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No estoy Loca, la nueva comedia de Nicolás López

SOBRAS INTERNATIONAL PICTURES, la productora de Nicolás López y Miguel Asensio Llamas lanzan el trailer de su nueva producción tras el éxito de la trilogía Que Pena Tu Vida.

«No estoy loca» es el décimo largometraje dirigido por López, quien vuelve a incursionar en la comedia luego de «Sin Filtro«, que con 1.290.000 espectadores superó a todos los blockbusters del 2016 en Chile, incluyendo Zootopia, Captain America: Civil War, Batman vs. Superman y Escuadrón Suicida.

«No estoy loca» se centra en la historia de Carolina (Paz Bascuñán) quien tiene una vida perfecta, hasta que descubre que no puede tener hijos… el mismo día que su esposo (Marcial Tagle) la deja por su mejor amiga (Fernanda Urrejola)… a quien acaba de dejar embarazada. 

El quiebre emocional hará que Carolina pierda sus cabales, razón por la que es internada en una clínica psiquiátrica, donde conocerá a un grupo de ‘locas’ que la ayudarán a sanarse y reencontrar su camino.

El filme protagonizado por Paz Bascuñán cuenta con las actuaciones de Marcial Tagle, Antonia Zegers, Carolina Paulsen, Alison Mandel, Luis Pablo Román, Josefina Cisternas, Ariel Levy, Fernanda Urrejola, Ignacia Allamand, Ramón Llao, Gabriela Hernández y Loreto Aravena.

«No estoy loca» es una producción apoyada por Banco Estado y Entel, Canon, H&M, Honda, Huawei, Caras.

Nicolás López estrenará este año su primer película para México: Hazlo como hombre.

El remake mexicano de QUE PENA TU VIDA, estrenado en Diciembre de 2016 llevó a un millón de personas al cine y pronto debutará la versión mexicana de SIN FILTRO, la que se une al remake español (protagonizada por Maribel Verdú) actualmente en rodaje y las prontas adaptaciones en Argentina, Brasil, Alemania, Turquía y Francia.

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No estoy Loca

Dir. Nicolás López

Chile, 2017

Para conocer más sobre la cinta:

facebook.com/noestoylocapeli
instagram.com/sobraspictures
#NoEstoyLoca

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Fuente:

Andrea carvajal

Plaza Espectáculos Chile.

ROMANCES, la variopinta joya de Luis Miguel

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

En el otoño de 1991, emblemático año del eclipse solar que vistió de claroscuros a varios países en el mundo, el año de la muerte de Freddy Mercury, y a su vez el año de la “Tormenta del Desierto”, la industria musical de habla hispana se iluminaría con notas que décadas atrás habían ocupado los anhelos, deseos y suspiros románticos ahora vueltos nostalgia: los boleros. “Inolvidable”, bolero de 1944, autoría del pianista cubano Julio Gutiérrez, cimbraba con total estruendo las radiodifusoras latinoamericanas. Luis Miguel, el mismo intérprete que consolidaba su estatus de gran figura con el disco “20 años” 1990, sorprendía a toda la comuna sonora. Los acordes de “Inolvidable” eran solo el inicio de un disco fundacional que, envuelto en el pasado, definía el presente musical latinoamericano. Noviembre de 1991 será recordado por el lanzamiento de “Romance”, primera entrega del serial romántico del cantante mexicano, que combinaría en sus diferentes ediciones, boleros, baladas y tangos. En otra entrega hablaremos de Los Romances como un concepto que derivó cuatro álbumes, “Romance” 1991, “Segundo Romance” 1994, “Romances” 1997 y “Mis Romances” 2001, aunados al  compendio “Todos los Boleros” 1998 y “Mis Boleros Favoritos” 2002. Nadie hubiese imaginado que esa mágica noche de 1989, en pleno furor del disco “Busca una Mujer” 1988, cuando Luis Miguel y el compositor Armando manzanero compartirían algunos boleros en un programa nocturno conducido por la actriz Verónica Castro, produciría a posteriori, uno de los discos más vendidos en la historia de la música grabada en español -aproximadamente 15 millones de copias- y contando, una serie de joyas musicales que a modo de concepto, son ya parte de la fonoteca nacional. Y es justo “Romances”, tercera entrega del premiado romancero, a la que celebramos en su vigésimo aniversario, un álbum que destaca como ninguno en el serial romancero, la calidad interpretativa, el registro vocal y la riqueza referencial del mejor álbum del catálogo.

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En “Segundo Romance” Luis Miguel produjo el álbum en colaboración de tres compositores vitales de su carrera, Juan Carlos Calderón, responsable de varios álbumes del astro mexicano, el ya citado Manzanero y Kiko Cibrián, quien alcanzaría su cenit como compositor y arreglista con “Aries” 1993, uno de los mejores álbumes pop de la década de los noventa. Esta colaboración diversa, brindó un corolario interesante al disco, le imprimió un sello muy particular, y logro posicionar varios éxitos con gran impacto, como “La Media Vuelta” de José Alfredo Jiménez, “Todo y Nada” de Felipe Garrido, “Delirio” de César Portillo de la Luz a inspiración visual del bossannova en homenaje a Joan Carlos Jobim, y “El Día que me Quieras” el clásico por excelencia del cancionero argentino, compuesto por Lepera y el inmortal Carlos Gardel. Esta suma de colaboradores del pasado y presente, volvió a presentarse en la carrera de Luis Miguel en 2006, cuando el disco “Navidades” presentó la participación de Juan Carlos Calderón y Armando Manzanero. “Romances” dio un viraje hacia la obra primigenia e 1991, y presentó por una parte el regreso del maestro argentino Bebú Silvetti, quien incluso aporta una canción de su autoría, y varias composiciones de Manzanero donde sobresale  “Por Debajo de la Mesa”, que tal como sucediera con “No sé Tú” en el primer Romance, brindaría un sello distintivo al disco. A diferencia de “No sé Tú” que fue un sencillo de confirmación, “Por Debajo de la Mesa” enarboló la nueva producción lanzada en 1997. La epifanía del álbum fue premiada con el Grammy Estadounidense, reconocimiento que había alcanzado ya el “Segundo Romance” y que injustamente no alcanzara el mítico “Romance” a pesar de ser nominado.

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La innovadora introducción de “Romances”,  comienza con una canción doble de Armando Manzanero, “Voy a Apagar la Luz” y “Contigo Aprendí”  suave y evocador aviso del armonioso contenido que devendría con “Sabor a Mí” de Álvaro Carrillo. El disco avanza hacia la multiplatino “Por Debajo de la Mesa”, y para entonces el escucha está ya cautivo, esta canción además es el único sencillo que tuvo videoclip de promoción, un elegante audiovisual lleno de clase, distinción y a la vez vulnerabilidad del cantante como personaje, una propuesta de nostalgia que recordaría los años de las bandas y orquestas nocturnas neoyorkinas.

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José Antonio Méndez y su bella “La Gloria Eres Tú”, prosigue la pausa y recuerda los acordes que Chamín Correa había dado a “La Barca” en la primera entrega. La quinta canción es un portento estilo Manzanero, “Amanecer” que da continuidad a la celebración del amor y su circunstancia, misma que justo a la mitad del disco, da paso al desamor, a la asimilación de la costumbres, de la necesidad y el desamparo amoroso mediante “Encadenados” de Carlos Arturo Briz, y para cerrar la primera mitad del disco, no nos abandona sino da el productor un guiño de esperanza tras la separación, Consuelito Velásquez aparece con la canción que a vox populi acumula mayor cantidad de versiones, desde la inicial con Emilio Tuero 1941, pasando por la versión melodiosa de Pedro Infante en “A Toda Máquina” 1951, de Ismael Rodríguez, hasta las versiones que Frank Sinatra y Los Beatles realizaran a la misma. El disco ha ya cumplido con creces la expectativa, y es entonces donde se adentra en la segunda mitad del álbum  y que, para mi gusto, es la que ofrece el más complejo, rico y variopinto mosaico interpretativo del cantante en un disco de boleros. Luis Miguel la interpreta de forma rítmica, alegre y bailable, haciendo de su versión una alternativa apuesta, a la que continua la poderosa balada “Contigo” de Silvetti y Silvia Riera, mi favorita del disco, para después retar a la crítica con  un clásico monumental, “Noche de Ronda” de Agustín Lara. Prueba superada para aliviar un poco la tensión y deleitar al escucha a través de “El Reloj” de Roberto Cantoral. Una vez que el disco ha cumplido su decena y satisfecho la obra, irrumpen las canciones de ofrenda, “Júrame” de María Grever, que tanto se ha especulado se compusiera durante la estancia de la compositora en Xalapa, Veracruz, y “De Quererte Así”, composición traducida del gigante francés Charles Aznavour. Dolosa y sensible, esta canción hace del álbum un siendo homenaje a diferentes exponentes de la canción internacional. Luis Miguel sella su “Romances” con dos clásicos arriesgados y que de igual forma aprueban el reto, “Uno” el tango legendario, elegía e introspección a soliloquio de Enrique Santos y Mariano Mores, y finalmente “Mañana de Carnaval” la brasileña retórica de Luiz Bonfá y Antonio María que en la paradoja festiva lamenta y aspira la vuelta de la razón de vivir, el sentido de la vida que aguarda la espera.

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En esta primera entrega de varias sobre la herencia musical de Luis Miguel en los diversos géneros que el cantante ha explorado en su trayectoria de ya 35 años, celebramos los veinte que cumple “Romances”, un disco único y por demás disfrutable que suma al legado del cantante mexicano. Sean las composiciones, los arreglos, la interpretación o la variedad creativa del álbum, “Romances” abre la puerta de la nostalgia y solicita el riesgo del amor sea frontal o por debajo de la mesa, la declaratoria de amor es en este disco, una confesión.

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La Media Vuelta

Luis Miguel

Segundo Romance

1994

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

10 maestros de 10

En México, cada 15 de mayo se celebra el día del maestro, en este día, además de celebrar,  los maestros y profesores exigen mejoras en el sistema educativo y salarial.  La UNESCO ha declarado el 5 de octubre como el día de mundial del docente.

En Filmakersmovie reconocemos a los hombres y mujeres que profesionalmente y por vocación se han dedicado a la enseñanza, provocando en sus alumnos un despertar ideológico, reflexivo, cultural, y musical, por esto, te traemos a 10 maestros de 10. Películas y personajes para disfrutar este día.

¡Felicidades maestros, gracias!

1.- To Sir, with love , Al maestro con cariño

Dir. James Clavell, Reino Unido, 1967

Mark Thackeray , un ingeniero de color, sin empleo, encuentra trabajo como profesor de un grupo de estudiantes conflictivos en una escuela de las afueras de Londres. Al principio el ambiente hostil y no logra ganarse la confianza y atención de sus alumnos, decide aplicar nuevas estrategias educativas para poder enseñarles además de conocimientos… la vida (Filmakersmovie).

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2.-  The Miracle Worker , El Milagro de Ana Sullivan

Dir. Arthur Penn, E.U.A, 1962

Una familia contrata a Anna Sullivan para educar a Helen, una niña sorda y ciega. Un trauma infantil, un oscuro complejo de culpa, por la muerte de su hermano, impulsa a la maestra a redimirse mediante la educación de la niña. La incompetencia y la negligencia de los padres han hecho de Helen una niña mimada, incapaz de someterse a ninguna disciplina, y con la que toda comunicación parece imposible. La adolescente vive aislada en un mundo propio completamente ajeno a los demás. Sin embargo, Anna Sullivan conseguirá, con mucha paciencia y rigor, romper esa burbuja, ese aislamiento. (FilmAffinity).

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Monsieur Lazhar

Dir. Dir. Phillippe Falardeu, Canadá 2011

Una maestra de primaria decide suicidarse en su salón de clases, sin pensarlo, Simón, uno de sus alumnos la ve.   Bachir Lazhar es un profesor inmigrante que llega a ocupar la plaza de la maestra fallecida, y se enfrenta además de las diferencias culturales entre él y sus alumnos, al estado en el que estos se encuentran por la terrible pérdida.  Nadie es consiente del pasado doloroso y tortuoso de Lazhar , que es capaz suprimir su dolor, para rescatar a estos niños (Filmakersmovie).

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Leer reseña de Daniel Vivanco

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4. Dead Poets Society , La Sociedad de los Poetas Muertos

Dir. Peter Weir, E.U.A 1998

En un elitista y estricto colegio privado de Nueva Inglaterra, un grupo de alumnos descubrirá la poesía, el significado del «carpe diem» -aprovechar el momento- y la importancia vital de luchar por alcanzar los sueños, gracias a John Keating,  un excéntrico profesor que despierta sus mentes por medio de métodos poco convencionales. (FilmAffinity).

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5. Simitrio

Dir. Emilio Gómez Muriel, México 1960

Cipriano es  un maestro rural de un pueblo en México, con avanzada edad y con problemas de ceguera. Avocado a enseñar a sus alumnos. El día que abre el curso, unos de sus alumnos, Simitrio González, se va del Pueblo junto a sus padres, dejando encargado a Luis Ángel, uno de sus compañeros avisar al profesor que no asistirá más a clases. Luis Ángel, un chico rebelde, junto a sus compañeros deciden hacerse pasar por Simitrio , burlándose de los problemas de la vista del profesor.  Esta broma cruel cambiará la vida de todos en el Pueblo (Filmakersmovie).

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6.- Mr. Hollands Opus , Profesor Holland

Dir. Stephen Herek, E.U.A., 1995

En 1965, Glenn Holland  es un talentoso músico y compositor que tiene un relativo éxito en su carrera. Sin embargo, en los años 60 se ve obligado por problemas económicos a dedicarse a la docencia en una escuela preparatoria norteamericana. Tras diez años de pianista de clubs nocturnos, busca solamente «hacer su trabajo lo mejor posible», y escapar al finalizar las clases, lo que hará que la directora del establecimiento le llame la atención, no sólo debe transmitir conocimientos, sino orientar a sus alumnos, despertarles interés y vocación (Wikipedia).

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7.- Stand and Deliver , Con ganas de triunfar

Dir. Ramón Menéndez, E.U.A., 1988

Jaime Escalante es un maestro de matemáticas en James A. Garfield High School en el Este de Los Ángeles . La escuela está llena de estudiantes hispanos de familias de clase trabajadora que están muy por debajo de su nivel académico y tienen una gran cantidad de problemas sociales . Escalante busca cambiar la cultura de la escuela para ayudar a los estudiantes a sobresalir en lo académico . Pronto se da cuenta del potencial inexplorado de su clase y se fija una meta para sacar adelante a sus alumnos. Escalante da instrucciones a su clase bajo la filosofía de «ganas » , que se traduce en más o menos » deseo » o «motivación » el esfuerzo rendirá sus frutos (Traducción Filmakersmovie).

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8.- School of Rock , Escuela de Rock

Dir. Richard Linklater, E.U.A, 2003

Dewey Finn es un rebelde guitarrista de rock aficionado que está decidido llevar al estrellato a su banda de rock en la batalla de bandas locales, pero es expulsado de su grupo. Comienza su tarea como profesor de música en una de las escuelas más prestigiosas de la ciudad frente a un grupo de alumnos muy jóvenes y exigentes, lo que no saben, es que con sus peculiar método de enseñanza, que pareciera poco ortodoxo, despertará el talento de sus alumnos quienes deciden apoyarlo para lograr su objetivo (Filmakersmovie).

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9.- Dangerous Minds, Mentes Peligrosas o La escuela del vicio

Dir. John. N Smith,  E.U.A, 1995

LouAnne , una marina retirada, se aplica para un trabajo de enseñanza en la escuela secundaria Parkmont en California, siendo contratada de inmediato. Cuando se presenta a clase, se da cuenta el ambiente hosco de sus difíciles alumnos que además son miembros de peligrosas pandillas. Sus alumnos, de inmediato comienzan a ponerle apodos, como «White Bread» debido al color de su piel y a la poca empatía con los alumnos. LouAnne, decide poner en práctica su formación de Marine, y regresa al día siguiente enfundada en chaqueta de cuero para darles su primer lección, Karate. Las aulas se volverán un campo de batalla e inteligencia para ganar la batalla del conocimiento ( Adaptación Filmakersmovie)

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10.- Half Nelson

Dir. Ryan Fleck, E.U.A, 2006

Dan Dunne es un joven maestro de historia que con métodos poco convencionales imparte clases en una escuela de Brooklyn. Además de enfrentar la duda de los expertos sobre su método de enseñanza, deberá de enfrentarse con sus adicciones. La lección más dura es la de la vida (Filmakersmovie).

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Sea la materia que sea, recuerda que de los maestros no sólo se aprenden conocimientos, sino su esfuerzo y vocación, su dedicación en la preparación de sus clases, y la experiencia de aprendizaje que en sus clases se genera.

 

No olvides felicitar y reconocer a tus maestros de la vida.

¿Quién es tu maestro o maestra de 10? ¡Feliz Día!

Lista: IUAM/Filmakersmovie.com

La cuarta pared

Por :Diana Miriam Alcántara Meléndez

El mundo no es plano, no tiene sólo dos dimensiones, largo y ancho, como por ejemplo un cuadrado, sino que también tiene profundidad, es decir, tridimensionalidad, en este caso, un cubo. En la pintura, la imagen fija puede tener un efecto visual de tridimensionalidad, que nunca realmente alcanzará porque está plasmado sobre una superficie plana. En el cine, la imagen ofrece una profundidad de campo por la capacidad de la cámara de video para captar la realidad. Pero la cámara que mira suele fungir como una mirada observadora que no se interpone con la historia, como si su presencia no existiera y sólo documentara la realidad, contando la historia en ese proceso observador.

El ojo de la lente se mantiene pasivo ante la acción. Excepto que no siempre lo hace, rompiendo entonces la cuarta pared, un término atribuido al filósofo Denis Diderot y que se refiere a esa pared imaginaria frente al escenario, justo donde se ubica la cámara y que separa al mundo de ficción (la película, serie de televisión, videojuego u obra de teatro) del espectador.

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Si un personaje se encontrara encerrado en una habitación cualquiera, lo rodearían cuatro paredes, un techo y un suelo. La posición de la mirada del lente puede tener innumerables perspectivas, el del foco del cuarto o el ojo de la hormiga que se esconde en un rincón, por ejemplo, o más usualmente, detrás de una de las cuatro paredes. El actor se mueve entonces en todas direcciones, sin advertir la mirada de la cámara e ignorando ese ojo que documenta todo lo que hace, porque, en cierto sentido, no está ahí. El espectador mira lo que la cámara observa, pero la cámara filma como un testigo invisible. Sin embargo, la cámara también puede ser partícipe activo de la historia, cuando el relato mismo y sus personajes están conscientes de esa mirada presente.

El objetivo principal de romper la cuarta pared (lugar donde se ubica la cámara) es involucrar al espectador en la historia y con la historia. La cuarta pared se rompe entonces cuando los personajes detectan e involucran al espectador al mirar directamente a la cámara que los ve, incluso hablándole, que es en realidad el personaje hablando directamente hacia aquel que mira, la audiencia.

La mirada directa que penetra en el cuadro de Leonardo da Vinci, La Mona Lisa, por ejemplo, es una mirada que advierte y contempla. Cuando se observa una pintura o un retrato en el que el personaje mira al frente, la sensación de que sus ojos persiguen al que contempla crea una relación instantánea, una mirada directa entre dos personas, incluso si la otra no es real, de carne y huesos. Lo mismo sucede en el cine y la imagen audiovisual captada a través de una cámara de vídeo cuando se rompe la cuarta pared, un cruce de miradas crean una conexión que involucra.

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En la película de 1995 dirigida por Oliver Parker, Otelo, el realizador elige que el personaje de Yago hable directamente a la cámara, haciendo de esta manera al espectador confidente y cómplice de sus planes de venganza. La técnica funciona para explotar el trazo del personaje y su función dentro de la historia, con intrigas y falsedades. ¿Es sincero el personaje solamente cuando habla a la cámara o, al contrario, porque sabe que lo miran, es incierto en sus acciones para engañar al espectador? Lo cierto es que cuando nos sabemos observados nuestras reacciones ceden en naturalidad y es posible que deliberadamente se modifique nuestro lenguaje corporal y la firmeza de nuestras expresiones; por tanto, al emplearse en la grabación de una película surge la duda sobre la sinceridad e intención del personaje. Qué espera él del espectador es un asunto que hay que tener en mente. La técnica también puede ser entendida como un “aparte”, utilizado en teatro, un monólogo en el que el personaje parece dirigirse al espectador, pero que en realidad sólo se encuentra hablando consigo mismo, algo que este Yago podría estar haciendo en dicha película (y en consideración a que se trata de una adaptación de la obra de teatro escrita por William Shakespeare).

En El lobo de Wall Street, el director Martin Scorsese utiliza la técnica haciendo que su personaje principal interactúe directamente con el espectador al romper la cuarta pared. Esta actitud no sólo va acorde con la personalidad del protagonista, sino también con la complicidad de sus actos de fraude de los que hace partícipe al espectador, como si éste fuera un testigo de la realidad del engaño que no puede denunciar al resto de los personajes.

El dicho popular dice que a través de los ojos se pude ver el alma de las personas y de alguna manera eso es lo que se busca con la ruptura de la cuarta pared, adentrarse a un personaje para ver en su interior.

En la toma final de la película El Renacido, el personaje principal mira hacia la cámara, sin embargo, es posible que no se rompa la cuarta pared estrictamente hablando, pues la acción que involucra debe reconocer que la cámara está ahí, que un personaje deje claro que sabe que lo están mirando, e incluso que interactúe con el espectador buscando una respuesta a su decir y hacer, como sucede en La gran apuesta, Funny Games, El club de la pelea o las series de televisión Mr. Robot, Clarissa lo explica todo o House of Cards. En este caso, es como si el personaje invitara a la audiencia a adentrarse en su psique, más que, en el acto de mirar a la cámara, mirar de regreso al espectador. Pero, ¿sabe la Mona Lisa de Da Vinci que la gente la mira? En las películas, al romper la cuarta pared el personaje asume que se le mira; si es así, tal vez, en este caso, el personaje finalmente advierte, con esa última toma, la mirada que lo sigue, y su significado puede ser tanto de complicidad como de empatía, e incluso, puede estar retando a la audiencia.

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En otro caso, la película Hardocre Henry está filmada en primera persona, como lo hacen los videojuegos, de forma que la cámara se utiliza como la perspectiva, los ojos del personaje principal, Henry, que en este caso es el propio espectador. Los demás personajes hablan directamente a Henry, interactuando con él, pero al mirar a la cámara, a quien le hablan es al espectador, que está presenciando los hechos a través de los ojos de Henry. La técnica, tanto aquí como en los videojuegos, es hacer sentir al espectador ser el protagonista de la historia, experimentando las vivencias como si estuviera exactamente en ese sitio, en los zapatos del héroe.

Pero también hay otras formas de utilizar la cuarta pared en los elementos de la narrativa. En Deadpool, por ejemplo, el personaje principal rompe la cuarta pared constantemente como herramienta de la metaficción (narrativa autorreferencial o autoconsciente). El personaje sabe que hay una audiencia presente que lo mira a través de la cámara, lo asume en tanto se reconoce como un parte de una historia y se dirige al espectador para involucrarlo en la misma historia. En este caso, romper la cuarta pared se utiliza como forma autorreferencial de la narrativa, de la historia que se cuenta.

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La cuarta pared es un recurso estético y narrativo, a veces necesario para separar la acción-ficción de la realidad. Romper la cuarta pared es dejar que de alguna forma el personaje deje de representar su papel (aunque el actor nunca deja realmente de hacerlo), para demostrar cómo éste se reconoce como uno de los actantes de la historia que se desenvuelve. Pero la técnica también permite una confidencialidad, una cercanía emocional entre los personajes y el espectador, donde éste último se vuelve indirectamente partícipe de lo que sucede, no tirando esa pared imaginaria que separa el escenario, sino sólo haciéndola evidente.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

La importancia de una buena historia

Por: Un Tal Luis

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Muchas cosas hacen que una película sea catalogada como buena: ya sea por su producción, sus efectos especiales o lo innovadora que pueda llegar a ser. Sin embargo, lo más importante es la esencia: la narrativa; sin ella no tenemos la semilla de algo que valga la pena, de algo que trascienda. No importa cuántos buenos ingredientes tengamos, si no tenemos una buena historia que contar, un filme puede caerse.

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Debemos tomar en cuenta que toda la producción es fundamental pues hace que realcen las historias, es por esto que hay que traer dinero en el bolsillo para un buen guionista; así un buen Director tendrá material suficiente para contar las cosas de manera que enganchen al público. Pero vayamos más profundo todavía, porque más allá de que el gusto se rompa en géneros, un buen guionista encuentra oro en una buena narración, en aquello que permita imaginar; la información a contar es lo más importante. Pensemos, por ejemplo, en El Padrino, cuya saga se ha vuelto de culto y no ha dejado de generar fans de la saga hasta nuestra fecha. Y es que la novela de Mario Puzzo está tan bien narrada que permitió a los actores desarrollar exquisitos personajes, como lo hicieran Al Pacino y Marlon Brando junto con el resto del elenco: lo que cautivó a la gente fueron los matices humanos de los personajes dentro del mundo de la Mafia; no fue la clásica historia de ladrones y policías, ni la clásica lección de moral, fue el análisis de un grupo de personas cuya disyuntiva de negocios involucraba a su familia y su entorno particular. Es por eso que se le encuentran lecciones para el mundo de los negocios y la política entre otros ámbitos.

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Y es que cada género requiere de ciertos elementos con los que pueda identificarse el espectador, como en el caso de Grandes Esperanzas: la obra fue escrita por Charles Dickens en 1860 y pertenece a un contexto histórico diferente al nuestro. Sin embargo, en la adaptación cinematográfica de 1998, el guionista supo  adaptarla a nuestra época, y lo pudo hacer gracias a la calidad de la historia, la cual ofrecía grandes giros con personajes profundos: Gwyneth Paltrow pudo recrear a una chica que se hacía de los favores de un pintor debido a su belleza y  los sentimientos que lo atraían hacia ella; no era un personaje generoso, no era solidaria siquiera; era más bien caprichosa y con un criterio que nunca tomaba en cuenta más que su propia necesidad y sentir, y eso es lo que hizo que algunos espectadores la rechazaran, la criticaran o anhelaran que pagara su mal karma, pero no pasó indiferente, y es por esto que trascendió en la historia, porque se parecía a personas de la vida real, porque su destino fue impredecible, más que justo. Las historias rosas no son malas, si se sabe contarlas, pero lo impredecible siempre logra puntos a favor.

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Ahora podemos hablar de Best sellers, que como bien sabemos, no siempre corren la misma suerte en la pantalla grande. Pero tomemos de ejemplo El Resplandor, que contó con la dirección del legendario Stanley Kubrick, así como el gran trabajo actoral de Jack Nicholson y Shelley Duvall. Aún así, el autor del libro, Stephen King, no quedó satisfecho con la versión final. Lo importante es que se juntaron varias mentes talentosas: Kubrick supo crear escenas memorables como la de la sangre cayendo por la escalera, o la de las siniestras gemelas y su encuentro con Danny Terrance. Y es que el director se esforzó a tal grado de que la actriz, Shelley Duvall, llegó a sentirse incómoda por el trato hostil que recibía por parte de él, aunque después expresó que esto le ayudó a desarrollar su crítico personaje. Además de que la famosa escena donde se defiende de Jack Nicholson con un bate, se filmó unas 127 veces. Pero todo el esfuerzo del director y los actores valió la pena al ver el resultado en pantalla, incluso habiendo implicado un ambiente incómodo y para algunos, poco saludable.

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Por otro lado tenemos a Forest Gump, cuya versión cinematográfica superó a la del libro, a pesar de que no se apegaba tal cual. Aquí se combinó la gran actuación de Tom Hanks que logró un personaje entrañable, cuya historia atrapó al espectador con una excelente trama. Y aquí encontramos otro punto muy importante: centrarse en la manera de contar las cosas del personaje. No fue la producción, no fueron los escenarios; fue el propio personaje de Forest Gump el que generó un gran punto de vista porque su historia valía la pena contarse, a pesar de sus infortunios y limitaciones que encuentra a lo largo de la cinta, el espectador quería saber qué pasaba con él.

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Y es que es importante aprovechar los recursos al máximo, incluso si no se tiene una gran post-producción o una serie de locaciones, como lo hiciera Alfred Hitchcok en 1948 con La Soga, que está basada en la obra de teatro Rope, de Patrick Hamilton. Y precisamente pareciera que Hitchcok hubiera filmado la obra, ya que realizó una serie de plano secuencias, ya que no pudo filmarlo todo en una sola toma, como pretendía, debido a que las cámaras de aquel entonces sólo grababan diez minutos seguidos. Aun así, se las arregló para que todo pareciera filmado tan sólo con dos cortes, que en realidad fueron hechos a propósito. Aquí vemos un ejemplo de cómo la interpretación y el argumento pueden generar algo grandioso por sí solos. Un buen camarógrafo sabrá hacer mucho con poco, y así darle un gran material al director. La historia nos cuenta un asesinato y nos engancha sin salir nunca del departamento en el que transcurre todo, dejándonos ver el interior de cada personaje.

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Como pueden ver, la historia es el alma del buen cine, claro que se pueden contar de muchas maneras y eso forma parte del arte. Pero siempre es importante tener algo que decir. Obviamente todos los involucrados juegan un papel fundamental a la hora de hacer una película, pero siempre es imprescindible tener una buena historia que permita al resto del staff compartir su talento a gusto.

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Nominaciones a los premios Oscars^® 

Martes 24 de enero, 2017, 5:18 a.m.

Hora Pacífico

Bob Dylan ganó el Nobel

Por: Aprieta Tuercas

Platicaba con un amigo sobre el hecho inaudito de que Bob Dylan obtuviera el premio Nobel de Literatura, y cómo la mayoría en el mundillo de las letras había reaccionado con repudio e indignación, incapaces de esconder su envidia, tomándoselo como una afrenta personal. “Ya ves que tienen la piel muy sensible…” Pero mi amigo me interrumpió y, sin mayor preámbulo, cambió el tema y comenzó a relatarme sobre una borrachera épica (así la llamó) que tuvo al cumplir 24 años, la última vez, según él, que perdió el conocimiento:

Eso que le dicen el blackout, apagón, censura, pérdida de conocimiento temporal, cuando la mente queda como suspendida, como máquina atrofiada, y se te borra el cassette de lo que pasó durante gran parte de la noche.

Fui a uno de esos bares tan comunes acá, con máquinas y juegos de apuesta, tal vez fue un pequeño casino de esos ilegales, medio clandestinos, no recuerdo bien.

A mí me da lo mismo apostar, pero mi amigo, con el que fui a celebrar mi cumpleaños ese día, es medio adicto y se puso a jugar con fervor, apostando de a cien. Pero ni qué decir, porque ganó y, además, me prestó su suerte.

Al final, entre los dos, ganamos 2 mil de los billetotes verdes, ¡2 mil dolarucos! Así como lo oyes y, pues, ya en la euforia nos fuimos a otro bar y después a un antro, un night club, como le dicen.

No creía mi suerte y comentaba sobre esto con mi amigo cuando un tipo se acercó a nuestra mesa, lo miramos sin detalle, pero entabló conversación fácil porque igual ya andaba borracho, y nos pusimos a brindar en gesto de bienvenida.

Habrá tenido unos 20 años más que nosotros, parecía simpático y, en cuestión de minutos, platicábamos ya como si fuéramos amigos. Morgan dijo que se llamaba. Había recorrido pocos caminos, casi como nosotros.
Al cabo de una hora, nos pusimos de acuerdo para ir al night club y seguir la fiesta, “la trufa”, como dijo Morgan.

En algún momento de la noche, no recuerdo bien, el tal Morgan desapareció. Yo me colapsé en la pista de baile intentando seguramente bailar como latin lover y mi amigo… pues ni sé qué hacía él. Salimos de ahí o nos sacaron y, a las pocas horas, amaneció.

Quizá bebimos unas cervezas antes, ahí por la calle del pueblo, sin dirección a casa, como completos desconocidos a la deriva. A esas horas, el pueblo ya estaba solitario, incluso sin grifos como nosotros.

Buscamos un taxi para ir de regreso al hotelucho aquél que, creo, era más bien un motel, aunque no de los de “paso”. Pero ¡ningún mísero taxi pasaba! Yo creo andaban fuera, descansando quizá.

Pedimos aventón inútilmente, mientras avanzábamos sin rumbo. Para hacer más poético el asunto, el cielo estaba gris y comenté que se venía un aguacero inminente. Así sería el fin de nuestra fiesta, borrachos y hartos y, encima, empapados.

Ya perdida la paciencia y la esperanza, resignados a seguir caminando, resoplando el alcohol por nuestras bocas secas y sudándolo en los sobacos y la espalda, ¡apareció un taxi!

Se detuvo en la esquina de la calle donde estábamos, a unos metros nada más. Bajó un tipo y desde la puerta del copiloto nos hizo señal de que subiéramos. Creo que también gritó nuestros nombres. Nos fuimos acercando y resulta que el tipo que nos invitó a subir ¡era Morgan!

Volvió al rescate de nuestra dignidad, pensé. “Te dije que seríamos salvados, el Morgan nos salvó de esta condena”, comentó mi amigo exaltado. Le dije secamente que no exagerara, era sólo suerte (our lucky day, bastard!).

Saludamos a Morgan con efusividad, seguro hasta le dimos un abrazo. Acto seguido, le dijo al taxista que nos llevara a nuestro hotel y ahí nos dejó a los pocos minutos. Ya en la despedida, nos dijo que había sido una gran noche, ojalá se repitiera, “ustedes son buenos muchachos que, además, saben beber…”

No lo volvimos a ver. Al día siguiente, con una cruda mísera nos regresamos a nuestro pueblo y, desde esa vez, no he vuelto a reventar así. La verdad es que recuerdo muy poco de ese día, el dinero no sobró pero, sin duda, como dijo el tal Morgan, del que nunca olvidaré su nombre, fue una gran noche.

Al terminar su relato, yo continué sobre el tema de Dylan, el bardo, el que adoptó el nombre de pila de ése otro gran poeta irlandés del que la verdad he leído muy poco, Dylan Thomas.

Bob Dylan, el cantautor, el vagabundo, aquél que ya recorrió los caminos necesarios para ser considerado hombre, ganó el premio Nobel de Literatura. Primer músico que logra este reconocimiento, músico de rock, que no se nos olvide. Por eso, quizá, el premio se siente tan irreal, algo que no ocurrió pero que tuvo lugar. En estos días, he leído acerca de lo que han escrito los del mundillo de las letras, aquéllos que saben, y el consenso es que es improbable determinar si se lo merecía.

Para mí, le dije a mi amigo del relato, todo esto me parece una ficción, como si estuviera viviendo un cuento en el que el músico de rock, Bob Dylan, obtiene el Nobel de Literatura y la explicación oficial es que “a través de sus poemas (que son eso en realidad sus canciones) ha logrado trascender las fronteras de los géneros literarios”. En ese mismo cuento, el magnate Trump fue electo presidente de Estados Unidos; los ingleses decidieron separarse de la Unión Europea; el pueblo de Colombia rechazó los acuerdos de paz de una guerra que llevaba más de 50 años; Fidel Castro, el inmortal, falleció; Leonard Cohen, el poeta (quien declaró que darle a Dylan el Nobel era “como haberle dado una medalla al Everest”), también murió; David Bowie, el alien, abandonó el mundo, despidiéndose con una obra maestra que quizá fue el mejor disco de 2016; los Cubs de Chicago ganaron por fin la serie mundial, después de más de 100 años de no poder hacerlo; y tantos otros sucesos que sería mejor que los enumere y aborde quien escriba la novela de esta ficción en el futuro.

Sin embargo, coincidimos mi amigo y yo, el Nobel de Dylan es más que merecido. Ha sido un poeta y músico innovador, un visionario. Aunque, la verdad, nadie sabe quién es Bob Dylan en realidad, que es como decir, nadie sabe quién es en realidad y, por ende, el éxito y la fama son absurdos, una falsificación (a misshapen). Cuando le preguntaron a Dylan si se sentía músico o poeta, respondió “no me siento nada”.

Continuamos platicando sobre otro tema, y después mi amigo preguntó si quería una cuba con Captain Morgan. ¡Qué perspicaz!, le dije, y abrimos las cervezas, que eran lo único disponible. En ese momento, creí que éramos el bufón y el ladrón bajo la torre de control, sintiendo que la vida no es más que una broma.

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Carrie Fisher, que la fuerza te acompañe siempre…

En 2017, se cumplirán 40 años del estreno del primer episodio de la saga que cambiaría la manera de ver el cine y narrar historias «Star Wars«. George Lucas había creado, más que una historia, una filosofía de vida desde una «galaxia muy lejana».

Los jóvenes talentos, desconocidos para la época eran actores en sus primeros roles, en su audición, no debieron imaginar que se convertirían en los iconos que desde entonces nos acompañan.

Carrie Fisher, la hasta entonces conocida como hija de la gran actriz  Debbie Reynolds y  el cantante Eddie Fisher , saltaría a la fama internacional en la cinta «A new hope« episodio IV de la saga más grande de la historia. Su personaje, la Princesa Leia Organa, era una intrépida líder de los Rebeldes que busca  destruir al imperio, resguardado por el temible Darth Vader y encabezado por el despiadado Emperador Palpatine.

Leia llamó rápidamente la atención, no sólo por la belleza de Fisher, sino por el temperamento y la valentía de esta mujer indomable que busca el bien común tomado las decisiones más arriesgadas.

Este personaje le trajo, además de la aceptación masculina, el del público y audiencia femenina que se veía reflejada en su personaje.

A esta película precedieron los episodios “V: The Empire Strikes Back” en 1980 y  “VI: Return of the Jedi” en 1983, alcanzando un épico éxito en taquilla y entre los fans a nivel global. En 2015 participó en el esperado episodio «VII: The Force Awakens«.

Además de ser actriz, Carrie también se dedicó a la literatura y escribió su primer novela que se volvió un suceso de ventas, «Postcards From the Edge» que más tarde se adaptó al cine, interpretada por Meryl Streep y Shirley MacLine.

En 1989 participó en la comedia romántica «When Harry Met Sally«, de la memorable guionista Nora Ephron, interpretando a «Marie», la mejor amiga y confidente de Sally (Meg Ryan), valiéndole el reconocimiento por su magnifica interpretación.

También participó de manera sobresaliente en películas como“The Blues Brothers” (1980), “Garbo Talks” (1984), “Hannah and Her Sisters” (1990), “Soapdish” (1991), “Austin Powers” (1997) and “Scream 3” (2000). Her many TV appearances included guest shots on “Frasier,” “Sex and the City,” “Entourage,” “Smallville,” “Weeds,” “The Big Bang Theory” y “Girlfriends’ Guide to Divorce.”  Carrie también participaba con su voz  en la serie «Family Guy» Fisher was a semi-regular voice actor on Fox’s “Family Guy,”  como el jefe de Peter Griffin.

Fisher, también, se desempeñó como script doctor de numerosos guiones dentro de la industria. Era una hábil contadora de historias. Como guionista, escribió episodios de  las series  “Roseanne” y “Young Indiana Jones.” Fue co guionista de la serie «These Old Broads» de la ABC en 2011.  Su participación en «Wishful Drinking» le valió una nominación al Emmy en 2010.

El viernes 23 de diciembre, de regreso a Los Ángeles, en un vuelo procedente de Londres, donde Fisher se encontraba grabando capítulos de una serie para Amazon, sufrió un ataque al corazón. Al llegar fue trasladada inmediatamente al hospital de la UCLA donde fue atendida en Cuidados Intensivos.

Bob Iger, presidente y director ejecutivo de Disney, dijo en un comunicado:

«Carrie Fisher era una persona única, un verdadero personaje que compartió su talento y su verdad con todos nosotros con su ingenio y su irreverencia. Millones se enamoraron de ella como la indomable Princesa Leia; Ella siempre tendrá un lugar especial en los corazones de los fans de Star Wars, así como todos nosotros que tuvimos la suerte de conocerla personalmente. La vamos a extrañar, nos unimos a millones de fans y amigos de todo el mundo que hoy lloran su pérdida.

Hace algunos meses Fisher regresó al candelero al revelar que seguía enamorada del actor Harrison Ford, con quien sostuvo un fugaz romance mientras filmaban el episodio IV de Star Wars.

Ford reaccionó, en un comunicado, a la muerte de Fisher expresando profundo dolor y extrañamiento:

«Carrie fue única en su género…brillante, original. Divertida, emocionalmente audaz. Vivió su vida con bravura. La voy a extrañar».

Es curioso que su personaje aparece, especialmente, en el spin off  «Rouge One«, iniciando su viaje a la posteridad.

Les compartimos la audición de Carrie Fisher para obtener el rol de la Princesa Leia.

Hasta siempre Carrie, que la fuerza te acompañe siempre…

Fuente:

Variety.com

Redacción Filmakersmovie

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