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Aquí No pasa Nada es un cortometraje mexicano, dirigido por el experimentado Rafael Lara. Cuenta la historia de una pequeña familia en una comunidad rural, donde la quietud, la paz y la tranquilidad parecen ser testigos indolentes de la desesperación, angustia e impotencia que padecen sus habitantes.

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México, 2014: el crimen organizado amenaza la vida de las familias en una pobre región sin ley. Un anciano campesino vive la angustia por defender la vida de su hija y su nieta.

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Conversamos con Arturo Tay, Productor Ejecutivo de esta producción que además de destacar una triste, penosa y brutal realidad que se vive en México, a modo de denuncia, valora el esfuerzo, empeño y profesionalismo de quienes participaron el su realización.

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Rafael Lara, director de la película más costosa del cine mexicano «Cinco de Mayo: La Batalla», regresa con esta cinta que ha sido fruto de un trabajo totalmente independiente, trabajo arduo de sus productores Arturo Tay, Lara y Juan Carlos Blanco.

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Este cortometraje no sólo fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, sino además se ha presentado en varios festivales internacionales, y en varias ciudades de Latinoamérica ha podido verse, como en a Mendoza, Argentina. Su notable presentación en el Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos en Bogotá, su participación destacada en Florianópolis, Brasil en la Short Cup World Film Festival, y  estar dentro de la terna de los 50 mejores cortometrajes en España y Francia, muestran la potencia de su discurso.

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Para la producción de Aquí No Pasa Nada se contó tanto con maestros como con alumnos del  INDIe Centro de Estudios Cinematográficos,  donde Juan Carlos Blanco, es Director General.

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Arturo Tay conoció a Rafa Lara cuando  presentaba su ópera prima “La Milagrosa” y él se estrenaba como productor con “Todos Somos Pecado” en 2007, más tarde habían de coincidir en la presentación de “Labios Rojos” en Puebla, después en “Cinco de Mayo: La Batalla”, y finalmente para trabajar juntos en  2014 con este proyecto.

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“Cuando Rafa estaba haciendo su gira por el mundo con Cinco de Mayo, vio  cómo se percibía México y de ahí surgió la necesidad de contar esta historia real que narra lo sucedido en México, me busca para producirla, así entre los tres levantamos la producción.”

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El gran logro de esta realización, como destaca Tay, fue el  fusionar la experiencia  del cine con las ganas de hacer cine, es así como Adela Cortázar, reconocida Diseñadora de Vestuario  de cine y televisión, merecedora de varios  “Arieles”, acepta trabajar por vocación en este proyecto. Esmeralda Ruíz y Lituania Ceballos, estudiantes de INDIe  recrearon el arte del la película.

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Al principio hubo algunas dudas de trabajar con gente nueva por parte del director, Arturo insistió en que se incluyera gente nueva. Es así como la fotografía, a cargo de Daniel Blanco, profesor del Centro de Estudios logra un look impecable e impresionante. Alex Vázquez (Apocalypto) estuvo a cargo de los Efectos Visuales, Esmeralda Ruiz reconstruyó toda la casa, con ayuda de Lituania Ceballos, en un lugar en donde originalmente dormían borregos, se logró dar el aspecto de la casa que requería el proyecto. Roberto Ortiz fue el encargado de protéticos, y el respetado Alfredo Mora (Babel, Colosio: el asesinato, la Máscara del Zorro, etc.), fue el encargado del maquillaje.

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“Quiero destacar el trabajo de Milenio III, que hizo el audio directo, no se dobló nada en el corto. Rettally estuvo a cargo de la música y Equis Cosa del diseño sonoro, son de los mejores de diseño sonoro en México. Así que nada se tuvo que doblar. Un diseño sonoro excelente, una buena guía, eso ayudó.”

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Sandra Mayerstein, estuvo a cargo de la impecable Asistencia de Dirección de Aqui No Pasa Nada. Sandra , también, trabajó como asistente de Rafa en «Labios Rojos«,  además es la creadora del «Making of de Cinco de Mayo«, sin duda una dupla que ha sabido trabajar en equipo, escuchando uno al otro, retroalimentando cada producción en donde participan.

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La Script fue Gina Herrera, quien participó en el Festival Internacional de Cine de Morelia con el corto “Ni aquí, ni allá”, realizó un script increíble, con mucho orden y funcionó perfecto. El trabajo de edición duró dos días. Por otro lado, el maestro Genaro Peñaloza, quien fue el Data Manager, y quien está levantando su opera prima, realizó unos archivos excelentes para poder editar.

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“No porque fueran alumnos de la escuela no hubo profesionalismo, al contrario tuvimos mucho más profesionalismo de gente nueva.”

–Los maestros de INDIe, Juan, Genaro, Daniel, fueron responsables de supervisar la producción, la fotografía, y fueron los alumnos de último semestre sus asistentes.

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«Como cine independiente lo mejor que pudimos haber hecho es haber juntado a todos estos chavos con ganas de hacer cine con alguien que venía de hacer una película enorme. Ese es el logro del corto.”

“Los chingones son los chavos.”

“El trabajo de Cinco de Mayo es una mega producción pero si lo comparas a escala no le pide a nada, los mejores de México estuvieron aquí.”

“La clave de hacer cine independiente es rodearte de gente que tiene ganas de hacer cine y talento.”

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Este es un cortometraje que tiene una temática fuerte, cruda, impactante, algo que a pesar de escucharlo todos los días en las noticias resulta impresionante verlo en la historia de estos personajes. El elenco estuvo conformado por Don Alonso Echánove, Karelia Romero, Ramón Medina, Miguel Mena, Marifer Santillán, Antonio Monroi y Julio Casado.

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Aquí No Pasa Nada ha sido nominada en la categoría de Mejor Cortometraje La Diosa de Plata, una importante entrega de premios que otorgan los Periodistas Cinematográficos de México, junto a El Último de la Bola y Ramona.

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La cinta, como lo menciona Arturo Tay, está dirigida a todos aquellos que al verla reflexionen sobre la situación que vive México, y los motive a luchar por un país con justicia.

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Aquí No Pasa Nada

Cine Feroz, INDIe Estudios Cinematográficos y Equis Cosa Estudio.

Elenco:

Alonso Echánove

Karelia Romero

Ramón Medina

Miguel Mena

Marifer Satillán

Antonio Monroi

Julio Casado

Equipo:

Diseño de Vestuario: Adela Cortázar

Maquillaje: Alfredo Mora

Directora de Arte: Esmeralda Ruiz

Música: Nacho Rettally

Edición: Rafa Lara

Diseño de Sonido: Martín García

Director de Fotografía: Daniel Blanco Villanueva

Guión: Rafa Lara

Productor Ejecutivo: Arturo Tay

Productores :Rafa Lara, Arturo Tay, Juan Carlos Blanco.

Director: Rafa Lara

Galería:

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Última actualización de Aquí No Pasa Nada

Reconocido como Mejor Cortometraje en la entrega número 44 de las Diosas de Plata

22 de abril de 2015.

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Paul Virilio es un teórico francés que ha trabajado temáticas como la urbanización y la cultura. Según las teorías de Virilio la sociedad se mueve a mayor velocidad por causa del desarrollo tecnológico; para explicar esto ha creado el término “dromología”, que habla la relación directa entre velocidad y tecnología. Por ejemplo, el hombre ha creado tecnología que facilita y agiliza sus tareas, el invento del microondas, por mencionar uno. De esta manera, y casi por inercia, la sociedad se acostumbra a una velocidad en su ambiente que responde de igual manera a sus necesidades, por lo regular reflejadas en los inventos tecnológicos, las computadoras, la telefonía celular o los medios de transporte.

Bajo estas directrices la tecnología cambia la forma en la que la sociedad evoluciona y, la relación que ésta tiene con la velocidad, es parte de la vida social, la comunicación, la tecnología, el poder o la guerra. Las noticias son ejemplo de este movimiento. Cuando un evento sucede, la noticia ya no sólo viaja a través de medios de comunicación tradicionales como el periódico o la radio, sino que en la actualidad el Internet y las redes sociales han creado un nuevo canal de comunicación inmediato, de tal forma que cuando un evento toma lugar, la noticia puede viajar con más rapidez que hace diez años, envejeciendo de inmediato, para ceder su lugar en la actualidad noticiosa a los múltiples acontecimientos que suceden en cualquier parte del mundo y que se propagan con igual velocidad a casi cualquier rincón del planeta.

El trabajo de Virilio se basa en la idea de que la velocidad es relativa, no es un fenómeno, sino la relación entre fenómenos; la velocidad es presente, no algo continuo, por lo tanto, se entiende como la distancia entre un momento (fenómeno o acción) y otro. Este tipo de entendimiento es acorde con lo que la filosofía postmodernista afirma: vivir en el presente, la búsqueda de lo inmediato, el progreso individual y la economía del consumo.

La velocidad narrativa se refiere a un tipo de narración inmediato, un relato rápido y apresurado con el fin de consumo, una narración en constante movimiento. Dentro del cine hay diferentes formas de aproximarse a este concepto, no obligatoriamente predestinado a ser algo positivo o negativo.

De alguna forma las películas optan por una velocidad narrativa por diferentes causas y razones, a veces para dar agilidad al relato, o para simplemente mantener un ritmo acorde con el tipo de historia que se cuenta. La velocidad, entendida como el ritmo de la historia, responde a razones particulares según las características del relato de que se trate.

Es común que géneros específicos se envuelvan de narrativas particulares. Una película infantil no puede ir al mismo ritmo que una película romántica, porque el tipo de historia que se cuenta es diferente, lo mismo que la composición del público que la mira, o a quién va principalmente dirigida. De la misma manera una historia de suspenso o misterio o un drama que explore el desarrollo y crecimiento de sus personajes puede detenerse (visualmente), tomarse su tiempo, para crear atmósferas y dejar que la escena se desenvuelva con detenimiento con el fin de explorar temáticas, personajes, acciones y reacciones (dentro de la historia, pero dirigiéndose directamente al espectador).

Las historias de acción suelen estar construidas con secuencias en constante movimiento porque son los parámetros que se esperan en este tipo de historias; siguiendo los cánones generales, si se cuenta la historia de un asesino serial, lo que se espera es que un asesinato salte en pantalla cada cierto tiempo, de lo contrario la película no estaría cumpliendo con lo que promete.

Visto desde otro punto de vista, la velocidad narrativa en mucho del cine actual responde a las razones de la “dromología” de la que habla Virilio. Historias rápidas y casi vacías que se enfoquen en contar algo con rapidez con el fin de ser sólo narraciones pasajeras y poco profundas. ¿Por qué? Por la velocidad tecnológica. Más tecnología significa mayor producción cinematográfica y mayor acceso al cine y, tal vez, sólo por inercia, la necesidad de más y más rápidas narrativas, es decir, unidades (películas) para el momento, para el presente, para el ahora y el ya, algo precisamente impulsado por la propia velocidad cultural y social que aborda Virilio y el hipermodernismo.

El fenómeno en general en un proceso que, irónicamente, se ha tomado su tiempo en develarse. La narrativa cinematográfica es cambiante porque la sociedad así se lo ha demandado, es por ello que el cine de los años cincuenta o de los años setenta se sienta desarrollándose a un ritmo diferente que el cine actual. Una película policiaca de hace diez o veinte años no se “siente” igual que una realizada en esta década; su historia, su trama o sus personajes, pero en general la forma en la que se cuenta y el ritmo que elige para su desarrollo, algo así como su esencia y su guión, son diferentes, tomas largas o escenas más contundentes, por ejemplo, diálogo directo o diálogo que se permite explorar diferentes ángulos. El cine ve cambios en su realización, dirección o musicalización y, en su conjunto, estos cambios (de velocidad) le dan otra cara al cine, según la época en la que se realice. Tal es la importancia de la velocidad narrativa y de analizar cómo el contexto social (político, filosófico, económico y cultural) influye en la forma en la que se aborda el cine, en su creación, realización, comercialización o consumo.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Redacción Filmakersmovie.com

Desde la óptica del director Abe Rosenberg, presentamos «Archivo 253«, una película que hace vibrar los sentidos de la audiencia desde el suspenso, en cuyo miedo habitan historias, sensaciones e imágenes capaces de documentar lo acaecido a sus personajes, quienes, se adentran, meses antes de ser demolido, en un abandonado edificio que fungiera como hospital psiquiátrico por más de 50 años, para investigar sucesos extraños y paranormales, no sin antes, permitirnos experimentar el terror de sus protagonistas a cada por el interior de las instalaciones. Cada elemento ocupa su espacio y la fotografía nos ofrece el ambiente idóneo para que como espectadores recorramos el interior de la clínica y compartamos su apoteosis sensorial.

La realización de esta cinta conllevó diversos retos en todos los niveles de producción, aunado a las situaciones que rodearon cada sesión nocturna de filmación. Vivencias y detalles de «Archivo 253«, serán compartidas por Abe Rosenberg en una próxima edición de nuestro programa «Encuentros» con el escritor Iván Uriel, quien junto a Andrés Palma-Buratta, realizara el documental «La Voz Humana de Jean Cocteau» co-producido por Claudio Sodi, Joseph Hemsani y por el mismo Abe Rosenberg.

La muestra en salas de todo México con más de 180 copias de «Archivo 253», representa un logro para la realización y distribución de propuestas de cine independiente latinoamericano, que el trinomio Rosenberg, Hemsani, Sodi, han impulsado con éxito desde otros ámbitos como la ópera y el teatro.

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Archivo 253

Dir. Abe Rosenberg Fishbein

México, 2015

Trailer: 2:021 | Canal: Cinépolis Online

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Productores: Joseph Hemsani Levy, Abe Rosenberg Fishbein, Claudio Sodi Zapata

Guionistas: Joseph Hemsani y Abe Rosenberg

Director de Fotografiìa: Joseph Hemsani Levy

Editor: Alonso Quijano

Duración: 77 min.

Formato de Registro: HDV

Formato Final de Proyección: DCP

Productora: Movies Independent

México, 2015

Por: Aprieta Tuercas

Todo está escrito. Ninguna idea es nueva, ya ha sido pensada antes por alguien. No hay tal cosa como pensamiento original o nuevos conocimientos, sino formas distintas de presentarlos. Esto es a lo único que se puede aspirar, dirán algunos deterministas del pensamiento humano y algo de razón tienen, pero se puede aprender a “jugar el juego” como celebraron los Beatles en All you need is love. Por eso, seguramente la idea que voy a presentar ya ha sido escrita y sometida a un análisis de múltiples perspectivas, pero no la he leído aún en ninguna parte y, por eso, decido escribirla.

El clásico cuento del Aleph de Jorge Luis Borges, creador de un canon e imitadores por doquier, tiene su origen, en mi opinión, en las ideas del filósofo alemán Arthur Schopenhauer. El genio del escritor argentino convirtió una idea filosófica en un cuento fantástico que sería el destino inevitable de la filosofía si los filósofos tuvieran más ingenio. Pero esta disciplina se resiste y mantiene su rigor formalista de aspecto real. La física, en cambio, es la rama del conocimiento humano que más se asemeja a una historia fantástica. No de héroes, efectos especiales y seres sobrenaturales, sino al elemento fantástico que contiene cada hecho mundano si se inquiere por sus razones, comportamiento o propósito, ya sea una piedra y sus propiedades o la composición del universo. La física y su lenguaje, bien mirados, son el gran cuento fantástico de la existencia o, de otra forma, la vida y sus diversas formas son tan inconcebibles que su explicación produce ensueño y asombro.

Antes de entrar en materia, no puedo dejar de referirme al inicio de ese gran cuento que alude a la indiferencia del tiempo por los asuntos humanos y la inexorable melancolía que esto produce en quien lo ve pasar. Borges apunta que el día de la muerte de Beatriz Viterbo notó, con dolor, que habían reemplazado un anuncio de cigarrillos rubios en la Plaza Constitución, primer indicio de que el tiempo seguía su curso imperturbable en un universo que se apartaba sin remedio de la mujer amada. Lo del aviso de los cigarros me trae a la memoria el día que vi con mi padre la película Ni sange, Ni arena de Cantinflas, donde el actor se hace pasar involuntariamente por Manolete al ser confundido por el público a la salida de la plaza de toros. El cómico, vendedor ambulante en la película, no tiene más remedio que asumir su papel de impostor y disfrutar por unos días la gloria del torero.

En una escena memorable que dará pie después a la confusión, el Chato (Cantinflas) intenta junto con su amigo el Charifas (Fernando Soto “Mantequilla”, otro gran cómico) entrar sin pagar a la plaza. Después de dos intentos fallidos y lograr escapar de un policía, ambos se acercan muy dignos a la taquilla para avisar a los vigilantes que “allá hay unos que se están colando”. Acto seguido, los dos corren simulando orientar a los guardias y, dejando que éstos se adelanten, regresan a la entrada e ingresan sin problema, libres de la mirada celadora. Antes de colarse, Cantinflas vende puros afuera de la plaza de toros y detrás suyo aparece un cartel publicitario de Cerveza Monterrey, tipo lager. Con sorpresa, mi padre dijo que esa cerveza era de las más populares cuando era niño, pero se había dejado de fabricar hace años.

– ¿Cuál cerveza?, dije. No vi el letrero. 

– Una que ya no existe, respondió, como diciendo “qué importa”. Lo miré y noté un dejo de tristeza en su rostro. Ahora interpreto que la súbita conciencia del paso del tiempo había dejado en él esa “melancólica vanidad” de quien atestigua los cambios que anuncian la vejez e, inútilmente, se contrarrestan pensando: “cambiará el universo pero yo no”. 

Volviendo al Aleph, después de registrar el cambio en el anuncio de cigarrillos, Borges visitará periódicamente la casa donde vivía Beatriz, resignado a consagrar su memoria. Para su desventura, tendrá que aguantar las conversaciones de Carlos Argentino Daneri, primo hermano de Beatriz, un charlatán con aires de grandeza en el que se apoyará para ironizar sobre el arte de escribir (ya dijo alguna vez Roberto Bolaño que Borges es, ante todo, un gran humorista). Por ejemplo, cuando Daneri le comparte su idea del hombre moderno, el escritor apunta: “tan ineptas me parecieron estas ideas, tan pomposa y tan vasta su exposición, que las relacioné inmediatamente con la literatura.” En otra visita, Borges le ruega a Carlos Argentino que lea en voz alta unos versos del poema épico en el que está trabajando. Al terminar de escucharlos, le parecen tan lamentables que descubre que el trabajo del poeta no está en la poesía, sino en las razones que se inventa para hacerla admirable. “Naturalmente, ese ulterior trabajo modificaba la obra para él, pero no para otros.”

Será Daneri, sin embargo, quien, desesperado ante la amenaza de ver demolida su casa, muestre a Borges el extraño objeto que da título al cuento, ubicado en el sótano del comedor. Ese “lugar donde están, sin confundirse, todos los lugares del orbe, vistos desde todos los ángulos.” Relaciono la idea de aquél objeto extraordinario −una simple esfera “tornasolada, de casi intolerable fulgor” (de dos o tres centímetros de diámetro)− con unas reflexiones de Schopenhauer escritas en el libro The Essays of Arthur Schopenhauer. El vínculo no es sorprendente, ya que el filósofo era, junto con el anglo-irlandés George Berkeley, la principal influencia de Borges en materia de filosofía, lo cual, inclusive, admitió con cierto orgullo el escritor en una entrevista de 1977 con los editores del journal Philosophy and Literature. Apunta Schopenhauer en la sección “Genius and Virtue” de sus ensayos (traducidos al español por mi asistente impersonal):

El mundo es en sí mismo un milagro. Me refiero al mundo de los cuerpos materiales. Observé, por ello, dos. Ambos eran pesados, simétricos y hermosos. El primero era un jarrón de jaspe con bordes y manijas de oro. El otro era un organismo, un animal, un hombre. Después de admirar por largo rato su aspecto exterior, le pedí a mi asistente que me dejara examinar el interior de ambos. En el jarrón, no encontré más que la fuerza de gravedad y cierto oscuro deseo, en forma de afinidad química. Pero cuando miré dentro del otro, ¡cómo poder expresar el asombro que me causó lo que vi! Más increíble que todas las fábulas y cuentos de hadas concebidos. En la parte superior del segundo objeto, lo que se denomina cabeza, y exteriormente luce como todo lo demás −un cuerpo en el espacio, pesado, etcétera− hallé no menos que el mundo entero, junto con todo el espacio y la totalidad del tiempo en el que se mueve y, finalmente, todo lo que llena ese tiempo y espacio con sus formas diversas e infinitas. La visión más extraña de esta maravilla, sin embargo, fue verme a mí mismo caminando dentro de él. No era una imagen ni una película, sino la realidad misma.  

Contrario a la parquedad de Schopenhauer, Borges –mediante su genio literario− describe con palabras un poco más esclarecedoras la incomparable y aterradora magia de su descubrimiento:… Vi la reliquia atroz de lo que deliciosamente había sido Beatriz Viterbo, vi la circulación de mi oscura sangre, vi el engranaje del amor y la modificación de la muerte, vi el Aleph, desde todos los puntos, vi en el Aleph la tierra, y en la tierra otra vez el Aleph y en el Aleph la tierra, vi mi cara y mis vísceras, vi tu cara, y sentí vértigo y lloré, porque mis ojos habían visto ese objeto secreto y conjetural, cuyo nombre usurpan los hombres, pero que ningún hombre ha mirado: el inconcebible universo. 

La idea de la mente como reflejo del mundo y viceversa (los espejos son un tema central en la narrativa borgeana)  sostiene la concepción del universo que tenía el filósofo alemán: Mi pensamiento no es más que el espíritu del mundo intentando expresar su pensamiento, es la naturaleza procurando conocer y comprenderse a sí misma. Yo transformo lo que existe, a través de mi pensamiento, en algo que puede conocerse y pensarse. De otro modo, no existiría ni perduraría. 

Por ejemplo, obsérvese un enorme edificio. Ese cuerpo pesado y macizo que ocupa tanto espacio existe, sostengo, solamente en la pulpa suave del cerebro. Sólo ahí, en el cerebro humano, puede tener existencia. 

Ese cerebro que contiene el mundo y a uno mismo dentro de él es la misma noción detrás del Aleph: el universo, un objeto que nos abarca y que existe en nuestra mente y en la de los demás. Borges, como Schopenhauer con el cerebro humano, puede verlo y describirlo como podría hacerlo cualquier otro mortal ya que, afirma el filósofo: “este mundo es una idea que todas ellas (las mentes) tienen en común, y expresan su comunidad de pensamiento a través de la palabra “objetividad”. Los objetos externos, como el aleph, se encuentran, paradójicamente, dentro del sujeto que los mira y estudia. Es el intelecto humano, según Schopenhauer, quien permite comprender la realidad al separar lo que existe en sujeto y objeto. De otra forma, sólo se percibiría una unidad caótica e ininteligible. Lo cual confirman quienes han sobrevivido a un infarto cerebral. Sin la mente, el mundo desaparece.

Parafraseo, al respecto, un popular misterio: si la rama de un árbol cae y nadie la ve, ¿existe? En opinión de Schopenhauer no. Sólo a través de la mente que la percibe cobra existencia. Aunque según Berkeley (citado por Borges en la entrevista antes mencionada), la rama sí existe porque Dios es el que está pensando en ella. El universo es posible, entonces, porque Dios lo piensa, no porque el hombre lo perciba mentalmente. Ante estos líos conceptuales y antes de perderme en ellos, me apoyo mejor en lo que Borges escribió después de admirar la esfera, el aleph: “sentí infinita veneración, infinita lástima.”

Paquidermo

Sobre la entrevista de Borges con los editores de Philosophy and Literature rescato dos ideas:

– Borges no intenta construir un sistema filosófico con su literatura, él solamente es un “hombre de letras”. Usa la filosofía como Dante y Milton utilizaron la teología para su poesía.

– Los argumentos no convencen a nadie, dice el poeta argentino ante la pregunta de si una historia es más persuasiva que una reflexión para presentar un argumento filosófico. Incluso si se piensa en pruebas de la existencia de Dios, las parábolas y las ficciones son mucho más convincentes que un silogismo. Jesucristo, por ejemplo, nunca usó argumentos, sino estilo y ciertas metáforas. Por ejemplo, en lugar de decir “no vengo a traer paz sino guerra”, dijo: “yo no vengo a traer la paz sino la espada.”

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Doce monos (EUA, 1995), basada en la película francesa de Chris Marker titulada La jetée, parte de una idea principal: Qué pasaría si… Ante esta situación, manejada ya por otros cuantos idealistas, se encuentra un proyecto lleno de posibilidades reflexivas que toman forma a través de las experiencias que vive su personaje principal, James Cole, un hombre que busca encontrar el dónde, cuándo y cómo del virus que provoca la casi extinción de la raza humana.

Con temáticas que bien puede ser motivo de debate, crítica y reflexión, no sólo en ámbitos como la ciencia y la educación, también en la literatura y el cine, llega una pregunta importante: ¿Cómo es que una idea como ésta es abordada por tantas personas y a través de tan diferentes visiones? La respuesta puede encontrarse en el pensamiento global que invade a la sociedad actual en cuanto a las relaciones sociales, el ambiente y la globalización, las nuevas enfermedades, las nuevas tecnologías, la conciencia ambiental y de la naturaleza, el conocimiento y el desconocimiento del entorno, o la realidad y la incertidumbre del ser como tal.

La destrucción causada por un virus letal que el hombre no podrá controlar, mismo que llevará al fin de la humanidad y a los pocos sobrevivientes al borde de la locura en su busca por encontrar la cura, es el eje central de la película y cada personaje parece moverse alrededor de esta idea, pero siempre siguiendo su propia filosofía y poniendo en entredicho su ética personal. James Cole inicia su viaje descubriendo, junto con el espectador, la razón aparente de su misión que lo lleva a seguir los pasos de los supuestos responsables de la catástrofe: el ejército de los doce monos. Y así, con cada paso, con cada decisión, Cole evoluciona hasta descubrir la realidad (un escenario que debería preocupar a la sociedad en el presente): que  la mano del hombre es la causante misma que lo ha llevado al borde de su extinción.

Pero como todo proceso de racionalización, autodescubrimiento y concientización, el viaje de Cole es el viaje de reflexión al que aspira la película para con el espectador. Al inicio, el hombre se muestra como una persona envuelta en el sistema, una pieza más del todo sin relevancia ni importancia que debe obedecer sin preguntar; una extrapolación atinada de la situación actual del individuo en su participación dentro de la organización social y la estructura de la economía y del gobierno actual. Sus descubrimientos y convicción para cambiar el futuro le dan eventualmente las armas para convencerse de su iniciativa, de las posibilidades y de la esperanza que se desata gracias a la independencia de sus decisiones.

Los científicos, por su parte, representan el poder jerárquico más alto de la sociedad, personajes que sólo buscan su beneficio en un sistema en que la supervivencia del más fuerte lanza al ciudadano promedio a coexistir en una estructura competitiva y diseñada por peldaños piramidales. En la película, el móvil de los personajes son completos opuestos, mientras Cole intenta salvar a la humanidad para crear un mundo más amable, los científicos planean adueñarse de la superficie terrestre aún habitable, en donde sólo unos pocos elegidos podrán ajustarse al nuevo modo de vida que se planea para el futuro.

Por su parte, el tiempo dentro de la historia se maneja de una manera no lineal a propósito; los viajes entre pasado, presente y futuro pretenden ofrecer pistas que permitan entender la relación de los personajes, así como el entendimiento del efecto en cadena, es decir, el efecto dominó que demuestra que cada persona no puede ser vista como un ente aislado.

Y, ¿por qué no pensar que cada viaje al pasado en un episodio en la mente de Cole? El mismo personaje se lo cuestiona, pero desecha la idea porque así lo decide: su vida es mejor en el pasado porque de cierta manera allí es más libre. Las personas creen lo que quieren creer y ven lo que quieren ver, lo que vuelve a la sociedad poco crítica y poco reflexiva.

Pareciera entonces que se trata de un propuesta llena de estereotipos y exageraciones del discurso; pero esto sucede porque su director, Terry Gilliam, no podría de otra forma representar con ojo analítico el sistema mismo actual, sin plantear un panorama a futuro de lo que sucedería si se continúa siendo una sociedad llevada por la inercia, la comodidad y el conformismo. El manicomio que aparece en la película, por ejemplo, se encuentra repleto de una filosofía liberal y de un pensamiento crítico. Bastaría con preguntarse cuál personaje está más loco, ¿el hombre que desata el virus?, ¿los científicos que juegan con el tiempo?, o ¿los enfermos del manicomio que, conscientes de sus condición y situación, se permiten actuar y pensar sin restricciones?

Entre ellos se encuentra Jeffrey, de carácter excéntrico pero un actuar congruente con la sociedad que le rodea y sus respectivas reglas, con ideas revolucionarias y las ganas (aunque limitadas) de realizar un verdadero cambio. En algún momento Jeffrey menciona que la gente es producto del consumismo; algo que hace pensar sobre la fuerza, el valor y la individualidad de la personas, en especial si se analiza la gran influencia que los medios de comunicación o los líderes de opinión toman en las decisiones de cada persona. Él libera a los animales del zoológico en una analogía a la jaula social herméticamente cerrada y reforzada que carga con la esperanza y la fe de que alguien llegará a liberarlos de sus barrotes. Y cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia.

¿Por qué doce monos? ¿Cuál es la razón de un símbolo rojo en forma de círculo en el que doce monos se siguen uno al otro? ¿Es para cuestionarse si es mejor ir contracorriente o apegarse al curso y molde determinado que se nos impone? Cada acción tiene una reacción, las decisiones de cada personaje logran que las piezas de la historia encajen la una con la otra, tal como la vida misma.

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12 Monkeys | Trailer

Dir. Terry Gilliam

Estados Unidos, 1995

2:50

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Erik Cardeña Bozziere

¿Cómo te sientes cuando ves tu película favorita de ciencia ficción y quedas visualmente impactado?

Creo no me dejaran mentir y posiblemente coincidiré con muchos de ustedes en que parte de la adrenalina que todavía sigue en nuestro cuerpo tras una serie de ráfagas incesantes de emociones es la que nos transporta a ese mundo mágico y mítico del cual algún día quisiéramos formar parte. Debido a eso es que se forman en todas partes del mundo los club de fans los que idolatran y veneran a ese film que los marco para toda la vida… y hoy por hoy hablaremos de la saga más famosa dentro de la industria del cine de ciencia ficción «Star Wars».

Como ya saben a finales de este año está anunciado el tan esperado estreno del Episodio VII The Force Awakens, debido a esto nuestros amigos del club de Star Wars Xalapa fundado desde 1995 y vigente hasta la fecha, se han dado a la tarea de impulsar en las nuevas generaciones el gusto por la saga y en esta ocasión nos invitaron a seguir muy de cerca su 1era Reunión de Fans con la cual empiezan sus actividades de este 2015.

El evento se realizó en el «Jardín de las Esculturas«, espacio de cultura y arte de la cuidad de Xalapa, Veracruz, con la finalidad de compartir un gusto mutuo como dicen ellos es «de fans para fans«, pasando un rato agradable en compañía de la familia y amigos.

Humo muchas actividades programadas como: la exposición de colecciones, compra-venta e intercambio, conferencias, concursos, disfraces y proyección del Episodio V The Empire Strike Back, debido al interesante cartel antes citado la audiencia no se hizo esperar y fueron alrededor de 400 fans que se dieron cita la mañana del pasado domingo 22 de febrero. La difusión fue solamente por redes sociales lograron su cometido y siendo todo un éxito.

La orden del día empezó cuando ya estando todos los stands organizados arribaron los primeros padres de familia junto con sus hijos, que en su mayoría pequeños disfrazados, estaban  muy contentos admirando las diferentes colecciones expuestas, así mismo comenzaba la venta e intercambio de figuras de acción, siempre en un ambiente cordial y de camaradería.

Por supuesto que no podía falta la música de ambiente obvio de los soundtrack de StarWars, y poco a poco la gente iba llenando el recinto conforme transcurría la mañana, mientras tanto se anunciaba por el sonido local que en breves momentos se haría la proyección de la película de episodio V El Imperio Contraataca (en mi opinión  la mejor de la saga) y con mucho entusiasmo algún sector de la gente se dirigía al auditorio a disfrutar del film, pero el momento cumbre del evento fue cuando nos pudimos deleitar de la majestuosidad de la presencia de Lord Darth Vader acompañado de uno de sus Royal Guard y un Snowtrooper, en ese preciso momento muchas personas dejaron lo que estaban haciendo y literalmente corrieron para hacer fila y tomarse la famosa foto del recuerdo con unos de sus personajes favoritos y lo mejor es la sonrisa y/o gesto de admiración de los pequeñines al poder ver en vivo a esa figura la mas icónica de la mítica saga.

Transcurrieron las horas entre concursos de trivias y regalos de figuras como premios, la audiencia salió muy contenta tras una buena organización del club de Star Wars Xalapa, el cual pretende tener más reuniones como ésta, con más sorpresas, dinámicas diferentes. La finalidad es coronar el cierre de año con un mega evento el día de la premier, próximamente tendremos la cobertura de los demás encuentros que se realicen, así como un reportaje de la historia y creación del club.

Y recuerda, ¡que la fuerza te acompañe……siempre!

Galería:

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Erik Cardeña Bozziere | México | Columnista

Arquitecto xalapeño, 100% Cinefilo de corazón amante de la música y el arte, fotógrafo amateur, en busca de la creatividad y el diseño para resolver los constantes retos de la vida, fanático experto de Star Wars & Sci-fi.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La poesía es un género literario de composición y expresión artística. De estructura bella y armónica, sus palabras son inspiradoras, reflejo del sentir y pensar del autor, de la época en la que vive, de las experiencias que lo forman, de las historias que le rodean, de sus anhelos, sus sueños y sus acciones. De estructura sinfónica y sintáctica, su entendimiento y percepción cambia de acuerdo con la reflexión y apreciación de cada persona; situación que ha dado pie a cineastas interesados en incluir, de alguna forma u otra, a la poesía dentro del cine.

Poesía proviene de la palabra griega “poiesis” que significa “hacer”; poesía significa libertad creativa así como actividad recreativa. Con esa idea en mente se entiende el filosofar de Griegos y Romanos, así como sus relativos en las muchas otras culturas antiguas. Cantos poéticos como los de Homero en La Ilíada y la Odisea; historias que han inspirado diversas películas de época, representando pasajes de esta literatura como la guerra de Troya, el destino de Elena de Troya, o el de Ulises.

Otras películas han basado sus argumentos en poemas, tal es el caso del poema anglosajón anónimo encargado de contar la historia de Beowuf; o aquel poema escrito por Béroul cuyo protagonista es Tristán, personaje principal de la leyenda de Tristán e Isolda. El Lado Oscuro del Corazón (Argentina-Canadá, 1992), por su parte, se alimenta en gran medida de la poesía que acompaña al personaje principal de esta historia en un viaje reflexivo, con poemas de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo, de sus autores y del arte.

Una rama más del cine de poesía lo constituyen películas que tratan de la vida de escritores o se inspiran en periodos de la vida de ellos y sus procesos creativos. Un ejemplo notable es la película El Cartero (Italia-Francia-Bélgica, 1994), relato sobre la amistad entre Pablo Neruda y el hombre encargado de su correspondencia, amistad alimentada por la poesía y su influencia en la vida de ambos hombres.

La poesía como activador de la creatividad y la expresión se encuentra constantemente presente en las películas. No se limita a mostrar personajes acercándose a ella a través de la lectura, también explora la misma escritura y la manera en que ésta toma parte en las relaciones de los personajes. La literatura como modo de acercamiento entre personas, ya sean relaciones maestro-alumno, madre-hija, enamorado-enamorada, personas distantes, parejas entrelazadas, personas ajenas, conocidos o desconocidos.

Es por ello que existen casos en que un personaje de una película decide expresarse a través de poemas que demuestren aquello que sienten y piensan. Películas como En sus Zapatos (EUA-Alemania, 2005), Hannah y sus hermanas (EUA, 1986) o Más allá del cielo (EUA-Canadá, 2010), por ejemplo, han utilizado el trabajo del poeta E.E. Cummings dentro de sus tramas, por medio de sus personajes, en escenas en donde éstos recitan poemas de este autor.

En otro acercamiento a la poesía, existen películas en donde los personajes retoman este tipo de literatura activamente, escribiendo y declamando ellos sus propias creaciones. En un gran final, Kat, protagonista de 10 cosas que odio de ti (EUA, 1999), recita un poema inspirado y dedicado a su interés amoroso Patrick. No sólo el guión de la película se basa en una obra de William Shakespeare, también este poema tiene su referencia a un soneto escrito por el autor británico.

De variedad temática como la ética, amor, desamor, amistad, valor, venganza, soledad, felicidad y demás infinitos tópicos que se pueden externar a través de la poesía y que han aportado una opción creativa y educativa en el cine. Más allá de una forma de expresión y más allá de versos armónicos, la poesía en el cine no sólo inspira historias, la poesía se presenta como una invitación a explorar la literatura, siendo el cine, entonces, una puerta abierta al arte, para unos y para otros, para cineastas y para espectadores.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Andrés Palma Buratta

 Xavier Dolan, a lo largo de su “prolífica” filmografía (gracias a su corta edad y la cantidad de film ya realizados) logra salpicar sus personajes con delineados rayos de colores estridentes envueltos en ritmos estroboscópicos al mismo tiempo que  desborda delicadeza coreográfica en sus puestas en escenas, imprimiendo en ambos casos una gran fuerza interpretativa, ya sea como “frontman” de sus propias obras o a través de la construcción de personajes, que aún teniendo como eje central la búsqueda de identidades y la reconstrucción de relaciones fragmentadas, se mueven más bien en escalones elementales, violentamente poéticos y aún resguardados en una puritana tensión sexual construida sobre idílicos trasfondos amorosos.

Dolan recuerda de cierta manera la obra audiovisual de Derek Jarman, el famoso multi autor inglés que delimitó el cinema queer, el universo cultural del punk rock con obras como  Sebastiane (1976) o  Jubilee  (1978) entre otras tantas expresiones culturales que definieron su vida artística. Jarman fue un creador que expelía una rabia visionaria,  que hizo de sus producciones una fragmentación alegre de un Londres duro, violento y profundamente homofóbico.

“No importa qué tan enojado o triste sea, su trabajo es siempre positivo. La mejor manera de expresarlo fue hacer de la performance una residencia de su esencia teatral.”

Al igual que Jarman, Dolan está interesado en el aquí y ahora, en la confrontación implacable de la resistencia en el mundo donde las diferencias sexuales deben ser honradas a través de una estética perceptual. Quizás no sea tan perjudicial ni  locuaz ni escandalosamente vivaz como el autor inglés, ya que la obra de Dolan parte más bien de una concepto más intimo de relato, una provocación que nace de las entrañas de la propia vida, pero sin duda, Dolan exige escarbar en los recónditos caminos de la interioridad para dar voz a la condición humana y su relación con el resto.  Una de las grandes ventajas que tiene el autor canadiense, es que logra captar maravillosamente, tanto en la interpretación, como en las decisiones formales y técnicas, esa esencia de las alienaciones de los individuos entre sí y su resultante emocional, plasmándolas en un lienzo de belleza radical.

Sus personajes florecen imprudentemente bajo las luces fluorescentes de noches de aislamiento moderno. Dolan se está convirtiendo en la voz de la ansiedad, volátil, de la condición humana en todas sus implicaciones eternas y contemporáneas, de la tendencia del hombre a encontrarse a sí mismo en las más inefables soledades humanas y anhelos detrás de las puertas cerrada de las habitaciones.

A pesar de ello, Dolan, a través de su narración logra abrir esas puertas. En lugar que sus personajes, sus ideales, ansiedades y neurosis se retiren hacia el interior, nace el deseo de gritar toda la abundancia de belleza en la vida y todas las posibilidades de habilitar una razonable esperanza y catarsis en medio de una violencia que no genera demasiados debates morales en sus protagonistas y que por ende no dista mucho de la Inglaterra “violenta” de Jarman.

Es justamente en la reconstrucción del pasado, del que se podría suponer sea su propio pasado como lo hiciera en su opera prima “J’ai tué ma mère”, donde a base de recuerdos desechos, sus personajes, de gran densidad dramática irradian la necesaria complejidad para reconstruir ese ayer esfumado en el abandono y rencontrarse con quienes fueron y son para asumir las verdades inciertas necesarias para llenar esos vacíos emocionales heredados por los  misterios del recuerdo. Sus personajes logran comunicarse en un nivel que se extiende más allá de las palabras, aunque están en muchas ocasiones abunden, expelidas de forma visceral, difíciles de digerir, resonando con eco en los espacios cerrados, casas, departamentos, o la misma naturaleza, que finalmente se convierte en nuestro interior; y es que lograr salir de nosotros mismos se convierte en la empresa más difícil del ser humano.

Es el subconsciente el que va despojando los sentimientos superfluos, alterando los estados de ánimo y cuestionando  la conciencia, poniendo en crisis, disolviendo las seguridades, fragmentando el carácter,  desnudando al sujeto.

Al parecer estos personajes carecen de un lugar propio, están en constante búsqueda del significado de la realidad, de dar significado a su realidad o de construir una realidad que por lo menos parezca real. Parecen transitar un mundo frío, estéril, de colores grises, secamente urbano, y claramente enmarcados en el cinismo de una sociedad que trata de mantener la vida bajo control, o por lo menos asumible. Cuando Dolan toma esas historias en sus manos suele disipar la ilusión de la realidad, obligando a explorar el universo orgánico hasta volcarlo en presencia física con la verdad sencilla de un collage clamoroso.

Sublimemente diverso, su cine está lleno de explosiones repentinas de rarezas inspirada con  todo ese aparataje artificioso, estético y barroco donde habita la sociedad burguesa en decadencia; o más bien estancada en ese pasado, que por más obsoleto que parezca resulta ser más fiable a la hora de representar este frenético lenguaje expresivo, que el presente.

Les dejo el tráiler de su última película Mommy (2014) y los invito a revisar la filmografía de este interesante novel director, que seguramente dará mucho que hablar a lo largo de su carrera.

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Mommy

Dir. Xavier Dolan

Canadá, 2014

Trailer 3:13

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.