Reseñas

Metrópolis

Por: Diana Miriam Meléndez Alcántara

Lo mecanizado implica un proceso mecánico, que significa automático, es decir, programado y sin reflexión sobre las acciones que se realizan. Por la forma operativa como las máquinas funcionan, la palabra bien sirve para definirlas, pero a veces el hombre, en su organización y respuesta predispuesta, sin consciencia, también actúa de esta manera.

La película Metrópolis (República de Weimar, 1927), considerada ‘Memoria del Mundo’ por la Unesco y exponente de la corriente del expresionismo alemán, fue dirigida por Fritz Lang y escrita por éste junto a Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de ella. Protagonizada por Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel y Rudolf Klein-Rogge, la historia trata de una sociedad futurista en la que las clases sociales están marcadamente divididas. La clase adinerada y en el poder vive los lujos que obtiene del trabajo de la clase obrera, que literalmente viven bajo tierra, trabajando excesivamente con jornadas de explotación laboral. La ‘alienación del trabajo’ en términos de Karl Marx (1818-1883), cuya teoría dice que en el sistema capitalista, el trabajador, la fuerza de trabajo, no es tratado como una persona, sino una mercancía, utilizable y equivalente a dinero.

Los obreros en la película, sin embargo, reciben esperanza de María, la hija de uno de estos trabajadores, cuyo discurso de unión y solidaridad mantiene a la clase social de abajo deseando un cambio y, más importante, la posibilidad de éste.

El señor Fredersen, el dirigente de la ciudad, intenta encontrar una forma de mantener a sus trabajadores alineados, poniendo medidas que limitan la libertad de pensamiento de los obreros, específicamente con jornadas laborales excesivas y trabajos mecanizados que han vuelto a las personas sumisas, obedientes y automáticas. Su hijo por su parte, aprende de la realidad del mundo en el que vive cuando un día decide seguir a María, de quien se enamora. Allí descubre una verdad que hasta entonces desconocía, tanto por desidia como por ignorancia, que sus similares no viven en un mismo ambiente como él, que sus similares son tratados diferente, que la gente, que es, vive y piensa como él, tiene un estilo de vida muy distinto sólo por provenir de una clase social que la organización social considera ‘inferior’.

Freder se pregunta cómo es que su padre es capaz de tratar así a las personas y someterlas a una explotación laboral como la que viven los obreros. Le pregunta entonces qué pasaría si los obreros se unieran y se pusieran en su contra, sabiendo no sólo que los trabajadores son mayoría, sino que ellos son quienes con sus manos han edificado la ciudad.

María, que lidera a un grupo de obreros que buscan mejores oportunidades, menciona que, en efecto, la ciudad es producto de su trabajo; ellos, los obreros, construyeron los edificios y hacen a la ciudad funcionar porque son ellos quienes manejan las máquinas que hacen que la ciudad tenga ‘vida’; alguien tiene que activarla, encender los generadores de luz, por ejemplo, o los sistemas de transporte, etcétera.

Ella insiste que la clave es el balance, que se logre alcanzar un entendimiento entre el planeador y el constructor, es decir, entre el dueño de los medios de producción y los obreros que los trabajan. En esta ciudad, Metrópolis, esto aún no sucede y el resultado es un grupo de empleados explotados, descontentos y condicionados, frente un grupo de empleadores que en su afán de hacer su proyecto funcionar, han recurrido a un sistema falto de humanidad y de ética hacia las personas que para ellos trabajan.

Tanto María como Freder llaman a los otros ciudadanos ‘hermanos’, porque son gente como ellos, que respira, sonríe, anhela y sufre. Estos dos personajes muestran empatía por la gente que les rodea, porque los ven como similares, no más, no menos, sino equivalentes. Y como tal se preguntan, ¿por qué algunos tienen más o menos que otros, si todos somos iguales? ¿Por qué hay privilegiados y explotados, si todos en Metrópolis son ciudadanos que conviven en un mismo mundo?

Pero el señor Fredersen tiene un nuevo plan de control, gracias a la llegada de las máquinas y específicamente de los robots, uno además muy similar, en especial físicamente, a los humanos. “He creado una máquina a imagen del hombre, pero que nunca descansa ni comete errores. Ya no necesitamos trabajadores”, le dice el inventor de este robot al señor Fredersen.

Este robot que el inventor propone, presentándolo como la máquina que no se equivoca y tampoco descansa, implica un ‘trabajador’ al que se le puede explotar, creyendo que esto es mejor para humano, o para un grupo exclusivo de ellos; no previendo las fallas que la máquina pueda sufrir, a corto, mediano o largo plazo. Las personas miran el beneficio, su beneficio, al usar la máquina, el invento, pero no vislumbran los contras que su presencia y su uso puedan traer consigo, sino hasta que ya es demasiado tarde y lo hayan ya rebasado a él y su sociedad.

La idea de Fredersen es reemplazar con máquinas, a las cuales controle mejor y más precisamente, a todos los trabajadores; sustituirlos, aprovechando que el sistema ya está mecanizado en muchos sentidos, en una ciudad que trabaja gracias a tecnología e industria masiva que ha vuelto al mundo y los medios de producción una serie de procesos coordinados, con reglas estrictas diseñadas para beneficiar a pocos a costa del trabajo de los muchos.

Lo que la clase pudiente en esta sociedad quiere es construcciones que les beneficien a ellos, no a la mayoría; lo que quieren es trabajadores que obedezcan, que no piensen, que hagan lo que les dicen. Lo han logrado explotando a los obreros, pero pretenden dar el siguiente paso con las máquinas, esperando que éstas, debido a sus programas, piensen aún menos que el hombre.

El problema de los obreros no es rebelarse, es hacerlo sin entender el panorama que esto implica. Están tan predeterminados a actuar y pensar de una cierta forma, la que la clase alta les dice, que no saben cómo expresarse o cómo conseguir lo que desean. María pide paz y empatía, cordialidad y diálogo entre las partes, pero lo que el señor Fredersen logra, convirtiendo al robot a semejanza de María y haciéndole tomar el lugar de la chica, es despertar el caos entre las personas, incitándolas a la violencia.

Lo que el señor Fredersen busca alcanzar no sólo es crear conflicto para después mostrarse él como el salvador, sino lograr que los propios obreros se destruyan a ellos mismos, como personas actuando en contra de su sociedad, pero también como medio de producción primordial. Que su fuerza se convierta en su perdición y que la destrucción, en lugar de dar paso a la revolución, haga a la gente más dócil, más manipulable.

Lo que se espera es destruirlo todo para reconstruir desde cero, según los deseos e intereses de una clase exclusiva y sin tomar en cuenta lo que la mayoría de la población necesita.

El plan que María propone es enmendar errores, cambiar, adaptarse en lugar de voltear la cara al problema. Frederse llama, a través del robot María, a destruir a las máquinas viejas para que las nuevas y mejores lleguen a sustituirlas, incluso éstas aún son funcionales. Su pensamiento no sólo es el de reemplazar, sino que la máquina está por encima del hombre, y específicamente del obrero.

Cuando los obreros se deciden destruir su ciudad, bajo suelo, tampoco entienden que el sistema en que viven, en el que han dejado reinar a la máquina por sobre ellos, depende tanto ya de estos inventos que, destruir a las máquinas significa ahora destruirlo todo, destruirse ellos.

En un mundo lleno de aparatos industrializados, es el hombre el que actúa como robot, de forma mecanizada, como bien lo representa la película con el actuar de los obreros. Son ellos los que ya no se detienen a pensar, porque trabajando más de diez horas al día, limitan su tiempo de recreación y reflexión, reaccionan sin crítica y omiten el análisis, porque ya están tan acostumbrados a hacer lo que se les dicta que ellos mismos no saben cómo observar el contexto para entonces tomar decisiones.

Uno de los ejemplos que explica María, para demostrar la calidad de su situación, es el de la Torre de Babel, una edificación que promete unificación pero que al final, es construida por la mayoría, para complacer a una minoría; un lugar donde haya un solo lenguaje, pero en donde los arquitectos no pueden si quiera comunicarse para hacerla una realidad. “Alabanza de pocos, tormento de muchos”, explica la joven, señalando que el profesar un estado de unión y hermandad no debe limitarse a las palabras y las promesas, sino que debe traducirse también en acciones.

Cuando María dice que debe haber un entendimiento entre quienes planean la construcción y quienes la llevan a cabo, ella habla de un elemento clave para que esto suceda, corazón; algo que, no sólo no tiene la máquina, y no lo entiende tampoco, sino que no es mecánico, más bien cambiante, porque se adapta a la realidad del contexto y de la gente, como valor humano, reflexivo, que requiere de análisis y empatía.

Metrópolis

Dir. Fritz Lang

Alemania, 1927

Transformación de María  3:00

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Julien Donkey-Boy

Por: Montserrat Varela

Con el mismísimo Werner Herzog como el cínico padre del protagonista, la impactante cinta de Harmony Korine causa el efecto deseado: perturbar y al mismo tiempo conmover al espectador. Ya lo había logrado antes el director con Gummo, otra gran cinta digna de su propia reseña, pero en este largometraje adscrito al movimiento Dogma95, Korine explora no nada más una familia disfuncional “white trash” como lo hizo antes, sino a la abrumadora enfermedad de Julien, la esquizofrenia, que sorprendentemente parece no rebasar a las viciosas actitudes de sus familiares y la gente a su alrededor. El caos reina la cabeza de Julian así como en toda la película.

Basado en la experiencia personal que vivió con su tío esquizofrénico, Korine arma un guión que retrata a una familia rota donde la madre muere al dar a luz al hijo menor así que solamente existe un padre bastante intolerante, un hijo mayor obsesionado con su aspecto, una hija embarazada probablemente del protagonista y Julien, poeta y argonauta en un mundo que pareciera muy distinto al de todos los demás por estar partido en diversas personalidades, conflictos y fobias pero que finalmente se nos revela muy parecido al mundo de todos los que nos consideramos “sanos mentales”.

Dentro de lo podrido, lo sórdido y lo perturbador de sus personajes y sus historias, Korine siempre nos deja un atisbo de esperanza, una salvación. Así, Julien nos conmueve profundamente cuando recita para toda la familia a la hora de la comida un poema sobre “el caos”; nos conmueve cuando habla por teléfono con una madre imaginaria que le permite sostenerse y sentirse aceptado; nos conmueve viéndolo luchar sobre el suelo con sus hermanos, jugando… Julien es casi un hombre pero inevitablemente seguirá siendo también un niño para siempre y un enfermo en un mundo tan esquizofrénico como él.

Julien Donkey-Boy

Dir. Harmony Korine

Trailer 2:31

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México | moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

Happy-go-lucky

Por: Montserrat Varela

Como una bocanada de aire fresco llega Poppy a mostrarnos un pedazo de su vida. Alguien robó su bicicleta así que para ella es momento de aprender a manejar. Nuestra protagonista, personificada por la excelente actriz inglesa Sally Hawkins, es una mujer de treinta años extrañamente feliz. Esto, para muchos que no conocen el cine de Mike Leigh, director de este film, puede resultar inquietante o hasta molesto, esa misma molestia que el antagonista instructor de manejo siente al relacionarse con Poppy hasta causarle rechazo. Así, la historia transcurre durante unos cuantos días de la vida de esta chica maestra de kínder, soltera, que constantemente se procura una vida agradable mientras que en el camino se va topando con personajes que se frustran ante lo que parecería su «buena fortuna«.

Un tema poco explorado, una anécdota sencilla y fresca y una visión de la vida en donde se incita hacia la reflexión, a preguntándonos cuál es nuestra necesidad de complicarnos, de pasar malos momentos, de amargarnos cuando la verdad es que gran parte del camino que recorremos lo construye nuestra actitud ante los problemas que se nos presentan.

Aleccionadora pero sin caer en un tono didáctico, manteniendo la astucia para abordar estos temas, Happy-go-lucky es la historia de la felicidad posible dentro de la simplicidad de la vida y la perspectiva positiva. Para muchos, Poppy es un personaje irritante pues no permite perturbarse demasiado por su entorno, hay un equilibrio interno y una seguridad en atreverse a ser quién es que inspira.

Happy-go-lucky

Dir. Mike Leigh

UK, 2008

Trailer 2:01

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México | moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

EL ESTABLECIMIENTO DE LA VERDAD EN UN DULCE OLOR A MUERTE

Por:  José Antonio Durand Alcántara

La película Un dulce olor a muerte (realizada por Gabriel Retes, 1999) constituye un muy buen ejemplo de la forma como se produce la verdad por consenso; construcción con base en acuerdos de voluntades y al margen de lo cierto.

Michel Foucault, en su soberbio e indispensable ensayo “La casa de la locura”, señala que la verdad se convoca por medio de rituales, se le atrae según estrategias, para quedar sometida al juego azaroso de las dominaciones como entidad política, donde lo cierto, el hecho veraz, no importa pues casi nunca tendrá cabida en un discurso dispuesto para la dominancia.

En el filme citado se aprecia con claridad varios momentos del proceso constitutivo de verdades basado en consensos carentes de pruebas empíricas que les den certidumbre, y que irremediablemente se imponen entre la gente como realidades objetivas, y de los cuales habré de referirme a dos de ellos que aparecen como entidades de certeza de una comunidad proclive a la ocultación, al simulacro y al engaño como fórmula inequívoca de convivencia y supervivencia de la clase media y media alta en un ilusorio ámbito rural mexicano. Escenario por demás propicio para establecer la forma fallida como se resuelve en la apariencia una pesquisa policíaca.

El contexto en el que se desenvuelve la trama moralizante de la cinta es un feudo donde la corrupción es el signo elocuente de una complicidad ampliamente compartida.

Resulta pues que una relativamente inofensiva confusión que da lugar, a su vez, a una aparentemente irrelevante mentira termina por convertirse en verdad, desprovista de lo que llamaría Frege referente veritativo, como resulta ser el inexistente noviazgo que sin escrúpulos Ramón (Diego Luna) admite haber sostenido con la mujer asesinada, pudiendo suponerse que el protagonista asume tal papel otorgando calidad de cierto a la impostura de ser el novio por el status que de ello deriva: prestigio ante su grupo de pares y en general ante la comunidad dada la inobjetable belleza de la joven muerta.

El segundo momento de supuesta verdad, vale decir de mentira validada como verdad, es la presunta culpabilidad asignada al errabundo Gitano, a ese personaje cuyo solo sobrenombre alude ya a extranjería, a nulas raíces, a ausencia de compromisos, que se yerguen como antítesis de los valores sustentados en el feudo de Carrasco.

Por otra parte, no parece ser casual que el nombre del representante de la justicia sea Justino: anciano de marcha claudicante en metáfora alusiva de la cojera de una justicia que tropieza con usos y costumbres de la comunidad, igualmente corrupta, quien le asignó a Justino la tarea de convertir en culpables a inocentes exonerando al verdadero asesino, como muestra elocuente de la decrepitud con que camina esa justicia de bastón.

La novia ficticia de Ramón, ante el deseo de hacer del conocimiento público la clandestina relación que sostiene con un hombre casado, sufre la muerte a manos de su verdadero amante, el cual prefiere matarla antes de que se descubra la infidelidad de un esposo para quien las apariencias y las simulaciones son indispensables en ese frágil ordenamiento del mundo con que vive o sobrevive Carrasco.

Finalmente, considero que Un dulce olor a muerte es una excelente película que mueve de manera inteligente al espectador, hacia un cúmulo de interrogaciones sobre sus propios valores y principios.

Un dulce olor a muerte

Dir. Gabriel Retes

México, 1999

Preview 11:42

José Antonio Durand Alcántara | Académico y Escritor | México

Mtro. en Sociología y Doctorante en Antropología Social por la UNAM. Presidente de la Academia Literaria de la Ciudad de México A.C. y Profesor de la Humanidades de la Facultad de Estudios Superiores Zaragoza. Es miembro del Consejo de Vigilancia de la Academia Mexicana para la Educacion e Investigación en Ciencias, Artes y Humanidades. Ganador del Consurso “Cuento, Poesía y Periodismo” UAM 1983 entre otros. Autor de varios libros de poesía y cuento, obtuvo el reconomicimiento por sus aportaciones a la difusión de la cultura y el arte por el INDAUTOR 2005, fue traducido al francés en la Antología México-Québec 2008, y recibió el Premio Nacional a la Gestión Cultural 2017 durante los trabajos del 6to Maratón Nacional de Lectura en la Biblioteca Carlos Fuentes.

Nerve: Un juego sin reglas

Por: Diana Miriam Meléndez Alcántara

Cuando se habla de la era de la información, se hace referencia a una época en la que todo se encuentra en un mundo digital, libre, abierto y, aparentemente, sin restricciones; una realidad donde la tecnología y la informática son el motor de una sociedad. En la actualidad las redes son la prioridad para la obtención de datos y conocimiento de hechos de muchas personas, lo que ahí sucede, se ve, se publica, se comenta y se comparte; pero así como esto tiene sus pros para lograr una conectividad más inmediata, en lo cotidiano también existen varios contras que afectan tanto el conocimiento como el flujo de información verídica.

La vasta cantidad de información compartida crece de forma desmedida y esto termina creando una enajenación y alienación. La gente reacciona a sus alrededores, a lo que sucede en la Internet y con los videos e imágenes con que se topa, pero su relación se vuelve tan dependiente que el hombre comienza a dejar de pensar para convertirse en un ser pasivo. El mundo digital que le rodea lo vuelve ajeno a la realidad en la que vive.

A raíz de estas ideas se plantean las bases para la película Nerve: Un juego sin reglas (EUA, 2016), escrita por Jessica Sharzer, basándose en la novela homónima de Jeanne Ryan, y dirigida por Henry Joost y Ariel Schulman. El proyecto cinematográfico cuenta con las actuaciones de Emma Roberts, Dave Franco, Emily Meade, Colson Baker (conocido artísticamente como Machine Gun Kelly), Juliette Lewis y Miles Heizer, en los papeles principales.

Nerve es un juego en internet, inventado para la historia, donde la gente que participa debe cumplir diversos retos a cambio de dinero, se trata de distintas pruebas propuestas por los mismos usuarios que miran y que a su vez pagan una cuota por el derecho a participar como ‘observadores’. La idea es que cada reto sea grabado y transmitido en vivo; mientras más observadores sigan la transmisión, mejor posicionado en el ranking se verá el jugador. El propósito básico de la mercadotecnia: pagar por disfrutar consumo [ver, escribir, proponer, juzgar], sin importar los efectos éticos del asunto.

La historia tiene como protagonista a Vee, una chica infantil e inmadura, insegura, temerosa y, por tanto, tímida, poco arriesgada, que vive complaciendo a los demás. Su mejor amiga, jugadora de Nerve, le dice que es tiempo de tomar oportunidades y vivir al momento, inclusive si ella misma tampoco sabe medir las consecuencias de su impulsividad. En consecuencia, Vee deja de ser una ‘observadora’, usuaria del juego, para convertirse en ‘Jugadora’, participante del mismo.

El mecanismo de la dinámica como tal, refleja los riesgos que existen en esta era de la información. Si todo está en la red, todo se vuelve público; se pierde la privacidad, pero también comienza a pasar lo mismo con la identidad. La gente que organiza, administra y vende el juego en la película, gracias al control que ejerce sobre los que libremente se inscriben, en un obvio ejercicio de compraventa, donde se puede conocer de gustos, intereses, costumbres o debilidades de sus jugadores, extrayendo información de sus perfiles de cuentas en Internet, Facebook, Instagram, Twitter, etcétera, sobre sus familias, su persona o sus rutinas, información que utilizarán en su contra, para forzarlos a seguir en el juego, chantajeándolos, o para ponerles pruebas más complicadas basándose en, por ejemplo, sus miedos. Es su presencia en la red, lo que informan y comentan sobre su propia vida, lo que eventualmente hace a los jugadores vulnerables, algo de lo que de entrada no se dan cuenta las personas, ni la mayoría de los jugadores de la historia; tal y como en la vida real se presenta hoy en día.

El juego en sí, en su dinámica y forma de operar, es una explotación de cómo la red controla, maneja y comparte la información. Los usuarios del juego miran y documentan todo, absorben indistintamente todo lo que se les pone enfrente, alejados de la realidad, de los retos, de las emociones humanas que se viven en ellos, porque no los presencian directamente, sino a través de una pantalla. Se promueve el morbo como espectáculo y entretenimiento y ello lleva al desgaste y la pérdida de los valores y la ética. La gente mira porque cree que lo hace en el anonimato y eso sólo propicia más indiferencia social.

Los retos van creciendo en intensidad e incluso poniendo en peligro la vida de los jugadores, pero el incentivo monetario mantiene a los participantes activos en la competencia, peleando con sus semejantes en un esquema regido por la rivalidad y la popularidad, mientras los observadores se continúan alimentando (consumiendo) de una exhibición de la que se creen distantes, inclusive indiferentes en cierto grado, porque sólo miran desde lejos, bajo la idea de que nada tienen que ver en lo que hacen otros, los jugadores, sin entender que, mirando el espectáculo, votando o promoviendo retos, son también responsable de los que sucede, aunque sea de forma indirecta, porque aunque sólo viendo desde sus celulares, computadoras o tabletas, hacen crecer el juego, lo promueven más con su presencia, su presencia digital.

¿Por qué jugar? Para algunos es llamar la atención, para otros es ganar la sensación de control, sobre su vida, decisiones y futuro, para otros es entretenimiento y para otros es necesidad (probablemente financiera). El público meta son los jóvenes, la esfera de la población susceptible a ser impresionable, propensa a ser partícipe por su relación ya establecida y estrecha con la tecnología y la era de la información; personas maleables dada la época de crecimiento que viven, una adolescencia y adultez en busca de emociones, adrenalina y retos, en donde la inmadurez es la suficiente para cegar su juicio e invitarles a dejar de medir las consecuencias de sus acciones.

El juego engaña deliberadamente con el viejo discurso de ‘vive el momento y el ahora’, promoviendo lo inmediatez sin pensar en las consecuencias, atrapando con la idea de que participar, convertirse en jugadores, vuelve a las personas en gente activa, no pasiva; lo que el juego nunca explica son los efectos secundarios, a costa de qué o qué se da a cambio de esa sensación de libertad y autonomía. Los jóvenes parecen querer proclamar su independencia aceptando las condiciones del juego y los retos, que terceros proponen y califican, creyendo que eso significa decisión de juicio, cambio o autosuficiencia, cuando en realidad es todo lo contrario. Cada persona es responsable de sus decisiones, pero en este caso, su elección sólo los lleva a convertirse en piezas de un tablero controlado por otros, que se aprovechan de ellos para su beneficio propio, siempre en el marco de un afán exhibicionista para ser aceptado y reconocido.

La red se convierte en una careta, una que parece permitirlo todo; con la excusa de que se trata de un juego que se maneja a través de internet, todo se vuelve efímero. La gente que está ahí sólo por la fama pasajera, se dará cuenta que para el sistema, el juego, ellos son piezas que cumplen una función, momentánea, en donde eventualmente se vuelven desechables, reemplazables incluso.  La red anónima donde seguidores, público e incluso jugadores existen, pero no existen. La evidencia de lo que sucede queda perdida en el ciberespacio, un lugar donde regulaciones y reglas aún están difusas y no siempre bien reglamentadas.

Se comenten delitos cibernéticos, por ejemplo, que los administradores saben cómo encubrir aprovechándose de las mismas fallas o huecos sin explorar de la era de la digitalización (el código abierto de la página web hace que los servidores conectados se vuelvan una barra protectora que no permite identificar la fuente de origen del juego). Estos crímenes, sin embargo, también son sólo posibles por la misma dinámica de la informática: poder robar dinero de una cuenta de banco porque ésta está ligada a la información, también disponible en la red, de su propietaria, es un buen ejemplo.

Con estos elementos de historia, la película evidencia cómo el mundo opera en una sociedad del espectáculo, en donde la dinámica de convivencia se vuelve impersonal, muchas veces debido a las mismas redes sociales, en donde el todo ‘compartido’ más bien acrecienta el distanciamiento y la superficialidad. La comunicación que se maneja en la red y el cómo se maneja pretende facilitar la socialización, pero olvida que su misma naturaleza hace que fácilmente pueda también manipularse, para convertirse así en obstáculo de las relaciones humanas, el desarrollo personal y la convivencia social.

Nerve: Un juego sin reglas

Dirs. Ariel Schulman & Henry Joost

Estados Unidos, 2016

Trailer 2:35

Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Las Acacias

Por: Montserrat Varela

Una joyita del cine Argentino que vio la luz en el 2011 y desafortunadamente no tuvo la difusión que merece, “Las Acacias”, dirigida por Pablo Giorgelli y escrita por el mismo Pablo y Salvador Roselli, largometraje ganador de la Cámara de Oro en Cannes como mejor ópera prima entre otros múltiples premios, es una conmovedora road movie que sin duda no se deben perder.

La anécdota se centra en la relación entre Rubén, un camionero gruñón que transporta madera (de acacias) y Jacinta, una mujer joven que contrata a Rubén para que la lleve desde Paragüay hasta Argentina.

La película inicia cuando Jacinta llega tarde a la cita por lo que Rubén ya la espera molesto, sin embargo, el conflicto principal es que Jacinta sube al camión con una acompañante que deliberadamente omitió mencionarle a Rubén: Anahí, su pequeña bebé.

 “Las Acacias” aborda con sencillez tópicos universales como son la empatía, la soledad, nuestra profunda necesidad de amar y “la capacidad de reconstrucción que hay en cada uno de nosotros”, según palabras del propio director.

La temática simple y “limpia” de su historia resulta contundente para el espectador. Como en la música, los largos silencios que integran el trayecto de estos tres personajes, abundan en significado. No hay música de fondo ni parafernalias fuera de la historia central, el camino y las grandes actuaciones de los protagonistas, mismas que se perciben completamente orgánicas; tanto es así, que dan la sensación de pertenecer a un documento más que a una ficción. Para la sorpresa total de la audiencia, la pequeña Anahí, a pesar de su corta edad, despeña un maravilloso papel co-protagónico al mostrar una amplia gama de sentimientos digna de una verdadera actriz.

Las Acacias

Dir. Pablo Giorgelli

Argentina, 2011

Trailer 1:42

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México | moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

Bombón: el perro

Por: Montserrat Varela

De nombre original “Bombón: le chien”, aunque la película sea argentina con co-producción española y el título esté mitad en español y mitad en francés, esta maravillosa cinta de 2004 dirigida por Carlos Sorín y escrita por el mismo Sorín, Santiago Calori y Salvador Roselli, nos confirma una vez más quién es el verdadero mejor amigo del hombre.

La historia la protagoniza Coco, un hombre humilde, oriundo de la Patagonia, que vende cuchillos de casa en casa para ganarse la vida. Ante la prácticamente nula demanda de cuchillos y el deseo real de Coco que es cambiar de trabajo para ser empleado en una gasolinera y así ayudar a su hija y nietos con los gastos, nuestro protagonista emprende una búsqueda incesante. Desafortunadamente, pronto se topa con que, debido a su edad madura, el sueño de conseguir algo mejor a lo cual dedicarse es casi imposible. Sin embargo, bien dicen que “dios aprieta, pero no ahorca” así que la vida le tiene preparada una gran sorpresa cuando, por agradecimiento al ayudar a una mujer a quien se le descompone el coche, es recompensando con un dogo argentino al que por error entiende que se llama “Lechien” (refiriéndose a le chien, que significa perro en francés).

Un poco renuente al principio de tener “otra boca más qué alimentar”, Coco se lleva a su nuevo compañero y de inmediato su suerte empieza a cambiar pues le ofrecen mejores trabajos como el de guardia de seguridad, entre otros.

En realidad, el verdadero nombre de su perro es “Bombón” y este no es un perro cualquiera, sino un finísimo perro de exhibición, según le explica a Coco el Sr. Walter, un entrenador que conoce en el camino y que desea competir a Bombón cuanto antes para así sacar provecho de él.

Temas como la bondad y la lealtad son la columna vertebral en esta conmovedora y divertida cinta y claramente su estructura nos remite al “viaje del héroe”, con la singularidad de que este héroe va acompañado durante casi todo el film del que se volverá sin duda su mejor amigo: “Lechien”.

Bombón: el perro

Dir. Carlos Sorín

Argentina 2005

Trailer

Montserrat Varela | Escritora y guionista | México moonvaliente1q81@gmail.com

Nacida en la Ciudad de México. Estudió actuación en el Centro de Arte Dramático, A.C.. Becaria en la Fundación para las Letras Mexicanas. Ha publicado para la editorial Endora. Trabajó como guionista de series de TV para Grupo Odín Dupeyron . Es miembro de la Academia Literaria de la CDMX. Ganadora  de varios premios por su guion “Alicia” co-escrito con Michael Rowe. Su primer libro fue “Milagritos”, publicado por la editorial Cartopirata. Participó en la residencia para guionistas “Visiones en el Desierto”.  Recientemente publicó su segundo libro de cuentos “Adán (Sin Eva)”  y próximamente la antología “Narraciones con enfoque social” de la IBERO León.

“EL HOMBRE DE LA CÁMARA” DE DZIGA VERTOV

Por: José Antonio Durand Alcántara

Al parecer, el peso de la ideología prevaleciente en la coyuntura socio política que se vive a finales de la década de los veinte del siglo recién concluido, particularmente en la entonces relativamente recién creada URSS, influye de manera determinante en la realización de esta película de Dziga Vertov, toda vez que este director asume un concepto consecuente con tal momento histórico al emitir una especie de crítica hacia el cine, digamos, tradicional: el que tiene como base una trama de ficción que en muchos casos se apoya en artificios fílmicos y que se desarrolla con actores representando una realidad deformada cuando no del todo inexistente.

Puede considerarse que uno de los soportes básicos en la construcción de un nuevo sistema social de componente marxista-leninista fue el concepto de “realidad” que interesó, desde luego, el ámbito de la creación artística en todas sus manifestaciones incluido evidentemente el del cinematógrafo del que se exigía una producción sin “maquillaje”, que permitiera la toma de conciencia respecto a determinadas situaciones evidenciadas a través de la cámara pretendidamente imparcial que buscaría dar fe de la “realidad total” sin reservas ni tendencias.

Así, con el autoencargo de ofrecer a la nueva sociedad socialista y al mundo en general un concepto diferente de cine sin retoque que, en oposición a las películas “decadentes” del sistema capitalista -basado en la propiedad privada sobre los medios de producción y en la explotación del hombre por el hombre-, presentara al espectador “la realidad” sin mediación alguna de los tradicionales filtros y vicios en los que supuestamente incurrían los filmes hasta entonces producidos fundamentalmente por Holywood, Dziga Vertov realiza la sorprendente película que ahora nos ocupa.

Con este propósito, hoy día necesariamente considerado en espacios académicos como ingenuo en extremo, Dziga Vertov presenta aspectos muy variados y por demás ricos de la vida cotidiana de una gran ciudad socialista (¿Moscú? ¿Leningrado?) en una especie de catarata de imágenes que no obstante su diversidad, establecen una estética plena e integral bastante lejana al caos que pudiera suponerse dada la enorme cantidad de fotos y de motivos filmados al parecer sin un orden expreso.

Resulta pues una propuesta rítmica y sumamente plástica que posibilita al espectador el disfrute total del arte de Vertov despojado de su interés político de “concienciar  de las masas”. La película rebasa y se rebela a toda pretensión ideologizante, pues, como se sabe, el arte no admite ideología.

Las imágenes captadas por Vertov muestran a un camarógrafo en persecución constante de imágenes provenientes de la rutina de trabajo y algunas escenas que enseñan costumbres propias de esa naciente sociedad socialista.

A través de la lente del genio de Vertov vemos inicialmente a un grupo de músicos que integran una orquesta que se dispone a ofrecer la sinfonía que estamos por presenciar: butacas que se abaten, gente entrando a una gran sala de cine; luz en faroles; foto fija que congela diversos motivos; árboles movidos por el viento; niños indigentes que duermen en la calle; escenas de fachadas de casas y edificios; el cunero de un hospital lleno de niños recién nacidos; ventanas y detalles de arquitectura diversa que delinean formas geométricas con obsesiva precisión. Elementos visuales ofrecidos para la creación de metáforas y elipsis poéticas

Jardines, kioscos, bancas, monumentos, rostros de bellas mujeres que pueden o no ser modelos o actrices, panorámica amplia de la ciudad tomada desde gran altura. El teclado de una máquina de escribir, teléfonos y otros aparatos; engranajes que se unen en movimiento perpetuo; camarógrafo que sube y baja de un auto para lograr sus estimulantes tomas.

Puertas de casas y edificios, auto corriendo por la calle; palomas, perros y gatos; insistente vía de ferrocarril y, por otra parte, vías de tranvías. Una mujer que se ajusta las medias y se viste ante la cámara indiscreta y aun morbosa…

Un ojo humano que se abre y se cierra pestañeando en la parte central de la lente de una cámara de cine que da de frente con el espectador, de tan peculiar como fascinante película; un avión en vuelo y otro al despegar; toca su turno a la torre metálica de incontables escalones escalada por el intrépido hombre de la cámara en busca de la imagen adecuada a la perspectiva de más y más altura.

Costureras ante a sus máquinas de coser. Máquinas y más máquinas de todo tipo trabajando sin cesar; un mecánico aceitando tales aparatos. Carretas… el camarógrafo ahora se ha puesto “pecho tierra” buscado el ángulo perfecto; otra vez el temerario camarógrafo retando a la escena, pero ahora en búsqueda de las alturas con su cámara en la espalda.

Imágenes congeladas de fotografía fija; imágenes en cámara lenta, en cámara rápida; en empalmes cóncavos y convexos. El camarógrafo exponiendo su vida bajo las ruedas de un tren.

La mesa de edición y las tijeras. La toma al piso para captar solo las sombras de incansables transeúntes que cruzan una puerta giratoria de cualquier edificio moderno.

Nuevamente el audaz hombre de la cámara viaja en automóvil correteando ya al camión de bomberos, ya a la ambulancia de la cruz roja que acaba de recogen a un herido, ya a la patrulla de policía.

Feria de imágenes que enfatizan la actividad productiva de un grupo de obreras que empaca cigarrillos, o de telefonistas, o de mecanógrafas, o de obreros de la construcción a mitad de la jornada.

Ritmo y poesía del elemento fundamental del cine que hace del sentido lúdico del movimiento un juego de estampas eternas que dan testimonio no de una sociedad equitativa, donde las diferencias de clase se suprimen en la demagogia de una inexistente justicia social, pero sí de las posibilidades inmensas del arte de la fotografía y del objetivo de la cámara cuando ésta es dirigida con la maestría que nos regala Dziga Vertov.

El hombre con la cámara

Dir. Dziga Vertov

Unión Soviética, 1929

1:09:28

José Antonio Durand Alcántara | Académico y Escritor | México

Mtro. en Sociología y Doctorante en Antropología Social por la UNAM. Presidente de la Academia Literaria de la Ciudad de México A.C. y Profesor de la Humanidades de la Facultad de Estudios Superiores Zaragoza. Es miembro del Consejo de Vigilancia de la Academia Mexicana para la Educacion e Investigación en Ciencias, Artes y Humanidades. Ganador del Consurso «Cuento, Poesía y Periodismo» UAM 1983 entre otros. Autor de varios libros de poesía y cuento, obtuvo el reconomicimiento por sus aportaciones a la difusión de la cultura y el arte por el INDAUTOR 2005, fue traducido al francés en la Antología México-Québec 2008, y recibió el Premio Nacional a la Gestión Cultural 2017 durante los trabajos del 6to Maratón Nacional de Lectura en la Biblioteca Carlos Fuentes. 

La Irrupción Atómica de David Leitch

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Si John Wick de Chad Stahelski cimbró la industria cinematográfica en 2014 desde el cine de acción, mediante secuencias pletóricas de acción secuencial en el trabajo de Davis Leitch como co-realizador no acreditado, Atomic Blonde es su confirmación como director. Quien fuera uno de los más celebrados stunt men de Hollywood, hizo de la coreografía un festín de secuencias que impactaron a la audiencia. Leitch, quien en premio a su continua generación de asombros dirigirá la segunda entre de Deadpool, entrega en Atomic Blonde, una pieza de intensa emoción que, a pesar de recordar otras cintas previas como la ya mencionada cinta protagonizada por Kenau Reeves, Salt 2010 de Phillip Noyce o Nikita 1990 de Luc Besson, logra ofrecer una visión propia.

Atomic Blonde explora el género de acción desde una perspectiva pronominal, el cine de perspectiva feminista, el cine de acción coreográfico y el cine de espías, lo que indica que las peripecias, acrobacias, afirmaciones de género y el thriller de conspiración traiciones y audacia, se conjugan con una trama histórica e internacional desde lo particular, el pasado de Lorraine Broughton, agente especial interpretado por Carlize Theron, quien de paso, cimenta su trayectoria como estrella de acción tras el aclamado éxito de la nueva versión de Mad Max 2015 dirigida por George Miller, y de la taquillera Rápidos y Furiosos 8 2017 de Gary Gray.

La trama ambienta su inicio en el fin de la Guerra Fría, justo al año de la caída del muro de Berlín que simboliza la culminación de una era, pero que advierte misterios, conspiraciones y casos no resueltos entre las fuerzas secretas de las potencias internacionales. Lorraine busca desentrañar un asesinato acontecido en aquél 1989 diez años después, a umbrales del nuevo milenio, en una situación de intriga internacional en donde convergen la KGB y el MI6, de la que nuestra protagonista es uno de los agentes más connotados. Para volver a una década en el tiempo y resolver no el asesinato sino evitar sea capturada la lista en la que se encuentra el nombre de todos los agentes soviéticos, una trama que nos recuerda la primera cinta de la serie “Mission Impossible” 1996 dirigida por Brian de Palma.

En un juego de aliado y traidor, James McAvoy interpreta al agente David Percival, en un papel que recuerda al propio McAvoy en la ya mencionada Salt, y que acompaña en la encrucijada a Lorraine. Una película que combina el suspenso, el giro el tiempo, las manipulaciones de información y la obsesión por la conspiración vuelta en lucha de poder, es una recomendable opción para los amantes del cine de espías, y de igual forma o más aún, para quienes hemos asistido a una época de oro del cine femenino como protagonista, Edge of Tomorrow 2014 de Doug Liman, Ghost in the Shell 2017 de Junishi Fujisaku o la exitosa Wonder Woman 2017 de Patty Jenkins, son ejemplos de esta nueva etapa de parabienes.

Leitch asume su liderazgo tras la cámara y los actores, para brindar su visionaria concepción de cómo deben verse en la actualidad, las peleas, persecuciones y la actitud del héroe o del villano, a través de tomas anguladas, de rápido cauce y que de súbito, detienen su ritmo sin asumir la edición que acostumbra Guy Ritchie, sino creando un lenguaje motriz que explica las secuencias de forma didáctica, creíble en la incredulidad y de enorme espectáculo.

Atomic Blonde

Dir. David Leitch

Universal

Trailer 2:41

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela |

México

Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo.  Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial  y Fundador de Filmakersmovie.com