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Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El modelo actancial deriva de las teorías narrativas de Julien Greimas, lingüista francés (1917-1992); se utilizó inicialmente en la literatura y la narrativa por cuestiones de análisis relacionados con el lenguaje y el discurso (semiótica y semiología). Más tarde el prototipo fue adoptado por otras formas narrativas, el teatro o el cine entre ellas, para analizar la estructura de su discurso.

Un “actante” es una unidad autónoma con capacidad de acción, siendo precisamente el sujeto quien realiza la acción, por ejemplo, “Yo bailo” (sujeto + verbo). El propósito de este esquema aplicado a la narrativa es determinar las funciones de los participantes de un relato dentro de la historia que se cuenta.

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Existe una correspondencia directa con el estructuralismo, filosofía que estudia la relación entre elementos que en conjunto conforman un sistema superior, es decir, las relaciones sintácticas de las partes que construyen una estructura. En el caso de las narraciones estos elementos son sus personajes.

En un relato cada personaje tiene una función dentro de la historia, si esto no sucede, los personajes son innecesarios y deben ser removidos del relato. De este principio deriva el nombre del modelo, “actancial” viene de “actante” y actante se refiere a acciones, que actúa. En “Morfología del cuento” de Vladimir Propp (1895-1979), publicado en 1928, el lingüista ruso habla de la función de los personajes en la historia como acciones divididas por el punto de vista de lo significativo en el curso de la acción (la narración).

El “actante”, entonces, tiene una función, un papel o un rol determinado; por ejemplo el villano o el héroe, y su objetivo en la historia, el cómo impactan sus acciones al resto de los personajes, es la razón de su existencia, porque al actuar, al cumplir su función, el “actante” hace que la historia progrese. Si el príncipe quiere rescatar a la princesa tiene que pelear contra el dragón. Tanto el príncipe, como princesa, como el dragón, tienen una función específica para existir: el héroe tiene una misión que cumplir, la doncella es su motivador y gratificación, mientras la criatura mágica es el obstáculo a superar para completar la misión.

Este modelo reconoce cinco elementos básicos en cada relato: a) Sujeto, personaje principal que realiza la acción (principal); b) Objeto, que es la misión, camino o recorrido por completar; c)  Destinador, causa que mueve al sujeto, el qué o quién lo impulsa; d) Destinatario, aquel que se beneficia de la acción, para qué o para quién se hace; e) Ayudante, un compañero o apoyo para poder completar el cometido y; f) Oponente, principal villano u obstáculo a superar, la fuerza que trabaja en contra de que el sujeto concluya su camino.

Ejemplificando el modelo con la película Buscando a Nemo (EUA, 2003) los elementos se disponen de la siguiente manera: Marlín es un pez que va en busca de su hijo Nemo, en el camino se encuentra con Dory y juntos viajarán por todo el océano hasta encontrarlo. Marlín es el sujeto, él carga con la acción eje del relato; el objeto es la misión de ir a buscar a su hijo, Nemo, quien es el destinador; Dory, por tanto, es el ayudante; las medusas y los tiburones son algunos de los varios oponentes que se encuentran en el camino; mientras el destinatario son tanto Dory como Marlín, así también pueden ser los otros peces que viven en donde tienen capturado a Nemo.

La historia de la Caperucita Roja es otro buen ejemplo. Caperucita es el sujeto, el objeto es llevar comida a su abuela, quien es el destinador, el lobo es el oponente, el leñador el ayudante y la madre de Caperucita el destinatario.

El esquema actancial es una herramienta de análisis para estructuras básicas narrativas, no siempre aplicable al cien por ciento o al pie de la letra para todas las historias. Algunas son más difíciles de descifrar, por ejemplo, aquellas con varios protagonistas o las que están divididas en segmentos, en donde varias historias se cruzan en algún punto. Estas historias son más complicadas de dividir en sus partes ya que en cada porción que conforma el relato, cada sujeto, tiene su propio esquema aplicable.

Dentro de la escritura de guiones también se reconocen elementos recurrentes en las películas sobre el tipo de “actantes” que participan en una historia y la función que cumplen dentro de la misma, arquetipos que se moldean para contribuir con el desarrollo del relato. The Writer’s Journey, por ejemplo, libro de guionismo escrito por Christopher Vogler, habla de 8 de los más comunes y más usados: el héroe, el mentor (guía o entrenador), la sombra (villano o enemigo), el anuncio (persona o evento que llama a la aventura), guardianes del umbral (obstáculos que se interponen), cambiante [shapeshifter en inglés] (persona que al cambiar de opinión, sentimientos o perspectiva, cambia el curso de la historia), embaucadores (engaños o travesuras que llevan al cambio) y aliados.

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Los elementos son sólo lineamientos que funcionan como guía para reconocer los diversos personajes existentes y cotidianos (o necesarios) cuyas funciones logran enriquecer una historia. El modelo actancial permite analizar estos elementos y descubrir las diferentes vías narrativas que un relato puede elegir, así como determinar la contribución que cada elemento ofrece con su presencia, algo importante en todas las historias, la cinematográfica incluida.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

El #24FestivalCineMadrid acaba de estrenar su teaser de presentación de su próxima edición, protagonizado por la actriz y presentadora Amanda Guadamillas e inspirado en la imagen gráfica creada para esta 24ª edición que alude a las posibilidades del 7º arte para hacernos despegar.

La presentadora desde 2009 de esta cita otoñal corre por las calles de Madrid para llegar a tiempo a uno de los muchos estrenos del Festival y finalmente cuando alcanza su butaca…

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24FCM-PNR

España, 2015

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SOBRE EL FESTIVAL DE CINE DE MADRID – PNR

El FCM-PNR nació en 1991 y, desde entonces, se ha consolidado como un escaparate fundamental para producciones emergentes, a las que da cobijo y promoción, aglutinando así la mejor selección del diverso cine nacional que no se comercializa en nuestro país. De hecho, dentro de su compromiso de apoyo a los nuevos talentos del cine, mantiene desde 2011 el pago por selección a participantes en secciones oficiales tanto de largometrajes como de cortometrajes, a modo de derechos de exhibición, y con el objetivo de apoyar dentro de sus posibilidades a la débil industria española de producción, distribución y exhibición.

Con foco en obras de los nuevos realizadores, el FCM-PNR es un lugar de encuentro en constante búsqueda de nuevas narrativas y creadores que necesiten una ventana desde la que proyectarse. Su sección de cortometrajes está incluida en la preselección de candidaturas a Mejor Cortometraje de Ficción en los Premios Goya de la Academia de la Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, optando a dicha posibilidad tres galardonados en el FCM-PNR.

El Festival está organizado por la Plataforma Nuevos Realizadores (PNR), una asociación nacional sin ánimo de lucro fundada en 1989 por directores, productores y técnicos de cortometrajes y primeros largometrajes, que desde hace 25 años trabaja por la exhibición, difusión e interrelación con el público general de las obras de sus socios, y por la representación, defensa y reconocimiento del cine emergente creado por nuevos realizadores.

Para conocer más sobre el #24FestivalCineMadrid

@festivalcinepnr 

 FB/festivalcinepnr 

 www.festivalcinepnr.com

C/ Abdón Terradas No. 4 2da Planta – Madrid 28015

Tel. 915232686

Fuente.

Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

Esta película nace después de reiterados intentos de financiar una producción mayor llamada «El peaje». La pre producción ya había comenzado para este proyecto y al verse frustrado económicamente, el director desarrolló una nueva idea que sirviera para poder utilizar todo lo avanzado, pero en una película de menor presupuesto. Así nace «El mal trato«, escrita en un mes, con mucha improvisación y con un rodaje de 10 días iniciales y 5 días posteriores.

«Se fue haciendo paso a paso, en los tiempos libres, destinando recursos propios para financiar tanto la producción como la post producción. Luego la envíe a muchos festivales, siendo aceptada principalmente en Estados Unidos.  Aún hay muchos festivales que no han respondido así que puede que haya nuevas selecciones, como la reciente en Colombia, en el Salón internacional de la Luz. 

En este momento estamos planeando un estreno en sala comercial para poder cerrar el ciclo de este largo proyecto de manera ideal.

Lo que más nos motiva es que ya tenemos una nueva idea para el próximo largometraje por lo que estamos avanzando en una nueva dimensión. Ojalá podamos realizarlo con mayores recursos, pero claramente, si no logramos conseguir el dinero, lo haremos igual. ¡Más que cine independiente! ¡Cine artesanal!»

Dice el director, Daniel Vivanco.

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El Mal Trato del Director Daniel Vivanco ha sido seleccionada a participar en los Festivales: 

Queens World Film Festival con el premio Mejor Actor y Mención Honrosa al director USA

International Independent Film Awards con el premio Mención Honrosa USA

IndieFest Film Awards obteniendo con premio Mención Honrosa USA

Richmond International Film Festival USA

College Town Film Festival USA

Festival de Cine del Barrio Mapocho CHILE

Seleccionado en Carmerthen Film Festival GALES y en Zanzibar International Film Festival TANZANIA

Salón Internacional de la Luz, COLOMBIA.

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El Mal Trato

Dir. Daniel Vivanco

Fracfilmes

Chile, 2014

1:42 Trailer

Elenco:

Ricardo Pinto

Sandra Meezs

Carlos Belmar

Luis Figueroa

Equipo:

Dirección, producción, dirección de fotografía, montaje, guión: Daniel Vivanco

Dirección de arte y sonido: Francisco Braithwaite

Asistencia de producción y dirección: Pablo Alveal

Música: Oscar Carrasco

Post sonido: Cristóbal Rivera

Post imagen: Ximena Faunes

Duración: 67 min

País: Chile

Año: 2015

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Daniel Vivanco  |   IMDb |  www.fracfilmes.cl  | Chile   

Daniel Vivanco nace en Santiago de Chile el año 1980. Estudia periodismo en la Universidad Diego Portales, en paralelo estudia dos años de literatura, finalmente una vez egresado decide enfocarse en lo audiovisual y estudia realización audiovisual en la escuela de cine de chile, donde se especializa como director de fotografía.  Actualmente se radica en la ciudad de Pitrufquén, en el sur de Chile, donde es director de la empresa FRACFILMES con la cual ha realizado largometrajes y documentales.

«EL MAL TRATO» – «MALTREATMENT» from Daniel Vivanco on Vimeo.

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Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos: contacto@filmakersmovie.com

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

En la planeación de las columnas que realizo semana tras semana de cada año, algunos temas van surgiendo y otros por lo menos la temática ya está decidida, ejemplo de esto es el mes de abril, el cual es utilizado para festejar el día internacional del libro, y la segunda semana del mes de diciembre, es dedicada a celebrar el 11 de diciembre como el día internacional del tango.

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En ediciones anteriores he presentado canciones e historias del padre del tango Carlos Gardel, en esta edición elegí presentar a Usted mi apreciado lector, una de las películas estelares del cine mundial, considerada: “La película más poderosa y erótica de todos los tiempos”, protagonizada por Marlon Brando y María Schneider, dirigida por Bernardo Bertolucci en 1972, la cual lleva por título: “El Último Tango en París”. Si bien es una historia de pasión, de erotismo, de deseos, que nada tiene que ver con el día internacional del tango, las escenas finales de la película se pueden presenciar y disfrutar a ritmo de tango, porque el tango es pasión, deseos, erotismo, el tango es cultura.

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La película da por si sola para desarrollar la presente columna, pero hay algo más que quiero compartir y es que la película no sólo provocó que Bertolucci fuera denominado en 1973 como mejor Director y Marlon Brando mejor Actor, el guión cinematográfico logró algo que muy pocas veces se logra y es la creación de su propia novela, la cual lleva el mismo título y fue escrita por Robert Alley.

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Regularmente de toda joya literaria surgen las grandes películas, pero en ésta ocasión al cambiarse los procesos, resulta interesante leer la novela después de ver la película. La novela se terminó de imprimir el 15 de agosto de 1975 y hoy poder leerla será conocer desde la pluma, como se desarrolla la historia de pasión y deseos, entre una chica de 20 años de edad y un hombre de 45, tal vez, por eso el título del guión cinematográfico, porque podría ser la última pasión, el último deseo, el último tango bailado en la ciudad de los enamorados, París, Francia.

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Manifestó Robert Alley que: “cuando Bertolucci concibió la idea de hacer “El Último Tango en Paris” se enfrentó con el problema de redactar un guión que fuera, simultáneamente, el material de base para hacer la película más erótica que jamás se hubiera hecho,  por eso los personajes Jeanne(María Schneider) y Paul (Marlon Brando), en un departamento inician una brutal relación sexual que representa la disolución de un romanticismo hipócrita, para que emerja la desvelada visión del sexo en toda su desnudez.

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 Naturalmente la película fue motivo de críticas, sobre todo porque algunos percibieron una humillación hacia la mujer, cuando Jeanne fue sodomizada por Paul, e incluso la propia actriz María Schneider quien murió en el 2011, llegó a manifestar que se sintió humillada, violada, porque jamás fue informada que se realizaría esa fuerte escena y no estaba en el contrato que se había firmado. Años después Bertolucci y Brando, confesaron que no le dijeron a la actriz, porque buscaron que la escena fuera muy original y sí que lo fue, pues las lágrimas de María Schneider fueron genuinas de dolor y humillación.

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La novela de Robert Alley contiene un agudo epilogo de Norman Mailer, en el cual de entrada nos narra su vivencia y lo que percibió del público cuando asistió al cine a ver la película, literalmente inicia el epílogo con las siguientes palabras: “Pagar cinco dólares y sumarse a la audiencia que llena la sala Translux para ver por la tarde El Último Tango en París,  es recordar una vez más que el planeta está en estado de pululación. La audiencia del último tango es un infarto de majestades anales de la clase media. (Si Freud no nos hubiese dado la pista, un lector de rostros podría llegar por sí mismo a la conclusión de que existe alguna conexión social entre el sexo, la mierda, el poder, la violencia y el dinero).”

Si después de todo lo narrado, todavía no está convencido de ir a la película o a la novela, le comparto algunos comentarios de la prensa mundial sobre El Último Tango en París.

LE MONDE, FRANCIA:

“Como fondo, el gris y el ruido de un París conocido. Ante nuestros ojos, la batalla delos sexos y también, la batalla entre juventud y vejez…”

L´ EXPRESS, FRANCIA:

“¿Faltan Adjetivos? Todo está descrito con admirable e intolerable …”

EVENING STANDARD, INGLATERRA:

“El Último Tango en París, dividirá a los cinéfilos en Inglaterra de una manera para la cual pocos de nosotros estamos preparados”

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Finalmente, concluyo la presente redacción recordando que hace un año escribí la columna “El Último Tango que Cantó Gardel”, hoy festejemos  leyendo “El Último Tango en París”. Porque el tango es pasión, amores y desamores, sensualidad y elegancia, el tango es música, voz, baile, y esta ocasión el tango también es cine, en general el tango es cultura, por eso fue declarado: “Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad”.

“11 de Diciembre Día Internacional del Tango.”

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Ultimo tango a Parigi

Dir. Bernardo Bertolucci

Italia-Francia 1972

4:43 Trailer

Canal Youtube: septimoartecolombia

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Por: Andrés Palma Buratta

Cada vez que quiero escuchar un grito sofocado, un silencio lacerante, ver una representación abstracta coherente en su rareza o simplemente vislumbrar la maldad que se esconde en la naturaleza y que circunda al ser humano, e infiere, además, en su naturaleza humana; me sumerjo en el cine de Kim Ki-Duk o Ki-Duk Kim.

 Hace algunos meses comencé está discusión con mi amigo Carlos Yarad : ¿cómo se puede interpretar el cine de Kim Ki-Duk?, sí es que a este tipo de autores se le pueda asignar un significado per sé, más que a sus obras. En su documental “Arirang” (2011), vemos al director en un viaje, pero no a través de su obra, no una biofilmografía,  o quizás sí, pero relatada desde lo profundo de su naturaleza humana, ya no autor, sino persona. Enfrentándose constantemente con él mismo, exorcizando sus cuestiones morales, ideológicas, simbólicas, que lo llevan a plasmar más que arte cinematográfico, una intrínseca e intrincada metamorfosis de la existencia concebida desde las relaciones humanas en correlación al mundo vivo y espiritual hasta su desecación, su muerte, su paso a otro cosmos, su vuelta al interior.

Nunca tuvo mayor coherencia, como en esta obra, el lugar común de enterrar tu pasado.

Y para eso debía matar a sus personajes, debía matar su obra, toda su obra, en una ceremonia de expiación, de reparación de aquellas contrariedades que constituyen las miles de ideas que fabrican mundos. ¿Cómo dar con estos personajes; si por lo general no se comunican con el resto a través de la palabra? Existencias silenciosas, como él.  Se mueven en los límites de lo real, o irreal, de la emoción, la quietud, la contemplación, el arrebato, la intimidación. Escondidos en las sombras de otros seres igual de irreales. Son figuras (más que hombres o mujeres) marginales, que no han encontrado su lugar en el mundo, o quizás el mundo (concepción tanto occidental como oriental) no es un espacio para ellos. La palabra da paso más bien a lo visceral, y es ahí donde nace, crece, explota toda la violencia de sus films, retenida en un principio, inexpresiva quizás, pero que ulteriormente se vuelve gráfica, explícita, incómoda, torna a presentar las relaciones humanas como desafección, construcción y deconstrucción de las perspectivas afectivas hacia el universo, sus componentes filosóficos, imaginativos. Por fin, hacia uno mismo, nuestras luchas internas, en definitiva hacia él.

No creo sea necesario entender el cine, como cine/arte/audiovisual de Kim Ki-Duk, sino más bien quedarse con una representación alegórica, metafísica, figurativa, simbólica, infinitamente compleja, que hace que el lenguaje cinematográfico tambaleé, se desmorone, reconstruya y nazca en las entrañas del cosmos íntimo de estas formas pertenecientes a un paraje más onírico de lo que jamás hayamos conocido.

Todo pareciera prorrumpir de la búsqueda del “yo”, del “retorno a sí mismo” como lo definiera Tarkovski y su relación con la naturaleza.

La naturaleza orgánica y humana es tanto símil de brutalidad como de belleza, y esa naturaleza orgánica se convierte en definitiva en la naturaleza del hombre, confusa pero diáfana, feroz pero liberadora, inmaculada, espiritual, perturbadora conciencia más del ser humano.  El todo parte del interior y se va exteriorizando a medida que vamos entendiendo los simbolismos (el agua es constante en su filmografía) que asedian la fe, el crecimiento, el amor, los celos, el odio, la crueldad, el misterio, la emancipación, la vida misma, sujeta a múltiples interpretaciones, cuestionando los ideales de belleza, de verdad, de natura, de misericordia, de perdón  enfrentándolos violentamente contra “el hombre” refugiado en parajes de difícil acceso, tanto para llegar, como para salir. El individuo no quiere llegar al resto y no quiere que nadie llegue a él, para ello, pone de defensa la naturaleza viva, y la suya propia.

Esos simbolismos, se convierten, entonces, en la llave de entrada a sus historias; aunque la diferencia temporal, sociológica, antropológica, cultural y de códigos de las sociedades, supone un abismo, la globalización, o quizás el sentido común, la memoria, el “felling” permite identificar los mecanismos de re presentación, re interpretación, que se nos hacen, en definitiva, familiares, los hacemos nuestros, los incorporamos bajo la piel, nos pertenecen, su obra es nuestra, nosotros los autores de aquella creación divina o racional que nos circunda.

Kim Ki-Duk va dibujando esa naturaleza, a su imagen y semejanza. Tanto sus composiciones visuales, como la “naturaleza del verbo” (acuñada nuevamente por Tarkovski, quien pareciera ser el maestro de todos estos autores) se asemejan a pinceladas sobre un lienzo de materias disímiles según el discurso, según la emoción, según la impresión.

A cambio de palabras, hay colores y texturas, algunas marcadas, gruesas, rugosas, torcidas, de colores fuertes, para dar paso, luego, a finas líneas de colores tenues, de movimientos internos, de tormentas contenidas, del paso del tiempo y los cambios que en ellos habitan, que van difuminando la fábula, arduo realizar el todo sin que uno termine de identificar cuando esas pinceladas, esas narraciones se unifican ¿Cuál de esas pinceladas estás viendo al final de la historia?

Lo onírico adquiere en este momento la capacidad de reflejo de ese tránsito entre lo real y el sueño, puente de la difícil condición del ser humano y su relación con el contexto, máscara de las caracterizaciones mundanas, cobijo de los miedos, desnudo de la bizarría. Entonces los protagonistas de sus historias no son los personajes, sino la imagen que reflejan en ese espejo que explota en una espiral de múltiples dimensiones inundando la pantalla de perfección artística, de “poesía fílmica”, de perturbador arte, que traspasa conciencias, moralejas, vidas preestablecidas, concepción de mundo imperante en la razón adjunta del hombre moderno, quizás el animal más violento y sádico de todo ser vivo, que mejor verlo en su status natural a través de la contemplación de Kim Ki-Duk.

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Aquí el tráiler de su última película » Pieta»

Corea del Sur, 2013

Dir. Kim Ki-Duck

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.

Aquí No pasa Nada es un cortometraje mexicano, dirigido por el experimentado Rafael Lara. Cuenta la historia de una pequeña familia en una comunidad rural, donde la quietud, la paz y la tranquilidad parecen ser testigos indolentes de la desesperación, angustia e impotencia que padecen sus habitantes.

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México, 2014: el crimen organizado amenaza la vida de las familias en una pobre región sin ley. Un anciano campesino vive la angustia por defender la vida de su hija y su nieta.

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Conversamos con Arturo Tay, Productor Ejecutivo de esta producción que además de destacar una triste, penosa y brutal realidad que se vive en México, a modo de denuncia, valora el esfuerzo, empeño y profesionalismo de quienes participaron el su realización.

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Rafael Lara, director de la película más costosa del cine mexicano «Cinco de Mayo: La Batalla», regresa con esta cinta que ha sido fruto de un trabajo totalmente independiente, trabajo arduo de sus productores Arturo Tay, Lara y Juan Carlos Blanco.

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Este cortometraje no sólo fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato, sino además se ha presentado en varios festivales internacionales, y en varias ciudades de Latinoamérica ha podido verse, como en a Mendoza, Argentina. Su notable presentación en el Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos en Bogotá, su participación destacada en Florianópolis, Brasil en la Short Cup World Film Festival, y  estar dentro de la terna de los 50 mejores cortometrajes en España y Francia, muestran la potencia de su discurso.

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Para la producción de Aquí No Pasa Nada se contó tanto con maestros como con alumnos del  INDIe Centro de Estudios Cinematográficos,  donde Juan Carlos Blanco, es Director General.

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Arturo Tay conoció a Rafa Lara cuando  presentaba su ópera prima “La Milagrosa” y él se estrenaba como productor con “Todos Somos Pecado” en 2007, más tarde habían de coincidir en la presentación de “Labios Rojos” en Puebla, después en “Cinco de Mayo: La Batalla”, y finalmente para trabajar juntos en  2014 con este proyecto.

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“Cuando Rafa estaba haciendo su gira por el mundo con Cinco de Mayo, vio  cómo se percibía México y de ahí surgió la necesidad de contar esta historia real que narra lo sucedido en México, me busca para producirla, así entre los tres levantamos la producción.”

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El gran logro de esta realización, como destaca Tay, fue el  fusionar la experiencia  del cine con las ganas de hacer cine, es así como Adela Cortázar, reconocida Diseñadora de Vestuario  de cine y televisión, merecedora de varios  “Arieles”, acepta trabajar por vocación en este proyecto. Esmeralda Ruíz y Lituania Ceballos, estudiantes de INDIe  recrearon el arte del la película.

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Al principio hubo algunas dudas de trabajar con gente nueva por parte del director, Arturo insistió en que se incluyera gente nueva. Es así como la fotografía, a cargo de Daniel Blanco, profesor del Centro de Estudios logra un look impecable e impresionante. Alex Vázquez (Apocalypto) estuvo a cargo de los Efectos Visuales, Esmeralda Ruiz reconstruyó toda la casa, con ayuda de Lituania Ceballos, en un lugar en donde originalmente dormían borregos, se logró dar el aspecto de la casa que requería el proyecto. Roberto Ortiz fue el encargado de protéticos, y el respetado Alfredo Mora (Babel, Colosio: el asesinato, la Máscara del Zorro, etc.), fue el encargado del maquillaje.

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“Quiero destacar el trabajo de Milenio III, que hizo el audio directo, no se dobló nada en el corto. Rettally estuvo a cargo de la música y Equis Cosa del diseño sonoro, son de los mejores de diseño sonoro en México. Así que nada se tuvo que doblar. Un diseño sonoro excelente, una buena guía, eso ayudó.”

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Sandra Mayerstein, estuvo a cargo de la impecable Asistencia de Dirección de Aqui No Pasa Nada. Sandra , también, trabajó como asistente de Rafa en «Labios Rojos«,  además es la creadora del «Making of de Cinco de Mayo«, sin duda una dupla que ha sabido trabajar en equipo, escuchando uno al otro, retroalimentando cada producción en donde participan.

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La Script fue Gina Herrera, quien participó en el Festival Internacional de Cine de Morelia con el corto “Ni aquí, ni allá”, realizó un script increíble, con mucho orden y funcionó perfecto. El trabajo de edición duró dos días. Por otro lado, el maestro Genaro Peñaloza, quien fue el Data Manager, y quien está levantando su opera prima, realizó unos archivos excelentes para poder editar.

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“No porque fueran alumnos de la escuela no hubo profesionalismo, al contrario tuvimos mucho más profesionalismo de gente nueva.”

–Los maestros de INDIe, Juan, Genaro, Daniel, fueron responsables de supervisar la producción, la fotografía, y fueron los alumnos de último semestre sus asistentes.

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«Como cine independiente lo mejor que pudimos haber hecho es haber juntado a todos estos chavos con ganas de hacer cine con alguien que venía de hacer una película enorme. Ese es el logro del corto.”

“Los chingones son los chavos.”

“El trabajo de Cinco de Mayo es una mega producción pero si lo comparas a escala no le pide a nada, los mejores de México estuvieron aquí.”

“La clave de hacer cine independiente es rodearte de gente que tiene ganas de hacer cine y talento.”

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Este es un cortometraje que tiene una temática fuerte, cruda, impactante, algo que a pesar de escucharlo todos los días en las noticias resulta impresionante verlo en la historia de estos personajes. El elenco estuvo conformado por Don Alonso Echánove, Karelia Romero, Ramón Medina, Miguel Mena, Marifer Santillán, Antonio Monroi y Julio Casado.

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Aquí No Pasa Nada ha sido nominada en la categoría de Mejor Cortometraje La Diosa de Plata, una importante entrega de premios que otorgan los Periodistas Cinematográficos de México, junto a El Último de la Bola y Ramona.

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La cinta, como lo menciona Arturo Tay, está dirigida a todos aquellos que al verla reflexionen sobre la situación que vive México, y los motive a luchar por un país con justicia.

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Aquí No Pasa Nada

Cine Feroz, INDIe Estudios Cinematográficos y Equis Cosa Estudio.

Elenco:

Alonso Echánove

Karelia Romero

Ramón Medina

Miguel Mena

Marifer Satillán

Antonio Monroi

Julio Casado

Equipo:

Diseño de Vestuario: Adela Cortázar

Maquillaje: Alfredo Mora

Directora de Arte: Esmeralda Ruiz

Música: Nacho Rettally

Edición: Rafa Lara

Diseño de Sonido: Martín García

Director de Fotografía: Daniel Blanco Villanueva

Guión: Rafa Lara

Productor Ejecutivo: Arturo Tay

Productores :Rafa Lara, Arturo Tay, Juan Carlos Blanco.

Director: Rafa Lara

Galería:

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Última actualización de Aquí No Pasa Nada

Reconocido como Mejor Cortometraje en la entrega número 44 de las Diosas de Plata

22 de abril de 2015.

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Paul Virilio es un teórico francés que ha trabajado temáticas como la urbanización y la cultura. Según las teorías de Virilio la sociedad se mueve a mayor velocidad por causa del desarrollo tecnológico; para explicar esto ha creado el término “dromología”, que habla la relación directa entre velocidad y tecnología. Por ejemplo, el hombre ha creado tecnología que facilita y agiliza sus tareas, el invento del microondas, por mencionar uno. De esta manera, y casi por inercia, la sociedad se acostumbra a una velocidad en su ambiente que responde de igual manera a sus necesidades, por lo regular reflejadas en los inventos tecnológicos, las computadoras, la telefonía celular o los medios de transporte.

Bajo estas directrices la tecnología cambia la forma en la que la sociedad evoluciona y, la relación que ésta tiene con la velocidad, es parte de la vida social, la comunicación, la tecnología, el poder o la guerra. Las noticias son ejemplo de este movimiento. Cuando un evento sucede, la noticia ya no sólo viaja a través de medios de comunicación tradicionales como el periódico o la radio, sino que en la actualidad el Internet y las redes sociales han creado un nuevo canal de comunicación inmediato, de tal forma que cuando un evento toma lugar, la noticia puede viajar con más rapidez que hace diez años, envejeciendo de inmediato, para ceder su lugar en la actualidad noticiosa a los múltiples acontecimientos que suceden en cualquier parte del mundo y que se propagan con igual velocidad a casi cualquier rincón del planeta.

El trabajo de Virilio se basa en la idea de que la velocidad es relativa, no es un fenómeno, sino la relación entre fenómenos; la velocidad es presente, no algo continuo, por lo tanto, se entiende como la distancia entre un momento (fenómeno o acción) y otro. Este tipo de entendimiento es acorde con lo que la filosofía postmodernista afirma: vivir en el presente, la búsqueda de lo inmediato, el progreso individual y la economía del consumo.

La velocidad narrativa se refiere a un tipo de narración inmediato, un relato rápido y apresurado con el fin de consumo, una narración en constante movimiento. Dentro del cine hay diferentes formas de aproximarse a este concepto, no obligatoriamente predestinado a ser algo positivo o negativo.

De alguna forma las películas optan por una velocidad narrativa por diferentes causas y razones, a veces para dar agilidad al relato, o para simplemente mantener un ritmo acorde con el tipo de historia que se cuenta. La velocidad, entendida como el ritmo de la historia, responde a razones particulares según las características del relato de que se trate.

Es común que géneros específicos se envuelvan de narrativas particulares. Una película infantil no puede ir al mismo ritmo que una película romántica, porque el tipo de historia que se cuenta es diferente, lo mismo que la composición del público que la mira, o a quién va principalmente dirigida. De la misma manera una historia de suspenso o misterio o un drama que explore el desarrollo y crecimiento de sus personajes puede detenerse (visualmente), tomarse su tiempo, para crear atmósferas y dejar que la escena se desenvuelva con detenimiento con el fin de explorar temáticas, personajes, acciones y reacciones (dentro de la historia, pero dirigiéndose directamente al espectador).

Las historias de acción suelen estar construidas con secuencias en constante movimiento porque son los parámetros que se esperan en este tipo de historias; siguiendo los cánones generales, si se cuenta la historia de un asesino serial, lo que se espera es que un asesinato salte en pantalla cada cierto tiempo, de lo contrario la película no estaría cumpliendo con lo que promete.

Visto desde otro punto de vista, la velocidad narrativa en mucho del cine actual responde a las razones de la “dromología” de la que habla Virilio. Historias rápidas y casi vacías que se enfoquen en contar algo con rapidez con el fin de ser sólo narraciones pasajeras y poco profundas. ¿Por qué? Por la velocidad tecnológica. Más tecnología significa mayor producción cinematográfica y mayor acceso al cine y, tal vez, sólo por inercia, la necesidad de más y más rápidas narrativas, es decir, unidades (películas) para el momento, para el presente, para el ahora y el ya, algo precisamente impulsado por la propia velocidad cultural y social que aborda Virilio y el hipermodernismo.

El fenómeno en general en un proceso que, irónicamente, se ha tomado su tiempo en develarse. La narrativa cinematográfica es cambiante porque la sociedad así se lo ha demandado, es por ello que el cine de los años cincuenta o de los años setenta se sienta desarrollándose a un ritmo diferente que el cine actual. Una película policiaca de hace diez o veinte años no se “siente” igual que una realizada en esta década; su historia, su trama o sus personajes, pero en general la forma en la que se cuenta y el ritmo que elige para su desarrollo, algo así como su esencia y su guión, son diferentes, tomas largas o escenas más contundentes, por ejemplo, diálogo directo o diálogo que se permite explorar diferentes ángulos. El cine ve cambios en su realización, dirección o musicalización y, en su conjunto, estos cambios (de velocidad) le dan otra cara al cine, según la época en la que se realice. Tal es la importancia de la velocidad narrativa y de analizar cómo el contexto social (político, filosófico, económico y cultural) influye en la forma en la que se aborda el cine, en su creación, realización, comercialización o consumo.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Redacción Filmakersmovie.com

Desde la óptica del director Abe Rosenberg, presentamos «Archivo 253«, una película que hace vibrar los sentidos de la audiencia desde el suspenso, en cuyo miedo habitan historias, sensaciones e imágenes capaces de documentar lo acaecido a sus personajes, quienes, se adentran, meses antes de ser demolido, en un abandonado edificio que fungiera como hospital psiquiátrico por más de 50 años, para investigar sucesos extraños y paranormales, no sin antes, permitirnos experimentar el terror de sus protagonistas a cada por el interior de las instalaciones. Cada elemento ocupa su espacio y la fotografía nos ofrece el ambiente idóneo para que como espectadores recorramos el interior de la clínica y compartamos su apoteosis sensorial.

La realización de esta cinta conllevó diversos retos en todos los niveles de producción, aunado a las situaciones que rodearon cada sesión nocturna de filmación. Vivencias y detalles de «Archivo 253«, serán compartidas por Abe Rosenberg en una próxima edición de nuestro programa «Encuentros» con el escritor Iván Uriel, quien junto a Andrés Palma-Buratta, realizara el documental «La Voz Humana de Jean Cocteau» co-producido por Claudio Sodi, Joseph Hemsani y por el mismo Abe Rosenberg.

La muestra en salas de todo México con más de 180 copias de «Archivo 253», representa un logro para la realización y distribución de propuestas de cine independiente latinoamericano, que el trinomio Rosenberg, Hemsani, Sodi, han impulsado con éxito desde otros ámbitos como la ópera y el teatro.

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Archivo 253

Dir. Abe Rosenberg Fishbein

México, 2015

Trailer: 2:021 | Canal: Cinépolis Online

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Productores: Joseph Hemsani Levy, Abe Rosenberg Fishbein, Claudio Sodi Zapata

Guionistas: Joseph Hemsani y Abe Rosenberg

Director de Fotografiìa: Joseph Hemsani Levy

Editor: Alonso Quijano

Duración: 77 min.

Formato de Registro: HDV

Formato Final de Proyección: DCP

Productora: Movies Independent

México, 2015

Por: Aprieta Tuercas

Todo está escrito. Ninguna idea es nueva, ya ha sido pensada antes por alguien. No hay tal cosa como pensamiento original o nuevos conocimientos, sino formas distintas de presentarlos. Esto es a lo único que se puede aspirar, dirán algunos deterministas del pensamiento humano y algo de razón tienen, pero se puede aprender a “jugar el juego” como celebraron los Beatles en All you need is love. Por eso, seguramente la idea que voy a presentar ya ha sido escrita y sometida a un análisis de múltiples perspectivas, pero no la he leído aún en ninguna parte y, por eso, decido escribirla.

El clásico cuento del Aleph de Jorge Luis Borges, creador de un canon e imitadores por doquier, tiene su origen, en mi opinión, en las ideas del filósofo alemán Arthur Schopenhauer. El genio del escritor argentino convirtió una idea filosófica en un cuento fantástico que sería el destino inevitable de la filosofía si los filósofos tuvieran más ingenio. Pero esta disciplina se resiste y mantiene su rigor formalista de aspecto real. La física, en cambio, es la rama del conocimiento humano que más se asemeja a una historia fantástica. No de héroes, efectos especiales y seres sobrenaturales, sino al elemento fantástico que contiene cada hecho mundano si se inquiere por sus razones, comportamiento o propósito, ya sea una piedra y sus propiedades o la composición del universo. La física y su lenguaje, bien mirados, son el gran cuento fantástico de la existencia o, de otra forma, la vida y sus diversas formas son tan inconcebibles que su explicación produce ensueño y asombro.

Antes de entrar en materia, no puedo dejar de referirme al inicio de ese gran cuento que alude a la indiferencia del tiempo por los asuntos humanos y la inexorable melancolía que esto produce en quien lo ve pasar. Borges apunta que el día de la muerte de Beatriz Viterbo notó, con dolor, que habían reemplazado un anuncio de cigarrillos rubios en la Plaza Constitución, primer indicio de que el tiempo seguía su curso imperturbable en un universo que se apartaba sin remedio de la mujer amada. Lo del aviso de los cigarros me trae a la memoria el día que vi con mi padre la película Ni sange, Ni arena de Cantinflas, donde el actor se hace pasar involuntariamente por Manolete al ser confundido por el público a la salida de la plaza de toros. El cómico, vendedor ambulante en la película, no tiene más remedio que asumir su papel de impostor y disfrutar por unos días la gloria del torero.

En una escena memorable que dará pie después a la confusión, el Chato (Cantinflas) intenta junto con su amigo el Charifas (Fernando Soto “Mantequilla”, otro gran cómico) entrar sin pagar a la plaza. Después de dos intentos fallidos y lograr escapar de un policía, ambos se acercan muy dignos a la taquilla para avisar a los vigilantes que “allá hay unos que se están colando”. Acto seguido, los dos corren simulando orientar a los guardias y, dejando que éstos se adelanten, regresan a la entrada e ingresan sin problema, libres de la mirada celadora. Antes de colarse, Cantinflas vende puros afuera de la plaza de toros y detrás suyo aparece un cartel publicitario de Cerveza Monterrey, tipo lager. Con sorpresa, mi padre dijo que esa cerveza era de las más populares cuando era niño, pero se había dejado de fabricar hace años.

– ¿Cuál cerveza?, dije. No vi el letrero. 

– Una que ya no existe, respondió, como diciendo “qué importa”. Lo miré y noté un dejo de tristeza en su rostro. Ahora interpreto que la súbita conciencia del paso del tiempo había dejado en él esa “melancólica vanidad” de quien atestigua los cambios que anuncian la vejez e, inútilmente, se contrarrestan pensando: “cambiará el universo pero yo no”. 

Volviendo al Aleph, después de registrar el cambio en el anuncio de cigarrillos, Borges visitará periódicamente la casa donde vivía Beatriz, resignado a consagrar su memoria. Para su desventura, tendrá que aguantar las conversaciones de Carlos Argentino Daneri, primo hermano de Beatriz, un charlatán con aires de grandeza en el que se apoyará para ironizar sobre el arte de escribir (ya dijo alguna vez Roberto Bolaño que Borges es, ante todo, un gran humorista). Por ejemplo, cuando Daneri le comparte su idea del hombre moderno, el escritor apunta: “tan ineptas me parecieron estas ideas, tan pomposa y tan vasta su exposición, que las relacioné inmediatamente con la literatura.” En otra visita, Borges le ruega a Carlos Argentino que lea en voz alta unos versos del poema épico en el que está trabajando. Al terminar de escucharlos, le parecen tan lamentables que descubre que el trabajo del poeta no está en la poesía, sino en las razones que se inventa para hacerla admirable. “Naturalmente, ese ulterior trabajo modificaba la obra para él, pero no para otros.”

Será Daneri, sin embargo, quien, desesperado ante la amenaza de ver demolida su casa, muestre a Borges el extraño objeto que da título al cuento, ubicado en el sótano del comedor. Ese “lugar donde están, sin confundirse, todos los lugares del orbe, vistos desde todos los ángulos.” Relaciono la idea de aquél objeto extraordinario −una simple esfera “tornasolada, de casi intolerable fulgor” (de dos o tres centímetros de diámetro)− con unas reflexiones de Schopenhauer escritas en el libro The Essays of Arthur Schopenhauer. El vínculo no es sorprendente, ya que el filósofo era, junto con el anglo-irlandés George Berkeley, la principal influencia de Borges en materia de filosofía, lo cual, inclusive, admitió con cierto orgullo el escritor en una entrevista de 1977 con los editores del journal Philosophy and Literature. Apunta Schopenhauer en la sección “Genius and Virtue” de sus ensayos (traducidos al español por mi asistente impersonal):

El mundo es en sí mismo un milagro. Me refiero al mundo de los cuerpos materiales. Observé, por ello, dos. Ambos eran pesados, simétricos y hermosos. El primero era un jarrón de jaspe con bordes y manijas de oro. El otro era un organismo, un animal, un hombre. Después de admirar por largo rato su aspecto exterior, le pedí a mi asistente que me dejara examinar el interior de ambos. En el jarrón, no encontré más que la fuerza de gravedad y cierto oscuro deseo, en forma de afinidad química. Pero cuando miré dentro del otro, ¡cómo poder expresar el asombro que me causó lo que vi! Más increíble que todas las fábulas y cuentos de hadas concebidos. En la parte superior del segundo objeto, lo que se denomina cabeza, y exteriormente luce como todo lo demás −un cuerpo en el espacio, pesado, etcétera− hallé no menos que el mundo entero, junto con todo el espacio y la totalidad del tiempo en el que se mueve y, finalmente, todo lo que llena ese tiempo y espacio con sus formas diversas e infinitas. La visión más extraña de esta maravilla, sin embargo, fue verme a mí mismo caminando dentro de él. No era una imagen ni una película, sino la realidad misma.  

Contrario a la parquedad de Schopenhauer, Borges –mediante su genio literario− describe con palabras un poco más esclarecedoras la incomparable y aterradora magia de su descubrimiento:… Vi la reliquia atroz de lo que deliciosamente había sido Beatriz Viterbo, vi la circulación de mi oscura sangre, vi el engranaje del amor y la modificación de la muerte, vi el Aleph, desde todos los puntos, vi en el Aleph la tierra, y en la tierra otra vez el Aleph y en el Aleph la tierra, vi mi cara y mis vísceras, vi tu cara, y sentí vértigo y lloré, porque mis ojos habían visto ese objeto secreto y conjetural, cuyo nombre usurpan los hombres, pero que ningún hombre ha mirado: el inconcebible universo. 

La idea de la mente como reflejo del mundo y viceversa (los espejos son un tema central en la narrativa borgeana)  sostiene la concepción del universo que tenía el filósofo alemán: Mi pensamiento no es más que el espíritu del mundo intentando expresar su pensamiento, es la naturaleza procurando conocer y comprenderse a sí misma. Yo transformo lo que existe, a través de mi pensamiento, en algo que puede conocerse y pensarse. De otro modo, no existiría ni perduraría. 

Por ejemplo, obsérvese un enorme edificio. Ese cuerpo pesado y macizo que ocupa tanto espacio existe, sostengo, solamente en la pulpa suave del cerebro. Sólo ahí, en el cerebro humano, puede tener existencia. 

Ese cerebro que contiene el mundo y a uno mismo dentro de él es la misma noción detrás del Aleph: el universo, un objeto que nos abarca y que existe en nuestra mente y en la de los demás. Borges, como Schopenhauer con el cerebro humano, puede verlo y describirlo como podría hacerlo cualquier otro mortal ya que, afirma el filósofo: “este mundo es una idea que todas ellas (las mentes) tienen en común, y expresan su comunidad de pensamiento a través de la palabra “objetividad”. Los objetos externos, como el aleph, se encuentran, paradójicamente, dentro del sujeto que los mira y estudia. Es el intelecto humano, según Schopenhauer, quien permite comprender la realidad al separar lo que existe en sujeto y objeto. De otra forma, sólo se percibiría una unidad caótica e ininteligible. Lo cual confirman quienes han sobrevivido a un infarto cerebral. Sin la mente, el mundo desaparece.

Parafraseo, al respecto, un popular misterio: si la rama de un árbol cae y nadie la ve, ¿existe? En opinión de Schopenhauer no. Sólo a través de la mente que la percibe cobra existencia. Aunque según Berkeley (citado por Borges en la entrevista antes mencionada), la rama sí existe porque Dios es el que está pensando en ella. El universo es posible, entonces, porque Dios lo piensa, no porque el hombre lo perciba mentalmente. Ante estos líos conceptuales y antes de perderme en ellos, me apoyo mejor en lo que Borges escribió después de admirar la esfera, el aleph: “sentí infinita veneración, infinita lástima.”

Paquidermo

Sobre la entrevista de Borges con los editores de Philosophy and Literature rescato dos ideas:

– Borges no intenta construir un sistema filosófico con su literatura, él solamente es un “hombre de letras”. Usa la filosofía como Dante y Milton utilizaron la teología para su poesía.

– Los argumentos no convencen a nadie, dice el poeta argentino ante la pregunta de si una historia es más persuasiva que una reflexión para presentar un argumento filosófico. Incluso si se piensa en pruebas de la existencia de Dios, las parábolas y las ficciones son mucho más convincentes que un silogismo. Jesucristo, por ejemplo, nunca usó argumentos, sino estilo y ciertas metáforas. Por ejemplo, en lugar de decir “no vengo a traer paz sino guerra”, dijo: “yo no vengo a traer la paz sino la espada.”

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Por : Diana Miriam Alcántara Meléndez

Doce monos (EUA, 1995), basada en la película francesa de Chris Marker titulada La jetée, parte de una idea principal: Qué pasaría si… Ante esta situación, manejada ya por otros cuantos idealistas, se encuentra un proyecto lleno de posibilidades reflexivas que toman forma a través de las experiencias que vive su personaje principal, James Cole, un hombre que busca encontrar el dónde, cuándo y cómo del virus que provoca la casi extinción de la raza humana.

Con temáticas que bien puede ser motivo de debate, crítica y reflexión, no sólo en ámbitos como la ciencia y la educación, también en la literatura y el cine, llega una pregunta importante: ¿Cómo es que una idea como ésta es abordada por tantas personas y a través de tan diferentes visiones? La respuesta puede encontrarse en el pensamiento global que invade a la sociedad actual en cuanto a las relaciones sociales, el ambiente y la globalización, las nuevas enfermedades, las nuevas tecnologías, la conciencia ambiental y de la naturaleza, el conocimiento y el desconocimiento del entorno, o la realidad y la incertidumbre del ser como tal.

La destrucción causada por un virus letal que el hombre no podrá controlar, mismo que llevará al fin de la humanidad y a los pocos sobrevivientes al borde de la locura en su busca por encontrar la cura, es el eje central de la película y cada personaje parece moverse alrededor de esta idea, pero siempre siguiendo su propia filosofía y poniendo en entredicho su ética personal. James Cole inicia su viaje descubriendo, junto con el espectador, la razón aparente de su misión que lo lleva a seguir los pasos de los supuestos responsables de la catástrofe: el ejército de los doce monos. Y así, con cada paso, con cada decisión, Cole evoluciona hasta descubrir la realidad (un escenario que debería preocupar a la sociedad en el presente): que  la mano del hombre es la causante misma que lo ha llevado al borde de su extinción.

Pero como todo proceso de racionalización, autodescubrimiento y concientización, el viaje de Cole es el viaje de reflexión al que aspira la película para con el espectador. Al inicio, el hombre se muestra como una persona envuelta en el sistema, una pieza más del todo sin relevancia ni importancia que debe obedecer sin preguntar; una extrapolación atinada de la situación actual del individuo en su participación dentro de la organización social y la estructura de la economía y del gobierno actual. Sus descubrimientos y convicción para cambiar el futuro le dan eventualmente las armas para convencerse de su iniciativa, de las posibilidades y de la esperanza que se desata gracias a la independencia de sus decisiones.

Los científicos, por su parte, representan el poder jerárquico más alto de la sociedad, personajes que sólo buscan su beneficio en un sistema en que la supervivencia del más fuerte lanza al ciudadano promedio a coexistir en una estructura competitiva y diseñada por peldaños piramidales. En la película, el móvil de los personajes son completos opuestos, mientras Cole intenta salvar a la humanidad para crear un mundo más amable, los científicos planean adueñarse de la superficie terrestre aún habitable, en donde sólo unos pocos elegidos podrán ajustarse al nuevo modo de vida que se planea para el futuro.

Por su parte, el tiempo dentro de la historia se maneja de una manera no lineal a propósito; los viajes entre pasado, presente y futuro pretenden ofrecer pistas que permitan entender la relación de los personajes, así como el entendimiento del efecto en cadena, es decir, el efecto dominó que demuestra que cada persona no puede ser vista como un ente aislado.

Y, ¿por qué no pensar que cada viaje al pasado en un episodio en la mente de Cole? El mismo personaje se lo cuestiona, pero desecha la idea porque así lo decide: su vida es mejor en el pasado porque de cierta manera allí es más libre. Las personas creen lo que quieren creer y ven lo que quieren ver, lo que vuelve a la sociedad poco crítica y poco reflexiva.

Pareciera entonces que se trata de un propuesta llena de estereotipos y exageraciones del discurso; pero esto sucede porque su director, Terry Gilliam, no podría de otra forma representar con ojo analítico el sistema mismo actual, sin plantear un panorama a futuro de lo que sucedería si se continúa siendo una sociedad llevada por la inercia, la comodidad y el conformismo. El manicomio que aparece en la película, por ejemplo, se encuentra repleto de una filosofía liberal y de un pensamiento crítico. Bastaría con preguntarse cuál personaje está más loco, ¿el hombre que desata el virus?, ¿los científicos que juegan con el tiempo?, o ¿los enfermos del manicomio que, conscientes de sus condición y situación, se permiten actuar y pensar sin restricciones?

Entre ellos se encuentra Jeffrey, de carácter excéntrico pero un actuar congruente con la sociedad que le rodea y sus respectivas reglas, con ideas revolucionarias y las ganas (aunque limitadas) de realizar un verdadero cambio. En algún momento Jeffrey menciona que la gente es producto del consumismo; algo que hace pensar sobre la fuerza, el valor y la individualidad de la personas, en especial si se analiza la gran influencia que los medios de comunicación o los líderes de opinión toman en las decisiones de cada persona. Él libera a los animales del zoológico en una analogía a la jaula social herméticamente cerrada y reforzada que carga con la esperanza y la fe de que alguien llegará a liberarlos de sus barrotes. Y cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia.

¿Por qué doce monos? ¿Cuál es la razón de un símbolo rojo en forma de círculo en el que doce monos se siguen uno al otro? ¿Es para cuestionarse si es mejor ir contracorriente o apegarse al curso y molde determinado que se nos impone? Cada acción tiene una reacción, las decisiones de cada personaje logran que las piezas de la historia encajen la una con la otra, tal como la vida misma.

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12 Monkeys | Trailer

Dir. Terry Gilliam

Estados Unidos, 1995

2:50

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Erik Cardeña Bozziere

¿Cómo te sientes cuando ves tu película favorita de ciencia ficción y quedas visualmente impactado?

Creo no me dejaran mentir y posiblemente coincidiré con muchos de ustedes en que parte de la adrenalina que todavía sigue en nuestro cuerpo tras una serie de ráfagas incesantes de emociones es la que nos transporta a ese mundo mágico y mítico del cual algún día quisiéramos formar parte. Debido a eso es que se forman en todas partes del mundo los club de fans los que idolatran y veneran a ese film que los marco para toda la vida… y hoy por hoy hablaremos de la saga más famosa dentro de la industria del cine de ciencia ficción «Star Wars».

Como ya saben a finales de este año está anunciado el tan esperado estreno del Episodio VII The Force Awakens, debido a esto nuestros amigos del club de Star Wars Xalapa fundado desde 1995 y vigente hasta la fecha, se han dado a la tarea de impulsar en las nuevas generaciones el gusto por la saga y en esta ocasión nos invitaron a seguir muy de cerca su 1era Reunión de Fans con la cual empiezan sus actividades de este 2015.

El evento se realizó en el «Jardín de las Esculturas«, espacio de cultura y arte de la cuidad de Xalapa, Veracruz, con la finalidad de compartir un gusto mutuo como dicen ellos es «de fans para fans«, pasando un rato agradable en compañía de la familia y amigos.

Humo muchas actividades programadas como: la exposición de colecciones, compra-venta e intercambio, conferencias, concursos, disfraces y proyección del Episodio V The Empire Strike Back, debido al interesante cartel antes citado la audiencia no se hizo esperar y fueron alrededor de 400 fans que se dieron cita la mañana del pasado domingo 22 de febrero. La difusión fue solamente por redes sociales lograron su cometido y siendo todo un éxito.

La orden del día empezó cuando ya estando todos los stands organizados arribaron los primeros padres de familia junto con sus hijos, que en su mayoría pequeños disfrazados, estaban  muy contentos admirando las diferentes colecciones expuestas, así mismo comenzaba la venta e intercambio de figuras de acción, siempre en un ambiente cordial y de camaradería.

Por supuesto que no podía falta la música de ambiente obvio de los soundtrack de StarWars, y poco a poco la gente iba llenando el recinto conforme transcurría la mañana, mientras tanto se anunciaba por el sonido local que en breves momentos se haría la proyección de la película de episodio V El Imperio Contraataca (en mi opinión  la mejor de la saga) y con mucho entusiasmo algún sector de la gente se dirigía al auditorio a disfrutar del film, pero el momento cumbre del evento fue cuando nos pudimos deleitar de la majestuosidad de la presencia de Lord Darth Vader acompañado de uno de sus Royal Guard y un Snowtrooper, en ese preciso momento muchas personas dejaron lo que estaban haciendo y literalmente corrieron para hacer fila y tomarse la famosa foto del recuerdo con unos de sus personajes favoritos y lo mejor es la sonrisa y/o gesto de admiración de los pequeñines al poder ver en vivo a esa figura la mas icónica de la mítica saga.

Transcurrieron las horas entre concursos de trivias y regalos de figuras como premios, la audiencia salió muy contenta tras una buena organización del club de Star Wars Xalapa, el cual pretende tener más reuniones como ésta, con más sorpresas, dinámicas diferentes. La finalidad es coronar el cierre de año con un mega evento el día de la premier, próximamente tendremos la cobertura de los demás encuentros que se realicen, así como un reportaje de la historia y creación del club.

Y recuerda, ¡que la fuerza te acompañe……siempre!

Galería:

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Erik Cardeña Bozziere | México | Columnista

Arquitecto xalapeño, 100% Cinefilo de corazón amante de la música y el arte, fotógrafo amateur, en busca de la creatividad y el diseño para resolver los constantes retos de la vida, fanático experto de Star Wars & Sci-fi.