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J.J. Abrams, Chris Pine and Alfonso Cuarón develan los nominados a los Oscares 2015

En vivo desde Bervely Hills.

Poco después de establecerse la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas en 1927, se celebró una cena en la Sala Crystal del Hotel Biltmore, en el centro de Los Angeles, para discutir las metas de la nueva organización. Una de esas metas era idear un método que honrara los logros extraordinarios, fomentando así los niveles de calidad superiores en todas las facetas de la producción cinematográfica.

En una de las varias juntas de las siguientes semanas, el director de arte de MGM, Cedric Gibbons bosquejó la estatuilla de un caballero empuñando una espada, de pie frente a un rollo de película. Los cinco radios de la película representaban las cinco ramas originales de la Academia – actores, directores, productores, técnicos y escritores – y la espada simbolizaba protección para el bienestar y avance de la industria. El diseño fue adoptado de inmediato por la Junta Directiva y engalanó la portada de la edición de noviembre de 1927 de la revista de la Academia. A principios de 1928, Gibbons eligió al escultor George Stanley de Los Angeles para darle forma tridimensional a su diseño. Juntos dialogaron del concepto del diseño – no se usaron modelos ni bosquejos en vivo – y Stanley produjo varias versiones entre las que Gibbons eligió una. En el diseño final se perfiló la figura del caballero y el rollo de película terminó bajo sus pies. Así nació la hoy famosa estatuilla.

Desde el banquete inicial de los premios realizado el 16 de mayo de 1929, en el Salón Blossom del Hotel Roosevelt en Hollywood, se han entregado casi 3,000 estatuillas. Cada enero, se funden, moldean, pulen y lustran nuevas estatuillas doradas adicionales por la R.S. Owens & Company, la compañía especialista en premios, con instalaciones en Chicago, que la Academia conserva desde 1982.

La estatuilla tiene 13 ½ pulgadas de altura y pesa 8 ½ libras. El diseño de la  estatuilla nunca ha cambiado desde su concepción original, pero el tamaño de la base ha variado, hasta el año 1945 en que se adoptó su forma actual. Su nombre oficial es Premio de la Academia al Mérito (Academy Award® of Merit), pero la estatuilla es más conocida por su apodo, Oscar, cuyo origen no es claro. Una historia popular cuenta que la bibliotecaria y eventual directora ejecutiva de la Academia, Margaret Herrick, pensó que la estatuilla se parecía a su tío Oscar y así lo dijo, y a partir de ese momento, los miembros de la Academia comenzaron a llamarla Oscar. De cualquier forma, para la sexta presentación de los Premios de la Academia en 1934, el columnista de Hollywood, Sidney Skolsky, utilizó este nombre en su columna cuando se refería a la primera ganadora a Mejor Actriz, Katharine Hepburn. La Academia en sí no utilizó este apodo de manera oficial hasta el año 1939.

Las 15 estatuillas presentadas en la ceremonia eran de bronce sólido enchapadas en oro. En pocos años, el bronce fue remplazado por el metal britannia, una aleación parecida al peltre, que facilitó el alisado de su terminación. Debido a la escasez de metales durante la Segunda Guerra Mundial, los Oscars® fueron fabricados con yeso pintado durante tres años. Cuando finalizó la guerra, todas las figuras de yeso premiadas anteriormente fueron cambiadas por las de metal enchapado en oro.

El 22 de febrero de 2015, se honrarán los logros de hasta 24 categorías regulares en la 87ª presentación de los Oscars® en el teatro Dolby en el Hollywood & Highland Center®. Sin embargo, la academia no sabrá realmente cuántas estatuillas se entregarán hasta que se abran los sobres en la Noche de los Oscars®.

 Aunque antes de la ceremonia se conozcan la cantidad de categorías, la posibilidad de empates y de que múltiples artistas compartan el premio en algunas categorías hace que el número exacto de estatuillas Oscar a entregar sea impredecible. Como en años anteriores, las estatuillas excedentes serán alojadas en la bóveda de la Academia hasta el evento del próximo año.

Excepto en los años en los que la Academia creó un evento publicitario con el envío de los Oscar desde Chicago hasta Los Angeles, habitualmente se enviaban por tierra a través de empresas de transporte común. Sin embargo, en el año 2000, sólo a pocas semanas de la fecha de presentación, el cargamento de Oscars de ese año fue robado del muelle de carga del transportista. Fueron recuperados una semana más tarde, pero no antes de producir una ansiedad extrema durante aquellos días. Desde ese entonces, la Academia mantiene a la mano estatuillas de reserva para un programa completo.

La estatuilla Oscar es el premio de mayor reconocimiento mundial. Su éxito, como símbolo del logro cinematográfico, sin duda sorprendería a aquellos que asistieron a aquella cena, hace más de 80 años, como también a su diseñador, Cedric Gibbons.

Actualmente, como lo viene haciendo desde 1929, se mantiene erguido sin paralelo, en las repisas de los más grandes cineastas de la historia.

ACADEMY AWARD®

Fuente.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Un guión cinematográfico es una historia contada en imágenes. En términos generales el guión se refiere a las indicaciones, descripciones, diálogos y detalles que especifican lo necesario para la realización de una historia en formato audiovisual, pero una película es más que su guión llevado a la filmación. La cinematografía es un trabajo en conjunto y una buena historia significa un trabajo bien realizado en departamentos como dirección, producción y  actuación, por mencionar algunos.

Un buen diálogo destaca en papel, pero toma fuerza en la película gracias a la interpretación de los actores, a los ambientes y la atmósfera del escenario o a la acertada forma del director para capturar la escena; la música o la iluminación por ejemplo, también destacan en el arte cinematográfico y, finalmente, todo el conjunto es lo que atrae al espectador cuando ve una película. Todos estos elementos juegan un papel importante cuando de llevar un proyecto a la pantalla se trata, porque es con ellos con los que el público, siguiendo los modelos de comunicación básicos,  se identifica, se conecta y se relaciona.

Un buen guión no siempre resulta en una buena película y viceversa, pero un buen guión, una frase ilustrativa, inspiradora, emotiva, concreta, atinada, siempre encuentra la forma destacar. El cine, con su variada y vasta cantidad de proyectos, ofrece una interminable muestra de este tipo de frases. A continuación una compilación de algunas significativas e interesantes líneas de diálogo:

“Guardamos secretos de mucha gente, pero sobre todo, los guardamos de nosotros mismos y llamamos a eso olvidar”. Trance – En trance (2013)

“Sólo somos los recuerdos que creas en las personas que conoces” My blueberry nights – Noches púrpuras (2007)

“Creo que si tal cosa como la suerte existe, sólo espero tener la suerte suficiente para notarla cuando venga en mi camino”.

Thirteen conversations about one thing – Vidas contadas (2001)

“Incluso un reloj descompuesto marca la hora exacta dos veces al día”.

Fracture – Crimen perfecto (2007)

“Hay algo delicioso en escribir las primeras palabras de una historia, nunca puedes decir con exactitud a dónde te llevarán”

Miss Potter (2006)

“Me pasé la vida buscando algo y haciendo lo imposible para no encontrarlo”

Dedication – Buscando amar (2007)

“A veces es más fácil sentir dolor físico que emocional”

The greatest – Prueba de amor (2009)

“Cuando las cosas se ponen duras, los duros se ponen en marcha”

Easy virtue – Buenas costumbres (2008)

“He pasado tanto tiempo pensando en todas las respuestas al problema, que ya he olvidado lo que el problema realmente era”.

Elizabethtown (2005)

“Todos somos bastante extraños. Algunos somos mejores ocultándolo, eso es todo”.

The Breakfast Club – El club de los cinco (1985)

«Leí en alguna parte que en la vida no es tan importante ser fuerte, como sentirse fuerte.» Into the wild – Camino salvaje (2007)

“El corazón no es como una caja que se llena; se expande en tamaño mientras más amas”.

Her – Ella (2013)

“Si no quieres algo, no tienes nada”.

Twelve – Efecto prohibido (2010)

 “Parece extraño, pero nuestras experiencias más embarazosas son las historias que más queremos contar”.

El albergue español (2002)

“Las personas que no tienen esperanzas son fáciles de controlar; y el que tiene el control, tiene el poder”.

The neverending story  – La historia sin fin (1984)

“Mantén la mente abierta y absorbe la experiencia. Y aunque duela, es probable que merezca la pena”.

The beach – La playa (2000)

“La destrucción es una forma de creación”.

Donnie Darko (2001)

“Hay cosas que van a sucederte que no podrás evitar, pero esa no es razón para aislarse del mundo. Hay un propósito para las cosas buenas y para las malas”. Now and then  – Ayer y hoy (1995)

“Cada historia tiene un final. Pero en la vida, cada final es sólo un nuevo comienzo”.

Uptown girls – Pequeñas grandes amigas (2003)

“Si no puedes reírte de ti mismo, la vida va a parecer mucho más larga de lo que quisieras”. Garden State – Tiempo de volver (2004)

“Si sigues mirando hacia atrás, nunca podrás ir hacia delante”. A single shot (2013)

“Hay cosas que deben hacerse y se hacen, pero nunca se habla de ellas. Se hacen simplemente y luego se olvidan”.

The Godfather – El padrino (1972)

“Todos los artistas tienen algo que decir, sino, estarían haciendo zapatos”.

Anonymous – Anónimo (2011)

La ética, la moral, la justicia, el sentido de la vida, la condición humana, son los temas que recurrentemente preocupan y ocupan a los guionistas y directores, igual que a los escritores en los que muchas veces se apoyan. Las frases, los diálogos, expresan sus pensamientos en voz de los personajes, por eso, porque son un sentir de otras experiencias humanas es posible sentirse en ocasiones identificados, reflejados y/o interesados en esas ajenas experiencias. De ahí la riqueza intelectual del diálogo cinematográfico, de ahí la importancia del lenguaje original y de la calidad de las traducciones.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Perla Atanacio

2014  define la pauta para lo que habrá de ser la publicidad de experiencia, en donde los guionistas y contadores de historias, storytellers cobrarán gran importancia y su trabajo se verá mejor valorado en la industria publicitaria, pues ahora para vender hay que inspirar, generar catarsis contando historias universales que generan reacciones particulares.

Este año Victor Carrey,  Barcelona, nos lleva de la mano por el sublime camino de la ficción vuelta ilusión de los amores que más de uno ha tenido por lo menos en el corazón.

La marca de joyería TOUS, España, junto a SCPF y el ojo de Carrey, que nos recuerda al gran Wes Anderson, nos traen a cuenta Tenders Storie N°1,  la historia de Mr. Will Chitty, profesor de lo que presumiblemente parece una Universidad y Miss Gorgie Hobday, una joven estudiante que admira sus clases.

Es así como Carrey nos recuerda tiempos viejos, o bien, nos remonta a la idea del profesor o profesora idealizada por el alumno y del cual se siente enamorado o enamorada.

La banda sonora de este «cortomecial» está a cargo de la banda «The Seihos» con la participación vocal de Vera Gottschall del grupo ¡Viva la novia!

Según “El Periódico de la Publicidad” este es el primero de una serie de comerciales de la marca en su nueva campaña, retratando la ternura como valor universal que todos apreciamos y que es parte de la marca. En la televisión podrán verse pautas de 45 segundos a modo de trailer de esta romántica historia y podrá verse en  cadenas de televisión españolas,  además  de México, Polonia, e Italia, También tendrá presencia automática en plataformas  audiovisuales de reproducción en Grecia, Colombia, Rusia, Honk Kong, Estados Unidos  y Japón.

Es una realidad que las historias que tocan las fibras sensibles en la audiencia van «empoderandos»e de la publicidad, resaltando los atributos de esta disciplina que además de provocar una compra, debe estar enfocada en mover y motivar el corazón de quien le observa.

Disfruta de Tenders Stories No.1 el primero de grandes suspiros que nos provocará Tous en esta campaña.

Tender Stories No. 1

Dir. Víctor Carrey

Tous : 2:36

Canal YouTube: Tous

World Wide, 2014

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Entrevista Tender Stories No. 1

Canal: Tous

2:27

Idioma: Español con subtítulos

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

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Hillay White es una ilustradora estadounidense originaria de Maine, su trabajo instintivo la ha llevado a re interpretar los iconos pop de nuestra cultura en un mundo contemporáneo que lo mismo se han presentado en galerías de arte y escaparates virtuales como Devian Art.

«Hay momentos en nuestras vidas cuando tenemos que tomar decisiones basadas más en el instinto que el intelecto. A menudo, el alma reconoce su elección antes de la mente racional tiene tiempo para procesar la información. «El conejo blanco simboliza esa voz interior, la elección del alma. ¡Hay que prestar atención!

Aquí algunas de sus «re interpretaciones pop» :

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¿Qué te parecen?

Por: Perla Atanacio

Como creadores y contadores de historias, podemos ver y conocer al mundo en todas sus aristas, pudiendo ser observadores de la realidad en la que estamos inmersos. Es la producción audiovisual y cinematográfica, responsable de emitir mensajes positivos y de superación a nuestra audiencia, somos los productores, guionistas, directores, los encargados de que esa encomienda se cumpla, no sólo motivando la compra en el caso publicitario, sino lograr un cambio, impulsar una motivación en nuestra audiencia al verse reconocida en la pantalla que aplique positivamente en su vida.

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La industria cinematográfica se ha encargado de impulsar la producción de historias que muchas veces tienen todo, menos eso…historia, mucho menos una carga valórica o cultural, pero sí de entretenimiento, quizá sea el cine que nos merecemos por no exigir calidad en nuestros contenidos.

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Los realizadores audiovisuales independientes, sean empíricos o egresados de una escuela, se enfrentan todos los días con el gran desafío de promover de manera autodidacta sus trabajos, siendo una de las profesiones más difíciles del mundo, formando a personas igual de resistentes…

Es en este punto, cuando las escuelas, los Consejos y Secretarías de Cultura de los Estados y Federales, deben cobrar fuerza, apoyando el quehacer artístico de sus creadores…reflejo del alma de sus ciudadanos.

Las nuevas tecnologías nos traen de la mano una nueva manera de vender nuestro trabajo, de contar, de entretener, de persuadir. Como profesionales, tenemos una nueva herramienta para poder manifestar nuestros dones, todo está listo, pero, nos encontramos con el gran problema del presupuesto, el dinero que los anunciantes disponen para apoyar un proyecto y la falta de información de cómo emplear esta tecnología.

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Las apuestas se realizan en más de las veces a un evento redituable, que realice el acto de “ganar-ganar”, son muy pocos los productores que promueven al arte emergente, colectivos, artistas urbanos o indígenas, que transmiten el clamor, el llanto, la risa, los sueños de su pueblo para dar testimonio de que también existen, y existimos.

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Nuestro México es un país de industria, de tecnología, de genios creativos publicitarios y audiovisuales. Poco a poco van abriéndose espacios iberoamericanos de difusión y exhibición de realizaciones audiovisuales que surgen como independientes, este es un nuevo concepto de galería de arte, de sala de cine, de lugar de encuentro entre las historias y sus protagonistas.

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Es la Educación al último santo que habremos de rezar para solucionar nuestras tragedias, pues es ella la que habla de quiénes somos, a donde vamos y lo que dejaremos a la historia.

Abramos pues ese espacio para que a nosotros también se nos sean abiertas las puertas de la educación y la cultura de nuestros pueblos en el mundo.

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Texto presentado como ponencia en el 1er Congreso de Gestión Cultural y Economías Creativas de Yucatán, México

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Por: Iván Uriel

“Birdman” inicia esta nueva apuesta cinematográfica, con una toma secuencial que nos recuerda la introducción de cintas emblemáticas como “Rope”, 1948, “The Million” 1934, y “A Touch of Evil” 1959, donde la cámara realiza un viaje sin respiro en su visualidad, y se adentra a la temática de su narrativa desde la primera voz, para no soltarla hasta que la película culmina. Las secuencias no dan tregua y nos brinda la oportunidad de disfrutar la genialidad de Emmanuel Lubezky, quien una vez más, se apodera de las cintas en que participa, para dejar una huella superior a la del director en turno.

“Birdman” aborda en sus personajes tres temas clave: la realización, el ego, y la redención; para llegar a ellos nos adentra en diversos subtemas que entretejen los telones del teatro y las actuaciones superlativas de su elenco. Cada personaje habita el ensayo, cada personaje habita la función, la espera para el estreno y la posibilidad del fracaso o del éxito que sustenta la existencia de su puesta en escena. Cuando “Amores Perros” 2000 sacudió al mundo, Iñárritu y su guionista de cabecera Guillermo Arriaga, iluminaron el firmamento del cine latinoamericano con una oferta textual y poderosa, una telaraña de sensaciones, frustraciones y anhelos que entre la complicidad, el desencanto y la expectativa, hicieron una obra maestra instantánea. “21 Gramos” 2003, y posteriormente “Babel” 2006, consagraron a la dupla, haciendo de sus enhebradas historias un collage de sentimientos universal, un reflejo y una alternativa cinematográfica diferente. Las sólidas interpretaciones de sus elencos, las nominaciones y premios, se hicieron una constante, hasta que la dupla se disipó y la duda emergió como alarma. Darle Iñárritu un sello propio  su legado sin la pluma de Arriaga,  llegó con “Biutiful” 2010, y aunque la trama de nuevo aborda un tema universal desde lo individual, la actuación de Javier Bardem superó posiblemente a la trama; con “Birdman” Alejandro G. nos vuelve a mostrar que su estilo se define en cada paso, y que su sello, sin abandonar las influencias de diferentes directores, es un sello propio.

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La “realización” como primer tema, brinda perspectiva a todos los personajes de “Birdman” la actuación como motivo de vida, el teatro como símbolo, el escenario como significado y la audiencia como razón de ser, se combinan para mostrar un corolario de imágenes que van de un lado a otro, llevándonos por los entramados detrás de las cortinas, tras bambalinas y sobre la duela que aguarda la pisada firme, nerviosa y temerosa de la actriz, del actor, de la realización de una vocación intensa que se vierte fugaz una vez que los parlamentos han sido expulsados como una consciencia.

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El “ego”, como segunda y más importante temática, se regodea en la presencia activa de la memoria, de la cualitativa cantidad encumbrada en los premios, en la popularidad, en las cifras, en las notas, en la fama, en el reconocimiento como inspiración superlativa al abrazo, como inspiración metafísica y real de una vocación que aparece en medio de una reflexión que pudiera olvidar que el teatro es arte y no negocio, que actuar es pasión y no el hastío, que mantenerse vigente implica realizarse y no supervivencia.

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“Redención”, cierra el círculo temático que sumerge la fuerza interpretativa en la admiración, en el aplauso que nace de la sorpresa, de la posibilidad de seguirnos asombrando ante lo que consideramos no puede generar el asombro, una carrera en decadencia, una carrera en el olvido, la persistencia de lo que puede ser con lo que fue. Aquí es donde la película se convierte en una epifanía cinematográfica, que conjuga la historia real con la ficción, nunca antes Michael Keaton ha sido tan reconocido, alabado y admirado por su actuación, nunca antes tan valorado, y sí antes mucho más explosivo en la popularidad que gozaron algunos de sus personajes y que aún lo mantienen activo en su recuerdo. “Mr. Mom” 1983,  “Beattlejuice” 1987, y “Batman” 1989, son inolvidables caracteres para quienes en los años ochenta acompañaron su popularidad. Su nominación como “Batman”, por el genio Tim Burton, generó controversia, picardía e incredulidad en la designación, hasta que él mismo alter ego pronunció su nombre para hacerse insustituible en la saga cinematográfica que arrojó varias cintas más, aunque sólo memorables las personificadas por el mismo Keaton en la dirección de Burton.

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Batman existió en él con la misma dualidad  en la identidad que los superhéroes tienen, hasta que Christopher Nolan se permitió regalarnos una trilogía contundente. La cinta de 1989 se convirtió en un enorme éxito taquillero, generó una moda hacia el súper héroe, y después se agotó en su formato hasta que “Spiderman” 2002 renació la fórmula para darle al género una década y media de éxitos que al parecer se extenderá al menos, por otra más.

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 En “Birdman”, Michael Keaton hace una actuación formidable, profunda, detallada, no deja huecos y se apodera por completo del súper héroe, él dio rostro a las películas de súper héroes cuando no existían prácticamente, o cuando los intentos por hacerlas terminaban fallidas comedias involuntarias, Keaton le dio identidad a Batman y esa misma identidad es la que busca en el reflejo de cada diálogo frente al espejo, mientras escucha la voz de su “Birdman” que lo mueve por dentro y desde dentro, nada de lo que sale hacia afuera va solo, le acompaña el reconocimiento, el ego, la frustración, el éxito, el temor, la vocación, la aventura y la posibilidad de redimirse como única esperanza de vida. El arista se debe a su público, a su personajes o a su obra, pero también se debe a él mismo.  El yo, el súper yo,  los guiños a la crítica de un cine invadido por las historias de súper héroes, y por la lejanía de la realidad, se suman a la fantasía que está en nosotros mismos, a la realidad vivir en un personaje y no salir de él pues en su seno radica la seguridad y la única manera de ser.

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 “Birdman” es la mejor cinta de Iñárritu desde “Amores Perros”, en principio por que evade posicionamientos, se aleja de los contextos dubitativos o en debate, y se adentra en la personalidad, en la mente, en las preguntas perennes, en los lamentos y en la alegría de un vuelo;  Iñarritu va más allá en esta ocasión que plantear el desamparo del personaje principal y de su circunstancia, lo rodea de personajes tan profundos o más profundos que el protagonista, con sus miedos particulares, con sus derrotas, con sus victorias y con la esperanza compartida en el próximo estreno, la marquesina que ilumina y abarrota, o la comparsa de una industria que da cabida a la indulgencia.

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 La película explora los ecos del ego y los exclama en gritos desesperados que se ahogan, luego los regurgita entre una secuencia y otra, es una cinta coreográfica, a minutos pretenciosa, a minutos muy íntima, y en síntesis rescata en el espectador la sensación de estar viviendo la experiencia del teatro como “A Street Car Named Desire” 1951 lo consumó; en “Birdman”, cintas de dramaturgia cinematográfica sin ser precisamente teatrales como “Trought a Glass Darkly” 1962, “Who Affraid Virginia Wolf” 1966, “Sonata de Otoño” 1978, “Interiors” 1979, “The Last Metro” 1980, “Leaving Las Vegas” 1995, y “Carnage” 2011, entre otras, encuentran un espacio en “Birdman” para argumentar un soliloquio en las alas del teatro, de la intensa redención, y del intento.

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Birdman

Dir. Alejandro G. Iñárritu

Estados Unidos, 2014

Official International Trailer

2:52

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El cine puede tener muchas funciones: informador, distractor, medio de aprendizaje, de entretenimiento; pero entre ellas se encuentran también el cine como industria y el cine como medio de control.

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Los mensajes que conforman una película tienen una importante carga ideológica en su contenido y en su forma de presentarse al público.

Las técnicas en su evolución (dentro del área de la cinematografía), tienen un significado en el desarrollo social de su entorno; la imagen, entre una de estas partes que conforman el cine, es técnica como es arte, pero, vista como canal, medio o transporte de códigos, es valorada, estudiada y tratada con cierto especial cuidado, llevando a los medios audiovisuales (cine o televisión) a un tratamiento y manejo, en este caso, más cercano al área del espectáculo que a cualquier otra.

Espectáculo definido por la Real Academia Española: “Cosa que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual y es capaz de atraer la atención y mover el ánimo infundiéndole deleite, asombro, dolor u otros afectos más o menos vivos o nobles.”

Tal vez el problema no sea el espectáculo como tal, sino la combinación con otras formas de maniobrar el cine, llevándolo a un tipo de entretenimiento pobre y convencional que se sostiene no por su calidad artística, reflexiva y de narración, sino por sus otras maneras.

Las formas cinematográficas tienen tal impacto en la sociedad que el cómo se hacen y distribuyen es determinante en la relación que tienen con su público. “La cuestión no consiste hoy en saber si el cine puede prescindir del espacio, sino, más bien, si los espacios pueden prescindir del cine”, dice Paul Virilio, teórico francés (1932 – ), en su texto “Estética de la desaparición”.

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Las muchas funciones del cine han llevado a este arte a adentrarse en ramas y disciplinas específicas que cubren necesidades claras por parte del público que se acerca a él. Esta combinación de funciones, alimentada por la lucha por ser prioridad (una ante las demás), llamando la atención del público, sorprendiéndolo, entreteniéndolo, distrayéndolo por sobre todas las cosas, ha hecho del cine una forma de espectáculo.

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La cuestión no es ya si el cine puede ser o no una industria influyente en el desarrollo social actual, sino en qué grado lo es. Dentro de este apartado, el mundo de la cinematografía va de la mano con la economía, la ley de la oferta y  la demanda, áreas como el marketing o la publicidad, el consumo y la venta, directa o indirectamente. Véase que acercarse a una película en una sala de cine no implica exclusivamente la compra de un boleto, como tampoco lo es la compra de un dvd o la contratación de una transmisión vía Internet en una computadora.

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De acuerdo con la historia del cine, el material audiovisual ha sido en ocasiones utilizado como medio de control y como transmisor de ideas específicas. Como medio de control el cine se debate entre libertad y la falta de ella, en su forma y en su contenido. Algunos teóricos incluso sostienen que la copia de patrones cinematográficos en la vida real es una forma de control social, es decir, moldear a las personas a través de modelos presentados en las películas para ser seguidos por la audiencia.

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El segundo punto corresponde a aquellas películas realizadas específicamente con un propósito manipulador en su contenido. Películas realizadas deliberadamente con una explícita forma de pensar y una postura respecto a la sociedad, a la política o a un tema en específico de la vida social; es decir, películas mandadas a hacer con la función de llevar impresas un pensamiento a ser esparcido por el canal llamado cine.

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“La industria del cine entrará en crisis cuando deje de producir días ficticios y aspire a la verosimilitud”, reflexiona Virilio en otra parte del texto. ¿Cuál es la base de la cinematografía? ¿Cuál es su fin último, o su fin primero en todo caso? ¿No fue la realización de historias fantásticas y ficticias durante sus inicios lo que dio al cine gran impulso como forma narrativa? Tal vez se ha llegado a valorar al cine sobremanera, tal vez se le ha etiquetado pretenciosamente en demasía olvidando la forma más simple del cine que es la de contar historias en imágenes, o tal vez, por el contrario, no se ha hecho la suficiente labor de guiar la cinematografía hacia un rumbo específico.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Mórelia, Mich., México | IMCINE  |  FICM

El silencio de la princesa, semblanza de una actriz mexicana que cayó en el olvido

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Este documental forma parte de la competencia del 12 Festival Internacional de Cine de Morelia.

“Es una pequeña ventana a lo que fue la trayectoria de Diana. La película terminó siendo una semblanza de este personaje al que considero fascinante y único dentro del medio artístico mexicano”…explica en entrevista el realizador egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC).

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“Es un personaje que cayó en el olvido y yo quería que este documento representara el instrumento por el cual esta mujer saliera del anonimato ya que, desde mi punto de vista, tuvo una carrera muy interesante”, agrega el  director de 43 años.

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“Entonces decidimos ir a buscarlos. Aunque hubo muchos obstáculos que hicieron el proceso de rodaje largo, al final pudimos construir una historia que hablara sobre su olvido y los verdaderos motivos que la llevaron a desaparecer de los reflectores”, explica Cañibe.

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-Sinospis-

Diana Mariscal alcanzó un instante de fama en la lejana década de los años sesenta cuando estelarizó, con tan sólo 18 años, la película Fando y Lis de Alejandro Jodorowsky. Aquel instante parecía ser el despegue de una promisoria carrera, pero en realidad ésta se fue diluyendo paulatinamente hasta condenarla al olvido. Cuarenta años después, sin embargo, las huellas de su existencia no han podido ser borradas por completo.

Por: Aprieta Tuercas

“Nacer para esto”

¿Qué hace a Gustavo Cerati un gran músico? La respuesta simple y directa sería “su talento”, pero tal vez no es suficiente. Contrario a muchos que se pierden en el ocaso después de uno o dos discos, el argentino permaneció vigente en el universo musical durante toda su carrera, como líder de Soda Stereo y, después, como solista. ¿Por qué?

Primero, porque en lugar de seguir alguna fórmula – que dejó bien establecida en canciones como ‘Cuando pase el temblor’, ‘Persiana americana’ o ‘De música ligera’− al modo que la mayoría hace para ser rentable comercialmente (pienso en Arjona, tan alabado por su capacidad de crear la misma canción durante casi cuatro décadas), Cerati logró reinventarse en cada disco, abriendo brecha por terrenos inexplorados en la música latina. Segundo, porque tuvo la complicidad de Zeta Bosio y Charly Alberti para llevar por buen cauce ese talento, sacudiendo sin reparos el río aletargado del rock latino. El resultado fue que el trío de la Soda creó el sonido más original e influyente en el panorama de lo que se denomina “música alternativa.” De solista, también se rodeó de músicos que lograron expresar con fortuna sus ideas musicales, como Daniel Melero, Flavius Etcheto o Richard Coleman, entre otros.

Y tercero, por la calidad de sus composiciones, que va de la mano con su negativa a conformarse una fórmula, atreviéndose a experimentar con nuevos sonidos y formas de componer. Basta hacer un repaso por la discografía de Soda para confirmar este hecho. De ser una especie de adaptación al español de The Cure + The Police en los primeros discos (Soda Stereo y Nada Personal), pasaron a forjarse una identidad en Signos y Doble Vida, hasta alcanzar el grado de clásico con Canción Animal. En este punto, parecía que el grupo ya había pavimentado su camino hacia una gloria confortable, pero decidió bifurcar por una senda azarosa, probando con sonidos electrónicos y guitarras distorsionadas en Dynamo (su mejor disco, en mi opinión). Después, vendría Sueño Stereo para consolidar la fusión rockera-electrónica. Y cuando parecía que aún habría más ramificaciones en su camino innovador, el grupo decidió separarse en 1997, pero poco antes dejó una joya como consuelo: Comfort y música para volar, el cual reelaboró canciones previas –‘En la ciudad de la furia’, ‘Un misil en mi placard’ o ‘Té para tres’− que ya nunca volvieron a ser escuchadas igual.

Por otra parte, su calidad también quedó establecida en solitario. Antes de la separación de Soda, Cerati ya había publicado su primer disco solista, Amor Amarillo (1994), que perfeccionaba el experimento iniciado en Dynamo. Para muchos seguidores fieles, éste ha sido su mejor disco ya que dejaba en claro que se había adelantado a su tiempo con su “rock electrónico”. En aquél trabajo había una armonía insospechada entre la música de las consolas (‘Pulsar’ o ‘Ahora es nunca’) y aquélla salida de instrumentos más tradicionales (‘Te llevo para que me lleves’ o ‘Av. Alcorta’).

El uso de computadoras para crear música fue llevado al extremo en Bocanada y Siempre es hoy. El primero es considerado su mejor álbum por la crítica especializada –donde también incluyó una orquesta en la canción ‘Verbo carne’− y el segundo fue una secuela más rockera, con ‘Cosas Imposibles’ como emblema. En Ahí vamos regresó a un sonido más tradicional, usando las guitarras como fundamento apoteósico de un viaje que alcanza su clímax en ‘Lago en el cielo’; y, finalmente, en Fuerza Natural (2009), su último álbum, agregó un poco de folk-country a su sonido electro-rockero.

Anexos a los discos oficiales quedaron tres experimentos: Colores Santos, +Bien y 11 episodios sinfónicos, que fueron tan imprescindibles en su trayectoria como los “capítulos prescindibles” contenidos en la Rayuela de Cortázar. Para resumir, cada disco de la carrera solista de Cerati fue un peldaño más en la escalera espiral hacia el viento que lo llevó a observar horizontes vedados para músicos y escuchas comunes, a la manera de aquél que pudo asomarse un instante fuera de la cueva platónica y vislumbrar un arquetipo.

Breve comparación “Tabú”

Mencioné de pasada a Ricardo Arjona líneas arriba, pero ahora lo uso como ejemplo para contrastar entre un músico regular y un fuera de serie. Para ser más claro, recurro a una comparación literaria para establecer la diferencia entre ambos músicos: Arjona es un equivalente al escritor Jorge Bucay en el campo de las letras, ya que los dos han explotado sus fórmulas de composición aplicando el mismo procedimiento en cada nuevo disco o libro, después de descubrir que eran atractivas para millones. Ser del agrado de la mayoría los ha transformado, sin asombro, en “éxitos de venta” o, para hablar en lengua común, bestsellers. Tener fama y vender mucho no tiene nada de malo –en el fondo, todos quieren una rebanada del pastel− pero utilizo la comparación para resaltar el hecho de que un artista exitoso no necesariamente es un gran artista.

En cambio, un gran artista sí puede ser famoso y ese fue el caso de Cerati, quien sería una especie de Julio Cortázar, porque ambos rompieron esquemas, jugaron con las tradiciones para reinventarlas e intentaron algo distinto en cada nueva obra (por cierto, Cerati murió el 4 de septiembre, poco después de la celebración por los 100 años del nacimiento del cronopio, quien “vio la luz” el 26 de agosto de 1914). Por otra parte, músico y escritor fueron sensibles al “pulso” del tiempo y navegaron por la cresta del cambio (the times they are a-changin’, sentenció para todas las épocas Bob Dylan), guiando a las nuevas generaciones por sonidos o formas de narrar distintas, más acordes con sus inquietudes y pasiones, indescifradas por la generación anterior. Por ello, tanto Cerati como Cortázar fueron seguidos con fervor por los jóvenes.

“Marea de Venus”: la alucinación

A Gustavo Cerati se le califica con frecuencia como “poeta” por la calidad enigmática y evocadora de sus letras. Sin entrar en debate sobre su capacidad lírica, para mí sus letras guardan una cualidad alucinatoria que rima sin cortapisas con su música. No un bardo, pero sí un trovador que comunica los ecos de sueños envueltos en atmósferas claroscuras, de guitarras densas y ligeras (“mójate los labios y sueña”, sugiere en ‘La secuencia inicial’). Poco después del colapso lamentable de 2010 en un concierto en Venezuela, que lo dejó en coma durante cuatro años, un amigo me dijo que Cerati parecía haber anticipado su muerte en las letras sombrías de Fuerza Natural. Yo había escuchado el disco antes, de pasada, sin mayor atención. Pero luego noté que, en algunas, hay un dejo de abandono: Me perdí en el viaje/Nunca me sentí tan bien/Todo por delante/Todo está hablándome (‘Fuerza Natural’); Cerca del final/Sólo falta un paso más/Siento un deja vu (‘Déjà Vu’); En el goteo de la soledad/Es el sonido de alguien que pende de un hilo/¿Hasta dónde lo vamos a estirar? (‘Dominó’); Son los juegos de Neptuno/Quién sabe cuánto habrá que remar/Oh oh oh (‘Sal’); y He visto a Lucy/Cuando entró a la habitación/El espacio se curvó/Vimos luces, y el metrónomo de Dios/Puso el tiempo en suspensión (‘He visto a Lucy’).

Por algún tiempo asumí que el argentino había entrevisto el final y lo plasmó en estas letras. Luego pensé que quizá sólo estaba buscando frases que confirmaran esta impresión, porque, por otra parte, en el mismo disco había otras canciones que reafirmaban su alegría de existir (‘Cactus’ o ‘Tracción a sangre’, por ejemplo). Y, de cualquier forma, los mensajes “oscuros” estaban incluidos en álbumes anteriores: Separarse de la especie/Por algo superior/No es soberbia es amor/…Poder decir adiós/Es crecer (‘Adiós’).

Siempre es arriesgado querer interpretar las canciones para encontrar una intención oculta; puede ser la antesala al ridículo, porque generalmente se escriben siguiendo impulsos ambivalentes, sin reflexiones sesusadas acerca de su significado. Y Cerati, en mi opinión, escribía de esta forma.

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La suposición del final previsto quedó desmentida también por una entrevista que el músico concedió a Fernando Rivera Calderón el 3 de septiembre de 2009, para promocionar su último disco. En ella, el autor de ‘Nada Personal’ se muestra relajado, ajeno a grandezas y satisfecho con su vida. Considera a Fuerza Natural un disco evasivo, igual que toda su música, porque el objetivo final de ésta es transportar a otros confines, quizá más placenteros que la realidad ordinaria.

Confiesa, además, que escribir las letras es lo que más trabajo le cuesta y lo hace después de crear la música: “Tengo que reconocer de que eso es un mayor trabajo para mí, porque no tengo la costumbre de escribir todo el tiempo y sí de hacer música todo el tiempo.” Por otro lado, afirma que es una persona desequilibrada e incluso un tanto bipolar, como la mayoría de la gente (“Dios es bipolar”, escribió en ‘Fuerza natural’) e, incluso, bromea sobre la posibilidad de que Dios sea también sujeto a terapia: “el psicólogo de Dios me gustaría conocerlo… Imagínate la cantidad de conflictos.” Sin embargo, reconoce que la vida artística es desgastante y a los 50 años su prioridad ya no está en los escenarios, sino en su familia.

Con respecto a la alucinación, Cerati asocia a ésta con la psicodelia, que considera un modo artístico próximo a lo infantil y absurdo, como la “patafísica” o la ló(gi)ca de Cortázar, contradiciendo la noción común de que lo psicodélico es producto de las drogas ácidas. Cita como ejemplo a Syd Barrett de Pink Floyd con su frase de “te mando una carta por un lavaropa”. Dice Cerati: “Los niños en general tienen una psicodelia inherente, ellos alteran el espacio y el tiempo de una forma que a nosotros cuando vamos creciendo nos cuesta más.” Podría inferirse, entonces, que la intención del argentino al escribir es captar esa cualidad infantil a través de metáforas que se convierten en juegos o asociaciones insensatas, en una especie de Rayuela musical que trastoca el tiempo y espacio habituales.

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Ya lo anunció Cerati en ‘He visto a Lucy’: “Yo alucino y lo haré mil veces más»

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Fernando Rivera Calderón entrevista a Gustavo Cerati

Realizada el 3 de septiembre del 2009 en el programa de radio La Noche W

Canal de YouTube: El Weso

40:19

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

“Los surcos no se caminan ni se recorren: se labran”

Iván Uriel

Había sucumbido la ciudad de los palacios desde sus ruinas, desolación de los pasos, vacío de la historia, vacío del espacio; vacío de todo lo que abarca, de todo lo que rebasa, había sucumbido la ciudad tras el temblor, había sucumbido la población y la fundacional esperanza; desde sus escombros, emergían los visos de horizontes desdibujados pero existentes, cobijados en la música ligera pero contumaz de un grupo lejano de notas hambrientas, tenaces y liberadoras, notas nacidas bajo el fondo de la dictadura y sobre la liberación, en sus acordes los recuerdos de la guerra, la desaparición y el olvido, en sus acordes el presente y el devenir, un canto para expresar sueños de pesadillas y sombras, puertas para cruzar umbrales de aspiración, ventanas abiertas con miradas a las metáforas.

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Venidos del Sur los cantos tras el temblor aún latente en el dolor, y en esos anhelos vestidos de música, el despertar de la ciudad, el caminar por las rocas, la promesa de reconstruirnos en persianas de erotismo, en las alas de testigos de ironía y falacias. La ciudad habitaba al sur, pero el temblor y la furia también eran comunes, literales y siendo suya la hicimos nuestra.

Después del temblor los despertares, los mareos, las raíces, la luz; nos invadió no el arma sino la lírica de un rock acompasado por banderas que denominamos al idioma que las unía, tantas historias íntimas que nos pertenecían, tantas historias íntimas que dialogaban entre sí no obstante las fronteras que el mismo idioma cruzaba con frenesí, su energía parecía devorarnos en cada letra.

La melodía mecánica dejaba de ser ligera para ser personal y habitar las dobles vidas de naciones enteras, el antes y el después, el pasado y el futuro presente de un genio en cuya voz se anidó el arte capaz de durar siglos o el instante de una quimera permanente.

La voz del genio en la armonía de una banda, el sonido de una conversación vuelto elegía, íntimas las historias, íntimas emociones del colectivo consiente, sensible y voraz, cantos a pedernales giraron al mito compartido, a la espera, a la quietud.

Representante de una época dorada del rock en español, Soda Estéreo significó lo que al pop Mecano brindaba, la alternativa identidad de nuevos ritmos, la innovadora forma de expresar los géneros, la prosa poética enhebrada en los trazos de la imaginaria y en los viajes cuyas huellas permitían seguirles y habitar su universo propio.

Después de la separación de la banda, el genio siguió aportando ahora historias no sólo íntimas sino comunes, no sólo de mundos paralelos sino vivencias citadinas que sabían a experiencias, recorridos literarios en óperas y sinfónicas interpretaciones. El don de tener un estilo y guardar los secretos a todos sabidos de su gracia, después el drama, el acompañado drama que permitió el reconocimiento en vida, pues por más lejano que se escucharan los aplausos y oraciones, retumbaron seguro ese camino de senderos abiertos a la inmortalidad y a la leyenda.

Gracias Maestro por la poesía, por los versos de persianas abiertas, por despertarnos tras los temblores de la ciudad de la furia, hasta siempre Cerati, ¡Gracias totales!

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Cuando Pase el Temblor

Gustavo Cerati

Dir. Alfredo Lois

Soda Estéreo

Argentina, 1985

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com