Por: Alejandra Cuéllar

Durante cinco días en febrero en las pantallas de dos locaciones de la calurosa ciudad de Iquique se proyectaron cortometrajes de ficción, documentales y largometrajes internacionales. Las salas estuvieron llenas a toda hora, se vio mucho cine y el quinto festival de cine de Iquique terminó siendo todo un logro.

“Esta es una iniciativa valiente de gente joven de traer cultura”, comentó el director de cine y televisión Nicolás Acuña durante el festival. “Pasa lo que pasa con todas las cosas, hay mucho que ver en Santiago, poco en otros lugares”.

Ya que Iquique está a más de 1.500 kilómetros de la capital, no es nada fácil transportar las ofertas culturales, especialmente con pocos recursos. Además por varios motivos, sociopolíticos y tristes, como pasa en muchos países latinoamericanos, en Chile es difícil encontrar largometrajes nacionales todos juntos. Por esta razón para mi, ver una muestra de tanto cine chileno reunido fue como exponerme al gran zeitgeist, al espíritu de mi época, al supuesto inconsciente colectivo que el cine como toda expresión cultural, parece enmarcar de manera sorprendente.¿Y qué fue lo que vi? A medida que pasaban los largometrajes chilenos, “Aquí Estoy, Aquí No” de Elisa Eliash, “Educación Física” de Pablo Cerda, “Pérez” de Álvaro Viguera y “Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta” de Ernesto Díaz Espinoza, lo primero que noté fue una extraña similitud entre los personajes que aparecían en pantalla.

Ojo que no estoy diciendo que las películas en si eran parecidas, de hecho no podrían haber sido más distintas en su calidad y su trama.

En “Aquí Estoy, Aquí No” un escritor con mucho sobrepeso intenta escribir la biografía de una ex -rockera que aparentemente muere (inspirada libremente en Vértigo de Hitchkock), “Educación Física” trata sobre la vida de un profesor de educación física con sobrepeso que no recibe ni la atención de sus estudiantes, “Tráiganme la cabeza de la mujer metralleta” cuenta la historia de un hombre que juega video juegos y por error se ve envuelto en una persecución y debe salvar su vida y en “Pérez” un padre simpático con un leve problema de sobrepeso que ha abandonado a su hija, ahora intenta pasar un fin de semana con ella y su nueva pareja, una mujer muy atractiva y bastante menor que él.

Sin querer borrar las idiosincrasias de los largometrajes, me atrevería a decir que al finalizar, todas las películas se me habían convergido en un sólo personaje: el arquetipo del hombre patético, el perfecto anti-héroe chileno.

El anti-héroe se caracteriza por ser el típico loser chileno, un hombre con problemas de sobrepeso, sin un norte claro (pero simpático a pesar de todo), un hombre perdido en una maraña de la situación patética que es su vida y un hombre que aproximadamente cada quince minutos se come un pan amasado, o menciona su deseo por un completo, un sándwich o demás productos de harina blanca; razón concreta de su sobre-peso.

Además en cada película sin falta, el personaje principal se mete con una mujer modelo, flaca, y al final dócil y cómo esto llega a suceder – no queda muy claro tampoco.

 Creo que no puedo estar tan equivocada al pensar que este reiterado anti-héroe representa al ser que sufre los síntomas de la situación actual de Chile, una sociedad en transición y en vía al ‘desarrollo’.

Porque una de las cosas que suceden en este proceso que muchos países en vía al ‘desarrollo’ ‘sufren’, que se llama “La modernización”, es que se obtiene la capacidad de adquirir bienes con más facilidad. Algunos dicen que esta movilidad social a la vez causa el desarrollo de las aspiraciones de una población de ser más y mejor, y a la vez, la desilusión de darse cuenta que no son como los modelos norteamericanos y europeos que se muestran de afuera.

Puede ser que al tener este conflicto de identidad, el personaje anti-héroe abusa del pan amasado para llenar el vacío de una vida sin rumbo. Pero no parece estarle yendo muy bien.

¿Será que lo que el anti-héroe nos dice es que al tener una vida más cómoda, con menos enemigos militares, al vivir en una paz (relativa) se pierdan las ganas reales de pelear por objetivos más grandes que nosotros mismos?

Habrá que contar con más iniciativas como los festivales de cine nacional para saber qué nos diría el inconciente colectivo acerca del pan y sus secuaces.

Pincha aquí quieres conocer  la lista de ganadores del Festival Internacional de Cine de Iquique 2013.

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Alejandra Cuéllar | ale.cuellarcorrea@gmail.com | Blooperos | Chile

Alejandra Cuéllar Correa es periodista, nacida en Colombia y ha trabajado en diversos medios norteamericanos, como «El Tecolote», «El Castro Courrier», «San Francisco Public Press», además de fundar la revista de arte, política y cultura independiente «Eat this». En Chile trabaja junto a la productora audiovisual «El Subsuelo» en un programa de música independiente llamado “Bloop”. Tiene un gran interés por el fomento de una cultura independiente con espacios de diálogo, en donde la audiencia y artistas puedan crear nuevas identidades. Ha escrito varias reseñas sobre cine y le interesa fomentar un diálogo acerca de la identidad cultural vista a través del cine y las artes.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

La teoría llamada “seis grados de separación” propone la idea de que dos personas, cualesquiera que sean en el planeta, pueden ser conectadas con tan solo cinco intermediarios. El sociólogo Duncan Watts en su libro «Six Degrees: The Science of a Connected Age” explica que si una persona conoce a dos personas que conocen a dos personas y así sucesivamente, es posible crear una cadena compleja de conexiones, lo que permite que dos puntos en tal red puedan ser conectados a través de los llamados seis grados de separación.

La teoría inició como una ecuación matemática en los años cincuenta, que tomó forma en 1967 a manos del psicólogo Stanley Milgram, quien ideó un experimento en donde varias personas escogidas al azar enviarían paquetes a distintos destinatarios seleccionados de entre ciudadanos que vivieran en el lado opuesto del país (EUA); pero los paquetes no se enviarían directamente, sino que se les daría a personas que conocieran directamente a los remitentes, esperando ver si alguien tenía contacto directo con el nombre final, de no ser así se pasaría a la siguiente persona y continuaría la cadena hasta encontrar al destinatario. El promedio de intermediarios fue de entre cinco y siete personas, naciendo entonces la llamada frase “seis grados de separación”.

En 1990 John Guare escribió una obra de teatro en donde se retomaba la idea expresada por la teoría (sin ser el tema central el conectar a dos personas a través de cinco intermediarios). La obra fue llevada al cine en 1993 y, en ella, en algún punto, el personaje Ouisa, interpretado en la película (como en el teatro) por Stockard Channing analiza estas conexiones. Ella dice:

“Lo importante es hacer las conexiones correctas para unir los dos puntos”.

Y así es, al conectar a dos personas lo más importantes es enlazar correctamente cada eslabón.

En 1996 Brett C. Tjaden, estudiante de computación en la Universidad de Virginia, creó un programa y lo lanzó como un sitio web de juego al que se denominó «The Oracle of Bacon at Virginia” [el sitio web aún está en funcionamiento]. La idea es conectar al actor Kevin Bacon con cualquier otro actor a través de películas en las que hayan trabajado juntos. Cada enlace se hace a través de la base de datos de la Internet Movie Database (IMDb).

Por ejemplo, para conectar al actor con Christian Bale: Kevin Bacon trabajó con la actriz Calista Flockhart en la película de 1997 “Telling lies in America», quien trabajó con Christian Bale en la película de 1999 “Sueño de una noche de verano”. Una conexión en simplemente un escalón.

 El experimento, por tanto, es posible de lograr con cualquier grupo de actores.

Para conectar a Christian Bale con Sharon Stone: Christian Bale trabajó con Winona Ryder en la versión de 1994 de Mujercitas, la actriz trabajó al lado de Anthony Hopkins en la película dirigida por Francis Ford Coppola, Drácula y Hopkins trabajó junto con Sharon Stone en el largometraje escrito y dirigido por Emilio Estévez, Bobby.

En 2006 se lanzó el concepto como serie de televisión (producido por cierto por J.J. Abrams que tuviera un papel menor en la película Seis grados de separación, de 1993). El programa también  titulado “Seis Grados” retomaba la idea respecto a la conexión entre personas; en ella seis personajes, relacionados de alguna manera, siguen su propia rutina en la ciudad de Nueva York sin darse cuenta de que sus decisiones de vida afectan a otros a su alrededor.

Esta idea, relacionada incluso con el efecto dominó o el efecto mariposa, ha sido motivo de contenido en muchos otros largometrajes (por ejemplo Crash del 2004), películas que demuestran que las personas están conectadas de una u otra manera, argumento central de la teoría de los seis grados de separación.

Aunque para algunos estudiosos el concepto en sí mismo es selectivo, como el proyecto realizado por la empresa Facebook en 2011, en donde se analizaron los datos de los usuarios y se determinó una conexión entre ellos de, en promedio, 5 grados de separación, para otros, la idea central es lo más importante, la relación entre personas y el cómo, incluso sin darse cuenta, cada uno afecta y toca la vida de otros a su alrededor, además de las ilimitadas posibilidades de historias que esto significa, para el cine o más allá.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El lenguaje, la estructura y la forma cinematográfica nunca seguirán los mismos lineamientos que la literatura lleva consigo. Si bien el desarrollo narrativo y de personajes es de gran importancia en ambos rubros, la forma de escritura como tal entre uno y otro sigue diferentes reglas.

 El lenguaje literario, independientemente del estilo y la temática, siempre cuenta con un poder más reflexivo y detallado. Es común encontrar que las novelas, los cuentos y las historias cortas se construyen a través de la descripción tanto de espacios, situaciones, sentimiento y pensamientos. Cuando un libro es adaptado a la pantalla grande, el guión, por su parte, lo constituyen escenas y diálogos, perdiéndose en el proceso de adaptación el análisis que el autor deja en libros y que ha plasmado en su obra.

 

Un buen guión, una buena adaptación de libro a película, lo constituye un trabajo que capta y transmite la esencia de la obra literaria en el trabajo cinematográfico. Mientras la temática, la moraleja, el mensaje, la estructura y el motivo del libro sean expresados dentro de la película, el proceso de adaptación podría considerarse exitoso.

Para muchas personas las mejores adaptaciones son aquellas fieles a la obra, pero esto no significa seguir las páginas de un libro al pie de la letra. Harry Potter, por ejemplo, no sólo es una película que cuenta las historias de un grupo de jóvenes magos, es una historia sobre crecimiento, sobre valores como la amistad, sobre la lucha entre el bien y el mal. Las mejores películas de esta saga son aquellas en las que se crece con el espectador y con el protagonista a la par, tal como sucede en las páginas del libro. Muchos fanáticos de la saga reprocharon la adaptación de los últimos libros de esta franquicia por dejar fuera sucesos y eventos que la autora aborda en sus libros. Como tal, ese es el trabajo del guionista que adapta una obra literaria, el de seleccionar, dar orden y contar la historia que leyó. Determinar si el trabajo está bien o mal hecho es debatible en el sentido de que una película y un libro nunca podrán ser juzgados al mismo nivel. La lógica, los sentidos y el interés que se despierta al leer un libro no son los mismos que se despiertan al ver una película.

El guionista no podrá alcanzar las expectativas de los lectores si no toma en cuenta que se trata de dos trabajos diferentes entre sí.

La tendencia a buscar novelas con el fin de adaptarlas como películas no obedece al cien por ciento a la falta de creatividad, ideas, e historias originales por las que el cine de masas transita, más bien obedece, por mucho, a que un proyecto literario previo significa la mitad de trabajo hecho en cuanto a historia y personajes, como si se tratara de un borrador al que solo le hace falta ser pulido. Entonces, la futura película puede tomar dos rumbos: el primero consiste en acelerar el proceso de escritura y producción y dar un copiar-pegar a la historia; el otro camino es el de dar forma, “adaptar” al lenguaje cinematográfico la obra, poniendo especial énfasis en el ritmo y atención en lo que el espectador quiere para con la película.

Las mejores adaptaciones son aquellas que funcionan en pantalla, independientemente de su éxito, reconocimiento o eficacia en papel. El diablo viste a la moda, por ejemplo, es un libro de lectura ligera pero con un mensaje propio y consciente del viaje de su protagonista a través de sus aventuras. La guionista de la película, Aline Brosh McKenna, toma los aciertos de la novela (personajes, situaciones, escenarios) y los traslada hacia una trama de 109 minutos, con un inicio y un final entretenido, preciso, con un proceso dramático en el medio y con un toque atractivo para el lenguaje visual que el cine, como la imagen en movimiento, representa.

Otras obras atraviesan un proceso opuesto, en donde los aportes cinematográficos no hacen más que perder la frescura y lenguaje presentes en las palabras que el autor plasma en sus páginas; y otras tantas obras son una copia calca del otrora libro en el que se basan, en donde la imaginación y el aprendizaje que se obtiene con la lectura se pierde en la película. Obras como “Ensayo sobre la ceguera”, “El niño con el pijama de rayas” o “Emma” son ejemplos de ello; libros divertidos, entretenidos, educativos, y reflexivos, pero películas promedio que no llegan a ser ni memorables ni trascendentes y mucho menos del mismo grado de impacto social, cultural e intelectual.

Ahora bien, la relación puede darse al reverso y a la inversa, es decir, buen libro-mala película o mal libro-buena película. Y apelando a la lógica matemática, entonces, tanto un buen libro puede significar una buena película, como un mal libro también puede traducirse a una mala película. Por lo tanto, la conclusión no puede ser otra que leer mucho y ver mucho, pero sobre todo, esperar que los guionistas sepan de la labor de adaptación, al tanto de la libertad y la creatividad, a la par de honrar y darle su importancia al trabajo que el autor hace en su obra literaria,» No sólo saber transmitirlo, sino también saber respetarlo.»

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Perla Atanacio

Enero,  comienza un año, persisten los sueños y surgen otros nuevos, re enfocamos nuestra vida y el rumbo que queremos.

Este mes para filmakersmovie también representa los primeros seis de estar en sintonía con todos ustedes,  conociéndonos, mostrando, difundiendo y compartiendo nuestro trabajo y el de grandes realizadores independientes en el mundo, identificándonos con esas historias universales.

Durante 2012, varios fueron los medios que se fijaron en Filmakersmovie, dedicándonos tiempo,  líneas, ligas, “me gustas” y  tiempo al aire.

Es por ello que hoy, que reanudamos nuestras actividades, queremos mencionar y reconocer la labor informativa de cada medio,  invitándolos a verlos, leerlos y disfrutarlos,  en sus respectivas plataformas de difusión.

Noche de Cine

Portal de noticias, con biografías, filmografías, webs de estrellas, películas, carteleras, posters, weblogs cinematográficos, y un sinfín de recursos cinematográficos sobre el séptimo arte. En el mes de agosto de 2012, Rebeca Hernández, nos visitó, nos recomendó en la sección y tuvo a bien evaluar nuestro trabajo.

Director: David Huélamo

Editor: Eduardo Bonafonte

Responsable Centro Virtual Cinematográfico: Rebeca Hernández

Community Manager: José Luis Serrano

Redactoras: Cristina Renedo, Henar Álvarez, Marta Díaz, Paola García.

Noche de Cine.

España

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100 días para encontrar trabajo.

9 de octubre de 2012

Juan Pedro Gálvez es un creativo y guionista español que busca, a través de la web, encontrar una oportunidad de desarrollar para su gran talento e ingenio, siendo la página 100díasparaencontrartrabajo no sólo un reto, sino una ventana en donde nos deja conocer su día a día, volviéndonos su audiencia.

100 días para encontrar trabajo.

España

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Fr@ctal

30 de noviembre, 2012

Importante programa de televisión que revisa lo más destacado en la tecnología en México y el mundo. Conducido por Ana Francisca Vega, desde México para el mundo.

Transmitido por el canal Foro TV bajo la producción de Televisa.

Ver programa aquí.

México

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Clubdigital.mx

3 de diciembre de 2012

Comunidad virtual y presencial que acerca, enseñando a los usuarios, el uso de diferentes herramientas tecnológicas que le permiten desarrollar habilidades y conocimientos informáticos, y de entretenimiento. Compartiendo trabajos, alcanzando retos que facilitan el  aprendizaje. Sin duda una gran innovación en México.

Socios: Secretaria de Comunicaciones y Transportes, Microsoft, Intel, Choose Rigth y Red Hat.

Alma Tello, Asesor de la Coordinación de la Sociedad de la Información y el Conocimiento de la SCT.

Clubdigital.mx

México

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Merca2.0

Revista de Mercadotecnia, Publicidad y Medios.

7 de diciembre 2012

Importante publicación de mercadotecnia, publicidad y medios en México y países de habla hispana. Fernando García se dio el tiempo para recomendarnos y evaluarlos objetivamente.

Merca2.0

México

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Y a todos ustedes que comparten a diario los enlaces de esta humilde plataforma, GRACIAS, pues juntos nos damos conocer y presentamos la calidad de nuestro trabajo para conseguir no sólo mejores oportunidades, sino también, la realización de nuestros sueños e historias, brindando a los usuarios no sólo entretenimiento, sino también, conocer cómo se cuenta la vida de nuestros personajes en el mundo.

Que en este año nos venga lo mejor.

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Perla Atanacio | IMDB |  @pratanacio |  México

Imaginaria Mexicana. Guionista, directora, investigadora social. Productora y diseñadora publicitaria.  Guionista de la serie de tv #HoySoyNadie de Televisa Networks, que aborda redes sociales, concebida a través de plataformas de comunicación. Filmakersmovie combina sus pasiones,  la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

LA RELACIÓN DE: SUJETO – OBJETO EN EL CINE.

Por: Dionisio Ortega | El Pensador Lagunero

El cine. La máquina de los sueños. Es como si la vida fuera la gran ficción de la existencia. Entre ficción y realidad los nexos pueden ser indisolubles. La mirada, la mirada del otro. La imagen audiovisual puede corroborar la psicología de la humanidad. Desde que se invento el cine, los seres humanos se reflejaron en el espejo del alma.

Determinaciones generales. Cuando era niño, me reflejaba en el espejo e imaginaba: Si el espejo tuviese vida, y las situaciones y objetos que inventaba, se reflejasen en un televisor, o en una pantalla de cine; la necesidad buscada, porque vivía enclaustrado en una caja de Pandora. La imaginación me ayudaba a querer mirar lo que no veía, en el mundo de las apariencias. Pero ¡cuidado! mejor hablemos en un sentido colectivo; de la relación de los objetos y los sujetos. El film Amélie dirigido por Jean- Pierre Jeunet, descubre la mirada de las relaciones; es como si  hubiera existido un antes y un después, en la percepción de los objetos.

En la maduración de la existencia, cuando empieza el gusto por ver el cine, la amistad femenina dice: Cuando vas al cine, te sumerges en otra historia, como si el mundo que te rodea, no existiese, durante las horas, que te sientas en la butaca de la sala de  cine. Vivir una catarsis para limpiar la mente de la rutina cotidiana. El ánimo para vivir la historia, de un personaje que apasione. Si hay que mirar atrás, la nostalgia de lo antaño; como por ejemplo el film La vida en rosa dirigido por Olivier Dahan, sobre la vida de Edith Piaf.

Al ser pensante que vive en un mundo alternativo, no le interesa el cine puramente comercial. Quiere descubrí lo extraño, aquello que no es convencional. Sentado, tomando una copa y fumando un cigarrillo, pretende descubrir el elixir de la existencia;  la fortuna y el infortunio de aquellos que vemos en la gran pantalla de la sala de cine; que mejor ejemplo que la recordada Marlene Dietrich, confluencia de todos los sentimientos posibles.

 Es una gran pena que muchas salas de cine hayan desaparecido. En el presente se ha perdido la magia de la gran pantalla de cine, que existió durante el siglo XX. Cuando entré por primera vez, a una sala a ver una película muda; no supe hasta el final, que la música provenía de un pianista que estaba en la oscuridad. Parece que en el irrefrenable devenir del tiempo, se corre el riesgo de perder el misterio.

En los años veinte del siglo XX, Charles Chaplin advierte sobre un mundo hipertrofiado por la modernización. No obstante en el advenimiento del caos, el cinematógrafo, descubre el cine sonoro, y los seres humanos pueden verse exactamente como son. El film Sunset Boulevard, o El crepúsculo de los dioses dirigido por Billy Wilder, dejaba lo que fue una sentencia: Decadencia del pasado, auge del presente. Pasadas las décadas del siglo XX, del blanco negro al color, de los efectos especiales, hemos asistido a la historia audiovisual del actor, de la actriz ¿Qué pasará mas allá del siglo XXI? Los efectos especiales y la tecnología, ¿sustituirán a los actores humanos, por seres cibernéticos? Es una suposición ucrónica que no tiene mucha lógica. Volvamos mejor al presente,  o al pasado, al menos para preservar la historia.

 ¿El cine forma al individuo? Cuando las imágenes son manipuladas, por el director de cine, la historia es otra; empiezan a crearse significados; por ejemplo el film Metrópolis dirigido por Fritz Lang. La politización de la imagen audiovisual. El cine comprometido, con las causas sociales, como el realizado por Ken Loach. El uso del poder comunicacional, para manipular las conciencias; como el documental Videocracy, dirigido por Erick Gandini. La mirada desnuda del espectador. ¿Hasta donde llega la intención del director? ¿Qué desea buscar el espectador? Veamos por ejemplo, el cine como objeto, y el espectador como sujeto. Mas allá de la manipulación de los significados, que alteran las sensibilidades; debería existir la finalidad, de encontrar verdaderos sentimientos, libres de prejuicios, que alimenten el espíritu, un ejemplo palpable es el film Caramel dirigido por Nadine Labaki.

Me refiero a ir más allá del villano o del malo de la película, para evitar las etiquetas que califican, como en el film: La vida es bella de Roberto Benigni. Pero si el cine nos remueve un pasado desagradable de la vida, ¿Qué hacemos? El cine como documento histórico, para no olvidar las atrocidades de la humanidad. Muchas historias heroicas, si la imagen audiovisual nos sirviera, para advertir sobre el peligro de la violencia, como en el film: Asesinos por naturaleza de Oliver Stone.

 El director, el  productor, el espectador, el cinéfilo, ¿Qué finalidad tienen?

Mas allá de los estereotipos cinematográficos, sería loable encontrar un significado psicológico, para los bien pensantes, al menos para sentir un mundo de ensoñación, onírico; en el cine español, encontramos el film Lucia y el sexo de Julio Medem. Al final, el cine es la caja de los sueños, y parece que seguirá siéndolo en el futuro, bajo la influencia de la tecnología audiovisual.

Volviendo al pasado, el film The Artist de Michel Hazanavicius, es una advertencia, para resistirnos a un cambio que no sabemos qué camino puede tener.

En una época convulsa como la que vivimos, el cineasta tendrá que insistir, insistir, para no desfallecer.

 La recordada bailarina Pina Bausch dijo: “Danzad, danzad o estaréis perdidos” aleccionador testimonio del documental que dirigió Wim Wenders.

Caramel | Dir. Nadine Labaki

Líbano 2007

Pina | Dir. Win Wenders

Alemania, 2011

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Dionisio Ortega | El Pensador Lagunero | @pensadorlaguner | España

Escritor, lector. Admirador y observador del arte. Filósofo y reflexivo en la memoria.  Creador de Humberthouse productions en donde cuentas pequeñas historias a través del «vídeo-arte».

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El film noir o cine negro es un género de la cinematografía que se desarrolla en Estados Unidos entre 1940 y 1950. El primero en ocupar este término fue el crítico de cine italiano Nino Frank al referirse al tipo de cine del país norteamericano de la época de los años cuarenta.

Las características del género son específicas y van desde el diseño visual hasta el contenido de las historias.

Tras los años de crisis en Estados Unidos la dinámica social cambiaba, tanto en el ambiente entre las personas como dentro del sistema económico, político y social. La mayoría de las temáticas en las películas del cine negro son reflejo de las diferentes etapas de cambio que se vivían y por lo general iban de la mano de una postura crítica en donde los protagonistas se veían involucrados en distintos crímenes, siendo su labor la de encontrar los medios posibles para resolver casos a pesar de las dificultades del ambiente, del contexto social, de la corrupción, los engaños, el chantaje.

Visualmente las películas se construían con base en el expresionismo. El juego de luz y sombra se juntaba con el uso de claroscuros, texturas y ambientes que resaltarían por la imagen blanco y negro de la época. De esta manera, el tratamiento visual ayudaba a crear sensaciones que alimentaban las situaciones que transcurrían en pantalla; por ejemplo, la angustia cuando un personaje está a punto de ser descubierto como el asesino, o la desesperación al huir durante una persecución, por mencionar algunos.

Otras directrices del género son el marcado prototipo de héroe/antihéroe y la presencia de una mujer fatal dentro del relato. El protagonista por lo general suele ser un personaje de fuerza en su carácter, así como de intrépidas habilidades y conocimientos en el área de la investigación, aunque sus acciones no sean del todo las más respetables. Con ello no se pretendía que el protagonista fuera un hombre modelo, más bien un hombre más realista que se adaptara a las circunstancias: Ejemplo clásico: Humphrey Bogart en The big sleep – El sueño eterno (EUA, 1946), un detective contratado para investigar un chantaje y que en el camino se encuentra con una serie de mentiras y asesinatos por lo que se ve forzado que recurrir a las mismas prácticas con el fin de desenmascarar los motivos reales de los sospechosos.

Por su parte, el personaje principal femenino suele ser una mujer directamente involucrada con el conflicto principal. Como mujer fatale se entiende al personaje que utiliza su sexualidad para atraer y engañar al protagonista, por lo que la convierte generalmente en una especie de villana dentro de la historia. Ejemplo de ello es el personaje de Barbara Stanwyck en Double Indemnity (EUA, 1944). En la película un agente de seguros es convencido por una mujer para arreglar una póliza contra su esposo para después matarlo y quedarse con el dinero, pero en cuanto los jefes del agente comienzan a investigar el caso, el hombre descubre que la mujer no es tan inocente ni confiable como parece.

La película con la que se considera el inició del cine negro fue El Halcón Maltés (EUA, 1941), aunque otras más realizadas en años anteriores también califican dentro del género, pero fue ésta la que puso ciertos criterios específicos a considerar que más tarde fueran catalogados como un estilo de la cinematografía. La película cuenta la historia de un detective contratado por una mujer perseguida por diferentes criminales, en busca de un objeto valioso que se encuentra en su posesión, pero, asesinato tras asesinato, el número de personas en quienes el detective puede confiar se reduce, incluyendo a la mujer.

 Las historias del género también tienen su base en la literatura con las denominadas novelas negras.

Autores como Dashiell Hammett, James M. Cain o Raymond Chandler vieron sus obras llevadas a la pantalla grande e incluso trabajaron como guionistas en el cine. La llave de cristal (EUA, 1942), El cartero siempre llama dos veces (EUA, 1946) y La dalia azul (EUA, 1946) son algunos ejemplos de estos escritores respectivamente.

Otras películas representativas del género son: La carta (EUA, 1940), Rebecca (1940), Laura (EUA, 1944), The killers – Los asesinos (EUA, 1946), Gilda (EUA, 1946), Notorious (EUA, 1946), La dama de Shanghai (EUA, 1948), El tercer hombre (Reino Unido-1949), El crepúsculo de los dioses – Sunset Boulevard (EUA, 1950), Extraños en un tren (EUA, 1951), Touch of Evil (EUA, 1958) e incluso Chinatown (EUA, 1974) o Los Ángeles al desnudo (EUA, 1997), aunque realizadas años después, pero cumpliendo con los parámetros generales del género.

 Muchas películas más son ejemplo de este tipo de cine, siempre con un toque de temática criminal y con un aire de misterio, drama y suspenso.

El prototipo se ha seguido dentro del mundo de la cinematografía a través de los años, pero las variables que se presentaron en aquellos años y que dieron pie al cargado contenido de las historias o a su manufactura de producción y técnicas en áreas como la actuación, la dirección o la escena, son irrepetibles. Sin embargo, el cineasta tiene la oportunidad de analizar aquellas peculiaridades del cine negro y retomar lo más destacado para mejor alimentar y perfeccionar el cine actual.

Film Noir

Realizado por: Matt Fox

DePaul University’s College of Computing and Digital Media

24 | noviembre | 2009

 2:45

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México 

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.

Por: Apolo Atanacio, MD

Los pasos cansados de un hombre, claudicantes para llegar a una cita con la encrucijada de su vida, son el preámbulo para esta historia.

Alberto Robles, es un médico de mediana edad a quien el favor de la riqueza y opulencia no le han sonreído. Dotado de un instinto clínico, casi infalible como pocos , se refugió en el pequeño pueblo de Santa Cruz en el corazón de la sierra, convencido de servir a quienes mas lo necesitan. Ahí ha provisto de atención medica a todos sus pobladores, niños, ancianos, ricos, pobres, siendo más éstos, ya que si el corazón de los pobres se iluminara, este mundo cegaría al sol. Desde  gentiles y nobles de corazón hasta los seres mas viles y despreciables, dilema ético que por su propia convicción de servicio y voluntad, para él no lo es.

Soledad, oriunda de la congregación, mujer de campo, cultivada en la labranza, las labores del hogar y a las tareas propias de la mujer de casa, decide por iniciativa propia trabajar al lado del Dr. Robles, se siente muy agradecida ya que su hermano estaba a punto de morir por una herida y la atención oportuna del galeno salvó la vida del muchacho, evitando que la superchería del brujo local no lo permitiera.

Roque Suazo, amigo de Robles es un pequeño terrateniente, hombre bragado, de una sola pieza, curtido en el machismo puro, con sentimientos burdos pero nobles,  se enamora de Soledad, no sabiendo que su corazón ya pertenece a otro hombre. Tratando de reinventar su vida Alberto tiene hoy  la oportunidad de ser integrado al hospital mas exclusivo de la Cd. de México, teniendo como pacientes a las personalidades de la mas alta sociedad, lo cual representa, prestigio, roce social y dinero, mucho dinero. Que mayor reto que elegir entre la realización económica a la lapidaria carga de su propia vocación.

El Rebozo de Soledad, el una película de 1952 dirigida por Roberto Gavaldón, basada en la obra literaria  del Dr. Xavier López Ferrer, con las actuaciones estelares de Arturo de Córdoba, Stella Inda, Pedro Armendáriz, Domingo Soler y Carlos López Moctezuma.

La disposición a cualquier hora, sea de tarde o madrugada, el consejo esperado, la verdad absoluta y sobre todo el reconocimiento de que es también un ser humano, hacen del médico una carta de presentación. Investidura suave y blanca como el alba que se hace pesada con la gran responsabilidad de cuidar vidas.

Muchas profesiones  persiguen el sueño de la  realización económica y social, algo lógico contemplando la competencia omnipresente en todas las carreras. Pero realmente ¿Qué es lo que vale la pena? Los primeros médicos eran personas con conocimientos empíricos que al pasar del tiempo y el conocimiento los fueron plasmando leyes, doctrinas. Amalgamaban lo que se tenía a la mano por parte de la naturaleza, el uso del sentido común y en ocasiones, acudiendo a la deidad correspondiente en cada cultura, recursos para intentar la mejoría de un enfermo. No obstante,  siempre se mantuvo el pilar fundamental de la práctica médica: Salvaguardar  la vida humana.

Tener el privilegio por designio divino y por vocación natural de mantener el frágil equilibrio entre salud y enfermedad, pero no por favorecer las necesidades materiales como en la actualidad se rige, si no por vocación, por la sencilla necesidad de brindarnos a nuestro semejante sin buscar mayor retribución que verlo restablecido, feliz. Ese es el mejor pago por la dicha y privilegio de ser médicos.

El mundo moderno imprime estatus y reglas sociales que también han trastocado a esta noble profesión, ahora el facultativo que refleja mayores ganancias y títulos es quien se cataloga como el mas exitoso, siendo que en muchos casos hasta pone en riesgo a sus propios pacientes.

Sea médico quien se precie de serlo, ya sea atendiendo a unos cuantos pacientes en pocas horas por una flamante suma o solventando la necesidad de decenas en un solo día sin mayor pago que un… gracias doctor.

El Rebozo de Soledad

Dir. Roberto Gavaldón

México, 1952

1:50:44  | Película completa versión youtube

Apolo Atanacio, MD | México  

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio. 

Por:  Perla R. Atanacio Medellín

Un reto

10 promesas

100 días para encontrar trabajo

Guionista / Redactor / Copy es lo que dice  ser Juan Pedro Gálvez en su presentación, yo  aumentaría a todas las anteriores el adjetivo «ingenioso» pues no todos los guionistas , redactores y copy  lo son, menos para buscar y conseguir un empleo.

En una de mis visitas a linkedin, me encontré con un link poderosamente atractivo para dar click y conocer a Juan Pedro Gálvez, un guionista y redactor español que ha creado y desarrollado todo un concepto para la búsqueda de empleo en su campo laboral: www.100diasparaencontrartrabajo.com.

Con vídeos testimoniales, muy a su estilo, este profesional del guión nos cuenta de las promesas que habrá de cumplir si consigue un empleo, y es que  el ingenio es una gran herramienta para encontrar una fuente de ingreso, y que mejor ocuparla en lo que a uno le apasiona, contar historias y que mejor que la de uno mismo.

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Después de contactarme con Juan Pedro, no hice más que felicitarlo por esta iniciativa, definitivamente es el plot de lo que sería una entretenida serie de televisión/web, un contenido fresco y actual, identificable no sólo con el gremio, sino con todos los jóvenes y no tan jóvenes que envían a diario hojas de vida para desempeñarse en una plaza, con el propósito de hacerlo lo mejor posible, contribuyendo al crecimiento y enriquecimiento de historias ajenas que se vuelven propias y propias que se vuelven de toda una audiencia.

En el guión, encontrar una plaza resulta muy dificil, pues generalmente los equipos creativos se realizan con personas conocidas, cercanas, volviéndose casi impenetrables.

Lo anterior me recuerda lo que hace muy poco me dijo un  creativo de televisión: «hay escritores que escriben en equipo y algunos lo hacen solos», esto último complica más la búsqueda.

El día que el guionista le de la mano al guionista, reconociendo su trabajo,  el gremio se volverá más sólido y surgirán mejores ideas que ofrecer a la audiencia, ansiosa de entretenerse para olvidar el andar cotidiano, en las veces que  lo cotidiano no se apodere de lo inesperado que debe ser el entretenimiento.

Te invitamos a conocer a Juan Pedro Gálvez  y ayudarlo a difundir su mensaje para que pueda cumplir el reto en 100 días.

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Perla Atanacio |  @pratanacio |  México

Imaginaria Mexicana. Guionista, directora, investigadora social. Productora y diseñadora publicitaria.  Actual guionista de la serie de tv #HoySoyNadie de Televisa Networks.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El surrealismo es un movimiento artístico caracterizado por la búsqueda de la interpretación de la realidad a través de la interiorización de los hechos (imaginación, subconsciente e irracionalidad) para exportados hacia un exterior palpable. Las visiones son cambiantes y muy subjetivas, abiertas a un alto nivel de interpretación, expresión y comunicación. Por ello, para muchas personas el estudio del movimiento surrealista significa adentrarse a un mundo difícil de entender que requiere salir de sí para explorar perspectivas poco evidentes pero muy cargadas de información.

Probablemente tanto en éste como en otros movimientos artísticos, la visión propia es la única verdaderamente válida cuando se trata de interpretación de hechos; es difícil entender los verdaderos motivos y pensamientos que llevan a un autor a realizar una obra, pero en el caso del surrealismo, la carga emocional, intelectual y personal es tan fuerte que lo mejor es adoptar como propio el trabajo que se presenta y darle el valor que toma en la vida del espectador.

El cine, y el cine surrealista, no es la excepción en este tipo de procesos. Algunos artistas creen que sus obras dejan de ser propias cuando alguien más, al verlas, escucharlas o mirarlas, las toma como suyas tras explorarlas y aprender, congeniar o disertar de ellas. Uno de los motivos del cine coincide con este pensamiento de colaboración artista-espectador, se alimenta de esta relación, se nutre y crece a fin de motivar a ambas partes implicadas.

 El surrealismo es entonces una reflexión interna del mundo subconsciente, no siempre existe una explicación para todo lo que se ve en pantalla y muchas veces se puede extraer algo de algún rubro cinematográfico de donde otras personas no logran encontrar ningún aporte.

Los sueños han sido para el ser humano una interrogante constante, por ello han sido abordados desde diversos enfoques; mientras que las ciencias lógicas sostienen teorías en donde se explica este estado de la mente como una manifestación del subconsciente, otros personajes más espirituales afirman incluso que se trata de mensajes del alma o seres fantásticos.

Retomar el tema de los sueños desde una enfoque surrealista es enriquecedor y disfrutable, en especial porque no implica forzosamente para el espectador una lógica como tal, los sueños y el surrealismo no deben ser tomados como una fórmula correcta o incorrecta, lo positivo de este movimiento es que la mente puede experimentar, crear y, aunque parezca incomprensible, soñar.

Si, por lo tanto, este tipo de cine es una vía para que el mundo exterior pueda acercarse al estado subconsciente de las personas, entonces ¿estamos hablando de éste como un movimiento revolucionario? ¿O será acaso que el surrealismo ha sido un movimiento incomprendido?

Como corriente artística, y cinematográfica, el surrealismo permite manifestar sentimientos y reclamar atención, en temas generales, sociales y externos, pero sobre todo, dentro de análisis internos y personales, del individuo; más que de las masas, de las personas. Si esto es cierto, entonces el movimiento surrealista puede ser considerado como un reclamo pacifista que demanda reflexión, meditación y relajación.

Tal vez por ello haya surgido el estereotipo de que las personas cuyas obras tengan un tinte surrealista sean personas de pensamiento libre, pero sí, idóneamente lo son, por explorar su capacidad de creatividad y expresión, finalmente, la escuela surrealista exalta las emociones del ser por sobre muchas otras áreas.

El movimiento ha evolucionado, cambiado y se ha adaptado al propio crecimiento artístico mundial. Dentro del cine, el surrealismo no ha sido del todo explorado y comprendido, fácilmente es confundido con un cine experimental, pero ante todo, se encuentra presente en muchas formas de la cinematografía; con películas que forjan su argumento en el estudio de la mente, de los sueños, del arte y de la vida del individuo. Tal vez sólo haga falta poner mayor atención.

Un chien andalou | Un perro andaluz

Dirigido por: Luis Buñuel

Guión: Salvador Dalí y Luis Buñuel.

Francia, 1929

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México 

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Adicta a ver y hacer cine, su palabra clave es “originalidad”.