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Por: Iván Uriel

“Birdman” inicia esta nueva apuesta cinematográfica, con una toma secuencial que nos recuerda la introducción de cintas emblemáticas como “Rope”, 1948, “The Million” 1934, y “A Touch of Evil” 1959, donde la cámara realiza un viaje sin respiro en su visualidad, y se adentra a la temática de su narrativa desde la primera voz, para no soltarla hasta que la película culmina. Las secuencias no dan tregua y nos brinda la oportunidad de disfrutar la genialidad de Emmanuel Lubezky, quien una vez más, se apodera de las cintas en que participa, para dejar una huella superior a la del director en turno.

“Birdman” aborda en sus personajes tres temas clave: la realización, el ego, y la redención; para llegar a ellos nos adentra en diversos subtemas que entretejen los telones del teatro y las actuaciones superlativas de su elenco. Cada personaje habita el ensayo, cada personaje habita la función, la espera para el estreno y la posibilidad del fracaso o del éxito que sustenta la existencia de su puesta en escena. Cuando “Amores Perros” 2000 sacudió al mundo, Iñárritu y su guionista de cabecera Guillermo Arriaga, iluminaron el firmamento del cine latinoamericano con una oferta textual y poderosa, una telaraña de sensaciones, frustraciones y anhelos que entre la complicidad, el desencanto y la expectativa, hicieron una obra maestra instantánea. “21 Gramos” 2003, y posteriormente “Babel” 2006, consagraron a la dupla, haciendo de sus enhebradas historias un collage de sentimientos universal, un reflejo y una alternativa cinematográfica diferente. Las sólidas interpretaciones de sus elencos, las nominaciones y premios, se hicieron una constante, hasta que la dupla se disipó y la duda emergió como alarma. Darle Iñárritu un sello propio  su legado sin la pluma de Arriaga,  llegó con “Biutiful” 2010, y aunque la trama de nuevo aborda un tema universal desde lo individual, la actuación de Javier Bardem superó posiblemente a la trama; con “Birdman” Alejandro G. nos vuelve a mostrar que su estilo se define en cada paso, y que su sello, sin abandonar las influencias de diferentes directores, es un sello propio.

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La “realización” como primer tema, brinda perspectiva a todos los personajes de “Birdman” la actuación como motivo de vida, el teatro como símbolo, el escenario como significado y la audiencia como razón de ser, se combinan para mostrar un corolario de imágenes que van de un lado a otro, llevándonos por los entramados detrás de las cortinas, tras bambalinas y sobre la duela que aguarda la pisada firme, nerviosa y temerosa de la actriz, del actor, de la realización de una vocación intensa que se vierte fugaz una vez que los parlamentos han sido expulsados como una consciencia.

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El “ego”, como segunda y más importante temática, se regodea en la presencia activa de la memoria, de la cualitativa cantidad encumbrada en los premios, en la popularidad, en las cifras, en las notas, en la fama, en el reconocimiento como inspiración superlativa al abrazo, como inspiración metafísica y real de una vocación que aparece en medio de una reflexión que pudiera olvidar que el teatro es arte y no negocio, que actuar es pasión y no el hastío, que mantenerse vigente implica realizarse y no supervivencia.

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“Redención”, cierra el círculo temático que sumerge la fuerza interpretativa en la admiración, en el aplauso que nace de la sorpresa, de la posibilidad de seguirnos asombrando ante lo que consideramos no puede generar el asombro, una carrera en decadencia, una carrera en el olvido, la persistencia de lo que puede ser con lo que fue. Aquí es donde la película se convierte en una epifanía cinematográfica, que conjuga la historia real con la ficción, nunca antes Michael Keaton ha sido tan reconocido, alabado y admirado por su actuación, nunca antes tan valorado, y sí antes mucho más explosivo en la popularidad que gozaron algunos de sus personajes y que aún lo mantienen activo en su recuerdo. “Mr. Mom” 1983,  “Beattlejuice” 1987, y “Batman” 1989, son inolvidables caracteres para quienes en los años ochenta acompañaron su popularidad. Su nominación como “Batman”, por el genio Tim Burton, generó controversia, picardía e incredulidad en la designación, hasta que él mismo alter ego pronunció su nombre para hacerse insustituible en la saga cinematográfica que arrojó varias cintas más, aunque sólo memorables las personificadas por el mismo Keaton en la dirección de Burton.

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Batman existió en él con la misma dualidad  en la identidad que los superhéroes tienen, hasta que Christopher Nolan se permitió regalarnos una trilogía contundente. La cinta de 1989 se convirtió en un enorme éxito taquillero, generó una moda hacia el súper héroe, y después se agotó en su formato hasta que “Spiderman” 2002 renació la fórmula para darle al género una década y media de éxitos que al parecer se extenderá al menos, por otra más.

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 En “Birdman”, Michael Keaton hace una actuación formidable, profunda, detallada, no deja huecos y se apodera por completo del súper héroe, él dio rostro a las películas de súper héroes cuando no existían prácticamente, o cuando los intentos por hacerlas terminaban fallidas comedias involuntarias, Keaton le dio identidad a Batman y esa misma identidad es la que busca en el reflejo de cada diálogo frente al espejo, mientras escucha la voz de su “Birdman” que lo mueve por dentro y desde dentro, nada de lo que sale hacia afuera va solo, le acompaña el reconocimiento, el ego, la frustración, el éxito, el temor, la vocación, la aventura y la posibilidad de redimirse como única esperanza de vida. El arista se debe a su público, a su personajes o a su obra, pero también se debe a él mismo.  El yo, el súper yo,  los guiños a la crítica de un cine invadido por las historias de súper héroes, y por la lejanía de la realidad, se suman a la fantasía que está en nosotros mismos, a la realidad vivir en un personaje y no salir de él pues en su seno radica la seguridad y la única manera de ser.

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 “Birdman” es la mejor cinta de Iñárritu desde “Amores Perros”, en principio por que evade posicionamientos, se aleja de los contextos dubitativos o en debate, y se adentra en la personalidad, en la mente, en las preguntas perennes, en los lamentos y en la alegría de un vuelo;  Iñarritu va más allá en esta ocasión que plantear el desamparo del personaje principal y de su circunstancia, lo rodea de personajes tan profundos o más profundos que el protagonista, con sus miedos particulares, con sus derrotas, con sus victorias y con la esperanza compartida en el próximo estreno, la marquesina que ilumina y abarrota, o la comparsa de una industria que da cabida a la indulgencia.

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 La película explora los ecos del ego y los exclama en gritos desesperados que se ahogan, luego los regurgita entre una secuencia y otra, es una cinta coreográfica, a minutos pretenciosa, a minutos muy íntima, y en síntesis rescata en el espectador la sensación de estar viviendo la experiencia del teatro como “A Street Car Named Desire” 1951 lo consumó; en “Birdman”, cintas de dramaturgia cinematográfica sin ser precisamente teatrales como “Trought a Glass Darkly” 1962, “Who Affraid Virginia Wolf” 1966, “Sonata de Otoño” 1978, “Interiors” 1979, “The Last Metro” 1980, “Leaving Las Vegas” 1995, y “Carnage” 2011, entre otras, encuentran un espacio en “Birdman” para argumentar un soliloquio en las alas del teatro, de la intensa redención, y del intento.

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Birdman

Dir. Alejandro G. Iñárritu

Estados Unidos, 2014

Official International Trailer

2:52

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El cine puede tener muchas funciones: informador, distractor, medio de aprendizaje, de entretenimiento; pero entre ellas se encuentran también el cine como industria y el cine como medio de control.

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Los mensajes que conforman una película tienen una importante carga ideológica en su contenido y en su forma de presentarse al público.

Las técnicas en su evolución (dentro del área de la cinematografía), tienen un significado en el desarrollo social de su entorno; la imagen, entre una de estas partes que conforman el cine, es técnica como es arte, pero, vista como canal, medio o transporte de códigos, es valorada, estudiada y tratada con cierto especial cuidado, llevando a los medios audiovisuales (cine o televisión) a un tratamiento y manejo, en este caso, más cercano al área del espectáculo que a cualquier otra.

Espectáculo definido por la Real Academia Española: “Cosa que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual y es capaz de atraer la atención y mover el ánimo infundiéndole deleite, asombro, dolor u otros afectos más o menos vivos o nobles.”

Tal vez el problema no sea el espectáculo como tal, sino la combinación con otras formas de maniobrar el cine, llevándolo a un tipo de entretenimiento pobre y convencional que se sostiene no por su calidad artística, reflexiva y de narración, sino por sus otras maneras.

Las formas cinematográficas tienen tal impacto en la sociedad que el cómo se hacen y distribuyen es determinante en la relación que tienen con su público. “La cuestión no consiste hoy en saber si el cine puede prescindir del espacio, sino, más bien, si los espacios pueden prescindir del cine”, dice Paul Virilio, teórico francés (1932 – ), en su texto “Estética de la desaparición”.

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Las muchas funciones del cine han llevado a este arte a adentrarse en ramas y disciplinas específicas que cubren necesidades claras por parte del público que se acerca a él. Esta combinación de funciones, alimentada por la lucha por ser prioridad (una ante las demás), llamando la atención del público, sorprendiéndolo, entreteniéndolo, distrayéndolo por sobre todas las cosas, ha hecho del cine una forma de espectáculo.

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La cuestión no es ya si el cine puede ser o no una industria influyente en el desarrollo social actual, sino en qué grado lo es. Dentro de este apartado, el mundo de la cinematografía va de la mano con la economía, la ley de la oferta y  la demanda, áreas como el marketing o la publicidad, el consumo y la venta, directa o indirectamente. Véase que acercarse a una película en una sala de cine no implica exclusivamente la compra de un boleto, como tampoco lo es la compra de un dvd o la contratación de una transmisión vía Internet en una computadora.

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De acuerdo con la historia del cine, el material audiovisual ha sido en ocasiones utilizado como medio de control y como transmisor de ideas específicas. Como medio de control el cine se debate entre libertad y la falta de ella, en su forma y en su contenido. Algunos teóricos incluso sostienen que la copia de patrones cinematográficos en la vida real es una forma de control social, es decir, moldear a las personas a través de modelos presentados en las películas para ser seguidos por la audiencia.

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El segundo punto corresponde a aquellas películas realizadas específicamente con un propósito manipulador en su contenido. Películas realizadas deliberadamente con una explícita forma de pensar y una postura respecto a la sociedad, a la política o a un tema en específico de la vida social; es decir, películas mandadas a hacer con la función de llevar impresas un pensamiento a ser esparcido por el canal llamado cine.

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“La industria del cine entrará en crisis cuando deje de producir días ficticios y aspire a la verosimilitud”, reflexiona Virilio en otra parte del texto. ¿Cuál es la base de la cinematografía? ¿Cuál es su fin último, o su fin primero en todo caso? ¿No fue la realización de historias fantásticas y ficticias durante sus inicios lo que dio al cine gran impulso como forma narrativa? Tal vez se ha llegado a valorar al cine sobremanera, tal vez se le ha etiquetado pretenciosamente en demasía olvidando la forma más simple del cine que es la de contar historias en imágenes, o tal vez, por el contrario, no se ha hecho la suficiente labor de guiar la cinematografía hacia un rumbo específico.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Mórelia, Mich., México | IMCINE  |  FICM

El silencio de la princesa, semblanza de una actriz mexicana que cayó en el olvido

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Este documental forma parte de la competencia del 12 Festival Internacional de Cine de Morelia.

“Es una pequeña ventana a lo que fue la trayectoria de Diana. La película terminó siendo una semblanza de este personaje al que considero fascinante y único dentro del medio artístico mexicano”…explica en entrevista el realizador egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

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“Es un personaje que cayó en el olvido y yo quería que este documento representara el instrumento por el cual esta mujer saliera del anonimato ya que, desde mi punto de vista, tuvo una carrera muy interesante”, agrega el  director de 43 años.

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“Entonces decidimos ir a buscarlos. Aunque hubo muchos obstáculos que hicieron el proceso de rodaje largo, al final pudimos construir una historia que hablara sobre su olvido y los verdaderos motivos que la llevaron a desaparecer de los reflectores”, explica Cañibe.

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-Sinospis-

Diana Mariscal alcanzó un instante de fama en la lejana década de los años sesenta cuando estelarizó, con tan sólo 18 años, la película Fando y Lis de Alejandro Jodorowsky. Aquel instante parecía ser el despegue de una promisoria carrera, pero en realidad ésta se fue diluyendo paulatinamente hasta condenarla al olvido. Cuarenta años después, sin embargo, las huellas de su existencia no han podido ser borradas por completo.

Por: Aprieta Tuercas

“Nacer para esto”

¿Qué hace a Gustavo Cerati un gran músico? La respuesta simple y directa sería “su talento”, pero tal vez no es suficiente. Contrario a muchos que se pierden en el ocaso después de uno o dos discos, el argentino permaneció vigente en el universo musical durante toda su carrera, como líder de Soda Stereo y, después, como solista. ¿Por qué?

Primero, porque en lugar de seguir alguna fórmula – que dejó bien establecida en canciones como ‘Cuando pase el temblor’, ‘Persiana americana’ o ‘De música ligera’− al modo que la mayoría hace para ser rentable comercialmente (pienso en Arjona, tan alabado por su capacidad de crear la misma canción durante casi cuatro décadas), Cerati logró reinventarse en cada disco, abriendo brecha por terrenos inexplorados en la música latina. Segundo, porque tuvo la complicidad de Zeta Bosio y Charly Alberti para llevar por buen cauce ese talento, sacudiendo sin reparos el río aletargado del rock latino. El resultado fue que el trío de la Soda creó el sonido más original e influyente en el panorama de lo que se denomina “música alternativa.” De solista, también se rodeó de músicos que lograron expresar con fortuna sus ideas musicales, como Daniel Melero, Flavius Etcheto o Richard Coleman, entre otros.

Y tercero, por la calidad de sus composiciones, que va de la mano con su negativa a conformarse una fórmula, atreviéndose a experimentar con nuevos sonidos y formas de componer. Basta hacer un repaso por la discografía de Soda para confirmar este hecho. De ser una especie de adaptación al español de The Cure + The Police en los primeros discos (Soda Stereo y Nada Personal), pasaron a forjarse una identidad en Signos y Doble Vida, hasta alcanzar el grado de clásico con Canción Animal. En este punto, parecía que el grupo ya había pavimentado su camino hacia una gloria confortable, pero decidió bifurcar por una senda azarosa, probando con sonidos electrónicos y guitarras distorsionadas en Dynamo (su mejor disco, en mi opinión). Después, vendría Sueño Stereo para consolidar la fusión rockera-electrónica. Y cuando parecía que aún habría más ramificaciones en su camino innovador, el grupo decidió separarse en 1997, pero poco antes dejó una joya como consuelo: Comfort y música para volar, el cual reelaboró canciones previas –‘En la ciudad de la furia’, ‘Un misil en mi placard’ o ‘Té para tres’− que ya nunca volvieron a ser escuchadas igual.

Por otra parte, su calidad también quedó establecida en solitario. Antes de la separación de Soda, Cerati ya había publicado su primer disco solista, Amor Amarillo (1994), que perfeccionaba el experimento iniciado en Dynamo. Para muchos seguidores fieles, éste ha sido su mejor disco ya que dejaba en claro que se había adelantado a su tiempo con su “rock electrónico”. En aquél trabajo había una armonía insospechada entre la música de las consolas (‘Pulsar’ o ‘Ahora es nunca’) y aquélla salida de instrumentos más tradicionales (‘Te llevo para que me lleves’ o ‘Av. Alcorta’).

El uso de computadoras para crear música fue llevado al extremo en Bocanada y Siempre es hoy. El primero es considerado su mejor álbum por la crítica especializada –donde también incluyó una orquesta en la canción ‘Verbo carne’− y el segundo fue una secuela más rockera, con ‘Cosas Imposibles’ como emblema. En Ahí vamos regresó a un sonido más tradicional, usando las guitarras como fundamento apoteósico de un viaje que alcanza su clímax en ‘Lago en el cielo’; y, finalmente, en Fuerza Natural (2009), su último álbum, agregó un poco de folk-country a su sonido electro-rockero.

Anexos a los discos oficiales quedaron tres experimentos: Colores Santos, +Bien y 11 episodios sinfónicos, que fueron tan imprescindibles en su trayectoria como los “capítulos prescindibles” contenidos en la Rayuela de Cortázar. Para resumir, cada disco de la carrera solista de Cerati fue un peldaño más en la escalera espiral hacia el viento que lo llevó a observar horizontes vedados para músicos y escuchas comunes, a la manera de aquél que pudo asomarse un instante fuera de la cueva platónica y vislumbrar un arquetipo.

Breve comparación “Tabú”

Mencioné de pasada a Ricardo Arjona líneas arriba, pero ahora lo uso como ejemplo para contrastar entre un músico regular y un fuera de serie. Para ser más claro, recurro a una comparación literaria para establecer la diferencia entre ambos músicos: Arjona es un equivalente al escritor Jorge Bucay en el campo de las letras, ya que los dos han explotado sus fórmulas de composición aplicando el mismo procedimiento en cada nuevo disco o libro, después de descubrir que eran atractivas para millones. Ser del agrado de la mayoría los ha transformado, sin asombro, en “éxitos de venta” o, para hablar en lengua común, bestsellers. Tener fama y vender mucho no tiene nada de malo –en el fondo, todos quieren una rebanada del pastel− pero utilizo la comparación para resaltar el hecho de que un artista exitoso no necesariamente es un gran artista.

En cambio, un gran artista sí puede ser famoso y ese fue el caso de Cerati, quien sería una especie de Julio Cortázar, porque ambos rompieron esquemas, jugaron con las tradiciones para reinventarlas e intentaron algo distinto en cada nueva obra (por cierto, Cerati murió el 4 de septiembre, poco después de la celebración por los 100 años del nacimiento del cronopio, quien “vio la luz” el 26 de agosto de 1914). Por otra parte, músico y escritor fueron sensibles al “pulso” del tiempo y navegaron por la cresta del cambio (the times they are a-changin’, sentenció para todas las épocas Bob Dylan), guiando a las nuevas generaciones por sonidos o formas de narrar distintas, más acordes con sus inquietudes y pasiones, indescifradas por la generación anterior. Por ello, tanto Cerati como Cortázar fueron seguidos con fervor por los jóvenes.

“Marea de Venus”: la alucinación

A Gustavo Cerati se le califica con frecuencia como “poeta” por la calidad enigmática y evocadora de sus letras. Sin entrar en debate sobre su capacidad lírica, para mí sus letras guardan una cualidad alucinatoria que rima sin cortapisas con su música. No un bardo, pero sí un trovador que comunica los ecos de sueños envueltos en atmósferas claroscuras, de guitarras densas y ligeras (“mójate los labios y sueña”, sugiere en ‘La secuencia inicial’). Poco después del colapso lamentable de 2010 en un concierto en Venezuela, que lo dejó en coma durante cuatro años, un amigo me dijo que Cerati parecía haber anticipado su muerte en las letras sombrías de Fuerza Natural. Yo había escuchado el disco antes, de pasada, sin mayor atención. Pero luego noté que, en algunas, hay un dejo de abandono: Me perdí en el viaje/Nunca me sentí tan bien/Todo por delante/Todo está hablándome (‘Fuerza Natural’); Cerca del final/Sólo falta un paso más/Siento un deja vu (‘Déjà Vu’); En el goteo de la soledad/Es el sonido de alguien que pende de un hilo/¿Hasta dónde lo vamos a estirar? (‘Dominó’); Son los juegos de Neptuno/Quién sabe cuánto habrá que remar/Oh oh oh (‘Sal’); y He visto a Lucy/Cuando entró a la habitación/El espacio se curvó/Vimos luces, y el metrónomo de Dios/Puso el tiempo en suspensión (‘He visto a Lucy’).

Por algún tiempo asumí que el argentino había entrevisto el final y lo plasmó en estas letras. Luego pensé que quizá sólo estaba buscando frases que confirmaran esta impresión, porque, por otra parte, en el mismo disco había otras canciones que reafirmaban su alegría de existir (‘Cactus’ o ‘Tracción a sangre’, por ejemplo). Y, de cualquier forma, los mensajes “oscuros” estaban incluidos en álbumes anteriores: Separarse de la especie/Por algo superior/No es soberbia es amor/…Poder decir adiós/Es crecer (‘Adiós’).

Siempre es arriesgado querer interpretar las canciones para encontrar una intención oculta; puede ser la antesala al ridículo, porque generalmente se escriben siguiendo impulsos ambivalentes, sin reflexiones sesusadas acerca de su significado. Y Cerati, en mi opinión, escribía de esta forma.

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La suposición del final previsto quedó desmentida también por una entrevista que el músico concedió a Fernando Rivera Calderón el 3 de septiembre de 2009, para promocionar su último disco. En ella, el autor de ‘Nada Personal’ se muestra relajado, ajeno a grandezas y satisfecho con su vida. Considera a Fuerza Natural un disco evasivo, igual que toda su música, porque el objetivo final de ésta es transportar a otros confines, quizá más placenteros que la realidad ordinaria.

Confiesa, además, que escribir las letras es lo que más trabajo le cuesta y lo hace después de crear la música: “Tengo que reconocer de que eso es un mayor trabajo para mí, porque no tengo la costumbre de escribir todo el tiempo y sí de hacer música todo el tiempo.” Por otro lado, afirma que es una persona desequilibrada e incluso un tanto bipolar, como la mayoría de la gente (“Dios es bipolar”, escribió en ‘Fuerza natural’) e, incluso, bromea sobre la posibilidad de que Dios sea también sujeto a terapia: “el psicólogo de Dios me gustaría conocerlo… Imagínate la cantidad de conflictos.” Sin embargo, reconoce que la vida artística es desgastante y a los 50 años su prioridad ya no está en los escenarios, sino en su familia.

Con respecto a la alucinación, Cerati asocia a ésta con la psicodelia, que considera un modo artístico próximo a lo infantil y absurdo, como la “patafísica” o la ló(gi)ca de Cortázar, contradiciendo la noción común de que lo psicodélico es producto de las drogas ácidas. Cita como ejemplo a Syd Barrett de Pink Floyd con su frase de “te mando una carta por un lavaropa”. Dice Cerati: “Los niños en general tienen una psicodelia inherente, ellos alteran el espacio y el tiempo de una forma que a nosotros cuando vamos creciendo nos cuesta más.” Podría inferirse, entonces, que la intención del argentino al escribir es captar esa cualidad infantil a través de metáforas que se convierten en juegos o asociaciones insensatas, en una especie de Rayuela musical que trastoca el tiempo y espacio habituales.

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Ya lo anunció Cerati en ‘He visto a Lucy’: “Yo alucino y lo haré mil veces más»

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Fernando Rivera Calderón entrevista a Gustavo Cerati

Realizada el 3 de septiembre del 2009 en el programa de radio La Noche W

Canal de YouTube: El Weso

40:19

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

“Los surcos no se caminan ni se recorren: se labran”

Iván Uriel

Había sucumbido la ciudad de los palacios desde sus ruinas, desolación de los pasos, vacío de la historia, vacío del espacio; vacío de todo lo que abarca, de todo lo que rebasa, había sucumbido la ciudad tras el temblor, había sucumbido la población y la fundacional esperanza; desde sus escombros, emergían los visos de horizontes desdibujados pero existentes, cobijados en la música ligera pero contumaz de un grupo lejano de notas hambrientas, tenaces y liberadoras, notas nacidas bajo el fondo de la dictadura y sobre la liberación, en sus acordes los recuerdos de la guerra, la desaparición y el olvido, en sus acordes el presente y el devenir, un canto para expresar sueños de pesadillas y sombras, puertas para cruzar umbrales de aspiración, ventanas abiertas con miradas a las metáforas.

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Venidos del Sur los cantos tras el temblor aún latente en el dolor, y en esos anhelos vestidos de música, el despertar de la ciudad, el caminar por las rocas, la promesa de reconstruirnos en persianas de erotismo, en las alas de testigos de ironía y falacias. La ciudad habitaba al sur, pero el temblor y la furia también eran comunes, literales y siendo suya la hicimos nuestra.

Después del temblor los despertares, los mareos, las raíces, la luz; nos invadió no el arma sino la lírica de un rock acompasado por banderas que denominamos al idioma que las unía, tantas historias íntimas que nos pertenecían, tantas historias íntimas que dialogaban entre sí no obstante las fronteras que el mismo idioma cruzaba con frenesí, su energía parecía devorarnos en cada letra.

La melodía mecánica dejaba de ser ligera para ser personal y habitar las dobles vidas de naciones enteras, el antes y el después, el pasado y el futuro presente de un genio en cuya voz se anidó el arte capaz de durar siglos o el instante de una quimera permanente.

La voz del genio en la armonía de una banda, el sonido de una conversación vuelto elegía, íntimas las historias, íntimas emociones del colectivo consiente, sensible y voraz, cantos a pedernales giraron al mito compartido, a la espera, a la quietud.

Representante de una época dorada del rock en español, Soda Estéreo significó lo que al pop Mecano brindaba, la alternativa identidad de nuevos ritmos, la innovadora forma de expresar los géneros, la prosa poética enhebrada en los trazos de la imaginaria y en los viajes cuyas huellas permitían seguirles y habitar su universo propio.

Después de la separación de la banda, el genio siguió aportando ahora historias no sólo íntimas sino comunes, no sólo de mundos paralelos sino vivencias citadinas que sabían a experiencias, recorridos literarios en óperas y sinfónicas interpretaciones. El don de tener un estilo y guardar los secretos a todos sabidos de su gracia, después el drama, el acompañado drama que permitió el reconocimiento en vida, pues por más lejano que se escucharan los aplausos y oraciones, retumbaron seguro ese camino de senderos abiertos a la inmortalidad y a la leyenda.

Gracias Maestro por la poesía, por los versos de persianas abiertas, por despertarnos tras los temblores de la ciudad de la furia, hasta siempre Cerati, ¡Gracias totales!

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Cuando Pase el Temblor

Gustavo Cerati

Dir. Alfredo Lois

Soda Estéreo

Argentina, 1985

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Perla Atanacio

 Me veras volar por la ciudad de la furia, donde nadie sabe de mi y yo soy parte de todos…

 

  Ese día fue uno de sentimientos encontrados que me resulta difícil describir, apenas comenzaba la mañana cuando se daba la noticia del fallecimiento de Cerati. Guardaba la esperanza de que un día pudiera despertar, y como en la película Gabriel Retes,  o “Good Bye, Lenin!” (Dir. Wolfgang Becker, Alemania, 2003) contarle todo lo que había ocurrido durante su sueño.

Cuando los pacientes se encuentran en coma, en estado delicado, se avoca a pedir, a orar, a invocar que el enfermo despierte, sin pensar en lo que puede ser mejor para quien duerme. Es un derecho natural y un dilema para quien no se encuentra en ese caso.

Cuando vi por primera vez “El Cielo Sobre Berlín” (Der Himmel über Berlin, Alemania, 1987) quedé inmersa en la reflexión, en lo que Win Wenders le había hecho a mi yo interior al crear esta maravillosa historia que no dude en relacionar con “En La Ciudad de la Furia”(Álbum Doble Vida, Argentina 1988). Si bien hace referencia al mítico Ícaro, también, en su contexto poético, más allá del orden social que envuelve su letra, nos habla de seres expectantes que nos conocen sin nosotros mirarlos, sin saber que están ahí, vigilando, aguardando por nosotros.

Podría entonces, también definirse, como un segundo himno argentino para su hermosa Buenos Aires, que es sin duda un lugar en donde se viven las más sublimes y abarrotadas pasiones. Una ciudad que habla con sólo recorrer sus calles que guardan la esencia de sus más grandes y célebres próceres.

Y era nocturno, en una entrevista dijo que escribía era en las noches, sin duda quien más ha conocido los misterios que envuelve la noche.

En la Universidad mi clase favorita fue Análisis de Contenido, con Juan Pablo Alvear, él nos guio en el conocimiento filosófico, literario y social, al escudriñar entre las obras el contexto en el que fueron desarrolladas.

En “Corazón delator” (Doble Vida, Argentina, 1988), no sólo homenajea a Edgar Allan Poe, re encuadra esta tenebrosa historia en un relato gótico de lo que es el amor cuando el corazón se descubre, se delata ante el ser amado, sin importar circunstancia, es por tanto cuestión peligrosa.

…Es como un océano de fuego…

Ay tantas letras de las que poder describir de tan célebre poeta, escritor, compositor, músico, cantante, cronista del amor en todas y cada una de sus facetas…la cultura que en él había y que en sus letras emanaba, sus intereses, sus gustos y disgustos, su fuerza natural…

Gracias Gustavo por descubrir ese talento en ti, y decidir realizar tu sueño para compartirlo con nosotros, por hacer historia en nuestra historia y escribir tu propia leyenda.

Te vemos volar, por la ciudad de la furia.

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En La Ciudad de la Furia

Gustavo Cerati

Soda Estéreo

Dir. Alfredo Lois

Argentina, 1988

6:12

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

México | Redacción Filmakersmovie.com |  2 de octubre, 2014 .- Todo está listo para que comience la segunda edición del Stop Motion MX. La producción de este encuentro entre la animación, sus historias y quienes le dan vida, está a cargo de Marlizeth Ramírez, a quien pudimos entrevistas hace algunos meses para conocer cómo este grupo de jóvenes emprendedores han logrado captar la atención de los animadores de la industria al rededor del mundo.

Es un Festival Internacional de cine especializado en animación Stop Motion, donde se intercambian conocimientos y experiencias con la finalidad de promover la producción de ésta técnica de animación.

Stop Motion Mx surge en el concepto de generar emprendedores y producciones que fortalezcan la industria cinematográfica de animación en nuestro país y se reconozca el talento nacional e internacional.

Marlízeth Ramírez.

Así mismo la Dirección del SMMx está comandada por Mónica Rodríguez, junto con su equipo, buscan promover la industria de animación en México.

 

Durante la convocatoria se recibieron cientos de trabajos provenientes de varios puntos de nuestro globo, asentando que este festival llega para quedarse.

Del 9 al 12 de octubre se vivirá esta verbena de animación en el Centro Nacional de las Artes, en el Centro de Capacitación Cinematográfica, En la Escuela Nacional de Pintura-Escultura y Grabado La Esmeralda, y en los Estudios Churubusco.

Es gracias a Stop Motion Mx que nos vemos inspirados a inaugurar en Filmakersmovie nuestra nueva categoría «animación», en donde a partir de este viernes 3 de octubre comenzaremos a difundir animaciones mexicanas e iberoamericanas en el mundo, destacando las animaciones realizadas por jóvenes entusiastas que se han sumado a la campaña «Anima la Frase» que año con año se ha vuelto un clásico en SMMx para impulsar animaciones fuera de competición.

Los ejes de acción del festival son conferencias, talleres, proyecciones, encuentros, exhibición y barra infantil (domingo 12 de octubre). Las actividades son gratuitas y abiertas a todo el público. Para asistir se abrirá un registro en línea a partir del 29 de septiembre de 2014 en https://www.eventbrite.es/e/entradas-stop-motion-mx-2014-8606186335

No puedes faltar a la fiesta que celebra la magia de lo posible.

Promo Stop Motion Mx 2014

México, 2014

1:44

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Redacción

T.Na

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

El imaginario parapsicológico del Doctor Spengler, el atrevimiento emprendedor del Doctor Venkman, y el ánimo idealista en vocación investigadora del Doctor Stanz, aúnan suposiciones e instintos para formar la epifanía que convirtió a “Ghostbusters” 1984, en una cinta de culto, favorita del público y la crítica, comedia ingeniosa de humor melódico, de notas simpáticas en la increíble premisa que dio aún más brillo, a los ya para entonces consagrados Harold Ramis, Bill Murray y Dan Aykroyd.

En el año en que se celebra el 30 aniversario de esta obra maestra del cine de los años 80, recordamos con el cariño presente, la nostálgica melancolía que cimbra desde su banda sonora, advierte en los sonidos del Ecto 1, y brinda la sonrisa desagradablemente viscosa de Pegajoso. Una cinta que termina por aterrarnos en la ternura de Puffy, el alegre caminante de malvavisco que recorre las calles de Nueva York.

Desde la inteligente dirección de Ivan Reitman, el guión escrito por Ramis y Aykroyd sobre los científicos desdeñados de su universidad por romper paradigmas y esquemas de lo paranormal, “Ghostbusters” deja una traza indisoluble en la historia del cine. Bill Murray podría en sí mismo, representar el espíritu de un cazafantasma, hábil, interesado, ávido por conocer y valeroso aunque la sorpresa termine siempre por despertar los gritos y elevar los cabellos erizados de sus expresivo rostro.

La comedia llena de astucia y espontaneidad de “Saturday Night Live” y “National Lampoon” catapultó las propuestas visuales estelarizadas por Chevy Chase; la acción de situacional comedia protagonizada por Eddie Murphy, John Belushi, y el mismo Aykroyd, que en películas como “Beverly Hills Cop” 1984, “Trading Places” 1983, “Animal House” 1978 o “The Blues Brothers” 1980, elevaron la simulación al paroxismo de millones de cinéfilos en todo el mundo, John Landis, Harold Ramis e Ivan Reitman, supieron leer con profunda sensibilidad el deseo ávido por comedias que cautivaran al público de todas las edades, sobre todo después del cine más lúgubre, profundo y realista de los años 70, que buscó una salida en la ciencia ficción al final de la misma, logrando la realización de sendas obras maestras en diferentes géneros.

Una guía de espíritus, un detector espectral, un arma de protones, unas trampas como amenaza, una oficina a cuya llegada se describe visualmente el ir y venir del Puente de Brooklyn, una secretaria igualmente comprometida y un cazafantasma honorífico en Rick Moranis, son parte de un elenco completado por Ernie Hudson como Winston (papel pensado para Eddie Murphy) y Sigourney Weaver, la gran heroína de Alien 1979.

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Los años 80 en su legado de franquicias llenas de espíritu aventurero como “Raiders Of The Lost Ark” 1981, y “Back To The Future” 1985, atestiguó en “Gostbusthers”, una cinta que comulgando en ese universo, sirvió de intermedio a la aventura histórica del pasado antropológico y la aventura que juega con el espacio y tiempo en pasado, presente y futuro, “Ghostbusters” plantea una historia de lo inexplicable, de lo tenebroso, y propone una solución que irrisoria en inicio, termina siendo la trama de los emprendedores de sueños que cazan pesadillas, una oda al ingenio, al descubrimiento y a la ciencia.

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“Los Cazafantasmas” título en español, invitó a descubrir y disfrutar, al relajamiento y al suspiro, al salir de las salas de cine nos hacía anhelar haberlo vivido en realidad, o añorar que la cinta haya concluido en su muestra. Las dimensiones y relatividad del tiempo que el mismo Ramis magistralmente filmaría precisamente con Murray como protagonista en “Groundhog Day” 1993, el día que se repite una y otra vez, que en cada día más que tedio, brindaba la posibilidad de ser mejor, una oportunidad de cambiar lo malo o preservar lo bueno, ese intento y error que llevaría a los astutos cazadores de miedos, a conquistar literalmente los corazones de la audiencia.

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Pocos logos pueden ser tan identificados en el cine a la luz de 30 años, y el de esta cinta lo logró y por partida doble, no en la tibia recepción de su segunda entrega cinco años más tarde aún con el mismo elenco, sino en la presencia permanente que recuerda que siempre estarán ahí para recibir el llamado, ¿A quién llamaremos? ¿Quién nos ayudará?, en el mismo tenor del estupendo Roberto Gómez Bolaños, preguntas que se responden al teléfono de una ayuda necesaria que parecía intrascendente, al principio locos, después héroes; en la ciudad que tanto en la realidad como en la ficción ha vivido la crueldad y la incredulidad, el cine ha ofrecido la intromisión de un Gorila que escala su rascacielos en el amor irrealizable, la visita de un monstruo que en su visión original era un defensor más que un peligro, y que en la saga de “Los Cazafantasmas”, ve colaborar a la Estatua de la Libertad y el andar del oso de malvavisco que precede un desfile al máximo estilo de las recepciones de los héroes de la aviación, de los deportes y la política en antaño; los barrios, los callejones, los viejos edificios, las cocinas, restaurantes, las oficinas, todos los resquicios por donde lo paranormal cobra sentido en la explicación científica de una sonrisa.

 

Con la muerte de Harold Ramis se pierde una parte importante de la saga, más no la ilusión de tantos que aún soñamos con que suene ese teléfono solicitando su auxilio y se deslicen los rescatadores al sonido de la sirena de un viejo auto que rueda la ciudad desde sus puentes.

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Es probable que Aykroyd y Murray en homenaje a Ramis, tengan una consulta más que hacer a su guía, una carga de protones que realizar, y una sonrisa que ofrecer al entretenimiento universal.

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Ghostbusters

Dir. Ivan Reitman

U.S.A, 1984

Ghostbusters Tema Oficial | Ray Parker Jr.

Canal YouTube: RayParjerJuniorVEVO

Tráiler 4:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Un experimento de comunicación cinematográfica, una película sin escenarios, actores ni diálogos, un proyecto realizado bajo una tesis sobre la imagen como lenguaje cinematográfico. Dziga Vertov, el cineasta detrás del experimento, convoca con éste una serie de imágenes cuya narrativa visual está llena de significado evocativo, trayendo consigo historias sobre la conectividad humana y la vida misma, la realidad pulsante que late en cada momento, nos detengamos a mirarla o no.

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El experimento, en formato documental, trata de un hombre quien con su cámara se dedica a captar la vida diaria de un día cualquiera en la, entonces, Unión Soviética; el proceso de filmación, edición, e incluso presentación en pantalla del trabajo fílmico recolectado, es parte de las escenas que conforman la película. El hilo conductor es precisamente el hombre de la cámara, pero la historia tiene un inicio y un final que se estructura gracias al poder de la imagen como tal. La estructura del relato es una selección de imágenes puestas en un orden específico cuyo montaje y contenido representan algo. La película habla del todo, de la vida, de la gente, de la realidad y cotidianidad en la que vivimos las personas y lo poéticamente bello y trascendental que cada momento significa para una persona.

La película inicia con el despertar del día, con las primeras horas de la mañana, para avanzar al movimiento laboral y habitual de los habitantes de una ciudad; la cámara se detiene a mirar, a observar, a las personas, los movimientos de la ciudad, su transporte público, su estructura, su clima, su ambiente, su gente; la cámara se detiene mientras deja que el mundo siga su curso. Conforme progresa, el documental se toma el tiempo para contemplar elementos de diversidad, por ejemplo gente trabajando, o riendo, jugando, caminando, descansando, platicando, etc.

El resultado del proyecto es distinto para cada persona que lo ve, pero esa misma razón lo hace sobresaliente, original. La planeación y filmación son elementos importantes del experimento, pero es su construcción en el cuarto de edición el momento clave de éste. La progresión narrativa de la historia tiene una lógica propia delineada por un discurso temático, que es la intención misma del proyecto como experimento de comunicación cuyo vehículo sea la imagen en movimiento, la cinematografía.

Por ejemplo, hay una secuencia donde una pareja llega a pedir un acta de matrimonio, poco después se ve a otra pareja, pero ellos van por un acta de divorcio, a éstas le siguen imágenes de una boda, de un funeral y de un nacimiento. Es evidente ver los contrastes de los que habla el autor a través de la secuencia, pero al mismo tiempo su significado tiene diferentes ecos de interpretación, ya sea de ámbito social, personal, o de pareja, por ejemplo. El análisis de cada fragmento de la película puede hacerse desde una perspectiva diferente, social, económica, política e incluso psicológica, por mencionar algunos, y ello es lo más gratificante de la experiencia del experimento.

Incluso el inicio y final son parte del ciclo que encierra la película. Gente reunida en un teatro viendo el documental y una cámara, en pantalla, presentándose a sí misma como conector entre cinematografía y espectador. Estos momentos son parte metafórica de la mirada que se le da al séptimo arte como medio de expresión, creador y exponente de historias y de ideas, de imágenes en movimiento y cómo éstas son reflejo de la realidad.

Vertov, como realizador, estaba en contra de la «puesta en escena», creía en un cine sin ataduras, por así decirlo, de allí la razón por la que la explicación de la naturaleza de la idea sea explícita en la introducción de la película. Para el cineasta este tipo de cine era una forma (su forma) de capturar la realidad, de reflejar la situación de su entorno y permitir con ello que este tipo de películas fueran una herramienta para «despertar» a las personas, hacerlos ver su «realidad».

El eje básico del proyecto es la utilización de la imagen como motor visual de historias; la forma en la que el documental logra decir algo relevante acerca de las personas en su contexto a través de su contenido visual es el ideal de cualquier historia o proyecto audiovisual. Transmitir, hablar y entender por medio de imágenes es el cometido de la cinematografía y “El hombre de la cámara” es un buen ejemplo de cómo ello se logra.

La película habla del lenguaje propio de la cinematografía y con ello abre puerta a la experimentación dentro de la rama, no solo respecto a la forma en que se plantea el cine, también en cuanto a la técnica de filmación o de edición.

El proyecto permite un acercamiento al proceso de hacer películas, pero se acerca también a la forma en que la imagen es tratada por parte del cineasta, ya sea su propio acercamiento con su objeto de estudio, o su relación con su herramienta para hacerlo, la cámara. De esta manera “El hombre de la cámara” habla de la construcción de la imagen en diferentes niveles: la del realizador, la del espectador o la del personaje del otro lado de la cámara. Actores o no actores, la sola presencia de una lente que mira ha cambiado la forma en la que la gente vive, la forma en la que se comporta, piensa, entiende y se relaciona.

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El Hombre con la Cámara

Dir. Dziga Vertov

Unión Soviética, 1929

Canal YouTube: Cine Mudo Sagrado Familion

1:09:28

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado  Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin  de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca,  entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

«Somos un punto entre millones de puntos”.

Iván Uriel

Hace ya 35 años de que un pasajero no advertido, entró como polizonte al medio de la navegante tripulación que explorando el vacío del universo, encontró a sus más antiguos habitantes, el pasajero no advertido dejaría su huella indeleble en la cinematografía mundial a través de una cinta plena de sorprendentes y realistas efectos especiales, de un sonido cuyo terror pudo escucharse desde el espacio, y que dejaría impregnadas las pantallas desde las entrañas de la ciencia ficción que aún extraña su frescura, su luminosidad y su nacimiento, irónicamente desde la oscuridad que advierte nada, el pasajero no advertido literalmente emergió para hacerse presente como un intruso en la tripulación, luego como parte de la misma, finalmente como el único pasajero capaz de habitar a otros más, capaz de irrumpir en la nave y provocar los más agudos gritos dirigidos hacia dónde habita el silencio.

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“Alien, el octavo pasajero”, la obra maestra de Ridley Scott, que este año cumple 35 de haberse estrenado, convirtiéndose en un clásico instantáneo, y dejando varios legados fundacionales que atestiguaron la unicidad y originalidad compartidas.

Suspenso que convoca diversos géneros, terror que antecede a la expectativa, acción que reluce heroísmo y valentía; audacia, astucia, prudencia, cada movimiento será calculado desde el momento en que somos asechados, la audiencia pasa de observar a escapar, sufre como cada miembro de la tripulación y desconfía de cada uno; el espectador observa solitario, sólo en la compañía de Ripley, la heroína que revoluciona el “género” en muchos géneros, y llena de símbolos cada uno de sus actos, hasta la escena final que dará lugar a sólidas secuelas como Aliens 1986, estupenda película de acción dirigida por James Cameron, o a la intrigante precuela Prometeus de 2012, dirigida por el mismo Ridley Scott; sin que esto ignore las continuaciones forzadas, las pretensiones al alinear personajes de otras sagas, o simplemente las propuestas que buscaron explicar lo inexplicable y quedaron en sendos intentos, incluso teniendo directores a la postre consagrados como David Fincher.

En Alien, la compenetración con cada pasajero es inaudita, conocemos a cada uno, sentimos sus temores, su sentir e incluso la insensibilidad que nos hace caer en la suposición o en la sospecha. Elenco de maravillosa composición, Tom Skerritt, en su inolvidable Capitán “Dallas”; el icónico Harry Dean Stanton, como el ingeniero “Brett”, primer pasajero en topar con el octavo a bordo, y que no era precisamente el felino “Jones”; John Hurt en una de sus mejores épocas interpretativas como “Kane” y la memorable fuerza de la escena en donde de su pecho emerge el pasajero inadvertido. Yaphet Kotto interpreta a “Parker” amigo y colega de “Brett”; mientras que el maestro Ian Holm, da cátedra de ambigüedad, dualidad e inteligencia a su personaje “Ash”.

Como si fueran un escenario propio de los realities que han caracterizado la televisión mundial en el presente siglo, Alien, presenta esa lucha por la supervivencia, la suspicacia, la falta de confianza, la credibilidad y la lucha por sobrevivir al otro mientras se ha sembrado la duda, personificada, imaginada, o aterrorizada en un pasajero no invitado al abordaje. Esta selección de caza y presa, sería poco tiempo después, también inmortalizada en la maravillosa “La Cosa” 1982 de John Carpenter, y tendría en los mismos años setenta, una veta abierta en “Deliverance” 1972 de John Boorman.

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Lo que más destaca, por encima de la espectacularidad de una ciencia ficción inteligente, emotiva, pausada, en silencio y al estruendo, es la redimensión de “género” en todos sus sentidos, hay dos personajes femeninos en la tripulación, “Lambert”, caracterizada por Verónica Cartwright, y “Ripley” la quintaesencia del héroe de acción, que en este caso sería también la del héroe femenino de acción.

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Con “Terminator”, años más tarde, James Cameron elevaría a la ciencia ficción a otros niveles con un personaje de similar calibre, Linda Hamilton haría de “Sara Connor” una heroína potente, llena de fuerza y energía; curiosamente después como hemos mencionado, Cameron dirigiría a Weaver en “Aliens” con el mismo tenor de acción de su “Terminator”.

Ridley Scott quien cimbró la ciencia ficción en 1982 con “Blade Runner”, con “Alien”, dejó cimentado el rol femenino a la estratósfera, unió la valentía, la determinación y el erotismo en uno, la femeneidad no asociada al género sino a la sobrevivencia y a la inteligencia del ser humano sin género determinado, el atractivo, la belleza, la seducción, fueron por antonomasia una compañía del personaje. “Gravity” no puede negar la influencia que ha tenido de “Ripley” para solventar su protagonista y dialogar con el atractivo, la sensibilidad, la inteligencia y el erotismo que Sandra Bullock muestra en homenaje directo o indirecto a Sigourney Weaver. Weaver que aparecería de la mano de Cameron hacia guiños e su gran papel en “Avatar” 2009.

A 35 años de distancia, “Alien” sigue siendo valorada y reconocida como una obra maestra fundacional, una película para la historia en diversas formas interpretativas y una nueva forma de ver el cine, justo en la década que hizo de la ciencia ficción una vía seria para contar historias íntimas y repito, redimensionar a la mujer como personaje multidimensional y héroe de la película; como “Edge of Tomorrow” 2014, cinta de acción sorprendente, en cuyas secuencias de heroísmo, Doug Liman realiza sendos homenajes temáticos, entre ellos recurre en “Rita Vrataski” Emily Blunt, al reconocimiento involuntarios o intencional, a la más grande heroína de ciencia ficción de la cinematografía, “Ripley”, la única capa de convivir, cohabitar y derrotar al octavo pasajero, al menos hasta la siguiente continuación de esta pieza generacional.

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Alien

Dir. Ridley Scott

E.U.A., 1979

Canal YouTube: Moviepilot Trailers

Tráiler 2:04

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Los motivos visuales son imágenes que contienen un significado narrativo y una carga simbólica inmersa en sí mismas, a fin de que su presencia enriquezca el todo del que forman parte, una película por ejemplo.

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“Motivo visual nos remite al contenido, al tema que quiere transmitir, a su narratividad”, dice Jordi Balló en su libro “Imágenes del silencio”. El autor habla de los motivos visuales como imágenes que representan algo de modo metafórico o simbólico.

“Los motivos visuales se presentan como momentos aislables dentro de las películas, en escenas y en secuencias”, dice el autor. Esto es, las imágenes, las escenas y las secuencias son parte clave dentro del todo que es la película. Por sí solas son representativas, pero, cuando se embonan con el resto, cargan con el mensaje total del filme en cuestión.

Como ejemplo tomemos la película Blow-up de Michelangelo Antonioni. La historia de un fotógrafo asediado por su reputación, constantemente perseguido por aspirantes a modelos; harto de tal superficialidad, el fotógrafo tiene un proyecto alterno que incluye fotos de otra naturaleza, fotos de trabajadores en su ambiente laboral, indigentes en las calles, la vida normal, real y mundana de una clase social. Entonces un día toma unas fotografías en el parque, para luego descubrir, a través del revelado, un asesinato.

Los temas de la película son la percepción, la ilusión y la realidad, la confusión sobre la línea divisoria entre éstas; el “querer” algo frente a “tenerlo” realmente y cómo las obsesiones nublan el juicio de las personas, del protagonista, en este caso. Varios elementos y motivos visuales enriquecen, simbólica y/ o metafóricamente, el mensaje de la historia.

Las fotografías son el principal elemento a resaltar, en especial la secuencia en la que el fotógrafo las revela y las amplía. Es entonces cuando descubre el asesinato, pero, es aquel momento de mayor claridad el más nublado objetivamente (la ampliación de la imagen ha hecho que la fotografía se vea borrosa).

La manera en la que se enriquece un relato a través de sus motivos visuales se determina por la codificación que el espectador le otorga a la imagen. Un árbol, por ejemplo, no sólo es tronco y ramas, también es vida y crecimiento. Aquí hay una importante relación entre el significado y el significante; el motivo visual es la combinación de ambos. La relación entre denotación y connotación se construye gracias a la organización e importancia que una persona cualquiera le otorgue a cada concepto. El árbol representará aquello a lo que el espectador esté acostumbrado a adjudicarle a la palabra y/o concepto “árbol”, determinado, ya sea por conocimiento propio, por sus experiencias, por su imaginario o por el colectivo social.

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Otro elemento recurrente en la película de Antonioni son un grupo de mimos, que aparecen al principio y al final, en especial la secuencia última en la que este grupo comienza a jugar un partido de tenis con una bola y raquetas imaginarias. El fotógrafo les observa hasta que la bola cae a su lado y entonces decide participar activamente en el juego lanzando la bola “imaginaria” de regreso. Esta decisión es importante en cuanto a aquella línea entre realidad y no realidad que caracteriza al largometraje y que, finalmente, el protagonista decide aceptar.

Las secuencias y los motivos visuales en Blow-up por sí solos cuentan con un mensaje y una carga simbólica y representativa, pero es su papel dentro de la película lo que logra que cobren mayor relevancia y significado de contenido, tema y mensaje.

Para construir motivos visuales es necesario evocar la memoria visual, iconográfica y cinematográfica. Estos íconos se van formando cada vez que se utilizan de una misma manera y con un mismo “motivo” en las películas, y se enriquecen gracias al espectador y su capacidad constructiva/creativa: éste llena los espacios en blanco (los motivos visuales) con su imaginario y es capaz de sentir lo que los personajes sienten a través de la composición visual [el espectador tiene un conocimiento previo (memoria iconográfica) y conoce las reglas del juego de acuerdo con su acervo fílmico].

De acuerdo con Balló (en Imágenes del Silencio), los motivos visuales tienden a ser reducidos por el cine comercial y/o clásico. Las imágenes evocativas son tan directas en su significación que pierden realmente su capacidad evocativa; es como si se le dijera al espectador qué pensar o qué sentir. Un motivo visual reducido dentro del mundo de la cinematografía es, por ejemplo, el villano con sombrero, traje y bastón, el detective al margen del sistema (gracias a la literatura y el cine negro) o la dama vampireza con vestido ajustado y labios rojos, como lo ejemplifica Balló.

“Cualquier texto contiene la clave de su propio misterio”. “La clave del misterio se centra en descifrar el texto entendido como un laberinto […] el misterio está en la obra que se contempla, y el espectador tiene que interpretarlo”. Estas son dos reflexiones que Balló hace cuando analiza Blow-up, pero tales enunciados ejemplifican también, de manera general, lo que son los motivos visuales.

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Blow-Up

Dir. Michelangelo Antonioni

Italia/UK 1966

Canal YouTube: Fragmentos de Cine

Fragmento  4:53

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México | España

Los viajes de Sullivan | Sullivan’s Travels | Dir. Prestor Sturges | E.U.A., 1941

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

“Siempre fui rebelde y, probablemente, podría haber llegado mucho más lejos si hubiera cambiado de actitud. Pero cuando lo piensas bien, he llegado lo suficientemente lejos sin el cambio de actitud. Estoy feliz con eso.” 

 Verónica Lake

Los viajes de Sullivan (Sullivan’s travels, EUA 1941), escrita y dirigida por Preston Sturges, trata de un director de cine que quiere enfocarse a realizar películas serias,  que reflejen al mundo real y a las personas comunes; presionado por los ejecutivos para hacer una comedia, Sullivan (interpretado por Joel McCrea) logra acordar con ellos realizar un trabajo de investigación de campo en el que éste salga al mundo real y se haga pasar por un pordiosero para aprender de la vida en la calle y los problemas de la gente común; en el camino se encuentra con una joven aspirante a actriz (Verónica Lake) quien decide ayudarle a completar su misión mientras ambos se ven envueltos en aventuras y otras circunstancias, tanto divertidas, por la naturaleza propia del experimento, como trágicas, por la misma razón.

Existen dos ejes principales de discurso que se desarrollan durante la película: el primero es el mundo de la cinematografía y cómo la industria opera; el segundo es la realidad de la diferencia de clases y de conflictos sociales que cualquier sociedad tiene en sí.

Durante la historia los personajes hablan de por qué se hacen películas y para qué. El director sostiene que las películas son espacios donde se puede reflejar a la sociedad, donde se puede aprender de ella y estudiarse, es un espacio para el mundo; según su perspectiva (y cansado de realizar historias sobre escapistas y aventureros cuyos personajes realizan increíbles hazañas y maniobras acrobáticas), las películas son para contar historias reales y deben ser serias. Hacia el final de la historia, cuando eventos desafortunados lo llevan a quedarse sin nada ni nadie a quien pedir apoyo, es una película de comedia lo que le impulsa a seguir viviendo y luchando, a seguir con la esperanza de que hay una solución para sus problemas. ¿Son entonces mejores las películas alegres y amenas? ¿Es que todas las películas serias deben exclusivamente reflejar la realidad social, es que para eso están hechas? No, y de eso se trata esta historia.

El proyecto mismo va de la comedia al drama, sin caer en la sobre exposición de ninguno de los dos rubros, pero más importante, la película puede ser entretenida y disfrutable al tiempo que trata temas serios y habla de lecciones de vida; ese es el gran mensaje que ofrece “Los viajes de Sullivan”.

Las películas pueden ser serias en sus historias pero eso no significa que el mundo rotundamente deja de ser cómico una que otra vez, al mismo tiempo la comedia y las risas no significan que una historia no tenga algo serio que decir.

Allí entra la reflexión sobre el por qué se hacen películas, o el para qué se hacen, incluso el por qué la gente mira el cine. El arte cinematográfico puede ser cultural, educativo, de entretenimiento o de estudio social al grado que quiera serlo, porque las historias en el cine ofrecen una variedad de temas, de personajes, de formatos y de oportunidades, no tiene nada de malo acercarse al cine para entender una historia de vida, trágica o dramática, o dura o real, como no tiene nada de malo acercarse al cine para pasar un rato alegre y divertido. ¿Por qué un director (o un productor o un actor, por ejemplo) elegiría realizar proyectos variados, a veces más serios, más dramáticos, más cómicos, románticos o aventureros? Porque hay que ser dinámico en el proceso y en la profesión, porque hay que aprender lo mejor y lo peor de cada género, de la misma manera que el público lo hace cuando mira una u otra película.

Esta historia es ejemplo de tal discurso. El protagonista puede realizar un viaje de autodescubrimiento donde su vida entre la gente pobre le enseñara a apreciar lo que tiene y lo que no tiene, pero la película no termina ahí, permite a sus personajes, y por extensión al espectador, preguntarse sobre la importancia de aprender de los errores, a valorar lo que se quiere y por qué se quiere, a entender las razones por las que uno mismo hace lo que hace, qué le  motiva y a dónde quiere llegar.

Ello lleva al segundo importante tema que aborda la película: las clases sociales y cómo, a pesar de las marcadas diferencias entre una y otra forma de organización y nivel social, no son detonante en el comportamiento o actuar de una persona. En un punto al inicio de la historia el protagonista pide a sus empleados le consigan ropa de estilo pordiosero para poder hacerse pasar por una persona pobre, a lo que uno de estos personajes le responde que el ser rico o ser pobre no es algo que deba ser encasillado ni menospreciado, una persona rica haciéndose pasara por alguien que no tiene dinero no es una acción admirable ni enaltecida, menos aún si esta persona va con prejuicios y expectativas ya preestablecidas de lo que los otros son, en especial porque al final la acción no deja de ser un experimento pasajero en donde el personaje volverá eventualmente a su cómoda vida.

En la vida hay todo tipo de gente en todo tipo de lugares. Sullivan, disfrazado de pobre, vive dos experiencias que lo demuestran: la primera es cuando una joven, sin conocerlo, le ofrece comprarle un desayuno por simple solidaridad; en el lado opuesto está un evento que sucede hacia la segunda mitad de la historia, cuando el protagonista regresa a los lugares frecuentados por gente pobre y comienza a regalar dinero a estas personas, sólo para verse atacado por uno de ellos, un hombre que al darse cuenta de las acciones del director (disfrazado de pordiosero) decide robarle el dinero para quedárselo él.

Al final del relato el espectador podrá preguntarse qué aprendieron los personajes y si realmente cambiaron. ¿La experiencia los hará más tolerantes consigo mismos y con los demás (ya sea en el tema de la diferencia de clases o en el tema de la industria cinematográfica)? Que las personas, a través del relato, logren ponerse en los zapatos del otro (y no sólo del protagonista, sino también del resto de los personajes) y preguntarse qué habrían hecho en su lugar, es el mejor regalo que una película como esta puede ofrecer; además de, tal vez, enseñarles algo, entretenerles, divertirles, hacerles reír o hacerles llorar. Después de todo el cine es reflejo de la realidad, construcción de escenarios potencialmente verídicos y medio de entretenimiento.

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Los Viajes de Sullivan  | Dir. Preston Sturges | E.U.A., 1941

Canal YouTube : El Despotricador Cinéfilo

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