar que la historia fluya. Hay muchos personajes que interactúan y toman parte importante durante el relato, pero nunca parece que se atropellan entre sí. Los primeros minutos tampoco parecen un gran montaje que presenta a cada uno de los actuantes por segmentos, al contrario, las dinámicas son trazadas de forma natural cuando, a la llegada de los invitados, cada miembro de la alta sociedad se presenta y cada uno de sus empleados procede a cumplir con su trabajo. No por nada la película se llevó el premio Oscar en la categoría de mejor guión original, además de estar nominada a otras seis categorías, incluyendo mejor película.

En algunos casos también sucede que la presentación de la historia, el planteamiento, suena muy intrigante y atractivo, pero el resto del relato no cumple con las expectativas, o se vuelve enredado y confuso en su avance.  Hay todo tipo de escenarios posibles, tantos como número de películas existan, pero no es que una historia por ser sencilla asegure sobresalir, ni que un relato con muchos recovecos no pueda lograr cumplir eficientemente para contar su historia, o viceversa.

No, lo importante es partir de un punto básico y nutrir desde ahí la historia: primero se plantea la trama y luego las subtramas, por ejemplo; y primero se parte del camino que recorre el personaje principal así como de los obstáculos que enfrentará, para luego entramar el desarrollo y enriquecer la historia con herramientas narrativas (el uso de flashbacks o las escenas en las que lo que se ve sólo sucede en la imaginación de un personaje, por mencionar algunos), para ilustrar la historia o para configurar posibles desenlaces.

Un planteamiento es una introducción, es el comienzo de una historia; marca el rumbo como si fuera la brújula en el mar, pero también expone la propuesta de historia que trae detrás, así que es, en breve, el primer piso de un edificio y, como en el juego de mesa Jenga, si la pieza de hasta abajo no está bien puesta, el resto se tambalea. De ahí que exponer el planteamiento del relato es un arte en sí.

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo  y el cine en general . Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo’.

CINE Y LITERATURA, 90 AÑOS DEL PREMIO ÓSCAR. (I)

“Lo que el viento se llevó.”

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

En el recién pasado mes de marzo se cumplieron noventa años que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas entrega el prestigiado premio mayormente conocido como “Óscar”. En el mundo del cine es el galardón de mayor reconocimiento, en estos noventa años la Academia a distinguido a destacados directores, actores, escritores, y muchas de las películas premiadas hoy son un clásico del cine mundial, algunas películas tienen su origen en guiones originales y otras son producto de obras maestras de la literatura universal.

Por lo antes mencionado, el presente mes será dedicado a conocer cuatro obras clásicas de la literatura llevadas al cine y premiadas con el “Óscar” como mejor película. La obra que inicia esta serie literaria fue escrita por Margaret Mitchell bajo el título: “Lo que el viento se llevó” publicada en 1936. La novela fue adaptada y llevada a la pantalla grande en diciembre de 1939. La película es una producción de David O. Selznick y dirigida por Víctor Fleming, los actores y protagonistas estelares son: “Vivien Leigh (Scarlett O´Hara), Clark Gable (Rhett Butler), Leslie Howard (Ashley Wilkes), Olivia de Havilland (Melanie Hamilton)”.

En la actualidad “Lo que el viento se llevó” es considerada una película de culto, Margaret Mitchell demoró un periodo de diez años escribiendo su única novela que la volvería inmortal. El contexto central que narra la obra es la Guerra de Secesión en Estados Unidos que se desarrolló entre 1861 a 1865, pero la obra va más allá de la guerra, viviremos parte de lo que los americanos llamaron la reconstrucción.

En enero de 1861 Georgia se sumó a los Estados del Sur que se estaban separando de los Estados Unidos de América, al final 11 Estados fueron los que conformaron la Confederación de América, los confederados apostaban por continuar con la esclavitud, además, se quejaban que la política federal favorecía los intereses económicos del Norte por encima de los del Sur. Los opositores eran los Estados de la Unión liderados por el Presidente Abraham Lincoln, quienes estaban a favor de la abolición de la esclavitud, las tensiones cada vez eran más fuertes y en abril de 1861 estalló la guerra civil estadounidense.

La historia de la novela inicia precisamente en ese mes de abril de 1861: “Sentada con Stuart y Brent Tarleton a la fresca sombra del porche de Tara, la plantación de su padre, aquella mañana de abril de 1861, la joven ofrecía una imagen linda y atrayente. Scarlett O´Hara no era bella, pero los hombres no solían darse cuenta de ello hasta que se sentían ya cautivos de su embrujo, como les sucedía a los gemelos Tarleton. En su rostro contrastaban acusadamente las delicadas facciones de su madre, una aristócrata de la costa, de familia francesa, con las toscas de su padre, un rozagante irlandés.  Los ojos verdes en la cara de expresión afectadamente dulce eran traviesos, voluntariosos, ansiosos de vida, en franca oposición con su correcto porte. Los modales le habían sido impuestos por las amables amonestaciones y la severa disciplina de su madre; pero los ojos eran completamente suyos.”

El Sur es representado por gente valiente, adinerada, con un enorme gusto por la comida, la fiesta, el whisky, la mayoría de sus habitantes tenían poco o casi nada de afecto a los libros, al teatro, a la cultura, etc. Esto implica que Scarlett O´Hara era una joven cautivante, pero arrogante, caprichosa, engreída, vivía con su familia integrada por sus padres Gerald y su madre Ellen, junto a sus hermanas Carreen y Suellen, más una buena cantidad de esclavos, sirvientes, capataces, y, sobre todo, la joven vivía rodeada de enamorados que pretendían casarse con ella, entre los que se encuentran los gemelos Tarleton.

Scarlett estaba planeando con los gemelos el asistir con sus familias a la barbacoa que ofrecía la familia Wilkes, de pronto los gemelos le platicaron a Scarlett que mañana en la barbacoa, Ashley Wilkes haría público su próximo enlace matrimonial con su prima Menalie Hamilton, la noticia fue para la bella Scarlett como un balde de agua fría, resultó que la joven estaba plenamente enamorada de Ashley, y en ese mismo instante pensó y planeó todo para impedir que Ashley se casará con Melanie y lo hiciera con ella.

En plena fiesta Scarlett se las ingenió para platicar a solas con Ashley, le dijo que lo amaba, él caballerosamente la rechazó, la niña engreída acostumbrada a tener todo lo que quiere le pegó una cachetada y Ashley la dejó sola en la biblioteca, molesta y humillada por el rechazo Scarlett tiro un florero sobre la pared y en ese instante hizo aparición un personaje enigmático y carismático llamado Rhett Butler. Rhett había estado acostado en el sillón y escuchó toda la conversación de Scarlett y Ashley, ella sintió pavor, vergüenza, desesperación, Rhett le dijo que no era una señorita, pero que guardaría su secreto, desde éste momento Scarlett sintió odiarlo.

Por coraje y capricho ese mismo día Scarlett se comprometió en matrimonio con Charles Hamilton, hermano de Melanie y cuñado de Ashley. Obviamente no sentía la mínima atracción y gusto por Charles, a los pocos días los jóvenes se casaron. Charles se fue a la guerra y luego, luego, murió, Scarlett quedó embarazada y tuvo a Wade Hampton, hijo de Charles.

Por motivos de guerra, depresión y aburrimiento, Scarlett fue enviada a Atlanta para que viviera una temporada con su cuñada Melanie mientras Ashley regresaba de la guerra. En Atlanta, la joven sureña se reencontrará con el galante Rhett Butler, su reencuentro no fue muy agradable para la joven, sabía que ese hombre pícaro tenía un secreto suyo:

“–¿No tema, bella señora! Su culpable secreto está encerrado en mi corazón. –¿Oh! –murmuró Scarlett febrilmente –. ¿Cómo puede decir una cosa semejante? –Lo he dicho para tranquilizarla. ¿Qué quiere que le diga? ¿Sea mía, hermosa, o de otra manera lo revelaré todo?”

Entre más convivía con Rhett más desagradable le era, con el paso del tiempo convivieron mucho, aun así, Rhett no dejaba de ser un hombre pícaro, cuando la miraba ella sentía que la desnudaba, pero en el fondo le gustaba, sentía una atracción especial por él.

Los confederados perdían la guerra, Atlanta era de las últimas ciudades por conquistar, Melanie estaba a punto de tener un hijo y Ashley le pidió encarecidamente a Scarlett no abandonara a su esposa mientras él estuviera peleando en la guerra, cuando las tropas de los yanquis llegaron a Atlanta y destruían la ciudad, Scarlett estaba desesperada, sufrían para comer, Melanie se encontraba muriéndose por el parto, no tenían caballos ni carros para abandonar Atlanta, se acordó del repudiado Rhett y pudo más su necesidad que el orgullo, lo mandó a llamar e inmediatamente como pudo Rhett robó un caballo y le salvó la vida de manera heroica a la bella Scarlett, Melanie y a su hijo recién nacido.

Cuando Scarlett llegó maltrecha a Tara a la casa de sus padres, su madre Ellen había muerto el día anterior, su padre por el dolor enloqueció, no había absolutamente nada para comer, toda la zona estaba desecha, incendiada, con todo en contra la joven empezará a tratar de sobrevivir, se verá obligada junto a sus hermanas a trabajar en el campo arando, mal comidas, y aquí es cuando Scarlett pronuncia desde el fondo de su corazón una de las frases más celebres de la novela:

“El hambre volvía a roerle el vacío estómago. Exclamó en voz alta: -Dios sea testigo de que los yanquis no van a poder conmigo. Voy a sobrevivir a estos, y cuando todo termine no volveré a pasar hambre otra vez. Ni yo ni ninguno de los míos, aunque tenga que robar o matar. ¡Dios sea testigo de que nunca más voy a pasar hambre!”

Si la guerra las había dejado en semejante condición, lo peor estaba por venir, era la llamada reconstrucción del Sur. Falta demasiado por recorrer en esta fascinante historia. Scarlett por interés económico y sobrevivencia se casará con Frank Kennedy, pero Rhett Butler jamás desaparecerá de su vida, él la amaba y haría todo por conseguir su amor…

Lo que el viento se llevó

Dir. Victor Fleming

Estados Unidos, 1939

Fragmento 3:22

José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Entrevista: Daniel Nájera, Vuelve a Mí, el cine y Cannes

Por: Perla Atanacio

Comienza la Semana de la Crítica en Cannes y México, junto con el Festival Internacional de Cine de Morelia,  estará presente, en el marco del encuentro el director Daniel Nájera Betancourt exhibirá su film “Vuelve a Mí”.  Gracias al productor Arturo Tay tuvimos la oportunidad de conversar con él y esto fue lo que nos dijo…

Hola Daniel, pronto estarás presente en la 57 edición de la Semana de la crítica CANNES, ¿cómo se da esta oportunidad?:

Veníamos de ganar en el Festival de Morelia por cortometraje mexicano de ficción, pasaron los días y al ir a las oficinas del festiva una chica de allí me dice entre broma que ahorre para la Semana de la Crítica y yo sólo me reí sin saber por qué lo decía. Pasó el tiempo y en efecto recibimos una invitación desde allá para ir a exhibir el cortometraje como parte de un  genial proyecto que tienen la Semana de la Crítica y el Festival de Morelia que ambos exhiben mutuamente lo más relevante de cada edición.

Qué significa para ti participar, ¿recibiste algún apoyo  para asistir?

La verdad desde aquella loca noche cuando me mencionan ganador del premio pues… ¿Qué te digo? El veinte tardó días en caerme, como si estuviera aturdido tras recibir la única buena noticia en años para mí. Después empezaron a caer apoyos por ejemplo para post producción y pues la noticia que exhibirán el corto es quizás irrepetible y por lo tanto muy bella por lo inesperado que van sucediendo las cosas como llegar con tremendo laurel a dicha sede, si me da orgullo. Ya después, la Comisión de Filmaciones de Chihuahua, así como las dependencias culturales y de educación les interesó el proyecto mío de ir allá  y finalmente FONCA también nos apoyó.

En la pasada edición del Festival de Cine de Cannes se suscitó la controversia Cannes vs Netflix, ¿cuál es tu postura al respecto?, ¿las películas de Netflix o alguna otra plataforma, tienen, o no tienen derecho a participar en el  Festival?

El festival de cine de Cannes a mi parecer no es un festival de cine digital, así mismo creo que el nacimiento de estas nuevas plataformas trae consigo nuevas formas de hacer las cosas y quizás un cambio sea doloroso pero inevitable. Si los derechos los adquirió alguien pensando que se adecuaría mejor a cierta plataforma sería entrar en un largo debate. Al final estamos hablando en sí de cine y películas que por sí solas no las categorizamos por el tipo de plataforma que puedan obtener.

¿Ahora cuéntanos sobre Vuelve a mí, de qué va esta cinta y cómo surge esta historia?

“Vuelve a mí” es un modo de traer a estas personas que ya no están con nosotros de algún modo u otro, digo un modo puesto que no puedo decir “se trata de esto solamente” y ¿Qué trae esa ausencia? a lo mejor aprendizaje, alguna nostalgia o mero crecimiento. Se buscó emular la vida de este niño, sin música para lograr efectos, quisimos realizar una evocación a modo de recuerdos o episodios y pues hay algo que no se expresa allí pero si se resiente. Esta historia salió de una beca que da el PECDA y me tocó ganar en el 2015 y pues estuve trabajando en ir a Chihuahua y tomar fotos y hablar con gente de un mercado que descubrí por encargo familiar, venden unos caldos de res famosos y resultó ser un lugar descuidado, bonito pero olvidado. Así mismo se propuso como proyecto de tesis en mi escuela anterior, INDIe Centro de Estudios Cinematográfico.

 ¿Cuál ha sido el recorrido en festivales de este film? ¿El público te ha comentado su reacción? ¿Qué te dicen?

Ha tenido un recibimiento moderado, hemos estado también en el Festival Internacional de Cine de Monterrey, en SHORTS México DF, Festival Internacional de Cine de Curaçao, Rotterdam,  y pues al final de las proyecciones me comentan acerca el dirigir a niños que nunca habían actuado, que el corto los ha llevado a un estado diferente a cuando llegaron y pues bueno también hay gente que no le agrada la duración (una señora me pidió que hiciera una versión corta personalizada casi casi) o de plano el corto en sí simplemente no les gustó y dentro de esa gente algunos eran los mismos que compartían proyección conmigo (risas).

¿Cómo director cuál fue tu momento más difícil y cuál el más fácil, o bien el más gratificante sobre Vuelve a mí?

Creo fielmente que para todo esto genial que me ha estado pasando tuve que pagar o mejor dicho sufrir. “Vuelve a mí” ha sido mi lección de vida más bonita; antes de filmar era complicado de México a Chihuahua hacer una producción y asegurarle a tu escuela la cual pone en ti toda la confianza, que lograrás tu sueño fílmico. Teniendo luz verde el rodaje salió bien, pero fue lo que vino después lo que significó algo para mí; desde romper una relación sentimental, no tener empleo o que te ninguneen en ellos, el cambiarme constantemente de lugar para vivir, admitir frente a tu familia que quizás este sueño de cine llegó a su fin y contemplar regresarte a tu ciudad porque no había salida, complicaciones aquí y allá que en su momento lo veía como lo peor pero ahora, extraño esos días en los que tenían ese aprendizaje tras aprendizaje, esos días también son lo más gratificante, afortunadamente ahora todo es más estable.

Como director y realizador, cómo ves el panorama de producción en México, ¿es cómo te lo imaginabas?

Bueno Marcelo Tobar justo ganó allá en Morelia por su película hecha con celular lo cual demuestra que no deberías esperar siempre a sacarte la lotería para hacer la película de tus sueños, hay que adaptarse cuando las cosas no salen como deberían, “Vuelve a mí” fue hecho con muy poco dinero.

¿Qué película o momento te inspiró para decidirte por esta carrera?

Creo que canso a la gente cuando les digo que “La Dolce Vita” es mi película favorita, así como “Una pareja de idiotas”  hasta “El padrino” o “El color de las granadas” de Parajanov; me gustan todo tipo de películas y aspiro a probar muchas voces, creo que hay que reinventarse. Batallo para confiar en la gente endogámica que despreciando todo lo que no es cierto tipo cine terminan haciendo meros tributos de “poesía visual” sin cierto arriesgue o búsqueda personal.

¿Qué le dirías a los jóvenes que estudian cine o que quieren estudiar o dedicarse a esto, cuál sería tu mejor consejo, el que te hubiera gustado que te dieran o el que crees que se debería dar?

A veces creo que el mejor consejo es no hacer caso a todo los consejos que te dicen; la corazonada te dice que tanto, a quien y cuando hay que escuchar. A mí, me funcionaron las cosas a un modo especifico, ojalá no hubiera pasado por tantas peripecias pero a lo mejor que es por eso disfruto tanto esto. Eso sí, de repente había presión conmigo mismo porque pues oye tenía 28 años no ganando algo, ni siquiera era el ya merito; no hay prisa por lograr algo, pero si muévete caón!!

Algo más que quieras agregar:

Yo estoy muy agradecido con la escuela INDIe Centro de Estudios Cinematográficos porque allí me formé, conocí a mis mejores amigos y me han seguido ayudando en cosas de post producción. Agradezco a Martha Liñán porque fue el soporte ayudándome con subtítulos y el envío en estos meses en los que yo no tenía nada de tiempo por cumplir en el C.C.C. y finalmente agradezco a Filmmakersmovie, Arturo Tay y en especial a Alejandra Villalba por todos los consejos.

Gracias Daniel, agradecemos el tiempo y el espacio para concedernos esta entrevista. Te deseamos lo mejor no sólo en la Semana de la Crítica de Cannes, sino también en cada una de esas historias que deseas contar y que serán contadas.

Gracias Filmakers por su lectura,  nos leemos y escuchamos pronto en una nueva entrevista.

Vuelve a mí

Dir. Daniel Nájera Betancourt

Dir. Foto: Alexis Zavala

Ojo a Cortometraje de Ficción Mexicano en el 15° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).

Trailer 00:56

Si quieres conocer más sobre el Centro de Estudios Cinematográficos INDIe, visita su página.

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | México

Perla R. Atanacio Medellín es Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social, gestora cultural.  Es Productora Audiovisual y cinematográfica,  diseñadora publicitaria.  Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida. 

LUIS MIGUEL BUSCA UNA MUJER, A 30 años del vuelo incondicional

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En 1988 la música en español vive un torbellino de ritmos y propuestas narrativas que van desde el pop al denominado rock en tu idioma, que cimienta las bases de lo que serán los nuevos ritmos de la década venidera. El rock en tu idioma desde México (Caifanes, Ritmo Peligroso, Bon y los Enemigos del Silencio) hasta Argentina (Charlie García, Soda Estéreo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos, Laureano Brizuela, Héroes del Silencio) con escala en España (Nacha Pop, Hombres G, Radio Futura, Miguel Ríos) traerá una ola de sugerentes alternativas grupales y solistas que definirán una época.

La balada romántica en sus diferentes acepciones, daba pauta y ritmo a un pop que seducía con líricas y melodías que lo mismo atendían a historias juveniles (Timbiriche, Menudo, Karina, Flans) que a estribos más adultos (Miguel Bosé, Emmanuel, Mecano, Pandora) y es ahí, donde Luis Miguel izaba su bandera con un sonido distinto al que le había puesto en la palestra musical de América Latina en sus primeros años. Heredero de intérpretes masculinos consagrados como Julio Iglesias, Sandro, José José, Juan Gabriel, Camilo Sesto y Raphael, y contemporáneo de los nuevos valores latinoamericanos de la canción como Chayanne, Luis Miguel había conquistado América Latina desde niño a través de su poderosa voz, presencia y dominio escénico, pero muchos temían el cambio de edad pudiera afectar su nivel interpretativo, lo que no ocurrió ni al cambio de voz entre la niñez y la adolescencia, y que menos afectó su desempeño entre la adolescencia y su paso a la adulta juventud que le vio publicar el exitoso “Soy Como Quiero Ser” en 1987.

Así, en medio de la expectativa de continuar una senda gloriosa tras un disco de grandes sencillos “Ahora Te Puedes Marchar”, “Cuando Calienta el Sol”, “Busca Una Mujer” se aprestaba a ser el nuevo disco del ídolo juvenil, una apuesta que dejaba los covers grandiosos por canciones ex profeso para el cantante, quien ya en la independencia creativa, sostendría su voz en las letras del maestro Juan Carlos Calderón. “Busca Una Mujer” se convirtió en un éxito instantáneo, un disco generacional que consagró al cantante y que lo situó, desde entonces, en la cima de la música en español.

“Fría Como el Viento”, “Culpable o No”, “Por Favor Señora” y “El Primero”, comprenden las baladas de alto impacto en la producción grabada en Ibiza, España, y que se hicieran del dominio popular gracias a las constantes repeticiones en las radios de toda Hispanoamérica mediante su exposición vía sencillo, y más aún gracias a las altas ventas que alcanzó el disco, “Busca Una Mujer” se convirtió en uno de los álbumes más vendidos en la carrera de Luis Miguel y en la historia de México. A las anteriores baladas, “Esa Niña”, “Un Hombre Busca Una Mujer” y la colaboración de Luna Fría para el disco “Pupilas de Gato”, ofrecen una pausa melódica que logra una lista de reproducción equilibrada y del estilo que ya definía al Luis Miguel Pop, Baladas, Up Tempos, y que avistaría los metales que vendrían con fuerza en su disco “20 Años” de 1990. “Soy Un Perdedor” y en especial “Separados”, darían al álbum la fuerza rítmica que permitiría al intérprete desplegar su rango vocal y que le funcionarían a la perfección para el vibrado melódico y emocional de sus conciertos en vivo.

El disco se convirtió en un referente del pop de la década de los ochenta, y a su vez, en un viso de las nuevas tendencias en la balada, y en la forma de conectar con las nuevas generaciones de finales de siglo, Luis Miguel sería la máxima figura de esa etapa histórica, y “Busca Una Mujer” le permitiría sin duda completar la travesía musical, lírica y artística que anhela todo cantante ante los cambios de edad, época y horizonte. Pero fue “La Incondicional”, la canción que envolvería todo adjetivo, la composición perfecta en el momento adecuado, el sencillo ideal para un intérprete y su disco, la balada idónea para un intérprete y su público. “La Incondicional” se convirtió en un himno cargado de magia, fuerza y energía, definiría al cantante y a su audiencia en una relación de complicidad, apego, admiración, agradecimiento y cariño, y tal como la situó el canal VH1, sería considerada la gran balada en español de la década.

Tal consideración, ha recibido por igual el videoclip que en 1989 hizo girar y girar los reproductores BETA Y VHS tratando de grabar y reproducir una y otra vez, las escenas  coreografías y el diseño de producción magistralmente diseñados por el director Pedro Torres, para un vídeo clip que, basado en la exitosa cinta de 1986 “Top Gun”, dirigida por Tony Scott e interpretada por Tom Cruise, tendría un recibimiento apoteósico y de dimensiones nunca antes vistas para un vídeo musical en la historia del pop en español, “Tú, la misma de ayer…la incondicional”, el H. Colegio Militar  de México, el corte de cabello del cantante como un instante de apertura, las secuencias a modo de servicio militar, la bruma, la graduación del colegio, los lentes de sol, los recuerdos, y el vuelo de un avión de la Fuerza Aérea Mexicana en su momento climático, hicieron de esta iniciativa visual, la más celebrada producción audiovisual de la industria discográfica de su tiempo.

Desde 1988 y hasta ya iniciado 1990, “Busca Una Mujer” se estableció como el disco más vendido, escuchado y reproducido incluso en ediciones especiales de vinil, casete y posteriormente masterizado a cd, prácticamente todas las canciones tuvieron espacio en la radio, los vídeos musicales “Fría Como el Viento” y “la Incondicional” ocuparon las programaciones de los canales de vídeos musicales, y Luis Miguel recorrió varios países para más tarde producir su vídeo material “Un Año de Conciertos”. Sería en 1989, durante un programa televisivo con motivo de la promoción de “Busca Una Mujer”, que Luis Miguel compartiría el escenario con el maestro Armando Manzanero, en lo que al devenir, forjaría el primero de sus discos de boleros, la serie Romances iniciaría en 1991 con Romance, el disco grabado en español más vendido de la historia en su momento, pero antes, Luis Miguel disfrutaría del reconocimiento de crítica y audiencia en 1990 con el ya mencionado álbum “20 Años”, que cerraría tres producciones consecutivas de la mano de Juan Carlos Calderón y que constituirían una de las varias etapas doradas en la vida artística del Sol de México.

En MEMORIA, abordamos anteriormente el veinte aniversario del álbum ganador del Grammy “Romances” 1997, con esta “Busca Una Mujer” 1988 en su treinta aniversario, continuamos el serial de Luis Miguel en Filmakersmovie, celebrando la trayectoria del intérprete mexicano y su exitoso regreso a los escenarios.

Luis Miguel

La Incondicional

Dir. Pedro Torres

Álbum: Busca Una Mujer

México, 1988

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com