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Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El término “deus ex machina” es un recurso literario utilizado como herramienta narrativa para resolver una historia. El término proviene del teatro antiguo en el que, durante la representación de obras, los actores eran alzados por una grúa (una máquina) si la escena requería que éstos estuvieran suspendidos en el aire a lo alto de un escenario.

Para el formato cinematográfico, el “deus ex machina” se usa dentro de la construcción de  historias cuando es necesario crear una resolución durante su parte final. El concepto se refiere a un final poco creíble que no siempre es orgánico o coherente con el resto de la historia.

En una película cualquiera se espera que la lógica interna permita que su desenlace sea creíble, pero si hay casualidades o coincidencias exageradas, entonces se entiende que el recurso para resolver los obstáculos contra los que pelea el protagonista son parte del “deus ex machina”.

Por ejemplo, en El Mago de Oz (EUA, 1939), cuando Dorothy pelea contra la malvada bruja del oeste, para salvar a su amigo el Espantapájaros, que se quema con fuego, avienta un balde de agua que también salpica a la bruja; entonces ella comienza a derretirse y, finalmente, es derrotada. ¿Casualidad, coincidencia extraña o un momento creíble y muy acorde con el mundo fantástico en el que se desenvuelve la historia?

Lo importante para no hacer sentir al espectador que la historia es parte de una serie de coincidencias y que su resolución no es producto de ingeniosos trucos que parecen haber sido sacados del sombrero de un mago, es dar verosimilitud a los elementos que juegan un papel importante dentro del relato. Así, por ejemplo, ¿Si en Jurassic Park (EUA, 1993) el tiranosaurio rex ya ha sido introducido como un depredador amenazante durante la primera parte de la película, su aparición en el momento en el que parece que los protagonistas están a punto de ser comidos por los velocirraptors resulta una coincidencia o embona de manera natural y lógica con el resto de las aventuras que se han vivido durante toda la película?

El “set up – pay off” es parte importante de cualquier relato. El recurso consiste en presentar o plantar un precedente (objeto, idea o concepto) desde el inicio de la historia para que, cuando sea utilizado más tarde, no parezca que ha salido de la nada. En Harry Potter y la Cámara Secreta (EUA-Reino Unido-Alemania, 2002) se menciona desde la primera parte de la película que el Ave Fénix tiene habilidades únicas que lo hacen un animal especial en el reino mágico, el objetivo es que no sorprenda su aparición durante la parte final de la historia cuando sus lágrimas curan las heridas de muerte de Harry provocadas por haber sido mordido por el basilisco.

Este tipo de elementos (o explicaciones) son la clave para no caer en momentos poco creíbles; el objetivo es que las resoluciones concuerden con el desarrollo de la historia, que estén en sincronía como en sintonía, para que el espectador no tenga que preguntarse cómo sucedió algo o por qué.

En The sisterhood of the traveling pants 2 (EUA-Grecia, 2008), tres amigas viajan a Grecia para encontrase con la cuarta de su grupo. ¿Cómo? Utilizando la muchas millas de viajero acumuladas por el padrastro de una de ellas. Tal vez este tipo de solución es demasiado conveniente, pero el “deus ex machina” suele caer en este  tipo de recursos, situaciones que parecían no tener forma de resolverse pero que, a pesar de todo, logran salir a favor de los personajes gracias a momentos increíbles que desafían toda lógica y, aunque normalmente se espera que cuando una situación se resuelva de manera justificada, para que no sea producto del azar, a veces los elementos narrativos dejan una apertura a la credibilidad, un salto de fe que la misma historia le pide al espectador para darle la oportunidad de tener opciones en su desarrollo y, en especial, en su resolución.

La clave de todo es que las cosas no salgan de la nada y para lograrlo la historia debe ser coherente consigo misma y con el espectador. No es que no haya coincidencias, es que éstas deben llegar de manera natural, nunca forzadas. Si el azar es un elemento importante en la historia, el azar debe estar presente en más de una ocasión durante el desarrollo del relato; si un personaje resucitará en un momento importante de la película, los milagros, la magia o la fantasía (según el tipo de relato) deben ser parte del universo en el que se desenvuelve la historia.

Esta herramienta narrativa no es ajena a relatos escritos u audiovisuales; su uso es parte de la construcción de historias y elemento recurrente en el cine cuando se busca sorprender, dar un giro final u ocupar soluciones menos ordinarias en los desenlaces, aunque también hay casos en el que llega a ser un último recurso utilizado cuando no se sabe qué hacer con la historia o cómo concluirla. El “deus ex machina” es tanto común como útil, lo importante es utilizarlo a favor de la historia y no como salida fácil en su construcción. Algunos otros ejemplos, a veces utilizados a favor y a veces cayendo en la incredulidad, se encuentran en películas como Donnie Darko (EUA, 2001), Matrix revoluciones (Australia-EUA, 2003), Toy story 3 (EUA, 2010), Crepúsculo: amanecer parte 2 (EUA, 2012) o Guardianes de la Galaxia (EUA-Reino Unido, 2014).

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Cuando los primeros Premios de la Academia fueron entregados el 16 de mayo de 1929, en un banquete de la Academia en la Sala Blossom del Hotel Roosevelt en Hollywood, recién comenzaban a aparecer las películas sonoras. Asistieron 270 invitados y la entrada tuvo un costo de $5 dólares. Fue un banquete extenso, lleno de discursos, pero el Presidente de la Academia, Douglas Fairbanks, se ocupó de entregar las estatuillas rápidamente.

El suspenso que actualmente conmueve a casi todo el mundo durante los Oscars®, no siempre fue una característica de la entrega de Premios. El primer año, los destinatarios de los premios fueron anunciados públicamente tres meses antes de la ceremonia. Durante la década siguiente, los resultados se entregaban por adelantado a los periódicos, que los publicaban la noche de los Premios a las 11 p.m. Pero en 1940, para consternación de la Academia, el periódico Los Angeles Times rompió el acuerdo anunciando a los ganadores en su edición de la tarde, la cual estuvo disponible a los invitados que llegaban al evento. En consecuencia, la Academia adoptó al año siguiente el sistema de sobres sellados, vigente en la actualidad.

Desde sus primeros años, el interés por los Oscars® ha sido inmenso, y hasta con el febril entusiasmo actual. La primera entrega fue la única que escapó a los medios de comunicación. Al segundo año, el entusiasmo por los Premios era tal, que una estación de radio de Los Ángeles transmitió el evento en directo durante una hora. La ceremonia ha sido transmitida desde entonces. Durante 15 años, las entregas de los Premios de la Academia, se realizaron durante un banquete; y después del primer encuentro en el Roosevelt de Hollywood , se realizaron en los hoteles Ambassador y Biltmore. La costumbre de entregar las estatuillas en los banquetes se dejó de hacer luego de los Premios de 1942. Debido al aumento de los asistentes y a la guerra, los banquetes resultaban poco prácticos, y las ceremonias de entrega se han celebrado en teatros desde entonces.

La ceremonia de los 16º Premios se celebró en el Teatro Chino de Grauman. Fue la primera vez que tuvo una cobertura de cadena radial y se transmitió al extranjero a los soldados estadounidenses. Los Premios permanecieron en el Grauman durante tres años, y luego se mudaron al Auditorio Cívico Shrine. Dos años después, en marzo de 1949, la ceremonia de los 21er Premios tuvo lugar en el propio teatro de la Academia en la Avenida Melrose. Los 11 años siguientes, los Premios se entregaron en el Teatro RKO Pantages en Hollywood. Allí, el 19 de marzo de 1953, la entrega de los Oscars® fue televisada por primera vez. La cadena de radio y televisión NBC transmitió las ceremonias de los 25º Oscars en directo desde Hollywood, con Bob Hope como maestro de ceremonias, y desde el Teatro Internacional NBC de Nueva York, con Fredric March realizando las entregas.

En 1961, los Premios se mudaron al Auditorio Cívico de Santa Mónica, cambiaron de difusoras y comenzó un ciclo de 10 años con la cadena ABC-TV. En 1966 los Oscars® fueron televisados a color por primera vez. Desde 1971 hasta 1975 la cadena NBC TV televisó la entrega de Premios. A partir de 1976, ABC ha televisado el espectáculo y su contrato se extiende hasta 2020.

El 14 de abril de 1969, la ceremonia de los 41er Oscars® se mudó al Pabellón Dorothy Chandler en el Centro de Música del Condado de Los Ángeles. La entrega de los Premios permaneció allí hasta 1987 y luego regresó al Auditorio Shrine para la entrega de los 60º y 61er Premios. Durante doce años, el evento alternó de escenarios ― los 62º, 64º, 65º, 66º, 68º y 71er Premios tuvieron lugar en el Centro de Música, mientras que las 63º, 67º, 69º, 70º, 72º y 73º fueron en el Shrine. Desde el año 2002, los Premios de la Academia se han realizado en el Teatro DolbyTM (antiguamente el Teatro Kodak) en Hollywood & Highland Center® de Hollywood.

En el primer año, se entregaron 15 estatuillas, incluyendo varios premios a Dirección y Guiones. El segundo año la cantidad de premios se redujo a siete – dos por actuaciones y uno para cada categoría restante, Mejor Película, Dirección, Guión, Cinematografía y Dirección de Arte. Desde entonces, el número de las categorías de premios ha aumentado en forma lenta pero constante.

Desde un principio se reconoció la necesidad de otorgar premios especiales más allá de las categorías estándares. Dos de estos premios se entregaron en el año 1927/1928: uno para Warner Bros. por producir la innovadora película sonora, “The Jazz Singer”, y el otro para Charles Chaplin, por producir, dirigir, escribir y protagonizar “The Circus”.

En 1934 se agregaron tres nuevas categorías regulares: Mejor Edición, Banda Sonora y Mejor Canción. Ese año además fue testigo de una campaña vocal para incluir a la no nominada Bette Davis por su actuación en “Of Human Bondage” entre las nominadas a Mejor Actriz, logrando que la Academia permitiera agregados a las papeletas finalistas. Dos años después, esta práctica fue específicamente prohibida por las reglas de la Academia.

La firma contadora Price Waterhouse acordó con la Academia en 1934 y, desde entonces, ha sido empleada en contabilizar y asegurar el secreto de los resultados. Las papeletas para los 88º Premios serán contabilizadas por PricewaterhouseCoopers, nombre que adoptó la firma en 1998. Este es el cuarto año que la Academia concederá a sus miembros la opción de votar electrónicamente o por papeleta.

En 1936, los primeros Oscars fueron presentados en las categorías de Actor de Reparto y Actriz de Reparto. Los honores fueron a Walter Brennan por “Come and Get It” y Gale Sondergaard por “Anthony Adverse.”

La primera entrega del Premio Memorial Irving G. Thalberg se realizó en 1937, y el honor de recibirlo fue de Darryl F. Zanuck.

El Oscar para los Efectos Especiales se agregó en 1939, y los primeros ganadores fueron Fred Sersen y E.H. Hansen de la 20th Century-Fox por “The Rains Came.” En 1963 el premio para los Efectos Especiales se dividió en dos: Efectos de Sonido y Efectos Visuales Especiales, reconociendo el hecho de que no necesariamente los mejores efectos de sonido y los mejores efectos visuales tienen que provenir de la misma película.

En 1941, apareció por primera vez en la papeleta la categoría de Película Documental.

En 1947, aún antes de que la televisión aumentara el interés del resto del mundo en la ceremonia de los Premios de la Academia, la Academia trajo películas de países extranjeros cuyo idioma no era inglés a la esfera de los Oscars. Ese año, el primer premio para la mejor película extranjera fue para la película italiana “Shoe Shine.” Se entregaron siete premios especiales más antes de que la Mejor Película Extranjera se convirtiera en categoría anual en 1956.

En 1948, la Academia concedió un lugar en la papeleta para Diseño de Vestuario. En 1956, se estableció el Premio Humanitario Jean Hersholt que se entregó a Y. Frank Freeman. El premio regular por Maquillaje y el Premio Gordon E. Sawyer a las contribuciones tecnológicas se establecieron en 1981. La categoría más reciente, Mejor Película Animada, se agregó en el año 2001.

En sólo tres circunstancias la Presentación de los Premios de la Academia no se pudo realizar según lo programado. La primera vez fue en 1938, luego que desastrosas inundaciones prácticamente arrasaran con la ciudad de Los Angeles, retrasando la ceremonia una semana. En 1968, la ceremonia de entrega de los Premios se postergó del 8 al 10 de abril, por respeto al Dr. Martin Luther King Jr., quien había sido asesinado pocos días antes y cuyo funeral se realizó el 9 de abril. En 1981, los Premios se postergaron 24 horas debido al intento de asesinato del presidente Ronald Reagan. En 2003, cuando las fuerzas armadas de los EE.UU. invadieron Irak el jueves anterior a la transmisión, el espectáculo se realizó, pero la alfombra roja se limitó al área de la entrada al teatro, se quitaron las gradas de la alfombra roja y la mayoría de los medios de prensa mundiales no pudieron fotografiar ni entrevistar a los invitados a medida que iban llegando. En 2004, la alfombra roja retornó con todo su brillo y glamour.

La asistencia a la ceremonia de los Premios de la Academia es sólo por invitación. No se ponen en venta entradas para el público.

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Fuente: ACADEMY AWARD®

Prensa registrada.

Apenas el viernes  8 de enero nos volcamos en las redes y medios de comunicación para celebrar el cumpleaños número 69 de David Bowie, ese mismo día se lanzó al mercado y en las plataformas su más reciente vídeo, Lazarus, dirigido por el director Johan Renck, reconocido director  de comerciales y televisión, director del capítulo piloto de Bloodline (Netflix), entre otras series, así como de publicidades para Cartier, Calvin Klein , Valentino por mencionar algunas marcas,  quien, también, había dirigido el primer corte del nuevo material del innovador Bowie “Blackstar”.

En Lazarus se muestra a un hombre que yace en una cama, en lo que se presume su lecho de muerte. Con los ojos vendados, y una lúgubre habitación, destaca Bowie, que además de ser un músico, y escritor excepcional,  poseía un estilo propio de actuación, participando en más de 30 títulos.  El personaje principal  de este vídeo es un hombre que sufre con su condición, que trata de levitar quizá para desprenderse del dolor, pero sobre todo para evolucionar. En el vídeo, otro personaje representado por David, vestido de negro, escribe lo que pueden ser sus memorias, quizá en un autoanálisis.

Mira aquí arriba, estoy en el Cielo

Oh, seré libre

David Bowie, Lazarus

Después de enfrentar durante 18 meses al cáncer, el material ‘Blackstar’, será emblemático pues refleja el amor que Bowie le tenía no sólo a la música, sino a la vida. David nos prepara con sus letras para afrontar este viaje.

El sentido del viaje no es la despedida, no es el adiós, es el encuentro.

Iván Uriel,  El ítamo

Lazarus

Artista: David Bowie

Dir. Johan Renck

4:08

Traducciones extraídas de  La Vanguardia

Letra ‘Lazarus’:

Look up here, I’m in heaven

I’ve got scars that can’t be seen

I’ve got drama, can’t be stolen

Everybody knows me now

Look up here, man, I’m in danger

I’ve got nothing left to lose

I’m so high it makes my brain whirl

Dropped my cell phone down below

Ain’t that just like me?

By the time I got to New York

I was living like a king

Then I used up all my money

I was looking for your ash

This way or no way

You know, I’ll be free

Just like that bluebird

Now ain’t that just like me?

Oh I’ll be free

Just like that bluebird

Oh I’ll be free

Ain’t that just like me?

Letra ‘Lazarus’ español:

Mira aquí arriba, estoy en el Cielo

Tengo cicatrices que no pueden ser vistas

Tengo drama, no puedo ser hurtado

Todos me conocen ahora

Mira aquí arriba, hombre, estoy en peligro

No tengo nada más que perder

Estoy tan alto, esto hace mi cerebro girar

Dejé caer mi celular abajo

¿No es él igual que yo?

Para cuando llegué a Nueva York

Estaba viviendo como un rey

Luego empleé todo mi dinero

Estaba en busca de tu ceniza

Esta vía o no hay vía

Ya sabes, seré libre

Igual que ese azulejo

Ahora, ¿no es él igual que yo?

Oh, seré libre

Igual que ese azulejo

Oh, seré libre

¿No es él igual que yo?

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¡Hasta siempre genio!

http://www.davidbowie.com/ 

Redacción Filmakersmovie.com

“Los placeres de aquí abajo”

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez

El 29 de julio de 2003 se cumplieron 30 años de la muerte de uno de los directores y  creadores de cine más importante del siglo XX, Luis Buñuel Portolés, nacido en Calanda, Teruel, Aragón, España en 1900. A más de 30 años de distancia, consideré que la mejor manera de recordar al gran cineasta es presentando a Usted mi apreciado lector, sus memorias escritas y publicadas en 1982, bajo el título de: “Mi último suspiro”. De entrada, Luis Buñuel manifiesta que él no es un hombre de pluma y aclara que quien escribió sus memorias, fiel a lo que él le dictó, fue su amigo de profesión Jean-Claude Carriére.

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No hace falta ser un cineasta para que uno pueda interesarse en las memorias de Luis Buñuel, “Mi último suspiro” es una joya de cultura, de arte, en la cual puedes conocer a personajes, acontecimientos, el nacimiento del surrealismo, de geografía, de tradiciones, de aclaraciones de mitos, etc. pero sobre todo un gran recorrido por toda la producción cinematográfica de Luis Buñuel, quien adquirió la nacionalidad mexicana y fue en este país donde produjo 32 películas memorables, entre ellas, “Viridiana en coproducción con Gustavo Alatriste, Simón del desierto, Nazarín, El Ángel Exterminador, Gran Casino protagonizada por Jorge Negrete y Libertad Lamarque, El Gran Calavera”. La inolvidable película “Los Olvidados” por la cual recibió fuertes críticas, porque describía una realidad que ponía en muy mala posición a México y en la fecha que salió al público sólo Octavio Paz, Siqueiros y otros intelectuales, reconocieron el valor de la película que lo hizo ganar la palma de oro en el festival de Cannes.

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Podría en la presente columna dedicarme sólo a mencionar las grandes películas de Buñuel y eso bastaría para justificar el contenido de mi publicación, pero a las películas puede acudir  de manera muy sencilla comprándolas y viéndolas, el objetivo central es invitarlo a la lectura de “Mi último suspiro” y le garantizo que no saldrá decepcionado, porque como lo señala Feliciano Fidalgo de (El País): “Buñuel lo evoca todo con precisión y humanidad, con sorna, a veces, y con autenticidad tangible: Lorca, Dalí, el superrealismo, la guerra civil, el franquismo, Viridiana, el catolicismo, su ateísmo, México, Hollywood, tejen la aventura de una vida que, hoy, aún, respira al acecho de la libertad.”

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Un capitulo de sus memorias lo tituló: “Los placeres de aquí abajo”, con sencillez, claridad y sobre todo sinceridad nos cuenta el placer y gusto que siempre tuvo al bar, nos platica los recorridos en los bares de Madrid, París y México, puede Usted  apreciado lector a través de la lectura, acudir a los cafés literarios más importantes de Madrid como son el: “Café Gijón que aún existe, la Granja del Henar, el Café Castilla, Fornos, Kutz”, y conocer las grandes platicas que tenían hombres de la talla de Salvador Dalí, Federico García Lorca, Gómez de la Serna, e incluso las reuniones de dos generaciones históricas de España como son la del 98 con personajes como, Unamuno, Valle Inclán, Pío Baroja, Antonio Machado, conviviendo y discutiendo con la joven generación del 27 integrada por Ortega y Gasset, Lorca, Dalí, Buñuel, Alberti, Pedro Garfias, entre otros.

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De la misma manera podrá viajar a los felices años 20 en Francia y acudir al Café la Rotonde, reunirse con la generación fundadora del surrealismo integrada por André Bretón, Max Ernst, Paul Eluard, Tristán Tzara, René Char, Pierre Unik, Tanguy, y naturalmente Buñuel y Dalí e incluso Dalí llegó a declarar que él era el surrealismo, sin dejar de definir que el surrealismo es: “un movimiento artístico que intenta buscar y representar una creación y realidad subconsciente, onírica, imaginaria e irracional más allá de la realidad física”.

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Con Luis Buñuel, de México se puede aprender mucho, llegó a vivir en el año de 1946 y en este bello país murió en 1983, manifiesta el cineasta que para realizar la película “Los Olvidados” caminó y convivió con el mexicano pobre, aprendió mucho de nuestra cultura, parte de ella está representada en su cine, pero su mundo desde niño siempre estuvo rodeado de los ricos, de los poderosos, de los intelectuales y de la política en la cual tuvo experiencias fuertes, en sus memorias nos relata que: “se reunía con frecuencia con Alfonso reyes y que un día le platicó que fue a ver al despacho al Secretario de Estado para la Instrucción Pública José Vasconcelos, charló con él unos minutos – siempre sobre las costumbres mexicanas- antes de concluir: creo que, menos tú y yo, todo el mundo lleva aquí un revólver. Habla por ti le respondió Vasconcelos, mostrándole un 45 que llevaba oculto bajo la chaqueta”.

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Todo lo narrado y mucho más es Luis Buñuel, un hombre que nació con el siglo XX y que fue de los cineastas más importante del mundo, por eso la mejor manera de recordarlo es disfrutando: “los placeres de aquí abajo”, es decir, leyéndolo, viendo sus películas, bebiendo, comiendo, viajando, en conclusión en la medida de nuestras posibilidades la vida se trata de vivirla de una manera intensa y apasionada, porque nuca sabemos si pudiera ser nuestro último suspiro.

Leer «Mi último suspiro«, Luis Buñuel

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Esta noche se lleva a cabo la 73 entrega de los Golden Globles (Globos de Oro), entregados por la prensa extranjera en Hollywood. Te presentamos las películas nominadas en la categoría drama.

Mejor Película – Drama

Madmax

Nominaciones: 2

Mejor Película

Mejor Director: George Miller

Sinopsis: cuando Mad Max decidía seguir solo su camino, se encuentra con un grupo de mujeres que huyen en busca de esperanza para su pueblo y las nuevas generaciones, lideradas por Fury.

Filmakersmovie.

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Room

Nominaciones: 3

Mejor Película

Mejor Actriz Dramática: Brie Larson

Mejor Guión: Emma Donoghue

Sinopsis: El universo que comparten una madre y su hijo en cautiverio  se reduce a las paredes de una pequeña habitación. 

Filmakersmovie.

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Spotlight

Nominaciones: 3

Mejor Película

Mejor Director: Tom McCarthy

Mejor Guión: Tom McCarthy, Josh Singer

Sinopsis: El nuevo editor en Jefe del Boston Globe encomienda una misión al equipo de Spotlight, que en su investigación periodística dejan en descubierto los abusos de un considerable número de sacerdotes en la ciudad y en el estado de Massachusetts. 

Hechos reales.

Filmakersmovie.

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The Revenant

Nominaciones: 4

Mejor Película

Mejor Director: Alejandro G. Iñárritu

Mejor Música Original: Ryuichi Sakamoto, Alva Noto

Mejor Actor: Leonardo DiCaprio

Sinopsis: Cuenta la historia de Hugh Glass, quien tras ser abandonado por su grupo tras el ataque de un oso y la muerte de su hijo, decide no rendirse y buscar a los responsables de su tragedia.

Hechos Reales.

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Carol

Nominaciones: 5

Mejor Película

Mejor Director: Todd Haynes

Mejor Música Original: Carter Burwell

Mejor Actriz Dramática: Cate Blanchett

Sinopsis:  En medio de la insatisfacción de su matrimonio,  Carol Aird conoce a una joven dependienta que aspira a una vida mejor, Therese. Ambas sienten una extraña conexión,  que deriva en una relación tan fuerte y profunda que no podrán volver atrás.

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