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El Neo Surrealismo Italiano

Por: Andrés Palma Buratta

Si hay una corriente cinematográfica que define la historia del cine Italiano, es el Neorrealismo. Concebido en el post segunda guerra mundial, vio su génesis con  la película “Ossessione” (1943) de Luchino Visconti y sobretodo con “Roma, città aperta” (1945) de Roberto Rossellini, considerada la producción fundacional de este género, llegando a su máxima expresión en “Ladri di biciclette” (1948) de Vittorio De Sica,  pasando por el cine de Pietro Germi, Giuseppe De Santis, Alessandro Blasetti, todos bañados por la pluma de Cesare Zavatini, el gran guionista de este movimiento. El Neorrealismo, se convertiría en el relato más significativo, artística e ideológicamente hablando, de la trágica historia de una nación destruida por la guerra.  La inocente y triste mirada de hombres, mujeres y sobre todo niños, retratados en ese cine, le daban rostro a esa humanidad que iniciaba sus pasos en la reconstrucción de una identidad robada dentro de un país violentado por un régimen autárquico.

Fue el género necesario para contrarrestar la pompa grandilocuente y efectista de las grandes producciones que emergían de CineCittá, y de los estereotipos hasta ahora provenientes del cinema americano. Fue la respuesta a los musicales y efímeras comedias románticas conocidas como “Cinema dei telefoni Bianchi”, ordenadas por el partido fascista para preservar a toda costa la quietud intachable de una nación que ya mostraba síntomas de resquebrajamiento.

Su discurso moral encontraría en la profundidad estética del blanco y negro filmado a modo documental en exteriores naturales,  su mejor arma de propagación de las historias ocultas de ciudadanos comunes (interpretados por actores no profesionales), que por primera vez se veían enfrentados a su propia historia. La sociedad italiana, tendría la oportunidad de reconocerse como nación soberana, concepto socio político cultural que no había podido cuajarse desde que Garibaldi unificara los reinados que gobernaron por siglos la península. Este relato de nación finalmente tenía una voz: el Neorrealismo, que se mantuvo vigente y mundialmente aclamado por lo menos por una década.

Temeroso de esta desnudez nacional proyectada por el movimiento Neorrealista, es que un recién asumido partido conservador, la Democrazia Cristiana, a principios de los años 50, comenzara a censurar los realizadores que, película a película,  seguían develando las falencias más íntimas de un país empecinado en alcanzar estatus de nación moderna, cuando todavía no había resarcido el daño hecho al campesino, en una Italia que todavía curaba sus heridas.

Serían, justamente, factores como la censura, la reducción de la producción cinematografía de manera considerable, el enfriamiento ideológico impuesto por el gobierno y la dificultad de representar a una sociedad en constante cambio, que acrecentaría la necesidad de denunciar los ideales vulnerados por un sistema servil a los nuevos intereses partidarios,  dando paso, al que quizás sea el periodo más prolífico, más genial y menos entendido del cine Italiano.

Muchas veces conocido como “Post Neo realismo” (descrito maravillosamente por Luca Barattoni en su libro Italian Post-neorealist Cinema), “Pink neorealism” “La fase heroica del Neo realismo” o “La nueva ola italiana«, el periodo cinematográfico que devino a partir de mediados de los años 50, y que continuara hasta el principio de los 80, significó, un entendimiento cabal de la entrada a la tan deseada “modernidad” que viviría Italia en aquellas décadas.

El cinema italiano necesitado de una nueva visión, tomó las concepciones ideológicas post fascismo de un ya agotado Neorrealismo, para convertirlas en nueva forma de hacer cine, creando, paralelamente al famoso “Cinema de autor”, un híbrido cinematográfico entre Neorrealismo, Surrealismo, Realismo y comedia, que quisimos llamar Neo Surrealismo Italiano, (tomando el termino, “Neo Surrealismo”, que se acuñara a principio de los años 70 como una mezcla entre el arte pop y un intento de ilustrar la imagine-ría bizarra de los sueños o de la mente subconsciente a través de la pintura y la fotografía, según George Grie, uno de los primeros artistas digitales surrealistas) y que más que un simple lapso, momento o post algo, durante años, de forma intermitente, muy desordenada, difícil de identificar, por lo tanto casi imposible de clasificar y ordenar en una sola tendencia, definiría la verdadera idiosincrasia del pueblo italiano.

Hablar de surrealismo en el cine, es hablar de Luis Buñuel y Salvador Dalí con “Un chien andalou” (1929) y “L’âge d’or” (1930), Germaine Dulac con “La coquille et le clergyman” (1928), “L’étoile de mer” (1928) del maestro Man Ray,  Jean Cocteau, Jean Vigo, Fernand Léger  y claro de André Breton y su “Manifeste du surralisme”. Incluso de las primeras incursiones en el documental a manos de Dziga Vertov que diera paso al  movimiento realista ruso. Es una corriente, no solo cinematográfica, que tuvo su auge en los años 20 bajo los conceptos de libertad de control racional o automatismo psíquico según el mismo Breton, donde la fantasía, los sueños,  las visiones se mezclaban en el subconsciente humano con lo absurdo, lo irracional y los varios simbolismos en la representación y concepción de una o varias realidades.

El Neo Surrealismo Italiano, tomaría estas herramientas metafísicas, abstractas, revolucionarias, e implantaría su ideal en un entorno más cercano a las esferas políticas y económicas que lo estaban censurando. Los eventos iluminados por la objetividad y representación racional del Neorrealismo, formulados desde la marginalidad, se convertirían, ahora, en el paradigma del hombre moderno y su relación con la reinvención de una sociedad industrial. Desde la cuna de la clase media y sobre todo de la clase alta, el imaginario país, adquiriría tintes grotescos, bizarros, extraños, donde la verdad reconocible del hombre no sería más que una fantasía existencial, una agonía de la civilización.

Por otro lado, El Neo Surrealismo Italiano, centraría su obsesión en el ser humano, no tanto por la humanidad o falta de ella, como la corriente que lo precedió, sino por la idea de razón, de mente, de un nuevo renacimiento fabril, lleno de confusas doctrinas abstractas atrapadas en un cuerpo humano, listas para la exploración intimista y la delirante extroversión como escritura de un país temeroso,  caótico, insatisfecho, que muy pronto caería en unos de los periodos más violentos de su historia conocido como “Gli anni di piombo” (Los años de plomo) que durante la década de los 70 hundiría a toda la nación, tanto a sus gobernantes como habitantes, bajo los constantes ataques terroristas de grupos extremistas descontentos con la situación socio política que vivía una Italia que, dicho sea de paso, nunca tuvo infancia como nación (quizás por eso, los protagonistas del Neorrealismo eran en su mayoría niños), que de pronto se vio subsistiendo su pubertad como soldado ignorante de dos guerras, llegando a su madurez de golpe cuando la república por fin se instalara como sistema de gobierno, pero donde todas las ideologías que no habían tenido voz, quisieron tomar el poder generando un caos gubernamental digno de película surrealista.

Gracias a estos elementos, a esta anarquía sociopolítica, a la censura, a la falta de identidad, nacería la expresión poética Neo Surrealista Italiana,  un movimiento no reconocido, donde las preocupaciones éticas, ideológicas, morales, amorales, en la piel de las minorías sexuales, las prostitutas, los marginales, los artistas, los intelectuales, los pudientes, los nobles y los pobres, trazarían el papel de la contracultura italiana mediante una estética moderna de experimentación y renovación artística entregando las obras más emblemáticas del cine italiano.

Las complejas áreas de lo popular, la angustiante intimidad del italiano, la existencia humana, el enfoque de los procesos sociales, el examen de las políticas estatales,  el entendimiento de la propia identidad, se personificarían bajo las vestes de actores como Gassman, Mastroianni, Sordi, Tognazzi, Vittorio De Sica, y actrices de la talla de Monica Vitti,  Stefania Sandrelli, Sophia Loren, Gina Lollobrigida, Silvana Mangano, Virna Lisi, Claudia Cardinale.

Nacerían maestros como Fellini, Ferreri, Scola, Pasolini, Antonioni, Ermanno Olmi, los hermanos Taviani, Liliana Cavani, Francesco Rosi, Lina Wertmüller, quienes concretarían el discurso cinematográficamente Neo Surrealista Italiano mediante las más descarnadas tragicomedias riadas de exhibicionismo, simbolismo, reconfiguración y humorismo.

Mastroianni se convertiría en el actor icono del Neo Surrealismo Italiano, en filmes como “Touche pas à la femme blanche” (1974) de Marco Ferreri, “La grande bouffe” (1973) también de Ferreri, “8 ½” (1963) de  Fellini y “Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca)” (1970) de Ettore Scola, entre otras. Así, con el paso de los años, todos los grandes directores quisieron dejar su impronta onírica en esta naciente tendencia a la par de su continua exploración en otras esferas discursivas cinematográficas. Fellini continuó con “Giulietta degli spiriti” (1965) y “Satyricon” (1968) quizás el más gran surrealista junto a Ferreri.  A Vittorio De Sica  se le podría considerar el precursor con “Miracolo a Milano” (1951) junto a “Tre tempi di cinema astratto” (1951) de Elio Piccion y “Spatiodynamisme” (1958) de Tinto Brass. El polémico y genial director Pier Paolo Pasolini nos entregaría su obra maestra “Teorema” (1968) aunque, algunos años antes, ya había hecho su propia exploración alucinante con “Uccellacci e uccellini” (1966) protagonizada por el más importante humorista italiano de todos los tiempos, Totó (actor de “Miracolo a Milano”), quien también se convertiría en un transcendental rostro de ese surrealismo/comedia en filmes como “Totótruffa ’62” (1961) de Camillo Mastrocinque, o “Totó diabolicus” (1962) dirigido por Steno. Los grandes maestros Vittorio De Sica (La riffa) Federico Fellini (Le tentazioni del dottor Antonio) Mario Monicelli (Renzo e Luciana) y  Luchino Visconti (Il lavoro) unirían sus particulares contemplaciones en la fantasiosa “Boccaccio ’70” (1962).  La observación de este “movimiento” tomaría incluso tintes internacionales con Antonioni y su visión del “power flower” en “Zabriskie Point” (1970) o la sicodelia en “Blowup” (1966).

Pero quizás hay un grupo de artistas, desconocidos por su alto grado de experimentación, que forjarían las obras más audaces, más anómalas, del Neo Surrealismo y que al mismo tiempo moldeara otra corriente que según muchos historiadores nunca tuvo un verdadero nacimiento, el llamado “Cinema Sperimentale”.

Autores como el  multifacético actor, director, dramaturgo, escritor y poeta Carmelo Bene, quién ya había estado bajo las ordenes de Pasolini en su “Edipo Re” (1967), dirigiría “Salomé” (1972) y “Capricci” (1969), aunque su obra más recordada sería “Nostra signora dei turchi” (1968) provocando escándalos de tal magnitud, que terminarían con el público incendiando o destruyendo las salas de cine donde venía proyectado su trabajo. Actuó en otras obras significativas del movimiento en cuestión, como los bizarros film art “Necropolis” (1970) de Franco Brocani, y “Umano, non umano” (1968) de Mario Schifano. En el año 1967 nace en Roma la Cooperativa Cinema Indipendente, grupo de realizadores que intentarían renovar formas, contenidos y maneras de distribución, influenciados por el incipiente New American Cinema, dando origen a las obras de Romano Scavolini, con su película “A mosca cieca” (1966) de Massimo Bacigalupo con “60 metri per il 31 marzo” (1968), “Dei” (1968) de Tonino De Bernardi, “Grazie, mamma Kodak (1966) de Ugo Nespolo y “Après la Passion selon Sade” (1968) de Alfredo Leonardi, entre otros. Finalmente, esta nueva forma artística extrapolaría el cine, fusionando los dibujos y la pintura con el celuloide en las obras de Luigi Veronesi, o incluso en las invenciones de dispositivos vídeo-cinematográficos de Alberto Grifi quien grabaría la obra “Cristo ’63” di Carmelo Bene, y dirigiría “Verifica incerta” (1964) film montaje que descompone las famosas películas de Hollywood.

El Neo Surrealismo Italiano, se amalgamaría entonces, con ese fundamental cine de autor de los años 60 que catapultaría definitivamente el cine italiano dentro de la historia del séptimo arte, daría pie al gran movimiento sucesivo “La Commedia all´italiana” y finalmente se diluiría en las miles de expresiones artísticas que inundarían los años 60, pero sobretodo los 70, como el ya mencionado “Cinema Sperimentale” (Del que hablan David Bordwell y Kristin Thompson en su libro “On the History of Film Style”).

Podríamos o no considerarlo un movimiento, o quizás solo un momento, sin embargo, creemos que este puñado de películas, correspondiente a la génesis de la corriente y sus respectivos directores (muchos de los cuales siguieron indagando en el género durante toda su filmografía), fueron fundamentales para entender el mundo post guerra, para construir la identidad de una nación, para interpretar el carácter del ser humano y su protagonismo dentro de la historia de la humanidad, para examinar la idiosincrasia de Italia e instalarla en el imaginario colectivo, a través de lo abstracto, de lo oscuro, de lo extraño, de lo inconsciente o transgresor. Sin duda, no es primera vez que el surrealismo, tenga la noción más lucida y cuerda, al momento de reflejarnos como sociedad.

Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks, fue director de Camaleón Films, dirige Filmakers Media Content.

Memoria: EL SANTO, 100 años de leyenda

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Si alguna figura mexicana se erige en lo alto del firmamento cultural de México, con una influencia capaz de trascender los cuadriláteros del pancracio universal para habitar diversos ámbitos con igual o mayor influencia, esa efigie unísona es “El Santo”, el máximo referente de la lucha libre mexicana. Ícono popular, estrella de cine, deportista ejemplar, Rodolfo Guzmán Huerta encumbró a un personaje, a un mito donde convergen el carisma y la empatía de un gladiador con la leyenda que simboliza la cosmovisión, los ímpetus y los anhelos de un pueblo. Su máscara es símbolo de justicia e inspiración, es patrimonio nacional y al mismo tiempo la identidad de un ídolo de infinito afluente generacional. Hace ya más de tres décadas de aquél 5 de febrero de 1984 que se cimbró por entero el mundo que él mismo había construido, el dolor de su partida cubría la constituyente fecha, envuelta en la nostalgia y los recuerdos que eternos quedarían en la afición de un deporte y la veneración de un país hacia su ídolo; apenas un par de semanas antes, el propio luchador había mostrado parte de su rostro en el programa de televisión “Contrapunto”, conducido por el periodista Jacobo Zabludovsky, despojándose de la máscara más deseada, la que ningún rival pudo quitarle y la que más encarna la cultura popular mexicana desde mediados del siglo XX; en aquél programa también supimos su nombre y pudimos adentrarnos a la interioridad de quien dos años antes habíase retirado del cuadrilátero tras décadas de brillar intensamente en el propio universo que giró a su alrededor.

Y es que hablar de Rodolfo Guzmán Huerta es adentrarnos a una pléyade temática que rebasa por completo el ámbito estrictamente deportivo, es hablar de una personalidad capaz de hacer unánimes, el cariño, la admiración y el respeto; la entrega por su profesión y la disposición de hacer de su entrega una alternativa al entretenimiento desde el deporte, permitieron que el alumno de Jesús Lomelí y “El Diablo” Velasco, quien iniciara su travesía a los 16 años como luchador profesional en los años treinta, que se llamase también “Rudy Guzmán” o “El Incógnito”, y que en los años cuarenta desechara los nombres de “El Ángel” y “El Diablo” por “El Santo,” alcanzara la fama mundial y un lugar de privilegio en el imaginario mexicano.

La historia de “El Santo” es la historia de un deporte que al instante implica la imperiosa necesidad de conocer los mitos sobre los cuales se teje la identidad, vocación y las definiciones del astro nacido en Tulancingo, Hidalgo, que habría de dar vida y continuidad a la lucha libre mexicana siendo su máximo exponente, y que se convertiría en primerísima estrella de la industria cinematográfica nacional, que dolida en orfandad tras perder a su ídolo Pedro Infante, y atenta al alejamiento de su otra figura épica, Mario Moreno Cantinflas que conquistaba el mercado internacional, encontraba en Rodolfo Guzmán Huerta a una pieza clave que resultaría ser el actor más taquillero de un género fundacional. Al medio de los dramas citadinos, las tragedias rurales, las comedias urbanas y las coplas de un sistema que buscaba legitimarse en la Revolución Mexicana, “El Santo” filmó más de cincuenta películas, muchas de ellas consideradas de culto y aún hoy inspiradoras de sendos circuitos, festivales y coloquios de cine a nivel internacional, especialmente en Europa y Asia.

Así, fuese en la comedia o en la bélica enmarcación, en las historias a canciones o en la adaptación literaria de lenguajes poéticos, “El Santo” definiría un estilo y sentaría las bases para asirse de un nicho de culto que encumbró al personaje, y lo anidó por debajo de la piel de un país que más allá de tener una inclinación por el fútbol o el box, en donde también abrazaba ídolos, hallaba en la lucha libre y en las innumerables posibilidades de sus máscaras, cabelleras, caídas y desenlaces, un caleidoscopio donde desfogar al mismo tiempo la ira, el tedio y la frustración, para aguardar la esperanza, la ilusión y la fantasía de una realidad que abría puertas al heroísmo.

Un héroe nuestro y universal, un titán que intimida al vuelo de su capa y al cruce de su vehículo ahuyentando monstruos de sombras, extraterrestres invasores y momias aterradoras, paladín de un mundo hechizado por la vida y la muerte, en cuya cosmovisión reside aún la cabida para la fascinación el asombro. Así, a más de tres décadas de su muerte y a cien años de su nacimiento, El enmascarado de plata se convirtió en cobijo de la pobreza, abrigo de la  esperanza y júbilo de la victoria ajena hecha propia, en cuyo halo protector el mal será vencido por el bien, y los rivales derrotados como su capa cruza el viento. No puede un gladiador tener mejor nombre que el suyo -“El Santo”- el que alimenta veladoras, rezos, plegarias, el que es misterio e intriga, el que es protección, que intercede y hace milagros.

Pensar en sus inicios como rudo resulta difícil a la luz de su legado, pero sin duda su etapa de luchador rudo le brindó adeptos gracias a su técnica y a sus dotes de lucha grecorromana y olímpica de los que derrochó gran habilidad, la misma que sus historietas compartían como el técnico más virtuoso y a la vez, el más real. Durante décadas “El Santo” ostentó los cintos de varios campeonatos de peso ligero, medio y welter, con la misma holgura y pundonor con los que sus hombros llevaron el peso de un deporte que con el paso de los años se ha convertido en una auténtica industria mediática de nivel internacional. Sus gestas se hicieron cantares de hazañas memorables haciendo pareja y combatiendo a grandes figuras del ring, “El Cavernario Galindo”, “Back Shadow”, “Rayo de Jalisco”, “El Médico Asesino”, “El Solitario”, “Huracán Ramírez”, “Blue Demon”, “Ray Mendoza”, e inspirado a varias de las nuevas figuras que darían cauce a la época de oro de la lucha libre por nuevas formas de promoción, así “Mil Máscaras”, “Tinieblas”, “Doctor Wagner ”, “El Perro Aguayo”, “Canek”, entre otros, y a los herederos que consolidaron definitivamente las arenas, coliseos y centros de espectáculo, como el mismo “Hijo del Santo” quien ha labrado su propia leyenda en un surco de continuidad, acrobacia y técnica, elevando el legado de la máscara de plata y la llave “De a caballo” a nivel superlativo, recorriendo el mundo abanderando la lucha libre mexicana.

En Filmakersmovie celebramos la carrera del luchador y recordamos algunas de las cintas que son ya parte del canon cinematográfico mexicano, “Santo contra las mujeres vampiro” 1962, “El tesoro de Moctezuma” 1965 y por supuesto, la película que reunió al enmascarado de plata con el enorme “Blue Demon” y con el señor personalidad “Mil Máscaras”, joven luchador que iniciaba entonces un extraordinario paso por los encordados, “Las momias de Guanajuato” 1970. Sean sus películas de perenne exposición, sus historietas que brindaron a nuestro país un superhéroe de carne y hueso, sean las canciones inspiradas en la pasión que despertada en la audiencia, su capa agitando el aire al vuelo sobre el entarimado, algún tope demoledor o su disposición a la justicia como asidero, la emoción y el apego que “El Santo” generó, le permite habitar con toda fuerza en el Olimpo del pancracio, y vivir intensamente la actualidad de su feligresía.

A cien años de su nacimiento, recordamos con la viveza del presente, la hidalguía del ser humano, la presencia del luchador, el carisma del ídolo y la empatía del personaje que hizo de su tiempo un lienzo multicolor de sensaciones e ilusiones vertidas en los vivas que abrazaron las circunstancias y los contextos socio culturales de una nación, que hoy le mantiene en la memoria más querida de sus hijos predilectos.

Fragmento programa «Contrapunto» de Jacobo Zabludovsky

México, 1984

Santo el enmascarado de Plata  revela su rostro.

14:28

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Se escucha la voz de las gestoras culturales en el continente.

Se llevó a cabo el encuentro y dialogo entre las mujeres creadoras, productoras y gestoras de la cultura y las artes provenientes de nueve países  de Latinoamérica.

Santiago de Chile fue la sede del Primer Encuentro Internacional de Mujeres Trabajadoras de las Artes y las Culturas, organizado por Gestoras en Red. Este primer esfuerzo convocó, del 4 al 7 de julio, a Mujeres productoras, artistas, líderes en la Gestión cultural, de las regiones de Chile y distintos países como México, Honduras, Ecuador, Bolivia, Perú, Brasil, Colombia, Uruguay y  Argentina.

Gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, FONCA, en México, pude asistir en representación del equipo de Filmakersmovie para participar de esta celebración de la cultura a cargo de las mujeres de latino américa exponiendo el trabajo que realizamos desde hace 5 años.

Conocer el trabajo de estas mujeres en el continente, me deja una riqueza espiritual y cultural, me llena de gusto, de orgullo al reconocernos en este difícil y apasionado mundo de la cultura, de las artes en cualquier disciplina, fortaleciendo mi lucha en el reconocimiento de la mujer en nuestra industria y dignificando su rol en creaciones futuras.

Con el invierno en el cono sur se dio inicio a las sesiones del encuentro, que tuvo lugar en el Centro de Creación y Comunidad Infante 1415, para continuar las actividades de los siguientes días en el renovado GAM: Centro Cultural Gabriela Mistral y en el admirable Centro Cultural de Lo Padro, escenarios culturales idóneos para presentar proyectos e incentivar el diálogo.

Con la cálida bienvenida de Rosa Angelini, Marisol Frugone, Claudia Shutlz, Melisa Cañas, Micalea Tavaras y Susana Obando,  artistas, productoras, periodistas y académicas, se dieron inicio las actividades que durante cuatro días dieron acogida al diálogo abierto y directo entre las asistentes, exponiendo la situación de la cultura y la visibilización del trabajo de la mujer en distintos países de nuestra América.

Las “ahumadoras” purificaron y llenaron de buena vibra el recinto el primer día, y acompañando sus cantos a la madre tierra, las asistentes nos unimos en una sola voz, reconociéndonos como hermanas y parte fundamental de la vida.

Las mesas de diálogo expusieron distintas realidades culturales en el continente, la primera de ellas “El Trabajo Cultural como Herramienta de Transformación Social” nos dejó conocer a profesionales de la Gestión Cultural como Carmen Cruz de la UNAH Honduras,  iniciativas y proyectos como Fora do Elixo de Brasil, Asociación CreA, Asuntos Públicos, Acciona CNCA de Chile,  así como Luna Negra Teatro, representada por Maru Jones,  proveniente de México y quienes trabajan desde el teatro con los hijos de reos en las cárceles de León, Guanajuato para prevenir el delito.

De manera simultánea, la mesa “Estrategias y Metodologías Colaborativas para la Sustentabilidad de Proyectos Culturales” abrió el coloquio para exponer y proponer estrategias para llevar a estas iniciativas, participando Melisa Cañas de Nodo Córdoba, Red de Gestoras Culturales de Argentina, María Teresa Rojas gestora y curadora de Bolivia, el Club Cultural Matienzo de Buenos Aires Argentina y el Colectivo Cultural Se Vende, de Antofagasta Chile.

También se abrió el espacio para la exposición y discusión de los derechos legales en la gestión cultural y Abogados Culturales de Argentina comenzó su participación,  seguidas de Smart Chile Cooperativa de Trabajo, proponiendo su red de trabajo para artistas y proyectos independientes, y cerrando la mesa con Margarita Marchi, cineasta ex presidenta del Sinteci, Chile. Se abrió el micrófono a artistas, productoras, gestoras, para proponer una legislación y condiciones de trabajo dignas y justas para los proyectos auto-gestionados. La política estuvo presente en la mesa “Arte, Cultura y Feminismos” a cargo de colectivos de Chile y Perú.

El activismo cultural estuvo presente y compañeras de Brasil, Bolivia y Chile, mostraron los proyectos y movimientos sociales en los que la cultura ha sido el detonante para participar como ciudadanas y ciudadanos responsables de nuestro entorno, en la política, la música y las artes.

El día 2, Angie Giaverini  de Teatro Ictus, y Roser Fort del CentroArte Alameda, se dieron espacio para entablar una conversación y recuento sobre la “Existencia y Resistencia de Mujeres Gestoras Culturales en Chile” a lo largo de la historia en el país cordillerano.

El Centro Creación y Comunidad Infante 1415, se dio espacio para realizar una actividad de innovación y cultura, presentando distintos proyectos nacionales e internacionales donde se trabaja e implementan estos conceptos y realidades. Se abrió el diálogo entre distintas disciplinas, como el diseño textil con el proyecto “Telare: corazón de tela”, la radio comunitaria de la comuna de providencia, el trabajo de Fernanda Frick y el cómo produjo y realizó su primera película animada, así como los proyectos que se desarrollan en el Centro Cultural del Barrio Yungay con el apoyo de esta emblemática y multicultural comuna de Santiago de Chile. En esta mesa, tuve la oportunidad de presentar  Filmakersmovie, haciendo memoria en sus inicios y en el trabajo que desarrollamos desde hace 5 como Plataforma Iberoamericana de Exhibición y Difusión Audiovisual. Recibir los comentarios de las compañeras asistentes, como Elissa Catillo de Nosotras Audiovisuales, así como responder a las preguntas del público, me llenó de alegría al darme cuenta el camino que llevamos andado.

Por la tarde, tuvo lugar una Feria Expositiva de Gestoras Encuentro, donde las gestoras y productoras asistentes, tuvieron la oportunidad de dar a conocer sus proyectos, es así como se mostraron proyectos que se llevan a cabo de norte a sur en Chile, investigaciones, iniciativas que se desarrollan en México, en Bolivia, en Perú, y artistas como Melanie Bustos que dejó todo por seguir su pasión, trabajar con el mosaico para intervenir espacios públicos y privados con su proyecto «La Joya«.

El frío se vio rebasado por el calor de las mujeres asistentes, y de los hombres que también acudieron al encuentro.

Para el día 3, las asistentes nos dimos  cita en el GAM donde se tuvieron, además de mesas de diálogo con compañeras como la Investigadora Carolina Olmedo de Chile, Yany Mabel de Brasil hablando sobre el impacto digital de #NiUnaMenos, y de Cecilia Canessa del Teatro Solis de Uruguay, se tuvieron diálogos sobre “Economías creativa y mujeres”, así como la presentación los “Planes Nacionales de Cultura, inclusión y Equidad de Género”  a cargo de representantes de distintas entidades gubernamentales nacionales en Chile.

Después se sostuvieron  sesiones de trabajo para construir el documento “Gestoras Encuentro,  una propuesta de trabajo al 2020”, así como un manifiesto sobre el papel de las mujeres gestoras y su participación en la cultura, en la sociedad y en la política con  la postura de las participantes.

Este es un fragmento del manifiesto leído por la gestora y productora Susana Obando, de Telartes Bolivia.

“Las mujeres, en todas sus diversas identidades vivimos en un contexto que nos violeta, nos mata, nos viola.

La gestión de las culturas es un ejercicio de diversidad. La construcción de espacios para la expresión de singularidades es un acto político en sí y la colaboración es militancia.

Creemos en nuestra fuerza emancipadora de resistir. Venimos impulsando un intenso proceso de activismo y “artivismo” cultural que nace desde una plataforma de articulación latinoamericana, conectadas en permanente movimiento, conformada hace 2 años, dentro de la cual todas trabajamos participando en diferentes plataformas artísticas y culturales, en incidencia política, en formación, empoderamiento, comunicación, , sustentabilidad, y circulación cultural.

Gestionamos, producimos y creamos actividades, propuestas, proyectos, festivales artísticos y culturales diversos. Nos reconocemos desde nuestras lógicas y prácticas comunitarias, dinámicas y acciones que promueven procesos de construcción permanente a través de la confianza, la colaboración, la interpelación, y la articulación entre otras.

Nuestras prácticas tienen la potencia de transformar desde el trenzado de lo local, nacional y continental. Nuestra reafirmación de construcción es permanente, entendiendo nuestro territorio como algo vivo, un tejido dinámico, vigoroso, con una compleja diversidad cultural  capaz de regenerar la vida. Resistimos los intentos de erosión  de sus identidades y con capacidad creativa sin límites.

A través del tiempo pudimos generar conciencia, herramientas y articulación de nuestras acciones entendiéndose estos como espacios vivos y potentes en la recreación de contenidos.”

En este acto de clausura, se sumaron el grupo chileno “Aguaturbia” y la “Fraternidad Caporales Centralistas Socavón” que con su música tradujeron nuestras emociones.

Para el día 4, la cita voluntaria pero necesaria, fue en el Centro Cultural de Lo Prado, donde tuvimos la oportunidad de conocer el trabajo de iniciativas culturales musicales como el  FMN: Frente Música Nacional a cargo de  Rosa Angelini y Angelo Pierattini que intervienen en la educación  y formación de los niños y jóvenes a través de la música. También, escuchamos el testimonio de Leyla Aguayo, productora de Conchalí Big Band que está pronta a presentarse en la Riviera Maya en México, y también conocimos al Director de la Orquesta Juvenil de Lo Prado, Cándido Chedas, que junto a sus integrantes nos compartieron su talento, su amor a la música y a su profesión, con íntima y cercana  presentación.

La propuesta para un segundo encuentro en Perú está por confirmarse, pero sin duda, Colombia, con Claudia Velásquez,  Argentina, Bolivia, México, Ecuador, Uruguay, o cualquier país que integra nuestro continente, será afortunada en sumar tantas ideas, tantas acciones y tantas realidades en un mismo espacio.

Nuestro reconocimiento y agradecimiento a Rosa Angelini, Marisol Frugone, Pia Villablanca y a todas y cada una de las voluntarias en la realización de este primer esfuerzo en reunir a las gestoras, productoras y artistas latinoamericanas que buscamos, con nuestros proyectos, transformar a la sociedad en una incluyente, justa y digna para quienes la integran.

Por nuestra parte invitamos a todas las participantes a ponerse en contacto con Filmakersmovie para tener la oportunidad de sumar esfuerzos y desde nuestra trinchera dar difusión y empuje a sus iniciativas.

¡Hasta un nuevo encuentro!

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Sedes Culturales

Centro de Creación y Comunidad Infante 1415

Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM

Fundación Centro Cultural Lo Prado

Frente Música Nacional Chile

Perla Atanacio Medellín | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Yo también soy superhéroe Parte 2

Por: Un Tal Luis

En esta segunda parte de la lista, nos centraremos en superhéroes que se produjeron mayormente en México, pero primero, hablaremos de uno proveniente de Oriente.

Capitán Centella

Este superhéroe fue creado en Japón en 1958, siendo considerado como la respuesta japonesa a Batman y el Llanero solitario. Originalmente apareció en el cine en blanco y negro, pero en este caso hablaremos del anime de 1972: El Capitán Centella era más un héroe de acción como lo concebimos en occidente. Sin embargo, elementos propios del manga japonés, como los monstruos y los robots a los cuales combatía, así como el hecho de que nunca se revelara su identidad, le dieron un toque original al personaje que de este lado resultó un tanto exótico, consiguiendo éxito en la pantalla chica.

Rocambole

Ya que hablábamos de pioneros del cómic de superhéroes en la parte anterior del artículo, podemos ir más atrás, ya que el personaje literario creado por Pierre Alexis Ponson du Terrail, se considera el antecesor de lo que después serían héroes y anti héroes como Fatomas, Doc Savage, James Bond y otros más. Esto es debido a que Rocambole realizaba hazañas heroicas e inverosímiles y de ahí el término “rocambolesco” para describir acciones increíbles y por demás fantásticas en un héroe. El personaje ha sido retomado en varias películas alrededor del mundo, dos de ellas en México: “Rocambole contra la secta del Escorpión”, de 1967 y “Rocambole contra las mujeres arpías”, de 1965. En ambas fue interpretado por Julio Alemán, que a diferencia de otras versiones que se hicieron en otros países, aparece con uniforme y capa, resolviendo conflictos internacionales y repartiendo sendos golpes a sus enemigos.

Kalimán

La historia de Kalimán originalmente apareció en la radio, sin embargo, rápidamente saltó a las historietas, debido a su gran éxito entre el público mexicano. A pesar de esto, sólo se filmaron dos películas sobre el personaje: “Kalimán, El hombre increíble”, de 1972 y “Kalimán en el siniestro mundo de Humanón”, de 1976. En ambos filmes, el superhéroe fue interpretado por el actor canadiense Jeff Cooper, que trabajó al lado de actores como Susana Dosamantes, Adriana Roel, Carlos Cardán, Milton Rodríguez, Nino del Arco y Manolo Bravo, entre otros. Este personaje fue completamente creado en México y está influido por la cultura del mundo oriental; sus poderes son en su mayoría psíquicos como la hipnosis y el desdoblamiento, entre otras habilidades. También se caracterizó por frases como “El que domina la mente, lo domina todo.”

Superzan

Sin duda El Santo y Blue Demon son los principales emblemas del cine de luchadores, siendo acompañados de varios colegas como Mil Máscaras y El Rayo de Jalisco, entre otros. Pero en la etapa final de este género, se incluyó a otro luchador profesional, llamado Superzan, mismo que fue muy exitoso en el ring en la década de 1970. Si bien Superzan aparecía mayormente como invitado, llegó a protagonizar dos películas: “Superzan, el invencible”, de 1971 y “Superzan y el niño del espacio”, de 1972. Ahora bien, recordemos que estas películas eran de Serie B, pero ambas cintas fueron un poco más lejos, debido a que ubicaron la ciencia ficción en zonas completamente rurales, evidenciaron estereotipos como la escena de la chica amarrada a las vías del tren, en el caso de la primera. Y utilizaron imágenes tipográficas al estilo de Batman para las escenas de golpes en la segunda cinta. Por esta razón se vuelven una “curiosidad” dentro de las películas de superhéroes de Serie B.

Los Súper Pérez

En este caso tenemos un resultado bastante interesante y divertido, pues se creó abiertamente una parodia de las historias de superhéroes, en la cual una familia mexicana adquiere poderes y termina luchando contra criminales tan humorísticos como ellos, y propios de la cultura mexicana como “El Tamalero” y “El Mariachi engarrotador”. Esta serie original de MVS fue transmitida en México por el canal 52MX en 2012 y constó de dos temporadas.

Pues bien, hemos llegado al final de la lista. Esperamos que hayan disfrutado de estos superhéroes cuyas aventuras han sido plasmadas en diferentes filmes. ¡Hasta la próxima!

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PARALELO 19N, la natura contemplativa de André Andrade

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Pararelo 19N nos evoca desde sus imágenes vueltas fotografía, la contemplación de la natura que le da sentido como un lugar de encuentro. André Andrade refleja la naturaleza misma de quien admira el paisaje y es capaz de vestir en su nomenclatura  el misterio que le configura. Un entorno socio cultural que delimita desde el primer trazo, la polisemia, los referentes y el lenguaje vertidos sobre los volcanes como un torrente de misticismo que nos envuelve. Los ángulos,  fuerza y matices corales de los instantes fugaces cual si fuesen eternos que captura André, le otorgan la verosimilitud propia del documental, capaz de transmitir, contar y expresar al mismo tiempo diferentes momentos que, desde su lente, nos ofrecen un corolario en escala de grises vestido de misterio y realidad.

Andrade muestra los diversos ángulos que habitan las mareas incandescentes y las rocas inertes de montañas en quietud y volcanes en espera de admirarse desde sus vestigios. Testigos de pasados y conquistas, de historia y devenir, un presente en el que Andrade nos sumerge a través de la natura reflejada en su obra, a la reflexión de una mirada que comunica y reflexiona, que vive el paisaje y observa la creación de una postal plena de humanidad. Caminos de glaciares, torrecillas de perlas, caminos a cañadas, arenales que anteceden la cima del ombligo nevado y un sol reflejado como señal reflejada en su laguna, son algunos visos que conforman la extraordinaria postal del Paralelo 19N.

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |ivan@filmakersmovie.com | México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com

Mariachi sin Instrumentos

¿Alguna vez te imaginaste la música de mariachi hecha sin ningún instrumento?

Estos jóvenes potosinos lo hicieron y nos enseñaron que nuestra cultura y su música son riquísimas y despiertan en nosotros los mejores sentimientos patrios.

Se llaman Vuela Alto Coro Virtual.  Las 15 voces de estos jóvenes de San Luis Potosí imitan los sonidos de los instrumentos como el violín, la trompeta, la guitarra o el tololoche para crear un verdadero Mariachi sin instrumentos es decir acappella.

Un coro Virtual es una agrupación musical hipermoderna y Vuela Alto es la única en su tipo en el mundo. Ellos nunca ensayan o graban juntos. Cada miembro graba por separado su parte musical para que después todas las grabaciones sean juntadas y así generar una verdadera muestra de talentos multidisciplinarios en donde la música y el arte se mezclan con la tecnología para dar un resultado completo e Integral.

Pelea de Gallos, Si nos dejan, Mujeres Divinas y México Lindo y Querido son parte de esta recopilación por ser piezas que no pueden faltar en los corazones de todos los mexicanos dentro y fuera de México.

La dirección, la producción y los arreglos son llevados a cabo por Homar Sánchez Díaz. El coro Virtual que él creó ha logrado ser visto más de 400,000 veces en Youtube en más de 180 países con sus dos generaciones de integrantes, conformándose como una agrupación artística única en su género.

 “El principal objetivo de este proyecto es involucrar a los jóvenes talentos en proyectos artísticos multidisciplinarios de alto nivel, en donde se utiliza de forma integral la intersección entre arte y tecnología. A pesar de que este es un proyecto sin fines de lucro, la calidad musical y de imaginería nos ha permitido llegar a todos los rincones del planeta”.

Además de esta, su octava producción, el coro ha «viralizado» otros vídeos. Destaca un homenaje a Chespirito y la versión sin instrumentos de la canción mexicana El Son de la Negra.

“Es un orgullo para nosotros saber que nuestro proyecto ha podido avanzar en un mundo en el que cada vez se le da menos importancia a las artes y a la cultura. El hecho que un coro juvenil sin apoyo de las disqueras o productoras esté armando tanto revuelo es un fenómeno increíble, además esto representa un gran reto para nosotros, que tenemos que dejar el alma en cada producción para hacerla mejor que la anterior”.

El coro virtual tiene menciones en cientos de medios de comunicación de todo el mundo, y ha logrado posicionarse como una de las agrupaciones corales más vistas en YouTube. También ha colaborado con artistas como Erika Alcocer (Ganadora de la Academia) quién participó con ellos en una grabación para celebrar el primer aniversario del coro.

Mariacho sin Instrumentos

Vuela Alto Coro Virtual

México, 2016

Conoce más sobre este proyecto en:

www.vuelaalto.info 

FB: /vuelaaltocorovirtual 

Fuente: Homar Sánchez Díaz

Yo también soy Superhéroe

Por: Un Tal Luis

Sin duda el cine de superhéroes ha tenido un gran éxito en las últimas décadas al grado de disparar la carrera de varios actores consagrados que se han vinculado tan bien con sus personajes que ya nadie los imagina diferentes, como en el caso de Robert Downey Jr. como Iron man o Hugh Jackman como Wolverine. Otras veces nos han mantenido en suspenso al saber qué estrella interpretaría al superhéroe, como en el caso de Batman, siendo Ben Afleck y George Clooney los más polémicos. Pero siendo realistas, las películas más famosas de este género son las del Universo Marvel y el Universo DC, o de sellos de cómics pertenecientes a estas marcas, como en el caso de Kick Ass. Pero ¿qué hay de aquellas películas que no son tan mencionadas? Ya sea porque son de personajes que principalmente ubican los verdaderos amantes del Cómic, porque ha pasado mucho el tiempo, porque no fueron tan valoradas en su época, o porque simplemente son rarezas debido a su extraño nivel de calidad o poca publicidad. Sea cual sea el caso, aquí hay una lista de otros superhéroes que han llegado a la pantalla.

Spawn

Todd McFarlane es una figura muy reconocida en el mundo del Cómic y una de sus principales creaciones, es el personaje oscuro Spawn, el cual ha trascendido mucho en la industria de las historietas debido a su originalidad y estilo, tanto de ilustración como de trama. Después de aparecer su primer número en 1992, llegó a la pantalla grande en 1997. La película, que tuvo al mismo McFarlane en la producción y al mexicano Guillermo Navarro en la Dirección fotográfica, resaltó por sus efectos especiales y visuales y tuvo en el reparto a estrellas como Michael Jai White en el papel principal, así como John Leguizamo y Martin Sheen, entre otros. También resaltó la banda sonora, que no es de extrañar que haya contado con bandas como Korn, Silverchair y The Prodigy, ya que Todd McFarlane ha realizado proyectos relacionados con la industria de la música.

Buffy, La Cazavampiros

Cuando pensamos en Buffy, normalmente nos viene a la mente la serie protagonizada por Sarah Michelle Gellar. Pero antes de ella, el personaje originalmente fue interpretado por Kristy Swanson en un filme de 1992. Esta historia difiere de la de la serie, ya que parodia las películas de terror y la Buffy que aparece, es la clásica estudiante rubia  y superficial, que en un inicio se niega a cazar vampiros, a diferencia de la de la versión televisiva, que buscaba romper con el estereotipo de las chicas populares y vacías. Otro dato es que es ella la que termina salvando a su galán, interpretado por Luke Perry, que por aquel entonces era popular gracias a su papel de Dylan en Beverly Hills 90210.

Rocketeer

Rocketeer es un personaje de Cómic ambientado en el Estados Unidos previo a la Segunda Guerra Mundial, el cual es un piloto aviador de acrobacias que combate a los Nazis y vuela gracias a un cohete propulsor. En 1991 apareció una cinta de Walt Disney Pictures para este superhéroe, interpretado por Billy Campbell, que en su momento tuvo mucho éxito y que por desgracia, ya no ha sido tan mencionada. Aunque el personaje fue publicado por Pacific Comics, la película comparte algo en común con las de Marvel: la actriz Jennifer Connelly, que apareció en Hulk,  y el Director Joe Johnston, que dirigió Capitán América, el primer vengador.

Condorman

El concepto de la identidad secreta siempre ha estado presente en las historias de superhéroes, pero en este caso, Disney presentó el alter ego de un ilustrador de cómics que termina siendo superhéroe por una casualidad, después de interpretar él mismo a su propio personaje, puesto que quería darle mayor realismo. Al final este filme, protagonizado por Michael Crawford y Bárbara Carrera, ironiza sobre las historias de superhéroes así como de agentes secretos, ya que trata el tema de la guerra fría en la década de 1980. Si bien fue muy criticada en su momento, hoy en día es re interpretada como una comedia sobre la obsesión por los cómics y los estereotipos de sus personajes.

 Griff, el invisible

En este caso se trata más del tema de la imaginación, ligado al mundo de los superhéroes. Esta película australiana de 2010, nos presenta una comedia romántica con toques surrealistas, mientras nos cuenta la historia de un empleado que por las noches protege su vecindario con su alter ego de superhéroe, mismo que utiliza para defenderse de sus enemigos laborales. La cinta protagonizada por Ryan Kwanten y Maeve Dermody, fue presentada en los festivales de Cine de Toronto y de Berlín, siendo muy bien recibida por el público.

El Fantasma

En este caso hablaremos de una historieta que apareció en 1936 y que está considerada entre las pioneras del género de superhéroes. El personaje también apareció al lado de otros como Flash Gordon y Mandrake, en una serie animada y un cómic editado por Marvel, ambos llamados “Defensores de la Tierra”. El Fantasma tuvo una película en 1996, interpretado por Billy Zane, apareciendo junto a Catherine Zeta Jones y Kristy Swanson, anteriormente mencionada en esta lista, entre otros actores. Este personaje se caracterizaba por tener aventuras alrededor del mundo, por lo que en esta cinta viaja desde su país ficticio, Bangalla, hasta Nueva York.

Hasta aquí la primera parte de la lista. Pero aún quedan otros superhéroes por mencionar. Estén pendientes de la siguiente sección.

¡Hasta la próxima!

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No estoy Loca, la nueva comedia de Nicolás López

SOBRAS INTERNATIONAL PICTURES, la productora de Nicolás López y Miguel Asensio Llamas lanzan el trailer de su nueva producción tras el éxito de la trilogía Que Pena Tu Vida.

«No estoy loca» es el décimo largometraje dirigido por López, quien vuelve a incursionar en la comedia luego de «Sin Filtro«, que con 1.290.000 espectadores superó a todos los blockbusters del 2016 en Chile, incluyendo Zootopia, Captain America: Civil War, Batman vs. Superman y Escuadrón Suicida.

«No estoy loca» se centra en la historia de Carolina (Paz Bascuñán) quien tiene una vida perfecta, hasta que descubre que no puede tener hijos… el mismo día que su esposo (Marcial Tagle) la deja por su mejor amiga (Fernanda Urrejola)… a quien acaba de dejar embarazada. 

El quiebre emocional hará que Carolina pierda sus cabales, razón por la que es internada en una clínica psiquiátrica, donde conocerá a un grupo de ‘locas’ que la ayudarán a sanarse y reencontrar su camino.

El filme protagonizado por Paz Bascuñán cuenta con las actuaciones de Marcial Tagle, Antonia Zegers, Carolina Paulsen, Alison Mandel, Luis Pablo Román, Josefina Cisternas, Ariel Levy, Fernanda Urrejola, Ignacia Allamand, Ramón Llao, Gabriela Hernández y Loreto Aravena.

«No estoy loca» es una producción apoyada por Banco Estado y Entel, Canon, H&M, Honda, Huawei, Caras.

Nicolás López estrenará este año su primer película para México: Hazlo como hombre.

El remake mexicano de QUE PENA TU VIDA, estrenado en Diciembre de 2016 llevó a un millón de personas al cine y pronto debutará la versión mexicana de SIN FILTRO, la que se une al remake español (protagonizada por Maribel Verdú) actualmente en rodaje y las prontas adaptaciones en Argentina, Brasil, Alemania, Turquía y Francia.

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No estoy Loca

Dir. Nicolás López

Chile, 2017

Para conocer más sobre la cinta:

facebook.com/noestoylocapeli
instagram.com/sobraspictures
#NoEstoyLoca

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Fuente:

Andrea carvajal

Plaza Espectáculos Chile.