Contextos: Los avatares poéticos de Miguel Soto

Lo que amamos concluye

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Lo que amamos concluye, fue la primera obra que tuve el gusto de compartir en el ciclo “Detrás de la Pluma” que junto a Poesía sin Permiso, la Biblioteca Carlos Fuentes y Filmakersmovie, llevamos a cabo en México.

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Con el rostro posado en la mirada, esa que de frente alienta los últimos suspiros, los suspiros de nosotros, de los otros, de aquellos, los suspiros de las huellas, de la muerte que habita como la vida en la memoria, así habitamos la inmortalidad de la poesía donde se forjan las huellas de nuestros pasos, esa poesía insolente que lo mismo reta que afirma, que lo mismo goza que duele, la de Miguel Soto. Lo que amamos concluye, segundo poemario del autor coahuilense, es la metamorfosis de la muerte que recuerda, que llora, que libera, en sus versos encontramos el lago deshabitado que en su soledad deja escapar un aire silencioso que envuelve al llano, donde la muerte es nuestra, es invierno y es el resplandor del humo impregnado de penas.

La poesía de Miguel Soto, en Lo que amamos concluye refleja la trascendencia de la caricia, la ausencia que pacta con el dolor, que pacta con el espíritu, que pacta con el alma del yo lector. En cada verso de Miguel Soto, somos lienzo, la lluvia, el aguacero y sus gotas, la muerte no parece muerte, y las aves especulan hielo y desierto, son el desconsuelo de los rezos, el cobijo del dolor que consume o renace, donde podemos soñar a las doce en punto justo ahí, donde Soto nos sugiere abrazar la evocación de Don Quijote y Dulcinea.

Para el poeta somos polvo y extrañamiento, somos silencio, somos eco, el mismo eco que se escucha y pacta salidas en callejones sin retorno. En sus brotes funestos encontramos que, como afirma, sugiere o invita Miguel sin errar la existencia y sus designios, lo que amamos concluye, y en esa finitud, nos encontramos desnudos ante el canto de las alondras donde comienza y termina la vida, donde pactamos con la muerte porque la vida trasciende como una raíz, como el amor, y esa sinergia el amor concluye y deviene.

La raíz es para Miguel inexorable como lo es para nosotros el descifrar los misterios del alma, pero a diferencia de las preguntas sin respuesta que recurren nuestros días, el poeta ofrece la respuesta del verso como un amuleto que sólo es posible obtener en la poesía.

Los suspiros ancestrales para Miguel representan una apología a los muertos que forman figuras de sal y polvo, que nuevamente se anidan en lugares de todos propios, donde inicia y termina el mundo, como un círculo que se regenera desde la línea y sus inexistentes puntos. Justo en ese lugar donde morimos un poco sobre la tierra, donde respiramos el olor a sangre porque estamos vivos, y a los muertos somos caos y somos poemas.

En Miguel Soto gana la herida que abierta lacera el alma y la aquieta en la ironía del dolor que celebra y lamenta lo vivido, que explora la profundidad de la muerte y sus rincones para continuar esos pactos recurrentes en Miguel sobre los tiempos, los ojos y hasta prontos. Es Miguel una conciencia clara que brinda luz en la penumbra de la partida, que al abandono acompaña, que a lo fraterno empatía, su poesía libre, lo es porque abraza los versos acompasados de insolencia, denuncia e ideales, que debate la injusticia sí, pero aboga la respuesta de abrazar la vida desde la poesía.

Lo que amamos concluye no es una sentencia, no es una consigna, no es una afirmación o amenaza, es una invitación a darnos por entero y sin reservas a lo amado, con su fugacidad y plenitud con lo finito y lo eterno de la vida.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

CINESCOPIO: GUILLERMO DEL TORO

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

A mediados de los años ochenta, el suspenso y la sorpresa se conjugaron en sendos capítulos del serial televisivo La Hora Marcada, donde a paso firme irrumpía un joven director jalisciense para explorar desde entonces, distintas formas de plasmar imágenes en movimiento mediante una narrativa que describe oníricos mundos y que transmite el sentir de una narrativa propia: Guillermo del Toro. Apegado a la reacción de su audiencia mediante secuencias que van del terror al suspenso, de la aventura al heroísmo, de la ficción a la historia y del duelo al amor, las emociones humanas se condensan en un universo tan genuino como tradicional, tan universal como íntimo, y en todo caso, rebasa los géneros para posicionarse como una forma única de contar experiencias de vida desde la creatividad, la condición humana y la imaginación que lo mismo evoca clásicas realizaciones cinematográficas, que genera el impacto consecuente de un asombro continuo.

Guillermo del Toro, nacido en 1964, profiere características simbólicas que confieren un sustento significativo a su estilo que vuelca escalofríos, provoca reacciones impredecibles y apela sin cuartel a la condición humana que es capaz de generar dolor, crueldad, ternura, compasión y a su vez dibujar horizontes compartidos en la vía de la esperanza que fluye como fluyen en sus tramas las experiencias de vida. En CINESCOPIO celebramos la trayectoria de del Toro inició hace 25 años con el estreno de su ópera prima Cronos, al tiempo que reflexionamos su más reciente cinta La Forma del Agua, su décima entrega fílmica. Ganadora del León de Venecia a Mejor Película, La Forma del Agua impregna a la audiencia de una macabra belleza que cautiva, una obra maestra definitiva en el canon del realizador mexicano que se ha convertido en un estandarte del cine de autor, capaz de crear una atmósfera que resulta familiar al espectador acorde a sus elementos característicos, y a su vez, innovadora por la forma en que cada uno de ellos aparece, emerge o se transforma, sea desde el ámbito narrativo o desde el ámbito visual, en todas sus películas.

Invención y Supervivencia

 En Cronos revoluciona la narrativa visual latinoamericana al mecanismo de engranes de reloj, la forma elegida por el ser humano para encapsular el tiempo continuo sin detenerlo y sólo medirlo, propone una concepción borgiana del espacio, explora las posibilidades creativas desde el mito hacia la inmortalidad y la aspiración del ser humano por suspender al espacio el tiempo de la vida y prolongarlo en la eternidad. La invención como un proceso creativo y manipulador de la existencia, cohabita con la vampiresa tendencia que otorga un poder energético a la sangre, que en su fluir genera, multiplica y rejuvenece, que es mocedad y muerte, tiempo y vida.

En Mimic, 1997, su primera incursión en Hollywood, el director hace una declaratoria a modo de ratificación de que, amén de los monstruos, fantasmas, espectros, hadas, seres mágicos y robots, los insectos serían un sello peculiar de su propuesta lírica. Adaptada del relato Mímica de Donald A. Wollheim, Mimic ofrece una aproximación literaria a la metáfora argumental de Metamorfosis de Frank Kafka, donde los insectos pueden mimetizarse incluso con los humanos o los humanos transformarse en insectos ante el vacío, la incertidumbre o la monotonía, algo que David Cronenberg lograría desde un enfoque más científico, donde con maestría refleja la manipulación de la natura para la transportación de moléculas y que concluye accidentalmente en la metamorfosis de especies en su remake de La Mosca de 1986. Guillermo Del Toro, también Fundador del Festival de Cine de Guadalajara, sitúa la enfermedad que contagia y una investigación que busca la cura que sane, como dos procesos simultáneos donde el segundo culmina primero e incrementa los alcances del primero. El integumento de los insectos, los límites y alcances de la evolución, el presupuesto del súper hombre que caracteriza la modernidad y las resoluciones especializadas y divergentes de la posmodernidad, se aprestan al mito de la autodestrucción de la humanidad ante la natura que muta y la acción humana que manipula.

En Pacific Rim del Toro concibe portales interdimensionales que permiten que dos especies puedan unirse en desagravio, y por ese portal la población de las ciudades más grandes del Pacífico, San Francisco, Santiago, Tokyo, ven caer sus edificios, construcciones, puentes vía las garras de colosales monstruos (Kaijus) que gigantes destruyen todo a su paso.

Para combatir a estos descomunales seres, es preciso desarrollar puentes que no unan dimensiones sino la mente de dos pilotos que conduzcan el movimiento acompasado en supervivencia sobre los denominados jaergers, el heroísmo exacerbado en la dicotomía del fracaso y el éxito, del temor y la valentía, brindan una fortaleza descriptiva al guión que el propio del Toro co escribe con Travis Beacham. Titanes del Pacífico es una de las películas originales más impactantes de la ciencia ficción de la presente década, épica, audaz, dinámica y emotiva, demuestra el manejo que el director puede tener de un alto presupuesto para plasmar su imaginario al cinema y no sólo entretener sino impactar a las distintas audiencias del mundo.

El Terror y la Guerra

La Guerra Civil Española (1936-1939) se presenta por vez primera en la filmografía de del Toro a través de El Espinazo del Diablo, 2001, una palestra donde las emociones humanas alcanzan el límite del dolor y la desesperanza. Es quizá, la primera cinta de del Toro que hace de su narrativa una poesía épica, donde los elementos característicos del director se plasman con total naturalidad desde la prosa,  en esta producción de Pedro Almodóvar y hermanos encontramos dos dimensiones, el contexto histórico de la guerra, y la circunstancia de la inocencia ante ella.

Los fantasmas y apariciones, así como los momentos de confrontación que definen el inicio y el final de la trama, coadyuvan el discernimiento que bifurca los senderos que los personajes deben alcanzar para sobrevivir no sólo la orfandad sino al ataque de la milicia por ideologías que ellos desconocen. Las creaturas del horror representan símbolos que confrontan a los personajes con la otredad, la maldad y la bondad intrínsecas en el universo de las posibilidades, el mito en diferentes acepciones y los artefactos u objetos como símbolos. Pero el espinazo más que un hueso de la maldad o un referente de territorio, es en realidad la búsqueda de un refugio republicano ante las cientos de muertes ocasionadas por el franquismo durante la guerra, y en donde los huérfanos sobrevivientes entre los niños abandonados y vulnerables, aguardan la justicia y el descubrimiento de secretos inconfesables. El dolor de la guerra se muestra desde sus consecuencias, la dualidad de un conflicto fratricida argumenta la ausente incomprensión y la crueldad ante la violencia y el poder.

Si bien El Espinazo del Diablo profundiza el terror del conflicto armado, será El Laberinto del Fauno 2006, la cinta que consumará en asunción climática a del Toro, obra maestra de la cinematografía de la primera década del siglo XXI, El Laberinto del Fauno alcanzo un reconocimiento casi unánime desde su realización, la película se adentra en la estructura narrativa en dos planos que aunada a su trama emocional, presenta la crítica y la denuncia de la guerra pero también rebasa el presupuesto histórico para delatar el abuso femenino, el abuso infantil, la ambición, la tragedia de las luchas fratricidas, las consecuencias de los conflictos entre bandos, la no victoria en la guerra y la imaginación como un escape de la realidad. El portal, elemento indispensable en el imaginario de del Toro, quien suma a sus reconocimientos los premios Ariel y Goya, permitirá que Ofelia, su protagonista, de sentido a los cuentos que le apasionan y acuda a vivir su propia fábula de princesas, seres mágicos e inmortalidad, que acuerdan el anhelo de habitar el mundo de los humanos, cuando ella, quizá, quiere habitar el mundo de la fantasía, esa misma que la fábula del director mexicano presenta con angustia, dolor y esperanza.

Cada una de las pruebas conjuga un riesgo como riesgo que clandestinamente corren al armar a la resistencia sus conocidos, quienes después serán una especie de amigos al exilio de la rebeldía. Dos dimensiones, dos mundos, dos desenlaces, la vida y la muerte como únicas posibilidades determinadas por la guerra, conforman el ambiente decorado por árboles, llanuras y nubes oscuras de soles donde Ofelia busca la vida al procurarla en el cuidado de una raíz de mandrágora que semeja la enfermedad y su cura,  una acción que provoca dolor y que genera la acción de sanar la herida. En El Laberinto del Fauno, aparecen el relato que une la fantasía con la realidad, la historia y la leyenda, así como diversos símbolos.

En tanto encontramos o interpretamos referencias en búsqueda sobre la cueva de Platón, los laberintos de Borges, sus entradas y sus salidas, los insectos y los monstruos, la naturaleza y el artificio, el fauno y el jengibre, las hadas y los portales que separan dos mundos y los unen, así, tal como sucede con los seres humanos y sus ideologías, tal y como el mundo de la realidad imagina portales que hacen posible la realización de los sueños.

Heroísmo y Movimiento

Guillermo del Toro ha grabado su nombre con peculiar fuerza en el cine de súper héroes, lo hizo incluso en los albores, del tercer boom de los mismos, si consideramos que Superman 1978 Richard Donner, Batman 1999 Tim Burton, y Spiderman 2002 Sam Raimi, relanzaron el cine de súper héroes, que viera su clímax con El Caballero de la Noche 2008 Christopher Nolan, y su ser sólo industria en Los Vengadores 2012 Josh Whedon. Secuela de la cinta Blade de 1998 dirigida por Sthepen Norrington, Blade 2 ofrece a diferencia de su antecesora, una visión de autor que convierte una cinta de comic convencional en una propuesta narrativa de mayor profundidad filosófica. La sangre como alimento, la necesidad de beberla y del ser humano por tenerla, generan una diatriba por demás interesante que sostiene la ética del híbrido protagonista, mitad humano, mitad vampiro, en su afán vocativo por combatir a una cepa de vampiros que atentan no sólo con ambas especies si pudieran así denominarse en diferencia.

Guillermo del Toro plantea dos elementos clave, la amistad en la búsqueda casi apostolar por su amigo Whistler, aunado al compañerismo encarnado en el personaje Scud, y la definición como un componente ineludible del desenlace, es decir, los personajes toman decisiones pero hay un destino que los alcanza al tomarlas. La sangre como elemento y el ímpetu monstruoso por alimentarse de ella, remite al origen del mito de los vampiros una visión que debate el presupuesto literario del siglo XIX en la creación de vida por el hombre que encumbraran Mary Shelley y Bram Stoker, y logra que la visión originaria del mito como relato, actualice una visión posmoderna del cambio de milenio que apela la urgencia ética del deber ser.

En Hellboy 2004, sembrar el mal y cosechar el bien resultaría una suma de factores cuyo resultado pareciera imposible o de origen perverso, irreversible, incomprensible a la luz de la ética y del bien como propósito, una siembra de mal que cosecha bien debido a la circunstancia, al contexto, al azar y a una suma de situaciones que derivan en la formación de un súper héroe diferente, genuino, que lo mismo es un adulto cercano a la tercera edad, que un rebelde sin causa debitando entre la adolescencia y la juventud. Guillermo del Toro hace de su trabajo en Blade 2, un pasaje portentoso de tonos oscuros que en Hellboy dará un color cobrizo a su pasaje por los comics.

Si alguna historieta hubiera estado elaborada para que el director mexicano pudiera ofrecer una visión de dos dimensiones, esa es Hellboy, donde su protagonista no envejece y debe adaptarse al paso de la historia al cruce de pasajes mágicos que separan el tiempo real con el fantástico de la historia y que construye portales entre el  mal y el bien como dos mundos opuestos pero incluyentes, en los que cohabitan seres mágicos y seres humanos. Una dualidad clave que se suma a la concatenación de pareos, despliega una confabulación que coloca en diferentes planos las dudas existenciales sobre la secrecía de la identidad, lo público y lo privado como ámbitos, ser y no ser parte de dos mundos y al mismo tiempo cobijarlos, así como atender a una vocación contraria para lo que se fue creado, hacer el mal y terminar haciendo el bien.

A diferencia de la primera entrega de Hellboy, Hell Boy 2 ofrece una aproximación más íntima del personaje hacia los mudos que habita, sea de forma sobrenatural, pluridimensional o el asumir la responsabilidad de una identidad oculta o de un heroísmo anónimo en un mundo pero reconocido en otro, Hellboy recuerda y anida los recuerdos de navidades que en la compañía de su padre, atesoran sentimientos recelosos, rebeldes pero siempre enternecedores en lo que pudiera considerarse una cinta con tintes políticos que  explora la guerra, la tregua, los acuerdos y desacuerdos de facciones al tiempo que da cuenta del amor y del sentido de la vida. da vida con una actuación de movimientos sugerentes al arte cual mimo, y a partir de él crea una atmósfera de introspección filial y fraterna que interrelaciona el amor como una motivación que el propio Hellboy experimentará desde su deseo de formar un hogar, construir una casa y ser resguardo de sus gemelos.

De Intriga y Amor 

Pero no sólo es la fantasía, el horror, la supervivencia desde las invenciones, los monstruos y seres capaces de habitar dos dimensiones, tampoco es el suspenso per se o el horror sorprendente, no es la guerra como un detonante de la realidad en la fantasía ni la aventura como encargo del destino, no es la ciencia y la tecnología en su avance dicotómico, es también la vida, la muerte y el amor que en diversas dimensiones se manifiesta para cimentar las variopintas bases narrativas y visuales del genio mexicano.

En La Cumbre Escarlata, Crimson Peak 2015, una trama sustentada en la fantasmagórica misiva que a modo de advertencia, da cuenta de la arcilla y los jales donde ésta se encuentra o se vislumbra, el director ganador del Premio Ariel, asienta las bases de la expectativa en la imaginación de quien anhela por una parte ser escritora, y por otra, afronta el desengaño como premisa de la vivencia que relatará tras su experiencia paranormal como guía.

La Cumbre Escarlata entrelaza la habilidad del director para manejar los engaños y secuencias del suspenso, que atienen a su influencia directa de Alfred Hithcock y Francois Truffaut, con la transformación de los fantasmas ante los descubrimientos que la protagonista confirma poco a poco, el fantasma negro es ahora una cofradía de espectros escarlatas como escarlata es la arcilla que ante la nieve baña el blanco por el rojo. Ilusión, ambición, incesto, tradición, engaño, espejismos, apariciones y una extraña infusión de la culpa como condena, conforman un serial de acciones continuas que convergen al color del dolor y de la tierra. No obstante la tragedia de la trama, del Toro presenta una alternativa redentora del fantasma en la libertad del personaje principal, y a la vez la delegación cual herencia de una pena que se sienta a tocar el piano por la eternidad, aquello que podemos hacer por amor hasta que alguien más pose sus pasos en el rojo de la arcilla que baña de sangre la nieve al invierno. Y es a través del amor donde el director despliega toda su sensibilidad y la empatía con la profundidad del amor irrealizable pero posible gracias a la capacidad de los amantes por sentirlo, La Forma del Agua, The Shape of Water 2017 es una película que conjuga un guión bellamente trazado por del Toro junto a Vanessa Taylor tanto en sus secuencias como en la profundidad de sus reflexiones, expuestas cual si fuesen soliloquios en diálogo.

Situada en la Guerra Fría, al medio de los avances científicos y tecnológicos que se desarrollaron tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, La Forma del Agua narra una historia íntima que pudiera resultar la simple historia de amor tras un encuentro fortuito, y que sin embargo, es la compleja manifestación de los sentimientos del corazón que de tanto sentir no sabe cómo cualificar las intensidades que remembran sus historias televisivas; una niña se adentra en las profundidades de la superficie y topa monstruos ante la inocencia.

Sus personajes permiten una relación de amistad y anhelos que fenecen en la eternidad como presenta El Laberinto del Fauno, es La Bella y la Bestia de Jean Cocteau la que viene a mi recuerdo al presenciar La Forma del Agua y sentir en la conexión de los personajes el fluir de una relación pluridimensional entre dos seres. En La Forma del Agua fluye una historia de amor entre dos seres vulnerables que contrastan la invisibilidad con la visibilidad y el alarido contenido con la mudez de las palabras que no pueden expresarse más sí sentirse en la caricia.

Sally Hawkins logra una actuación extraordinaria que bien cimienta su multifacética trayectoria y que alcanza matices oníricos, acompañados por las actuaciones igualmente soberbias de Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, y una vez más de Doug Jones, quien junto a Federico Luppi y Ron Perlman conforma el tridente de actores fetiches del director mexicano, Jones da vida a la criatura en esta propuesta fílmica que, tal como hemos enunciado anteriormente, revisita el debate teórico entre el romanticismo, el positivismo, la guerra y la paz, el avance dual de la ciencia y la tecnología, la modernidad y la posmodernidad en todas sus dimensiones narrativas y filosóficas desde el séptimo arte. La Forma del Agua es una trama de persecución que devela los sentimientos y avatares de la condición humana, el odio y la ambición, el amor y la compasión, que abre una pregunta generadora sobre los límites del ser humano ante sus acciones, ante su capacidad de sentir y abrazar los sentidos sin el prejuicio, que bien le valdrán sólidas nominaciones al Premio Óscar a Mejor Película, Guión Original y Director. En La Forma del Agua del Toro despliega un climático arcoíris de claroscuros temáticos que van de la ciencia ficción a la fantasía, de la fantasía al drama, del drama al thriller, y del thriller al suspenso para volver la trama hacia los acontecimientos históricos y a la imaginación de un amor que es libre porque se ama, y de una vida que aprisiona situaciones que al vivirlas se liberan.

Nota: Fotografía de portada Guillermo del Toro El Clarin.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

¡Gracias 2017, bienvenido 2018!

Faltan pocos días para despedir a 2017, en el ambiente la esperanza por lo que vendrá en 2018 se contagia.

Durante este año seguimos conociendo y compartiendo trabajos de realizadores iberoamericanos que desde cualquier lugar del mundo nos comparten sus historias en vídeo, documental, en largo o cortometraje, la música ha sido una constante en Filmakersmovie en estos 365 días que se nos van. Tailandia fue un país clave en nuestra internacionalización pues desde ahí nos llegaron sus historias.

Afianzamos nuevas alianzas de difusión con Universal, Corazón Films, Plaza Espectáculos, y Netflix Latinoamérica por mencionar algunas, siendo un referente para compartir sus noticias y artículos. Asistimos a premieres exclusivas para traerles la mejor información, cubrimos la visita de Tom Cruise a México. Si bien no somos una página de noticias rápidas, si somos un canal de comunicación especializada para la industria fílmica y cinéfilos dedicados.

Gracias al apoyo del FONCA – CONACULTA  México, estuvimos presente en el Primer Encuentro Internacional de Mujeres Trabajadoras de las Culturas y las Artes, realizado en Santiago de Chile y organizado por Gestoras en Red, donde tuvimos la oportunidad de presentar nuestro trabajo de difusión y producción a mujeres comprometidas por la cultura, el arte y la sociedad, audiovisuales, artistas y artesanas que esculpen el presente del “artivismo” en sus regiones y países.

Este año, recibimos físicamente el Reconocimiento de Mejor Página de Entretenimiento otorgado por la Asociación de Internet MX, por la estrategia digital “un lugar común para contar historias”, si bien la entrega se realizó en diciembre del año pasado, por fin podemos tocar esta presea que reconoce el esfuerzo no sólo de todo el equipo, sino el gusto de las personas que nos ven, nos leen y nos visitan.

Seguimos de cerca y colaboramos con la difusión solidaria de avisos importantes que pudieran brindar la información necesaria a los voluntarios que se hicieron presentes en las labores de rescate en los sismos de septiembre ocurridos en nuestro país.  El cine nos une.

Por primera vez se incluyó una muestra de Filmakersmovie dentro de la programación del Festival de Cine de Irapuato que se realizó los primeros días de diciembre, donde invitamos a participar a algunos de los realizadores que han compartido sus producciones con nosotros, del mismo modo estrenamos producciones originales como “El Ítamo” y “La Voz Humana” que sólo se habían exhibido en televisión. Estamos muy agradecido con los organizadores por incluirnos e invitarnos a este esfuerzo por festejar y celebrar el cine en México.

Nuestra extensión Filmakers Media Content, dedicada a la producción comercial de piezas publicitarias audiovisuales se vio reconocida por la nominación obtenida en los reconocidos premios Pantalla de Cristal, con el film Hazlo UPAEP, en la categoría de Mejores Valores de Producción en Pantalla.

Galería

Estamos seguros que el nuevo año nos traerá nuevas historias, historias plenas de logros obtenidos, de lucha, de satisfacciones pero sobre todo de amor en todas las manifestaciones.

Gracias por acompañarnos un año más, que se venga un 2018 espectacular y #QueSigaElCine.

¡Felices Fiestas!

Perla Atanacio

CEO Filmakersmovie / Filmakers Media Content

Equipo Filmakersmovie.com

México, 2017

ECUADOR, los hemisferios poéticos de Ana Jimena Sánchez

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Ecuador, segundo poemario en el periplo literario de Ana Jimena Sánchez Ruiz, prosigue las amarras soltadas a la fragata de Intradiegético, su ópera prima. Ana Jimena hace del Ecuador una totalidad y un fragmento de muchos que circundan y desprenden paralelos, que convergen puntos equidistantes, que son norte, que son sur, que son centro y periferia, meridianos en la palabra, polos en verso donde habitan las estaciones cual primavera. Ecuador es una estación que de suyo invita, incita y permanece como poema sin pausa y sin prisa. Ecuador es un latido del corazón envuelto en la alegría de la noche, en su tristeza, en la melancolía del hambre en el río, en el gozo que hierve las venas del cauce que alimenta lagunas luminosas y mares brillantes, como brillante es esa estrella que entre muchas despunta para única mirarse como la vida se mira, como la vida se vive, desde el Ecuador de los sentidos.

Ana Jimena despliega la libertad de quien es libre para correr hacia los ejes de la tierra en un viaje de ida y vuelta, para volar en sus alas abiertas, como abiertas son las alas de quien es libre porque su pensamiento emancipa razones y en su actuar se vuelca como un torrente poético que siente, que sabe, que prueba, que en la humedad suplica, que es petición y pregunta, que es siembra y respuesta, que cosecha el renacer del maracuyá  en la sequía. Las mujeres  al Ecuador amaron, las mujeres aman y no hay mayor tropiezo que no ceder a la cercanía de la caricia ni más virtud que no dejarse cobijar por el asombro, por el gozar del gozo, por el aroma de la tierra.

Sánchez Ruiz inquiere al verso, el cómo sabrá esa uva que no se atreve uno a morder, pero que retoza, pero que seduce, pero que ansía, el cómo sabrá ese deseo que habita como la palabra en el silencio cuando se expresa. Países hechos a dos sendas que se encuentran en Guaratenco y Yucamaní, en los ejércitos que devoran ilusiones donde hogares abrazan. Jimena al Ecuador arenga porque el ardor no se vaya de nuestras bocas como no se vaya la noche cuando hay un beso, las coplas, los cantos, los amores, los pueblos, las notas. Los fierros oxidados de una vida sin tu nombre en Ecuador se nombra, en esa lluvia que desnuda, que será veneno, que será el amor, el paraíso, del sol las fotos, de árboles  imágenes, sonidos, las voces.

En Jimena Sánchez la palabra es cuerpo y es carne, es espíritu y alma que se bebe y comparte, es ese río donde cohabitan los éramos dispares. El Ecuador de los paisanos, de los extraños, de los amores, de los amantes, de la confesión a la hermana por la amada extranjera que al Ecuador navega pero aquieta, pero lejana calma. Es Ana Jimena Sánchez la poeta que detalla el Ecuador sin detalle y a pura poesía pura, un otoño que desaparece hacia la piel del cristal, de lo deseado, de palíndromos capicúas en la métrica libre y de versos exactos. El poema 26 sugiere el temblor de la vida y el poema 28 define: «Es río, irse», y define porque fluimos porque vamos, porque de sus versos renacen veranos largos.

Las  bellas imperfecciones que Ecuador sugiere,  residen donde duele la nostalgia por extrañar el pasado, tu pasado, nuestro pasado, donde la poeta quiere que nunca se vaya la poesía de nosotros, donde la poeta recita e implora navegar al ecuador en esa barca que inspira, abrazar de la vida sus luces, sus sombras, sus versos, armonías,  porque al vivir el mundo en poesía, sea otoño sea invierno, se viven las estaciones cual primavera, esa primavera perenne cuando se ama, como Ana ama su poesía.

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Cine de culto

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El cine de culto contempla aquellas películas valoradas con algún grado de admiración por parte de la cultura popular, ya sea por su particular realización o temática, y/o por el legado social o cinematográfico que logran con su existencia. El término comenzó a usarse cuando los seguidores y fanáticos, desde los inicios del cine, luchaban por mantener presentes películas que comenzaban a ser olvidadas por el paso del tiempo o la censura.

Cuando algo es considerado un objeto de culto, destaca entonces por el valor que sus seguidores le otorgan. Hay literatura de culto, por ejemplo, en donde se considera a escritores fieles a su visión, creativos e innovadores, que salen de las normas establecidas por lo convencional para crear nuevas propuestas. El libro “En el camino” de Jack Kerouac es un ejemplo, importante por su representación del movimiento Beat con eco e impacto no sólo para su época, sino también para las generaciones siguientes.

Se entiende que culto es el ser humano que posee una amplia formación intelectual y práctica, pero también se sabe que el objeto de culto es algo que se considera digno de ser venerado, que es tratado con admiración y respeto. En el cine, el calificativo “de culto” aplica a aquellos realizadores o películas que transforman el área en la que trabajan para proponer una nueva visión, no siempre mejorada, de cómo abordar su ramo. Los realizadores de culto en el cine se caracterizan por romper con los convencionalismos de la cinematografía, ya sea en su elaboración o contenido. Las películas de Ed Wood, por ejemplo, películas de clase B (de bajo presupuesto), se convirtieron en películas de culto por esa peculiaridad, tener una producción carente (a veces en historia, efectos especiales o actuación), que no sólo se notaba, sino que la exageraba a su favor, atrayendo por esa misma razón a su audiencia y a veces también a la crítica especializada.

Pero películas de culto como El mago de Oz, Memento o Blade Runner han entrado a la categoría por lo detallado de su realización, desde dirección, historia, temática o actuaciones. Estas historias del cine sólo se vuelven relevantes dentro de la cinematografía y los géneros a los que pertenecen por ese impacto que hacen dentro de su propio rubro, por los efectos generados de admiración y entusiasmo en el público que las disfruta, sentando nuevas posibilidades para la realización de historias y la forma como se cuentan.

Memento, por ejemplo, sorprendió por su narrativa no lineal con que desenvuelve su historia, mientras Blade Runner lo hizo por la forma como abordó su temática, combinando la ciencia ficción con preguntas reflexivas sobre la existencia del hombre, encontrando su discurso crítico envuelto en un filme de acción y misterio, lo que la hizo sobresalir y destacar para llegar a ser aceptada por el público y los analistas, pero en especial por lograr perdurar con el tiempo, manteniéndose presente en la cultura gracias a sus seguidores.

Naranja Mecánica o The Rocky Horror Picture Show destacaron dentro del cine, volviéndose cine de culto, por la forma en que proponían sus temas y abordaban sus historias, atrayendo a una audiencia específica dentro de la cultura y su sociedad. Su tratamiento fuera de lo convencional cumple con el propósito de alejarse de las audiencias masivas o de cubrir las expectativas del cine comercial. La clave es ser diferente y ofrecer propuestas diferentes, ganando así la aceptación de la audiencia que reconoce esa diversidad; aunque no todo cine poco convencional puede ser calificado como cine de culto.

La principal característica de las películas de culto es romper moldes para alejarse de la fórmula estructural, de la norma, ya sea en la forma en que se cuenta la historia o se acerca a su audiencia, la forma en que aborda su género cinematográfico o las reglas del mismo. Para hacerlo no pueden caer en lo habitual y muchas veces ello conlleva polémica o censura (Freaks, Blow-up, Showgirls o Psicosis son ejemplo de ello), o a exagerar la nostalgia, historias que el mismo público sigue haciendo presentes por iniciativa propia (como Nosferatu, Desayuno en Tiffany’s, Matrix o El proyecto de la bruja de Blair).

Las películas de culto también crean un impacto en la cultura, generando innumerables grupos de seguidores que se involucran con la historia y la hacen presente en su medio y contexto; pero de igual forma, no todas las películas con grandes números de seguidores pueden considerarse películas de culto; las películas de X-Men, por ejemplo, cuentan con miles de seguidores, pero esa sola característica no las hace de culto.

La saga Star Wars, por su parte, cumple con ambas características que la hacen de culto. Sorprendió con su realización y con el tipo de ciencia ficción que presentaba con el universo ficticio que creó, pero también con su tipo de producción en inventiva, personajes, misiones, vestimenta y, en general, su visión del futuro con que envolvía la historia que contaba. Su legado como cine de culto se sustenta en ese impacto dentro del mundo del cine, a la par de su legado dentro de lo cultural, que traspasa barreras de tiempo y espacio, donde los seguidores se ven tan inmersos en la película y su mundo creado que lo mantienen presente en el colectivo con el paso de los años, con representaciones de la historia, celebraciones de conciertos con la música de la película, participando en eventos relacionados al filme, vistiéndose como sus personajes favoritos y coleccionando todo lo relativo a ellos. Es la conjunción de todas estas características lo que la hace un ejemplo representativo del cine de culto.

De esta forma, muchas de estas películas incluso pasan a ser, además de cine de culto, cine clásico, que son las películas de referencia en la historia de la cinematografía, ya sea por su aporte al séptimo arte (en cuestiones técnicas de filmación como lo hizo Alfred Hitchcock con Vértigo), o en la cultura social que se adueña de estas historias (Vaselina, Akira o Kil Bill son  ejemplo de ello).

No todos los clásicos son películas de culto, ni todas las películas de culto son también cine clásico, pero lo que hace que un filme pertenezca a ambas categorías es la forma en que la sociedad y el público aceptan o rechazan un proyecto, y lo adhieren a una cultura o su subcultura específica. Películas como Hostel o Saw pueden ser de culto dentro del cine de terror gore, gráfico y violento, pero dentro de la cinematografía como séptimo arte, la técnica y realización no aportan elementos valiosos para su evolución, es decir, no logran trascender a cine clásico. El cantante de Jazz, por ejemplo, es el caso contrario, porque tanto es parte de la cultura popular como también es relevante dentro del cine por ser significativa históricamente respecto a la transición del cine en blanco y negro al de color. Esta historia es tanto cine de culto como cine clásico.

La presencia de este tipo de cine nunca se agota, porque no necesariamente debe ser comercial o agradar a la crítica, ni ser aceptado por todo el público o siempre ser artístico, pero tampoco debe ser forzosamente un fracaso comercial, ni ganar el mayor dinero en taquilla; porque puede ser valorado al momento del lanzamiento o, por el contrario, años después de haberse estrenado, porque puede crear tantos subgéneros (el cine gore, el slasher, el de carreras clandestinas automovilísticas, el de animación o el cine gay, por ejemplo ) como legiones de fanáticos que lo reconozcan como tal.

Este es un cine que crea impacto en la cultura cinematográfica, con enfoque creativo que atrae la atención, al mismo tiempo que perdura dentro del colectivo social. Las posibilidades, gracias a estas características, son inmensas, aunque el calificativo no se adquiere ni se gana de la noche a la mañana, a pesar de que el término se ha vuelto más subjetivo y comercial con el paso del tiempo. Lo significativo para conceptualizarlo será el grupo de seguidores, de cinéfilos, que se conformen para rendirle culto, para integrar una secta (en el sentido de comunidad) que convierta a la película en objeto de su idolatría.

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Reflexiones sobre guionismo

Hace algunos meses se presentó en la Universidad Autónoma del Estado de Puebla el libro «Reflexiones sobre guionismo» escrito por Diana Miriam Alcántara Meléndez,  su primer libro «De Cine» aborda, desde su perspectiva, la historia del cine así como del quehacer de este arte desde todas las aristas posibles. Este segundo texto ahonda en el quehacer de escribir historias compartiendo una de sus creaciones.

Conversamos con ella y esto fue lo que nos dijo.

¿Cuál es el tema de «Reflexiones sobre guionismo»?

Guionismo al 100%, abordado de una manera teórico-práctica accesible y dinámica. La idea es que la gente que trabaja o estudia en el ramo se enriquezca de estas reflexiones sobre el arte de escribir historias, y que las experiencias plasmadas en las páginas también se conviertan en una forma de aprendizaje, en sus propias experiencias. Pero el libro también es para la gente que no se especializa en el área; que en el libro encuentre la inspiración por la narrativa escrita, tanto al invitarla a analizar las películas como hacer lo mismo con el mundo que le rodea. Contar historias es parte de nuestra vida y el libro aborda tanto ese proceso creativo de construcción, como específicamente los lineamientos que sigue un escritor de guiones para la creación de su trabajo.

¿Cómo surgen estas reflexiones?

El proyecto surge a raíz del guión realizado en el Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades que cursé en la Universidad Autónoma de Barcelona. El trabajo final era hacer un guión de largometraje. Al finalizar, lo importante era no sólo compartir esa historia, ese guión y su contenido, sino también el proceso que llevó a lograrlo, el camino recorrido, desde el aprendizaje teórico hasta las reflexiones, dudas y preguntas que surgen en la mente del guionista. Entonces, para darle forma, también era importante ahondar y profundizar en cuestiones propias de la escritura de guiones, como los términos especializados del lenguaje audiovisual, el formato que se usa en el medio o las teorías narrativas que van inmersas en el proceso. El todo, ya ordenado, conforma el libro, tanto la perspectiva académica como el guión de largometraje que lo inició todo.

¿Cuánto duró el proceso?

Es un proyecto que se construyó en diferentes fases. El primer borrador del guión que se incluye debió completarse en tres meses, durante el Máster, pero el proceso de revisión y «rescritura» tomó varios meses más. A partir de ese momento surge la idea del libro, publicar el guión, añadiéndole un sentido reflexivo y académico sobre la escritura de este ramo. Todo ese contenido sobre análisis, información y reflexiones fueron recabadas con los años, no sólo durante el Máster, sino también durante otros estudios de guionismo que he realizado, específicamente el Programa de Guionismo que cursé en la escuela de cine de Vancouver, años antes.  Seleccionar varios de estos temas, ya abordados en artículos publicados, darles forma, añadir contenido y construir la parte más práctica en la que abordo la experiencia de escribir el guión específico que viene en el libro (titulado ‘Olvido’) y cómo fue su proceso creativo, fueron aproximadamente otros seis meses más de trabajo, revisiones y correcciones.

¿Qué podemos encontrar en «Reflexiones sobre guionismo»?

Mucho análisis sobre el proceso creativo de construcción de historias. La primera parte del libro aborda lo que es la narrativa y específicamente la narrativa audiovisual, desde qué parámetros hacen a un guión a un guión, hasta por qué es importante realizarlo, pero también incluye información como qué elementos conforman una historia y qué preguntas debe hacerse y responderse un escritor ante un relato. La segunda parte habla de cómo fue construir ‘Olvido’, cuya finalidad es poder compartir un panorama de qué sucede cuando el escritor se encuentra frente a su historia y cómo hacerla el mejor guión posible. Finalmente, el libro se completa con el guión del largometraje ‘Olvido’, de mi autoría, una historia de ciencia ficción que ahonda en temas, a través de sus personajes y sus historias, como la identidad, los medios de comunicación o el uso de la tecnología en el mundo posmoderno.

¿Qué guiones o guionistas ejercen influencia sobre ti?

Desde que se estrenó ‘Chicas Pesadas’ me volví gran fan de Tina Fey; me parece un ejemplo importante de cómo abrirse puertas en varios ámbitos del medio a través de tu trabajo, y ella específicamente la comedia. También están Aaron Sorkin, porque cada proyecto en el que participa como guionista, es un trabajo es sorprendente; Alex Garland, que tiene un tino para hacer lo extraordinario, más sorprendente aún; y cualquier proyecto en el que participe la cineasta Brit Marling, ya sea colaborando con Zal Batmanglij o Mike Cahill, sus proyectos son el tipo de ciencia ficción que me interesa y anima.

¿Qué es lo que más disfrutaste del texto?

Hay gente que piensa que un guión sólo sirve si se vuelve película (o serie o proyecto audiovisual). Yo creo que, aunque un fin importante y único de un guión es, en efecto, que sea filmado, también creo que leer un guión es un gran placer y que, como narración escrita, es una vía muy accesible para aprender, reflexionar y compartir una historia. No es igual que una novela, pero también despierta la imaginación; no es una película, pero puede ‘leerse’ como tal. Es ver las posibilidades de un guión, más allá de su función camino a la filmación. Además, específicamente aquí, ‘Olvido’ es un guión dentro del género de la ciencia ficción, que en México se ha dejado casi olvidado en últimos años. Lo importante es acercarse, aquí o en otras industrias cinematográficas, a hacer cine, hacer guiones, desde otras perspectivas y propuestas.

¿Quieres compartirnos algo más?

Espero que a la gente encuentre en las páginas de este libro un gran gusto por la palabra escrita y por la construcción de historias, y que al mismo tiempo le inspire a escribir también, tal vez no historias como estas, tal vez no guiones, pero sí aquello que le inquieta y le interesa, que le estimula o que le mueve, que le anima e incluso lo que no entiende. Escribir es enriquecer la mente y enriquecerse uno mismo.

Agradecemos a Diana Miriam el tiempo dispuesto para esta entrevista, que sigan los éxitos y la escritura.

«Reflexiones sobre guionismo» puede ser adquirido en las librerías de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, BUAP .

Leer textos de Diana Miriam Meléndez Alcántara en Filmakersmovie.

Redacción Filmakersmovie.

Las series que definieron 2017

Una mirada a las series que los mexicanos vimos y a los datos maratoneros
que definieron nuestro año.

NETFLIX.- Un año más que termina con muchas lecciones… Aprendimos a lavar dinero (Ozark), a descifrar asesinos seriales (MINDHUNTER); aprendimos que la vida es mejor en el ring (GLOW) y que es igual de loca sin Pablo (Narcos). Comprobamos, una vez más, que no hay que meterse con Eleven (Stranger Things) y que los Cuervos vuelan muy alto (Club de Cuervos). Lo único que no supimos… ¡¿quién dibujó los penes?! (American Vandal).

El 2017 nos trajo mucho aprendizaje, pero también muchos maratones: los miembros de Netflix alrededor del mundo vieron más de 140 millones de horas al día (un poco más de mil millones a la semana). El día que más contenido vimos¹  a nivel mundial fue el 1 de enero: un día del año y ya necesitábamos nuestro maratón de Netflix. Por su parte, en México fue una semana después de arrancar el año: el 8 de enero.

Este año Netflix recibió más de mil propuestas de matrimonio en redes sociales, pero los mexicanos demostraron su amor con acciones: son el primer lugar a nivel global en cantidad de miembros que ven Netflix TODOS LOS DÍAS.

Los que aún nos tienen confundidos: el que vio Piratas del Caribe: La maldición del Perla Negra 365 días seguidos, así como el mexicano que vio Monsters Inc. 364 veces; una hazaña extraordinaria, sobre todo si pensamos que el miembro promedio vio 60 películas en Netflix este año.

Hay mucho qué decir sobre lo que los mexicanos vimos en 2017, pero cómo lo vimos resulta muy intrigante. A pesar de que los maratones fueron muy populares este año, no todas las series se disfrutaron de la misma manera: algunas se devoraron, otras se saborearon, con algunas fuimos infieles y otras nos inspiraron a ver en familia…

Las series que devoramos en 2017

Este año nos enganchamos y devoramos (vimos más de dos horas al día) series dramáticas de crimen como Suburra: Blood on Rome, Shooter y El Chapo. También buscamos incansablemente las respuestas haciendo maratones de The Keepers.

Las series que saboreamos en 2017

Este año necesitábamos reír, por lo que disfrutamos saboreando (viendo menos de dos horas al día) comedias comoDisjointed, GLOW, y Santa Clarita Diet. También nos detuvimos a ver The Crown y Una serie de eventos desafortunados con calma… más que nada porque el espectáculo visual lo amerita.

Las series que nos hicieron ser infieles en 2017

No pudimos resistir y nos adelantamos a nuestras parejas. ¿Qué programas nos convirtieron en infieles? Los thrillers:Narcos, El Chapo y Black Mirror, pero también las comedias como Club de Cuervos, que, por cierto, también es la serie más supermaratoneada del año.

Las series que nos inspiraron a ver en familia en 2017

Ya sea por la aventura, la amistad o por el nuevo papá, Steve, los miembros de Netflix nombraron a Stranger Thingscomo la mejor serie para ver en familia. La nostalgia también fue un factor común en otros programas como Star Trek Discovery, Gilmore Girls: Un nuevo año y Fuller House.

Metodología

¹ La popularidad se midió tomando el promedio de horas vistas por día por miembro entre el 1.º  de noviembre de 2016 y el 1.º  de noviembre de 2017.
^2/3 Las series vistas por menos de dos horas al día se identifican como las «saboreadas». Las series vistas por más de dos horas al día se identifican como las «devoradas». Los datos incluyen nuevas series o nuevas temporadas de series originales de Netflix lanzadas entre el 1 de noviembre de 2016 y el 1 de noviembre de 2017.
⁴ Basado en una encuesta con más de 60 000 respuestas a miembros de Netflix realizada entre el 24 y el  30 de octubre de 2017. La muestra es representativa de una población adulta que ve series de televisión en pareja en 32 países. La encuesta incluye series nuevas o temporadas nuevas de originales de Netflix lanzadas entre  el 1 de noviembre de 2016 y el 1.º de noviembre de 2017.
⁵ Basado en una encuesta con más de 60 000 respuestas a miembros de Netflix realizada entre el 24 y el 30 de octubre de 2017. La muestra es representativa de una población adulta que ve series de televisión con su familia en 32 países. La encuesta incluye series nuevas o temporadas nuevas de originales de Netflix lanzadas entre  el 1 de noviembre de 2016 y el 1.º de noviembre de 2017.

Acerca de Netflix
Netflix es el principal servicio de entretenimiento por internet en el mundo. Con una presencia que supera los 190 países, más de 109 millones de personas disfrutan más de 125 millones de horas de programas de TV y películas por día, incluidos los documentales, las películas y las series originales de Netflix. Los miembros de Netflix pueden ver lo que quieran, cuando quieran, en casi cualquier pantalla conectada a Internet, y pueden reproducir, pausar y ver un título, sin publicidad ni compromisos.

Fuente:

Eureka & Co.

Netflix México

Serie de Luis Miguel Inicia grabaciones en CDMX

Los Angeles| Netflix | 16 de noviembre de 2017– La serie original de Netflix, oficialmente autorizada y basada en la vida de Luis Miguel, el internacionalmente astro musical y artista discográfico multi-platino galardonado con el premio Grammy, inició grabaciones en la Ciudad de México. La serie cuenta con el cantante y actor mexicano Diego Boneta como Luis Miguel, y con un elenco estelar que incluye a Camila Sodi dándole vida al amor de Luis Miguel; Oscar Jaenada como su padre y Paulina Dávila como su primera novia. Producida por Gato Grande Productions, en unión con Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc (MGM), la serie estrenará exclusivamente en Netflix en América Latina y España en el 2018 y en en los Estados Unidos y Puerto Rico en Telemundo.

Mejor conocido por su participación en exitosas producciones mexicanas y de Hollywood incluyendo Rock of Ages yScream Queens de FOX, Diego Boneta protagoniza la serie como Luis Miguel; Oscar Jaenada, quien interpreta al papá de Luis Miguel, Luis Rey, es un galardonado actor español con el premio Goya que ha estelarizado exitosas películas como The Shadow y Snatched, y próximamente el largometraje de Lionsgate: Chaos Walking, y la película dirigida por Terry Gilliam, The Man Who Killed Don Quixote. Camila Sodi, reconocida actriz y cantante quien ha participado en numerosas películas taquilleras, será la novia de Luis Miguel. Paulina Dávila, quien ha trabajado en importantes películas y producciones televisivas, le da vida al primer amor de Luis Miguel. Juan Pablo Zurita, uno de los influencers más importantes de América Latina, será Alex, hermano de Luis Miguel. La serie también contará con el actor argentino César Bordón como Hugo López, Vanessa Bauche como la directora de prensa Rosy Esquivel, y el actor Andrés Almeida como el contable Armando Serna.

En esta producción se unen  gigantes del entretenimiento como Netflix, la principal servicio de entretenimiento por internet en el mundo. Con una presencia que supera los 190 países, más de 109 millones de personas disfrutan más de 125 millones de horas de programas de TV y películas por día, incluidos los documentales, las películas y las series originales; NBCUniversal Telemundo Enterprises, compañía de medios de clase mundial, líder en la industria en la producción y distribución de contenido de alta calidad en español para los hispanos en los Estados Unidos y para el público alrededor del mundo; Gato Grande, empresa conjunta entre MGM quien desarrolla y produce contenido de alta calidad en Español y el productor Mark Burnett, diez veces ganador del Premio Emmy y Presidente de MGM, Television Group y Digital. Burnett ha producido más de 3.200 horas de programación de televisión, que se transmite regularmente en más de 70 países en todo el mundo.

Le deseamos suerte a toda la producción, esperando que el resultado deje satisfechos a los seguidores del ícono de la música hispana.

Fuente:

Eureka & Co.

Netflix.

Celebramos a todos aquellos médicos que se preparan para ofrecer sus conocimientos en beneficio de la humanidad, cualquiera que sea su grado de especialización, sin duda, la mejor de todas es el trato que le brindan a sus pacientes.

¡Gracias a todos los médicos en su día!

Tienen fama de galanes, rompe corazones y tiernos, pero sobre todo grandes seres humanos.

Aquí algunos de ellos…

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DR. YURI ZHIVAGO | Omar Shariff

Doctor Zhivago

Dir. David Lean | Estados Unidos 1965 | Basada en la novela homónima escrita por Borís Pasternak

DR. ALBERTO ROBLES | Arturo de Córdoba

El Rebozo de Soledad

Dir. Roberto Gavaldón | México 1952

DR. JOHN FRANCIS XAVIER «Trapper John» McINTYRE,  DR. AUGUSTUS BEDFORD»Duke» FORREST y DR.BENJAMIN FRANKLIN «Hawkeye» PIERCE

Elliot Gould, Tom Skerrit, y Donald Sutherland

MASH  | Dir. Robert Altman , Estados Unidos 1970

DR. BOCK | George C. Scott

The Hospital

Dir. Arthur Hiller | Estados Unidos, 1971

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DR. MALCOM SAYER | Robin Williams

Awakenings

Dir. Penny Marshall | Estados Unidos, 1990

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DR. MATTHEW CLARK | Burt Lancaster

A Child is Waiting

Dir. John Cassavetes | Estados Uniodos 1963

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 DR. HUNTER «Patch» ADAMS | Robin Williams

Patch Adams

Dir. Tom Shadyac | Estados, Unidos, 1998 | Basada en la novela Gesundheit: Good Health is a Laughing Matter, de Adams y Maureen Mylander

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DR. SALVADOR MEDINA | Mario Moreno «Cantinflas»

El Señor Doctor

Dir. Miguel  M. Delgado | México, 1965

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DRA. MICHAELA QUINN «Dr. MIKE»

Dr. Quinn, Medicine Woman

Serie creada por Beth Sullivan | Estados Unidos,  1993-98

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DR. GREGORY HOUSE

House. M.D.

Serie creada por  David Shore | Estados Unidos, 2004 – 2012

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DR. APOLO ATANACIO

Médico real, de carne y hueso.

Cine y salud | Filmakersmovie.com | Chinaco Broadcasting

Médico que combina el cine y la medicina a través de cortometrajes y artículos.

ARTÍCULOS

¡Nuestro reconocimiento a todos los médicos en su día!