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La cuarta pared

Por :Diana Miriam Alcántara Meléndez

El mundo no es plano, no tiene sólo dos dimensiones, largo y ancho, como por ejemplo un cuadrado, sino que también tiene profundidad, es decir, tridimensionalidad, en este caso, un cubo. En la pintura, la imagen fija puede tener un efecto visual de tridimensionalidad, que nunca realmente alcanzará porque está plasmado sobre una superficie plana. En el cine, la imagen ofrece una profundidad de campo por la capacidad de la cámara de video para captar la realidad. Pero la cámara que mira suele fungir como una mirada observadora que no se interpone con la historia, como si su presencia no existiera y sólo documentara la realidad, contando la historia en ese proceso observador.

El ojo de la lente se mantiene pasivo ante la acción. Excepto que no siempre lo hace, rompiendo entonces la cuarta pared, un término atribuido al filósofo Denis Diderot y que se refiere a esa pared imaginaria frente al escenario, justo donde se ubica la cámara y que separa al mundo de ficción (la película, serie de televisión, videojuego u obra de teatro) del espectador.

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Si un personaje se encontrara encerrado en una habitación cualquiera, lo rodearían cuatro paredes, un techo y un suelo. La posición de la mirada del lente puede tener innumerables perspectivas, el del foco del cuarto o el ojo de la hormiga que se esconde en un rincón, por ejemplo, o más usualmente, detrás de una de las cuatro paredes. El actor se mueve entonces en todas direcciones, sin advertir la mirada de la cámara e ignorando ese ojo que documenta todo lo que hace, porque, en cierto sentido, no está ahí. El espectador mira lo que la cámara observa, pero la cámara filma como un testigo invisible. Sin embargo, la cámara también puede ser partícipe activo de la historia, cuando el relato mismo y sus personajes están conscientes de esa mirada presente.

El objetivo principal de romper la cuarta pared (lugar donde se ubica la cámara) es involucrar al espectador en la historia y con la historia. La cuarta pared se rompe entonces cuando los personajes detectan e involucran al espectador al mirar directamente a la cámara que los ve, incluso hablándole, que es en realidad el personaje hablando directamente hacia aquel que mira, la audiencia.

La mirada directa que penetra en el cuadro de Leonardo da Vinci, La Mona Lisa, por ejemplo, es una mirada que advierte y contempla. Cuando se observa una pintura o un retrato en el que el personaje mira al frente, la sensación de que sus ojos persiguen al que contempla crea una relación instantánea, una mirada directa entre dos personas, incluso si la otra no es real, de carne y huesos. Lo mismo sucede en el cine y la imagen audiovisual captada a través de una cámara de vídeo cuando se rompe la cuarta pared, un cruce de miradas crean una conexión que involucra.

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En la película de 1995 dirigida por Oliver Parker, Otelo, el realizador elige que el personaje de Yago hable directamente a la cámara, haciendo de esta manera al espectador confidente y cómplice de sus planes de venganza. La técnica funciona para explotar el trazo del personaje y su función dentro de la historia, con intrigas y falsedades. ¿Es sincero el personaje solamente cuando habla a la cámara o, al contrario, porque sabe que lo miran, es incierto en sus acciones para engañar al espectador? Lo cierto es que cuando nos sabemos observados nuestras reacciones ceden en naturalidad y es posible que deliberadamente se modifique nuestro lenguaje corporal y la firmeza de nuestras expresiones; por tanto, al emplearse en la grabación de una película surge la duda sobre la sinceridad e intención del personaje. Qué espera él del espectador es un asunto que hay que tener en mente. La técnica también puede ser entendida como un “aparte”, utilizado en teatro, un monólogo en el que el personaje parece dirigirse al espectador, pero que en realidad sólo se encuentra hablando consigo mismo, algo que este Yago podría estar haciendo en dicha película (y en consideración a que se trata de una adaptación de la obra de teatro escrita por William Shakespeare).

En El lobo de Wall Street, el director Martin Scorsese utiliza la técnica haciendo que su personaje principal interactúe directamente con el espectador al romper la cuarta pared. Esta actitud no sólo va acorde con la personalidad del protagonista, sino también con la complicidad de sus actos de fraude de los que hace partícipe al espectador, como si éste fuera un testigo de la realidad del engaño que no puede denunciar al resto de los personajes.

El dicho popular dice que a través de los ojos se pude ver el alma de las personas y de alguna manera eso es lo que se busca con la ruptura de la cuarta pared, adentrarse a un personaje para ver en su interior.

En la toma final de la película El Renacido, el personaje principal mira hacia la cámara, sin embargo, es posible que no se rompa la cuarta pared estrictamente hablando, pues la acción que involucra debe reconocer que la cámara está ahí, que un personaje deje claro que sabe que lo están mirando, e incluso que interactúe con el espectador buscando una respuesta a su decir y hacer, como sucede en La gran apuesta, Funny Games, El club de la pelea o las series de televisión Mr. Robot, Clarissa lo explica todo o House of Cards. En este caso, es como si el personaje invitara a la audiencia a adentrarse en su psique, más que, en el acto de mirar a la cámara, mirar de regreso al espectador. Pero, ¿sabe la Mona Lisa de Da Vinci que la gente la mira? En las películas, al romper la cuarta pared el personaje asume que se le mira; si es así, tal vez, en este caso, el personaje finalmente advierte, con esa última toma, la mirada que lo sigue, y su significado puede ser tanto de complicidad como de empatía, e incluso, puede estar retando a la audiencia.

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En otro caso, la película Hardocre Henry está filmada en primera persona, como lo hacen los videojuegos, de forma que la cámara se utiliza como la perspectiva, los ojos del personaje principal, Henry, que en este caso es el propio espectador. Los demás personajes hablan directamente a Henry, interactuando con él, pero al mirar a la cámara, a quien le hablan es al espectador, que está presenciando los hechos a través de los ojos de Henry. La técnica, tanto aquí como en los videojuegos, es hacer sentir al espectador ser el protagonista de la historia, experimentando las vivencias como si estuviera exactamente en ese sitio, en los zapatos del héroe.

Pero también hay otras formas de utilizar la cuarta pared en los elementos de la narrativa. En Deadpool, por ejemplo, el personaje principal rompe la cuarta pared constantemente como herramienta de la metaficción (narrativa autorreferencial o autoconsciente). El personaje sabe que hay una audiencia presente que lo mira a través de la cámara, lo asume en tanto se reconoce como un parte de una historia y se dirige al espectador para involucrarlo en la misma historia. En este caso, romper la cuarta pared se utiliza como forma autorreferencial de la narrativa, de la historia que se cuenta.

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La cuarta pared es un recurso estético y narrativo, a veces necesario para separar la acción-ficción de la realidad. Romper la cuarta pared es dejar que de alguna forma el personaje deje de representar su papel (aunque el actor nunca deja realmente de hacerlo), para demostrar cómo éste se reconoce como uno de los actantes de la historia que se desenvuelve. Pero la técnica también permite una confidencialidad, una cercanía emocional entre los personajes y el espectador, donde éste último se vuelve indirectamente partícipe de lo que sucede, no tirando esa pared imaginaria que separa el escenario, sino sólo haciéndola evidente.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

La importancia de una buena historia

Por: Un Tal Luis

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Muchas cosas hacen que una película sea catalogada como buena: ya sea por su producción, sus efectos especiales o lo innovadora que pueda llegar a ser. Sin embargo, lo más importante es la esencia: la narrativa; sin ella no tenemos la semilla de algo que valga la pena, de algo que trascienda. No importa cuántos buenos ingredientes tengamos, si no tenemos una buena historia que contar, un filme puede caerse.

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Debemos tomar en cuenta que toda la producción es fundamental pues hace que realcen las historias, es por esto que hay que traer dinero en el bolsillo para un buen guionista; así un buen Director tendrá material suficiente para contar las cosas de manera que enganchen al público. Pero vayamos más profundo todavía, porque más allá de que el gusto se rompa en géneros, un buen guionista encuentra oro en una buena narración, en aquello que permita imaginar; la información a contar es lo más importante. Pensemos, por ejemplo, en El Padrino, cuya saga se ha vuelto de culto y no ha dejado de generar fans de la saga hasta nuestra fecha. Y es que la novela de Mario Puzzo está tan bien narrada que permitió a los actores desarrollar exquisitos personajes, como lo hicieran Al Pacino y Marlon Brando junto con el resto del elenco: lo que cautivó a la gente fueron los matices humanos de los personajes dentro del mundo de la Mafia; no fue la clásica historia de ladrones y policías, ni la clásica lección de moral, fue el análisis de un grupo de personas cuya disyuntiva de negocios involucraba a su familia y su entorno particular. Es por eso que se le encuentran lecciones para el mundo de los negocios y la política entre otros ámbitos.

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Y es que cada género requiere de ciertos elementos con los que pueda identificarse el espectador, como en el caso de Grandes Esperanzas: la obra fue escrita por Charles Dickens en 1860 y pertenece a un contexto histórico diferente al nuestro. Sin embargo, en la adaptación cinematográfica de 1998, el guionista supo  adaptarla a nuestra época, y lo pudo hacer gracias a la calidad de la historia, la cual ofrecía grandes giros con personajes profundos: Gwyneth Paltrow pudo recrear a una chica que se hacía de los favores de un pintor debido a su belleza y  los sentimientos que lo atraían hacia ella; no era un personaje generoso, no era solidaria siquiera; era más bien caprichosa y con un criterio que nunca tomaba en cuenta más que su propia necesidad y sentir, y eso es lo que hizo que algunos espectadores la rechazaran, la criticaran o anhelaran que pagara su mal karma, pero no pasó indiferente, y es por esto que trascendió en la historia, porque se parecía a personas de la vida real, porque su destino fue impredecible, más que justo. Las historias rosas no son malas, si se sabe contarlas, pero lo impredecible siempre logra puntos a favor.

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Ahora podemos hablar de Best sellers, que como bien sabemos, no siempre corren la misma suerte en la pantalla grande. Pero tomemos de ejemplo El Resplandor, que contó con la dirección del legendario Stanley Kubrick, así como el gran trabajo actoral de Jack Nicholson y Shelley Duvall. Aún así, el autor del libro, Stephen King, no quedó satisfecho con la versión final. Lo importante es que se juntaron varias mentes talentosas: Kubrick supo crear escenas memorables como la de la sangre cayendo por la escalera, o la de las siniestras gemelas y su encuentro con Danny Terrance. Y es que el director se esforzó a tal grado de que la actriz, Shelley Duvall, llegó a sentirse incómoda por el trato hostil que recibía por parte de él, aunque después expresó que esto le ayudó a desarrollar su crítico personaje. Además de que la famosa escena donde se defiende de Jack Nicholson con un bate, se filmó unas 127 veces. Pero todo el esfuerzo del director y los actores valió la pena al ver el resultado en pantalla, incluso habiendo implicado un ambiente incómodo y para algunos, poco saludable.

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Por otro lado tenemos a Forest Gump, cuya versión cinematográfica superó a la del libro, a pesar de que no se apegaba tal cual. Aquí se combinó la gran actuación de Tom Hanks que logró un personaje entrañable, cuya historia atrapó al espectador con una excelente trama. Y aquí encontramos otro punto muy importante: centrarse en la manera de contar las cosas del personaje. No fue la producción, no fueron los escenarios; fue el propio personaje de Forest Gump el que generó un gran punto de vista porque su historia valía la pena contarse, a pesar de sus infortunios y limitaciones que encuentra a lo largo de la cinta, el espectador quería saber qué pasaba con él.

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Y es que es importante aprovechar los recursos al máximo, incluso si no se tiene una gran post-producción o una serie de locaciones, como lo hiciera Alfred Hitchcok en 1948 con La Soga, que está basada en la obra de teatro Rope, de Patrick Hamilton. Y precisamente pareciera que Hitchcok hubiera filmado la obra, ya que realizó una serie de plano secuencias, ya que no pudo filmarlo todo en una sola toma, como pretendía, debido a que las cámaras de aquel entonces sólo grababan diez minutos seguidos. Aun así, se las arregló para que todo pareciera filmado tan sólo con dos cortes, que en realidad fueron hechos a propósito. Aquí vemos un ejemplo de cómo la interpretación y el argumento pueden generar algo grandioso por sí solos. Un buen camarógrafo sabrá hacer mucho con poco, y así darle un gran material al director. La historia nos cuenta un asesinato y nos engancha sin salir nunca del departamento en el que transcurre todo, dejándonos ver el interior de cada personaje.

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Como pueden ver, la historia es el alma del buen cine, claro que se pueden contar de muchas maneras y eso forma parte del arte. Pero siempre es importante tener algo que decir. Obviamente todos los involucrados juegan un papel fundamental a la hora de hacer una película, pero siempre es imprescindible tener una buena historia que permita al resto del staff compartir su talento a gusto.

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Nominaciones a los premios Oscars^® 

Martes 24 de enero, 2017, 5:18 a.m.

Hora Pacífico

Bob Dylan ganó el Nobel

Por: Aprieta Tuercas

Platicaba con un amigo sobre el hecho inaudito de que Bob Dylan obtuviera el premio Nobel de Literatura, y cómo la mayoría en el mundillo de las letras había reaccionado con repudio e indignación, incapaces de esconder su envidia, tomándoselo como una afrenta personal. “Ya ves que tienen la piel muy sensible…” Pero mi amigo me interrumpió y, sin mayor preámbulo, cambió el tema y comenzó a relatarme sobre una borrachera épica (así la llamó) que tuvo al cumplir 24 años, la última vez, según él, que perdió el conocimiento:

Eso que le dicen el blackout, apagón, censura, pérdida de conocimiento temporal, cuando la mente queda como suspendida, como máquina atrofiada, y se te borra el cassette de lo que pasó durante gran parte de la noche.

Fui a uno de esos bares tan comunes acá, con máquinas y juegos de apuesta, tal vez fue un pequeño casino de esos ilegales, medio clandestinos, no recuerdo bien.

A mí me da lo mismo apostar, pero mi amigo, con el que fui a celebrar mi cumpleaños ese día, es medio adicto y se puso a jugar con fervor, apostando de a cien. Pero ni qué decir, porque ganó y, además, me prestó su suerte.

Al final, entre los dos, ganamos 2 mil de los billetotes verdes, ¡2 mil dolarucos! Así como lo oyes y, pues, ya en la euforia nos fuimos a otro bar y después a un antro, un night club, como le dicen.

No creía mi suerte y comentaba sobre esto con mi amigo cuando un tipo se acercó a nuestra mesa, lo miramos sin detalle, pero entabló conversación fácil porque igual ya andaba borracho, y nos pusimos a brindar en gesto de bienvenida.

Habrá tenido unos 20 años más que nosotros, parecía simpático y, en cuestión de minutos, platicábamos ya como si fuéramos amigos. Morgan dijo que se llamaba. Había recorrido pocos caminos, casi como nosotros.
Al cabo de una hora, nos pusimos de acuerdo para ir al night club y seguir la fiesta, “la trufa”, como dijo Morgan.

En algún momento de la noche, no recuerdo bien, el tal Morgan desapareció. Yo me colapsé en la pista de baile intentando seguramente bailar como latin lover y mi amigo… pues ni sé qué hacía él. Salimos de ahí o nos sacaron y, a las pocas horas, amaneció.

Quizá bebimos unas cervezas antes, ahí por la calle del pueblo, sin dirección a casa, como completos desconocidos a la deriva. A esas horas, el pueblo ya estaba solitario, incluso sin grifos como nosotros.

Buscamos un taxi para ir de regreso al hotelucho aquél que, creo, era más bien un motel, aunque no de los de “paso”. Pero ¡ningún mísero taxi pasaba! Yo creo andaban fuera, descansando quizá.

Pedimos aventón inútilmente, mientras avanzábamos sin rumbo. Para hacer más poético el asunto, el cielo estaba gris y comenté que se venía un aguacero inminente. Así sería el fin de nuestra fiesta, borrachos y hartos y, encima, empapados.

Ya perdida la paciencia y la esperanza, resignados a seguir caminando, resoplando el alcohol por nuestras bocas secas y sudándolo en los sobacos y la espalda, ¡apareció un taxi!

Se detuvo en la esquina de la calle donde estábamos, a unos metros nada más. Bajó un tipo y desde la puerta del copiloto nos hizo señal de que subiéramos. Creo que también gritó nuestros nombres. Nos fuimos acercando y resulta que el tipo que nos invitó a subir ¡era Morgan!

Volvió al rescate de nuestra dignidad, pensé. “Te dije que seríamos salvados, el Morgan nos salvó de esta condena”, comentó mi amigo exaltado. Le dije secamente que no exagerara, era sólo suerte (our lucky day, bastard!).

Saludamos a Morgan con efusividad, seguro hasta le dimos un abrazo. Acto seguido, le dijo al taxista que nos llevara a nuestro hotel y ahí nos dejó a los pocos minutos. Ya en la despedida, nos dijo que había sido una gran noche, ojalá se repitiera, “ustedes son buenos muchachos que, además, saben beber…”

No lo volvimos a ver. Al día siguiente, con una cruda mísera nos regresamos a nuestro pueblo y, desde esa vez, no he vuelto a reventar así. La verdad es que recuerdo muy poco de ese día, el dinero no sobró pero, sin duda, como dijo el tal Morgan, del que nunca olvidaré su nombre, fue una gran noche.

Al terminar su relato, yo continué sobre el tema de Dylan, el bardo, el que adoptó el nombre de pila de ése otro gran poeta irlandés del que la verdad he leído muy poco, Dylan Thomas.

Bob Dylan, el cantautor, el vagabundo, aquél que ya recorrió los caminos necesarios para ser considerado hombre, ganó el premio Nobel de Literatura. Primer músico que logra este reconocimiento, músico de rock, que no se nos olvide. Por eso, quizá, el premio se siente tan irreal, algo que no ocurrió pero que tuvo lugar. En estos días, he leído acerca de lo que han escrito los del mundillo de las letras, aquéllos que saben, y el consenso es que es improbable determinar si se lo merecía.

Para mí, le dije a mi amigo del relato, todo esto me parece una ficción, como si estuviera viviendo un cuento en el que el músico de rock, Bob Dylan, obtiene el Nobel de Literatura y la explicación oficial es que “a través de sus poemas (que son eso en realidad sus canciones) ha logrado trascender las fronteras de los géneros literarios”. En ese mismo cuento, el magnate Trump fue electo presidente de Estados Unidos; los ingleses decidieron separarse de la Unión Europea; el pueblo de Colombia rechazó los acuerdos de paz de una guerra que llevaba más de 50 años; Fidel Castro, el inmortal, falleció; Leonard Cohen, el poeta (quien declaró que darle a Dylan el Nobel era “como haberle dado una medalla al Everest”), también murió; David Bowie, el alien, abandonó el mundo, despidiéndose con una obra maestra que quizá fue el mejor disco de 2016; los Cubs de Chicago ganaron por fin la serie mundial, después de más de 100 años de no poder hacerlo; y tantos otros sucesos que sería mejor que los enumere y aborde quien escriba la novela de esta ficción en el futuro.

Sin embargo, coincidimos mi amigo y yo, el Nobel de Dylan es más que merecido. Ha sido un poeta y músico innovador, un visionario. Aunque, la verdad, nadie sabe quién es Bob Dylan en realidad, que es como decir, nadie sabe quién es en realidad y, por ende, el éxito y la fama son absurdos, una falsificación (a misshapen). Cuando le preguntaron a Dylan si se sentía músico o poeta, respondió “no me siento nada”.

Continuamos platicando sobre otro tema, y después mi amigo preguntó si quería una cuba con Captain Morgan. ¡Qué perspicaz!, le dije, y abrimos las cervezas, que eran lo único disponible. En ese momento, creí que éramos el bufón y el ladrón bajo la torre de control, sintiendo que la vida no es más que una broma.

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Carrie Fisher, que la fuerza te acompañe siempre…

En 2017, se cumplirán 40 años del estreno del primer episodio de la saga que cambiaría la manera de ver el cine y narrar historias «Star Wars«. George Lucas había creado, más que una historia, una filosofía de vida desde una «galaxia muy lejana».

Los jóvenes talentos, desconocidos para la época eran actores en sus primeros roles, en su audición, no debieron imaginar que se convertirían en los iconos que desde entonces nos acompañan.

Carrie Fisher, la hasta entonces conocida como hija de la gran actriz  Debbie Reynolds y  el cantante Eddie Fisher , saltaría a la fama internacional en la cinta «A new hope« episodio IV de la saga más grande de la historia. Su personaje, la Princesa Leia Organa, era una intrépida líder de los Rebeldes que busca  destruir al imperio, resguardado por el temible Darth Vader y encabezado por el despiadado Emperador Palpatine.

Leia llamó rápidamente la atención, no sólo por la belleza de Fisher, sino por el temperamento y la valentía de esta mujer indomable que busca el bien común tomado las decisiones más arriesgadas.

Este personaje le trajo, además de la aceptación masculina, el del público y audiencia femenina que se veía reflejada en su personaje.

A esta película precedieron los episodios “V: The Empire Strikes Back” en 1980 y  “VI: Return of the Jedi” en 1983, alcanzando un épico éxito en taquilla y entre los fans a nivel global. En 2015 participó en el esperado episodio «VII: The Force Awakens«.

Además de ser actriz, Carrie también se dedicó a la literatura y escribió su primer novela que se volvió un suceso de ventas, «Postcards From the Edge» que más tarde se adaptó al cine, interpretada por Meryl Streep y Shirley MacLine.

En 1989 participó en la comedia romántica «When Harry Met Sally«, de la memorable guionista Nora Ephron, interpretando a «Marie», la mejor amiga y confidente de Sally (Meg Ryan), valiéndole el reconocimiento por su magnifica interpretación.

También participó de manera sobresaliente en películas como“The Blues Brothers” (1980), “Garbo Talks” (1984), “Hannah and Her Sisters” (1990), “Soapdish” (1991), “Austin Powers” (1997) and “Scream 3” (2000). Her many TV appearances included guest shots on “Frasier,” “Sex and the City,” “Entourage,” “Smallville,” “Weeds,” “The Big Bang Theory” y “Girlfriends’ Guide to Divorce.”  Carrie también participaba con su voz  en la serie «Family Guy» Fisher was a semi-regular voice actor on Fox’s “Family Guy,”  como el jefe de Peter Griffin.

Fisher, también, se desempeñó como script doctor de numerosos guiones dentro de la industria. Era una hábil contadora de historias. Como guionista, escribió episodios de  las series  “Roseanne” y “Young Indiana Jones.” Fue co guionista de la serie «These Old Broads» de la ABC en 2011.  Su participación en «Wishful Drinking» le valió una nominación al Emmy en 2010.

El viernes 23 de diciembre, de regreso a Los Ángeles, en un vuelo procedente de Londres, donde Fisher se encontraba grabando capítulos de una serie para Amazon, sufrió un ataque al corazón. Al llegar fue trasladada inmediatamente al hospital de la UCLA donde fue atendida en Cuidados Intensivos.

Bob Iger, presidente y director ejecutivo de Disney, dijo en un comunicado:

«Carrie Fisher era una persona única, un verdadero personaje que compartió su talento y su verdad con todos nosotros con su ingenio y su irreverencia. Millones se enamoraron de ella como la indomable Princesa Leia; Ella siempre tendrá un lugar especial en los corazones de los fans de Star Wars, así como todos nosotros que tuvimos la suerte de conocerla personalmente. La vamos a extrañar, nos unimos a millones de fans y amigos de todo el mundo que hoy lloran su pérdida.

Hace algunos meses Fisher regresó al candelero al revelar que seguía enamorada del actor Harrison Ford, con quien sostuvo un fugaz romance mientras filmaban el episodio IV de Star Wars.

Ford reaccionó, en un comunicado, a la muerte de Fisher expresando profundo dolor y extrañamiento:

«Carrie fue única en su género…brillante, original. Divertida, emocionalmente audaz. Vivió su vida con bravura. La voy a extrañar».

Es curioso que su personaje aparece, especialmente, en el spin off  «Rouge One«, iniciando su viaje a la posteridad.

Les compartimos la audición de Carrie Fisher para obtener el rol de la Princesa Leia.

Hasta siempre Carrie, que la fuerza te acompañe siempre…

Fuente:

Variety.com

Redacción Filmakersmovie

Visita la página oficial de  la  Princesa Leia Organa

Las 5 imperdibles de Navidad

Listas las luces, lista la comida, listos los regalos, lista la familia…estás son nuestras 5 recomendaciones para ambientar la noche y disfrutar la Navidad.

¡Felicidades Filmakers!

EFL

Esta simpática cinta, escrita por Jon Favreau, cuenta la vida de Buddy, un atípico duende que crece en el Polo Norte bajo el cuidado de Santa Claus, que al enterarse de su origen humano decide regresar a Nueva York para conocer a su padre real. Con las actuaciones de Will Ferrell como Buddy el Duende, el mítico James Caan, y la dulce Zoey Deschanel, te harán sentir y reír la magia del amor en estas fiestas.

DIE HARD

En la noche de Navidad, John McClane un policía de NY, planea reencontrase con su ex esposa en una celebrada en un importante edificio de Los Ángeles, propiedad de un magnate japonés. En la verbena, el edificio es secuestrado y John no dudará en combatir con los delincuentes. Toda la adrenalina de una navidad con acción en este film de Bruce Willis, dirigida por John McTiernan.

TRADING PLACES

Enredos en vísperas de navidad. Filadelfia, en medio de una discusión de clases sociales y etnias,  dos viejos lobos de mar en los negocios Randolph y Mortimer Duke, deciden apostar sobre los efectos de revertir la suerte financiera de un hombre rico y un hombre pobre de color. Deciden utilizar para este experimento a su joven y principal accionista Louis Winthorpe III (Dan Aykroyd), un joven egresado de Harvard, que al parecer tiene todo bajo control. Al dejarlo sin dinero, Lois se enfrentará a un sinfín de retos, depresiones y frustraciones, pero también conocerá a Ofelia (Jamie Lee Curtis), una sexo servidora que le ayudará a vengarse. En medio, Billy Ray Valentine (Eddie Murphy) un indigente que lo único que busca es devolver su maletín a Lois, es contratado por los empresarios para que ocupe el puesto de Winthorpe, desatándose una suma de enredos muy, muy divertidos.

HOME ALONE

Esta película icónica de las fiestas nos cuenta la divertida aventura de Kevin McCallister, un niño de 8 años que es olvidado por su familia en su casa, el día de Navidad. Si pareciera el sueño de todo niño, pero, Kevin no sabe que se enfrentará, sólo en casa, a un par de rufianes que intentan asaltar su hogar. Una suma de genialidad donde la diversión y la nostalgia por infancia  son inevitables. Una cinta que catapultó a Macaulay Culkin como el niño favorito de Hollywood y de la Navidad.

IT’S A WONDERFUL LIFE

Frank Cappra nos hereda, desde 1946, este gran regalo para Navidad. It’s a wonderful life, o qué bello es vivir, en su traducción al español, es una emblemática cinta de la época. Nos cuenta la historia de George Bailey (James Stewart ), un hombre que es su frustración decide suicidarse en Noche Buena, cuando ya está listo su Ángel de la Guarda (Henry Travers), aparece y le pide que no lo haga, le muestra el cómo su vida a afectado en la vida de su familia y vecinos, además de hacer un recorrido por la vida y el tiempo de sus seres queridos si él no hubiera existido. Sin duda este es un film para reflexionar y agradecer la oportunidad de cruzarnos todos los días con personas con las que construimos, sin quererlo, un lazo positivo.

Como estás hay muchas más para recomendar, esta es nuestra humilde lista del año, que disfruten esta noche llenos de paz, amor y plenitud en el corazón.

En el dar está el darse.

Gracias por ser parte de este gran 2016

Queridos amigos, en la víspera de las fiestas y de recibir con brazos abiertos al nuevo año, queremos agradecer a todos y cada uno por ser parte de Filmakersmovie.com durante estos 365 días. Hace poco más de 4 años, en julio de 2012 comenzamos esta travesía sin saber el camino que cada día recorremos junto a ustedes. La idea surgió en 2010 y desde entonces trabajamos para bajar el concepto que conocen y que ha ido evolucionando con las posibilidades que nos brinda la tecnología al ser un proyecto de autor, independiente.

En 2016 nos hemos llenado de orgullo y  satisfacción al recibir trabajos desde España, Chile, Argentina, México, Colombia y Rusia, sin importar el idioma nuestro lenguaje se da al reconocernos en esas historias que nos vuelven uno y nos hacen reconocernos en el otro hablando el idioma del amor, el dolor, la esperanza.

También, la Asociación Mexicana de Internet, AMIPCI, ahora Asociación de Internet MX, el 1ro de diciembre nos reconoció como Mejor Página de Entretenimiento en México 2016, en la ceremonia de presentación de su nuevo ADN. Sin duda, el reconocimiento emblemático de esta asociación en nuestro país es un indicio de  que nuestra esencia es reconocible, la apertura, democratización y pluralidad del mundo audiovisual y cinematográfico.

Estrenamos Internacionalmente nuestra primera producción original cinematográfica “Día de Descanso” en co-producción con CACEH y Fondo Semillas, presentándose, también, en los Cinepolis de la CDMX, gracias a su Fundación.

Tuvimos destacados invitados en nuestros programas “Encuentros con Iván Uriel” y “Radio Chinaco Broadcasting”, como Don Demetrio Bilbatúa y Carolina Jiménez.

Emprendimos, y lo hicimos con Filmakers Media Content, una agencia y productora audiovisual que se dedica a la generación de historias comerciales para producción comercial, haciendo importante mancuerna creativa con nuevos talentos a los que hemos tenido la oportunidad de conocer.

En 2017 estaremos celebrando nuestro 5to aniversario, por lo que realizaremos muestras itinerantes de los contenidos que forman parte de Filmakersmovie.com, en los distintos países desde donde, miles de usuarios, nos visitan cada día.

Gracias por ser parte de este lugar común para contar historias…

Un gran año lleno de salud, plenitudes y satisfacciones.

Con cariño

Filmakersmovie.com

México

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Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

Recomendaciones decembrinas

Por: Un Tal Luis

Diciembre siempre tiene días libres, días en los que llegamos a estar encerrados a causa del frío, o incluso precisamente a causa de no tener vacaciones. Pero siendo honestos, es probable que no haya nada que hacer en la oficina y que simplemente estemos haciendo guardia. Y si el jefe no se da cuenta podemos matar el tiempo viendo algunas historias en línea. O bien, el jefe puede estar de buenas y «unírsenos» para entretenerse. Independientemente de cual sea el caso aquí hay algunas recomendaciones con temáticas no precisamente de Navidad, pero que si encajan con el ambiente de la noche buena y el fin de estos doce meses.

Es probable que durante todo el año hayamos estado trabajando y estemos cansados de la rutina, algunos quizás renieguen del trabajo. El punto es ver la oficina con humor, por lo que un maratón de The Office no estaría mal, ya que serviría para reírse del trabajo e identificarse con situaciones que suceden en la vida real. Así que vayan al mini súper de la esquina y traigan botanas para reírse de la oficina como se debe.

Ahora, como dice el villancico de Blanca Navidad: “recordar mi infancia”, pues sí, podemos hacerlo en estas fechas y si eres fan de Star wars, es momento de decir ¡Si, lo soy! ¡¿y qué?! Por lo que es buen momento de sacar la espada láser y ver una vez más toda la saga. Después de todo no es casualidad que estás películas se hayan  estrenado en diciembre. ¡Que la fuerza los acompañe!

Y ya que estamos en la línea de los recuerdos, eso nos lleva a un clásico elemento de estas fechas: los juguetes, mismos que todos tuvimos cortesía de Santa Claus y Los Reyes magos y que nos preocupamos porque estos sigan trayéndoselos a nuestros niños. Y esto nos conduce a películas como la saga de Toy Story y Ralph, el demoledor: Las aventuras de Woody y compañía son perfectas para divertirse junto con los niños o incluso a solas. Mientras que Ralph, el demoledor, nos lleva a la nostalgia de los videojuegos y de sus versiones en arcadia, comúnmente conocidas como “maquinitas” que solíamos jugar de chavos. Aprovechen que Disney piensa en los niños grandes.

Ya en el tema de los juguetes, los peluches son clásicos en estas temporadas por lo que vale la pena verlos con un toque de humor y personalidad como en Padington. Las aventuras y desventuras de este oso, ubicadas en Londres, son una buena opción para pasarse el rato y ver a los osos de otra manera a la habitual.

Por otro lado, hay que tomar  en cuenta que cuando la oficina se queda tranquila y sin prisas es probable que nos pongamos a platicar y descubramos aficiones desconocidas entre los compañeros de trabajo. Por lo que es probable que nos encontremos con un amante del Anime. Así que recuerden que Estudio Ghibli ofrece grandes clásicos de este género. Además, bien podríamos enseñarles a nuestros niños otro tipo de caricaturas y desarrollarles un buen ojo para el cine. Hay muchos títulos, pero por recomendar algunos están El viaje de Chihiro, Mi vecino Totoro, El recuerdo de Marnie,  y El regreso del gato. En fin, es cosa de explorar un poco, (también se recomienda Los niños Lobo, aunque esta pertenece a Madhouse y Studio Chizu).

Recordemos que diciembre también significa frío, nieve y trineos. Sin duda alguna los huskies resumen todo esto, por lo que Rescate en la Antártida entra en nuestras opciones: esta película estelarizada por Paul Walker se convirtió en una de sus cintas más reconocidas, y  a decir verdad, los perros también son protagonistas y por momentos la historia parece un documental de National Geopgraphic, además de estar basada en una historia real; en ella podemos observar la visión de los huskies y su modo de sobrevivir, por lo que el hecho de que te cuenten una historia sin decir una palabra a lo largo de muchas escenas, resulta algo original.

Y hablando de perros, las mascotas también son parte de la familia. Así que ¿por qué no ver Hachi? También recordemos que en estas fechas se vale conmoverse incluso hasta las lágrimas. Por lo que vaya preparándose para abrazar a su perro y llorar a solas, o mostrar abiertamente sus sentimientos con alguien de confianza si así lo desea.

Ahora, en estas épocas también abundan las bodas, la convivencia con parientes que no vemos tan a menudo y los viajes al extranjero. Eso nos lleva a echarle un ojo a Tres primos y una boda (Primos): esta comedia española nos recuerda que a veces visitamos el lugar de origen de la familia, que los primos son los primeros amigos de la infancia y esas nupcias que no se llevaron a cabo que es con lo que comienza la historia.

Y ya que estamos en Europa nos pasamos al cine de Francia con Dios mío que hemos hecho, una comedia que se mofa de los estereotipos culturales y que toca el tema de la Navidad. Esto la hace una buena opción para sentarse en el sofá y decirle a todos “¡Hey, conozco una película que es casi seguro que no han visto!” Se la van a pasar bien.

Es muy probable que cuando nos estemos poniendo de acuerdo sobre qué película poner en estas fechas, algún chavo sugiera una de súper héroes, esa donde sale Robert Downey Jr. por ejemplo. Pero claro, nosotros sabemos que hizo muchos papeles mucho antes de que fuera Iron man, y vale la pena recordar cuando hizo Corazones y almas, que bueno, encaja en estas fechas porque está basada en la premisa conmovedora de que hay que cumplir con la misión que tenemos en la vida. Además, de vez en cuando es bueno volver a ver ese tipo de películas ya sea para reírnos un poco de cómo ha pasado el tiempo o simplemente por nostalgia.

Y bueno: ¿quién más visitado que los abuelos en estas fechas? Es muy probable que los veamos en algún momento de diciembre. Ya sea porque estemos reunidos en su casa o porque pasen a la nuestra; podemos invitarlos a ver El viaje de la nona. La familia puede sentirse identificada por las características de la abuela. Y si no, al menos se divertirán.

Para terminar, no podían faltar las películas que específicamente son de Navidad, por lo que podemos ver Hombre de familia: claro está, no tiene que ver con Peter Griffin y compañía, sino con Nicolás Cage como protagonista en una reflexión que cuestiona el concepto habitual de éxito en la vida y que ocurre precisamente en la víspera de Navidad. No hay Santa Claus, no hay regalos, pero sí espíritu navideño en esta historia. Por lo que entra muy buen en la baraja de opciones.

Estas son algunas sugerencias para estas fechas, porque a fin de cuentas diciembre significa muchas cosas. ¡Diviértanse y disfruten el próximo año!  ☃️

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Arquetipos en el cine

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Un arquetipo es un modelo a seguir, es una imagen prototipo para copiar y reproducir; idealmente, un patrón que sirva como base para moldear o perfeccionar algo. Dentro del cine, los arquetipos pueden encontrarse en los géneros cinematográficos y en el trazo de personajes como elementos repetidos que crean estándares, fórmulas o patrones.

En las películas, por ejemplo, la herramienta está presenta en la construcción de historias, con elementos comunes dentro de un mismo género cinematográfico o secuencia de acciones en el desarrollo (el orden en que suceden los hechos durante el planteamiento, nudo y desenlace). El montaje de entrada con que se conoce a los personajes principales, el beso de la pareja protagonista al final de la película o el que todo parezca perdido para el héroe, justo antes de decidirse a luchar o realizar un último esfuerzo para completar su misión, son algunos ejemplos de ocasiones en que pueden presentarse arquetipos de estructura en  las historias cinematográficas.

Estos elementos constantes dentro de un mismo tipo de relato también se hacen presentes en el trazo de personajes, cuando comparten particulares rasgos o características. Los personajes arquetipo son aquellos que presentan similitudes en diversas historias pero bajo los mismos estándares, escenarios y contextos: el mago sabio que guía al héroe o el guerrero que pelea a pesar de que todo esté en su contra.

Los arquetipos se diferencian de los estereotipos porque estos últimos son una versión exagerada de esas características que los identifica. El estereotipo es aquel personaje latino que trabaja como ayudante en la casa de su patrón, o el hombre adinerado que despilfarra el dinero con arrogancia. Por su parte un arquetipo es, por ejemplo, aquel personaje que funge como mentor del héroe: por ejemplo los papás de Superman, Dumbledore para Harry Potter u Obi Wan Kenobi para Luke Skywalker.

La función de los arquetipos es ayudar a entender la historia para el espectador mismo, pero, incluso para la historia en sí y sus personajes, porque dan lógica y progresión al relato. El héroe necesita un villano, el príncipe necesita a la princesa a la que debe rescatar y necesita incluso la presencia del dragón que defiende la torre donde está encerrada la princesa, como obstáculo en su misión. Con ellos, el cuento tiene una estructura básica que seguir, sin ellos, los elementos no siempre tienen cohesión ni progresión.

Como lo dice la teoría estructuralista, los elementos de una estructura cumplen una función concreta para su funcionamiento, interrelacionándose entre sí para la construcción de esa estructura, sin éstos la organización narrativa puede presentar fisuras. En este caso, la película o la historia necesitan esas herramientas arquetípicas para funcionar, pues permiten captar los valores que se quieren expresar y cohesionan a los personajes. En el libro The Writer’s Journey, de Christopher Vogler, se ahonda en los 8 arquetipos más comunes que se pueden encontrar y que son necesarios para la construcción de una historia (aunque no todos aparezcan forzosamente en el relato): a) el héroe, b) el mentor, c) la sombra (villano o enemigo), d) el anuncio (persona o evento que llama a la aventura), e) guardianes del umbral (obstáculos que se interponen), f) cambiantes (persona que al cambiar de opinión, sentimientos o perspectiva, da un giro diferente al curso de la historia), g) embaucadores y h) aliados.

Su propósito es facilitar el camino para entender el mundo de ficción que se presenta y poder relacionarlo con el mundo real. Sin los elementos de arquetipos, la historia no tendría lógica, es decir, su presencia ayuda al relato, porque, por citar un ejemplo conocido, Luke Skywalker no habría logrado su misión sin el apoyo y enseñanzas de Obi Wan Kenobi. Esa es la relevancia de la presencia de los arquetipos, que cumplen un propósito esencial a la coherencia narrativa.

El uso y abuso de estos elementos, sin embargo, crea lugares comunes, fórmulas repetidas que se desgastan y desgastan a la cinematografía. Si todos estos elementos se repiten y se exageran sin control y falta de creatividad, surgen entonces los clichés y los estereotipos; películas románticas que siempre tratan de lo mismo, o bien, películas de terror que siempre siguen la misma línea de acción y desenvolvimiento de sucesos (los mismos sustos, los mismos fantasmas, la misma familia perseguida por espíritus tras mudarse a una nueva casa), provocando que la historia se vuelva predecible, irrelevante o reiterativa.

Con los arquetipos se desdibujan personajes para lograr su transformación, según su función, es decir, cambian con el contexto y con el tipo de historia que se cuente. El personaje del acompañante del héroe que trae emoción y espíritu a la historia cambia según el tipo de relato que se trate. Dory en Buscando a Nemo, Ron en Harry Potter, Burro en Shrek, Frank (el perro) en Hombres de Negro, o Ruby Rhod en El Quinto Elemento; todos hacen una misma función en la historia a la que pertenecen, ese es su arquetipo, pero se diferencian entre sí, en su personalidad, características, físico y crecimiento como personajes, porque pertenecen a diferentes contextos. Todos tienen un tino cómico, por ejemplo, pero no son el mismo personaje disfrazado con otra piel, porque su arquetipo es su función, el estereotipo son todas sus similitudes. Si hablamos del niño gracioso en la película infantil, aquel que siempre es pecoso o de cara redonda, entonces hablamos de un estereotipo, porque ese personaje es el mismo tipo de niño dentro de todas esas distintas historias, su mismo trazo, apariencia, bromas, relación con otros personajes y crecimiento como personaje.

El psicólogo Carl Gustav Jung habla de los arquetipos en el inconsciente colectivo: imágenes simbólicas como representaciones culturales, y no debemos olvidar que el espacio cultural es en esencia simbólico; por ejemplo, una paloma blanca como símbolo de paz, libertad o pureza. Lo propuesto por Jung es que los arquetipos son modelos (prototipos) que se forman en el inconsciente, porque se aprenden por el contexto cultural, no se enseñan, sino que se vuelven innatos dentro de la cultura; pueden ser repeticiones de las experiencias de la vida diaria que eventualmente son entendidas como una misma representación, una constante. Así, los relatos cinematográficos forman arquetipos, pero los arquetipos se van conformando del inconsciente colectivo de entre la sociedad. Es una relación bilateral que se alimenta entre sí.  Todos los brasileños juegan fútbol, todas las chicas populares son “fresas” y bonitas en las películas adolescentes, la chica popular es la contrincante-adversaria de la protagonista de la historia; ¿arquetipos o estereotipos?

El inconsciente colectivo permite entonces al espectador entender la historia fílmica a la que se acerca, gracias a los arquetipos y símbolos que se presentan. No hace falta que un personaje hable de paz para que la audiencia lo entienda, sólo es necesario mostrar una paloma blanca para relacionarla con el símbolo de libertad. Valores entendidos y lugares comunes.

El arquetipo existe como elemento de traducción del mensaje (la película). Kaa, la serpiente en El libro de la Selva, es uno de los villanos de la historia, porque cumple una función de arquetipo, correspondiente con la forma como el inconsciente colectivo percibe las cualidades del animal, venenosas según las particularidades naturales de las serpientes.

En el cine lo importante es saber reconocer esos elementos, sus cualidades y características, pero sin exagerarlas al momento de ponerlas en circulación. En Toy Story 3, Lotso, el personaje del oso de peluche rosa, resulta ser el villano de la historia, cumpliendo así con su arquetipo pero yendo en contra de su estereotipo. Esa forma ingeniosa de cumplir con un arquetipo sin caer en el estereotipo es la mejor forma de enriquecer una historia. Los arquetipos, después de todo, siempre están presentes para dar estructura a las películas y cumplen un fin específico para dar presencia a los personajes (si un personaje o elemento de la trama no aporta nada al relato, entonces está de más); pero son eso, exclusivamente elementos que sostienen, moldean o construyen una película. Es aquello que los diferencia y los hace únicos lo que en realidad hace que la historia sea eficaz.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.