Ha sido una larga noche de brazos alzados, de máquinas en movimiento, del silencio que anhela escuchar palabras de vida, de escombros que van de mano en mano, de generosidad vertida en los acopios; una larga noche de solidaridad donde el día se ha hecho y no sobran los esfuerzos compartidos desde todas las trincheras posibles. Ha sido una larga noche donde fuimos uno, y ante el cansacio de las horas, llegaba el continuo aliento de otras manos, de lágrimas alegres que brotan al escuchar los aplausos que indican el rescate de una nueva vida. Ha sido una larga noche de muchos días que vendrán, donde seguirá necesitándose la ayuda y con ella la señal inequívoca de que la esperanza habita.
En estos tiempos donde la tierra tiembla, la lluvia ahoga y azota el viento, bien vale escuchar la voz de la natura y mirarnos en la otredad que nos conforma, así, desde esa mirada que nos refleja, desde esa mirada que nos conforta, darnos cobijo, regazo y aliento, darnos en un mar de abrazos a cada momento.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Si John Wickde Chad Stahelski cimbró la industria cinematográfica en 2014 desde el cine de acción, mediante secuencias pletóricas de acción secuencial en el trabajo de Davis Leitch como co-realizador no acreditado, Atomic Blonde es su confirmación como director. Quien fuera uno de los más celebrados stunt men de Hollywood, hizo de la coreografía un festín de secuencias que impactaron a la audiencia. Leitch, quien en premio a su continua generación de asombros dirigirá la segunda entre de Deadpool, entrega en Atomic Blonde, una pieza de intensa emoción que, a pesar de recordar otras cintas previas como la ya mencionada cinta protagonizada por Kenau Reeves, Salt 2010 de Phillip Noyce o Nikita 1990 de Luc Besson, logra ofrecer una visión propia.
Atomic Blonde | Dir. David Leitch | Estados Unidos, 2017
Atomic Blonde explora el género de acción desde una perspectiva pronominal, el cine de perspectiva feminista, el cine de acción coreográfico y el cine de espías, lo que indica que las peripecias, acrobacias, afirmaciones de género y el thriller de conspiración traiciones y audacia, se conjugan con una trama histórica e internacional desde lo particular, el pasado de Lorraine Broughton, agente especial interpretado por Carlize Theron, quien de paso, cimenta su trayectoria como estrella de acción tras el aclamado éxito de la nueva versión de Mad Max2015 dirigida por George Miller, y de la taquillera Rápidos y Furiosos 82017 de Gary Gray.
La trama ambienta su inicio en el fin de la Guerra Fría, justo al año de la caída del muro de Berlín que simboliza la culminación de una era, pero que advierte misterios, conspiraciones y casos no resueltos entre las fuerzas secretas de las potencias internacionales. Lorraine busca desentrañar un asesinato acontecido en aquél 1989 diez años después, a umbrales del nuevo milenio, en una situación de intriga internacional en donde convergen la KGB y el MI6, de la que nuestra protagonista es uno de los agentes más connotados. Para volver a una década en el tiempo y resolver no el asesinato sino evitar sea capturada la lista en la que se encuentra el nombre de todos los agentes soviéticos, una trama que nos recuerda la primera cinta de la serie “Mission Impossible” 1996 dirigida por Brian de Palma.
En un juego de aliado y traidor, James McAvoy interpreta al agente David Percival, en un papel que recuerda al propio McAvoy en la ya mencionada Salt, y que acompaña en la encrucijada a Lorraine. Una película que combina el suspenso, el giro el tiempo, las manipulaciones de información y la obsesión por la conspiración vuelta en lucha de poder, es una recomendable opción para los amantes del cine de espías, y de igual forma o más aún, para quienes hemos asistido a una época de oro del cine femenino como protagonista,Edge of Tomorrow 2014 de Doug Liman, Ghost in the Shell2017 de Junishi Fujisaku o la exitosa Wonder Woman2017 de Patty Jenkins, son ejemplos de esta nueva etapa de parabienes.
Leitch asume su liderazgo tras la cámara y los actores, para brindar su visionaria concepción de cómo deben verse en la actualidad, las peleas, persecuciones y la actitud del héroe o del villano, a través de tomas anguladas, de rápido cauce y que de súbito, detienen su ritmo sin asumir la edición que acostumbra Guy Ritchie, sino creando un lenguaje motriz que explica las secuencias de forma didáctica, creíble en la incredulidad y de enorme espectáculo.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Cinescopioes una nueva ventana de reflexión que abrimos en Filmakesmovie como parte de nuestro 5to aniversario, mediante el análisis a modo de ensayo sobre la semblanza creativa de quienes han marcado, innovado y definido la historia del cine, y cuyas trayectorias han influenciado nuevas formas creativas de expresar la narrativa visual de las imágenes en movimiento. Cinescopio propicia un diálogo entre la intencionalidad del director y la interpretación de la audiencia frente a su legado fílmico. De esta manera el trabajo de directores, guionistas, actores y de quienes hacen posible el séptimo arte, aparece en nuestra columna como un viso conceptual a las propuestas artísticas que han dejado huella en la cinematografía universal. Y para inaugurar nuestro Cinescopio, optamos por revisar a modo de reflexión, algunas cintas, temáticas y conceptos que definen al maestro de la construcción lingüística desde el montaje: Stanley Kubrick.
Foto: stanleykubrick.de
Referente fundacional de la cinematografía universal, admirado, reconocido y estudiado por realizadores, críticos y cinéfilos, Kubrick irrumpió el séptimo arte desde sus primeros cortometrajes a principios de los años cincuenta hasta su última cinta, estrenada justo a fin de siglo. Nacido en Nueva York en julio de 1928, el director oriundo del Bronx, creció en una migrante familia de origen judío y desde su infancia mostró un gusto genuino por la fotografía y el valor de la imagen, la música y su atmósfera, así como por la literatura y sus posibilidades narrativas. Kubrick forjó de esta forma los postulados creativos que caracterizaron su obra, como la polémica, el debate y la profundidad psicológica, así como la oposición a los dogmas religiosos, sociales y políticos. Kubrick ejerció el periodismo fotográfico al tiempo que se especializaba en empalmar las imágenes en secuencias, una vocación editora que mostraría posteriormente al dominar todos los aspectos técnicos de la cinematografía. A partir de sus primeros cortometrajes, el director forjó una carrera de cinco décadas en las que sólo dirigió 13 películas, debido en parte a su meticulosa selección de novelas para su adaptación, a las interminables jornadas de rodaje, a las repeticiones incesantes de cada escena, a la pericia técnica y a la búsqueda constante por el ensamble armónico del sonido.
Atraco Perfecto, E.U.A., 1956
A esto se suma la concordia entre pausa y ritmo, su compás sedicioso y vertiginoso, que lo mismo hipnotiza que invita a la reflexión profunda, y que integraron en su conjunto un proceso de filmación legendario. Cada escena en Kubrick está supervisada por su óptica, por sus sentidos y por el arte definitivo de un maestro consumado, que ha influenciado a diferentes generaciones de realizadores alrededor del mundo. Gracias a su influjo en los aspectos narrativos y visuales, hemos disfrutado de sendas películas dirigidas por realizadores contemporáneos como Steven Spielberg, Darren Aronofsky o Christopher Nolan. Su variopinto canon cinematográfico apela a la provocación temática y a una sintaxis contemplativa que describe las acciones sin juzgar más allá del comportamiento de sus personajes. Su genuina estructura transita con precisión e independencia entre thrillers policíacos y psicológicos, dramas bélicos y sociales, adentrándose en los prejuicios y complejos humanos, los mitos, el horror, la historia y la ciencia ficción. Su corolario visual y fondo musical clásicos brindan sentido estético a su obra, epifanías que ofrecen meditación, asombro y misterio, que provocan, perturban y vinculan símbolos y significados agnósticos tan inextricables como pedagógicos, situando debates ético-morales, conflictos de fe y religión, la ambición, el poder, la reflexión del espacio-tiempo y su devenir histórico.
Por citar breves ejemplos del análisis anterior, presentamos algunas cualidades temáticas, simbólicas y conceptuales que aparecen en una selección de sus películas. En “Casta de Malditos” 1956, Kubrick dirige la trama hacia los crímenes de la noche y la oscuridad de sus instintos, donde la estrategia, la tragedia y el misterio determinan la condición social, la ambición y la avaricia, la lealtad y la traición de sus personajes, formando en la suma, una gama de posibilidades por cometer el crimen perfecto. “Senderos de Guerra” 1957 en tanto, reviste el ideal del honor, del deber ser y de la ética, es una reflexión profunda de la posibilidad de la guerra desde la paz y desde el heroísmo, que no siempre se muestra al arrojarse al fuego de las armas. En “Espartaco” 1960, Kubrick muestra la emancipación de las conciencias, libertad del credo y su defensa ante el exterminio. Una cinta de poéticas coreografías que sustenta no sólo en la fuerza la supervivencia sino en la voluntad, y que resalta la compasión, la bondad y la rebelión emancipadora del exilio consecuente de la lucha por la libertad, el sacrificio de un hombre por su pueblo y de un pueblo por su colectivo.
Dr. Insólito , E.U.A., 1964 | Foto: cinetecanacional.net
“Dr. Insólito” 1964, funciona para hacer una crítica a la histeria colectiva de una época crucial de la historia del siglo XX. Un momento determinante en el devenir de la modernidad que agoniza, de un nuevo orden económico internacional que se instituye, de ideologías que dominan y se imponen, y de la posmodernidad que aguarda fanatismo y ambición como una consecuencia de la libertad suprimida. El preludio del fin de los tiempos proviene del totalitarismo intencional que desde la perspectiva subjetiva y cómica del director, describe sin más posicionamiento que el humor negro y la realidad de una tensión política mundial, que vista como una sátira política, convida la eliminación mutua de los poderosos con el afán de que ninguno prevalezca al final.
Barry Lyndon, E.U.A., 1975 | Foto: pinterest
“La Naranja Mecánica” 1971, quizá su película más provocadora, rebelde y original, representa a una generación perdida y en búsqueda, al advenimiento del capital como punto decisivo de las divisiones sociales en el mundo consecuente del totalitarismo político, sustituido por un sistema que se transforma. La violencia es presentada como causa y consecuencia, como producto de una sociedad maniatada, donde fe, religión y confianza han subyugado al libre albedrío. Al tiempo, explora la naturaleza humana desde la pérdida de vínculos sociales que se aprestan a la condición humana. En “El Resplandor” 1980, Kubrick atiende a la -dualidad- como una posibilidad infinita, intrínseca y perenne en las personas, y averigua el thriller psicológico desde el horror, los trastornos de personalidad y el insomnio de la intranquilidad. Esa dualidad que desde la pérdida de sensibilidad por la guerra, lleva al director a filmar “Cara de Guerra” 1987, donde examina la deshumanización, la pérdida de la cordura y la indolencia de por la sinrazón de la guerra, y lo hace desde la contemplación que advierte la pérdida de valores, del nihilismo que reprime y que busca ganar a beneficio de un sistema. Con “Barry Lyndon” 1975, el director deleita la imagen en movimiento a través de un lienzo colorido cuyo tinte dibuja un paisaje y plasma una emoción, donde la ambición es intrínseca desde el mito, la leyenda y el posicionamiento, que se muestra como una aspiración de la audiencia. La alegoría, la codicia y la fatalidad representadas en el viaje y la peripecia, se deslizan nuevamente al abandono para volver a empezar mientras orquesta un nuevo duelo, el de su propia ambición.
Ojos bien cerrados E.U.A., 1999 | Foto:68.media.tumblr
“En Ojos Bien Cerrados” 1999, epitafio artístico del maestro, es una provocación de la libido despierta, que se presenta como un viso a la doble moral de la aristocracia ante la infidelidad y la ética, y con mayor atrevimiento, como un repaso de temas tabúes de la sociedad posmoderna, y desde ese cuestionamiento social se adentra en las azuladas pesadillas de un matrimonio que experimenta la crisis de la tentación y la confianza semejadas en la necesidad de la confesión.
2001: Una odisea del espacio E.U.A., 1968
Y si “Ojos Bien Cerrados” es su epitafio, “2001: Odisea del Espacio” 1968, es el legado más valioso de su testamento. Kubrick nos invita a posar la mirada en el universo y contemplar así la ronda impar de nuestra existencia. Reflexiva, metafísica y a la vez terrenal, es una sinfonía de imagen y silencio, de imagen y música, de imágenes y símbolos, un viaje a través del tiempo, un atisbo al origen, una serie de preguntas perennes que no responden a nuestro posicionamiento de sentido y significado ante la vida, pero que sugiere reflexionar sobre ella; poesía visual que devora los sentidos e invita recorrer su caleidoscopio de emociones y aliento. Un salto cuántico sin espacio y tiempo, donde pasado, presente y futuro coexisten en el universo paralelo de la evolución, la tecnología, la inteligencia artificial, la vida extraterrestre y el regreso del ser humano al origen de la vida y la creación. La asimilación existencial percibe la aparición atemporal de un monolito, no como un acontecimiento del entorno, no como parte del descubrimiento intrínseco de la aventura y la exploración, sino como un visión del amanecer como un misterio, como esa necesaria capacidad de asombro que necesitamos los seres humanos ante la inextricable inmensidad del universo.
Foto: stanleykubrick.de
Stanley Kubrick es uno de los directores más estudiados en las escuelas de cine, cátedras completas se llevan a cabo desde la academia para teorizar su quehacer cinematográfico, y la lista de directores que se han inspirado en su obra es interminable, como enorme es la legión de cinéfilos y amantes del cine que hemos quedado atónitos ante sus lienzos filmados desde una lente ávida de provocar la emoción y la reflexión al mismo tiempo, capaz de impactarnos y habitar nuestra mente desde la catarsis que brindan las poderosas imágenes de su arte contemplativo.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Si alguna figura mexicana se erige en lo alto del firmamento cultural de México, con una influencia capaz de trascender los cuadriláteros del pancracio universal para habitar diversos ámbitos con igual o mayor influencia, esa efigie unísona es “El Santo”, el máximo referente de la lucha libre mexicana. Ícono popular, estrella de cine, deportista ejemplar, Rodolfo Guzmán Huerta encumbró a un personaje, a un mito donde convergen el carisma y la empatía de un gladiador con la leyenda que simboliza la cosmovisión, los ímpetus y los anhelos de un pueblo. Su máscara es símbolo de justicia e inspiración, es patrimonio nacional y al mismo tiempo la identidad de un ídolo de infinito afluente generacional. Hace ya más de tres décadas de aquél 5 de febrero de 1984 que se cimbró por entero el mundo que él mismo había construido, el dolor de su partida cubría la constituyente fecha, envuelta en la nostalgia y los recuerdos que eternos quedarían en la afición de un deporte y la veneración de un país hacia su ídolo; apenas un par de semanas antes, el propio luchador había mostrado parte de su rostro en el programa de televisión “Contrapunto”, conducido por el periodista Jacobo Zabludovsky, despojándose de la máscara más deseada, la que ningún rival pudo quitarle y la que más encarna la cultura popular mexicana desde mediados del siglo XX; en aquél programa también supimos su nombre y pudimos adentrarnos a la interioridad de quien dos años antes habíase retirado del cuadrilátero tras décadas de brillar intensamente en el propio universo que giró a su alrededor.
Santo el enmascarado de plata, Rodolfo Guzmán Huerta | Imagen: cazadordementes.tumblr.com
Y es que hablar de Rodolfo Guzmán Huerta es adentrarnos a una pléyade temática que rebasa por completo el ámbito estrictamente deportivo, es hablar de una personalidad capaz de hacer unánimes, el cariño, la admiración y el respeto; la entrega por su profesión y la disposición de hacer de su entrega una alternativa al entretenimiento desde el deporte, permitieron que el alumno de Jesús Lomelí y “El Diablo” Velasco, quien iniciara su travesía a los 16 años como luchador profesional en los años treinta, que se llamase también “Rudy Guzmán” o “El Incógnito”, y que en los años cuarenta desechara los nombres de “El Ángel” y “El Diablo” por “El Santo,” alcanzara la fama mundial y un lugar de privilegio en el imaginario mexicano.
Santo el enmascarado de plata | Imagen: moreloshabla.com | Foto: edición especial revista Somos
La historia de “El Santo” es la historia de un deporte que al instante implica la imperiosa necesidad de conocer los mitos sobre los cuales se teje la identidad, vocación y las definiciones del astro nacido en Tulancingo, Hidalgo, que habría de dar vida y continuidad a la lucha libre mexicana siendo su máximo exponente, y que se convertiría en primerísima estrella de la industria cinematográfica nacional, que dolida en orfandad tras perder a su ídolo Pedro Infante, y atenta al alejamiento de su otra figura épica, Mario Moreno Cantinflas que conquistaba el mercado internacional, encontraba en Rodolfo Guzmán Huerta a una pieza clave que resultaría ser el actor más taquillero de un género fundacional. Al medio de los dramas citadinos, las tragedias rurales, las comedias urbanas y las coplas de un sistema que buscaba legitimarse en la Revolución Mexicana, “El Santo” filmó más de cincuenta películas, muchas de ellas consideradas de culto y aún hoy inspiradoras de sendos circuitos, festivales y coloquios de cine a nivel internacional, especialmente en Europa y Asia.
Santo el enmascarado de plata | Foro: mexicanisimo.com.mx
Así, fuese en la comedia o en la bélica enmarcación, en las historias a canciones o en la adaptación literaria de lenguajes poéticos, “El Santo” definiría un estilo y sentaría las bases para asirse de un nicho de culto que encumbró al personaje, y lo anidó por debajo de la piel de un país que más allá de tener una inclinación por el fútbol o el box, en donde también abrazaba ídolos, hallaba en la lucha libre y en las innumerables posibilidades de sus máscaras, cabelleras, caídas y desenlaces, un caleidoscopio donde desfogar al mismo tiempo la ira, el tedio y la frustración, para aguardar la esperanza, la ilusión y la fantasía de una realidad que abría puertas al heroísmo.
Santo el enmascarado de plata vs El Cavernario Galindo | Foto: virtualpuebla.com
Un héroe nuestro y universal, un titán que intimida al vuelo de su capa y al cruce de su vehículo ahuyentando monstruos de sombras, extraterrestres invasores y momias aterradoras, paladín de un mundo hechizado por la vida y la muerte, en cuya cosmovisión reside aún la cabida para la fascinación el asombro. Así, a más de tres décadas de su muerte y a cien años de su nacimiento, El enmascarado de plata se convirtió en cobijo de la pobreza, abrigo de la esperanza y júbilo de la victoria ajena hecha propia, en cuyo halo protector el mal será vencido por el bien, y los rivales derrotados como su capa cruza el viento. No puede un gladiador tener mejor nombre que el suyo -“El Santo”- el que alimenta veladoras, rezos, plegarias, el que es misterio e intriga, el que es protección, que intercede y hace milagros.
Santo el enmascarado de plata | Foto: Internet
Pensar en sus inicios como rudo resulta difícil a la luz de su legado, pero sin duda su etapa de luchador rudo le brindó adeptos gracias a su técnica y a sus dotes de lucha grecorromana y olímpica de los que derrochó gran habilidad, la misma que sus historietas compartían como el técnico más virtuoso y a la vez, el más real. Durante décadas “El Santo” ostentó los cintos de varios campeonatos de peso ligero, medio y welter, con la misma holgura y pundonor con los que sus hombros llevaron el peso de un deporte que con el paso de los años se ha convertido en una auténtica industria mediática de nivel internacional. Sus gestas se hicieron cantares de hazañas memorables haciendo pareja y combatiendo a grandes figuras del ring, “El Cavernario Galindo”, “Back Shadow”, “Rayo de Jalisco”, “El Médico Asesino”, “El Solitario”, “Huracán Ramírez”, “Blue Demon”, “Ray Mendoza”, e inspirado a varias de las nuevas figuras que darían cauce a la época de oro de la lucha libre por nuevas formas de promoción, así “Mil Máscaras”, “Tinieblas”, “Doctor Wagner ”, “El Perro Aguayo”, “Canek”, entre otros, y a los herederos que consolidaron definitivamente las arenas, coliseos y centros de espectáculo, como el mismo “Hijo del Santo” quien ha labrado su propia leyenda en un surco de continuidad, acrobacia y técnica, elevando el legado de la máscara de plata y la llave “De a caballo” a nivel superlativo, recorriendo el mundo abanderando la lucha libre mexicana.
Santo, Mil Mascaras & Dr. Wagner | Foto: Pinterest
En Filmakersmovie celebramos la carrera del luchador y recordamos algunas de las cintas que son ya parte del canon cinematográfico mexicano, “Santo contra las mujeres vampiro” 1962, “El tesoro de Moctezuma” 1965 y por supuesto, la película que reunió al enmascarado de plata con el enorme “Blue Demon” y con el señor personalidad “Mil Máscaras”, joven luchador que iniciaba entonces un extraordinario paso por los encordados, “Las momias de Guanajuato” 1970. Sean sus películas de perenne exposición, sus historietas que brindaron a nuestro país un superhéroe de carne y hueso, sean las canciones inspiradas en la pasión que despertada en la audiencia, su capa agitando el aire al vuelo sobre el entarimado, algún tope demoledor o su disposición a la justicia como asidero, la emoción y el apego que “El Santo” generó, le permite habitar con toda fuerza en el Olimpo del pancracio, y vivir intensamente la actualidad de su feligresía.
Dir. Alfonso Corona Blake | México 1962
A cien años de su nacimiento, recordamos con la viveza del presente, la hidalguía del ser humano, la presencia del luchador, el carisma del ídolo y la empatía del personaje que hizo de su tiempo un lienzo multicolor de sensaciones e ilusiones vertidas en los vivas que abrazaron las circunstancias y los contextos socio culturales de una nación, que hoy le mantiene en la memoria más querida de sus hijos predilectos.
Fragmento programa «Contrapunto» de Jacobo Zabludovsky
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
La lengua de las mariposas | Dir. José Luis Cuerda | España, 1999
La lengua de las mariposas dirigida por José Luis Cuerda, está basada en el compendio de relatos ¿Qué me quieres, amor?, publicado en 1995 por Manuel Rivas. Este equipo creativo adaptó el guion ganador del Premio Goya en 1999 que narra la historia de Moncho, un niño que habita una localidad gallega en vísperas de la Guerra Civil española y que se apresta a iniciar clases en el colegio. Entrar a la escuela le genera zozobra, ya que la imagen de los maestros es represiva, autoritaria, el terror se apodera de él a tal grado que finge estar enfermo para no asistir, sin embargo, su contacto con DonGregorio, su profesor, cambiará la dinámica de su vida, y dará sustento a la trama donde la ciencia, el conocimiento, la curiosidad, la amistad, la pérdida de la inocencia, los posicionamientos ideológicos, la doble moral de la curia, las ideologías, el amor, el sexo y la naturaleza, convergen como un coral caleidoscopio que refleja la cosmovisión de la España de julio de 1936.
La lengua de las mariposas revisita el suceso histórico apelando a la memoria. La recepción de su guion adaptado, le celebró como una obra artística que redimensionó las posibilidades cinematográficas para abordar la guerra desde sus causas y consecuencias, sin necesidad de describir la guerra en sí. El título de la película como hemos mencionado, se deriva de uno de los cuentos de ¿Qué me quieres, amor?, pero en realidad es la adaptación de tres cuentos del mismo libro, Un saxo en la niebla y Carmiña que completan la terna de relatos entrelazados por Moncho como hilo conductor que enhebra una misma trama. Su estructura narrativa muestra las diferencias y similitudes entre los relatos y la adaptación cinematográfica sin voz en off ni narradores externos, es directamente contada por sus personajes. En la película Moncho vive la historia en el presente, mientras que el cuento es narrado por su protagonista desde un presente que recuerda. La adaptación en todo caso, no es una traducción directa del texto, sino una adecuación de la interpretación plasmada a través de las imágenes. Cuerda y Azcona en relación con Rivas dirimen una íntima correspondencia con el argumento, de esta forma la intervención del autor de la obra primigenia en la adaptación brinda legitimidad al proceso creativo, ya que el autor sustenta su observación espacio-tiempo desde el contexto.
Moncho no quiere ir a la escuela y asume su identidad con el gorrión que como apodo le define, “es un gorrión y acaba de salir del nido” le dice don Gregorio al introducirlo a sus compañeros, papel interpretado por el espléndido actor Fernando Fernán Gómez. Actor, escritor, director, miembro de la Real Academia de la Lengua, Fernán interpreta de forma magistral al profesor que se dirige con respeto y cariño ante el pardal. El cuento es un recuerdo infantil, como el mencionado poema de Antonio Machado que refiere la película. La monotonía de lluvia es la metáfora que semeja llover sobre mojado, un preludio de lo que vendrá. La represión de quienes apoyan al fascismo, aparece en la sugerencia a coerción que el padre de familia solicita al maestro “hay que meterle las cuentas como sea”. El idealismo de don Gregorio se enuncia desde su definición de la libertad que para él, “es el espíritu de los hombres”. Los límites dispuestos están determinados y son cuantitativos, esto es, las páginas que integran los tres cuentos en el texto, y la duración de la película, una hora treinta y siete minutos. Su música es melancólica y nostálgica, se quiebra al compás de la fotografía bellamente trazada al montaje por Ignacio Cayetano.
La lengua de las mariposas | Dir. José Luis Cuerda | España, 1999
Cuando el cine coloca esos recursos para nosotros, el impacto de la obra original desvanece o se enriquece porque permea a profundidad la experiencia sensitiva de la audiencia, en La lengua de las mariposas sucede lo último. La lengua de las mariposas implica todos los procesos anteriores, apela a un suceso histórico, atiende a algunos testimonios y a su vez, implica la imaginación del autor para crear una historia que empalme el suceso con la creación literaria. Cuando fue publicado el libro ¿Qué me quieres, amor?, recibió el Premio Torrente 1995 y el Premio Nacional de Narrativa 1996, un reconocimiento instantáneo que también logró la cinta que recibió trece nominaciones al Premio Goya, resultando ganadora como se ha mencionado, en la terna de Mejor Guion. Encomiable fue para la crítica y la audiencia reaccionó de igual forma en el ámbito comercial, pues con La lengua de las mariposas el cine abría una arista para explorar la revisión de la memoria, es sin duda, una película fundacional.
La película también ofrece un paisaje costumbrista de Galicia, las fiestas, las verbenas de Semana Santa, la música, los juegos, las máscaras y los disfraces. Las tradiciones en rutina fenecen tras el fervor del carnaval, del baile y de la orquesta que con cierta melancolía entona las últimas notas, el espectador sabe que vendrá.
En la novela, la tristeza se advierte como un recuerdo presente anclado en la memoria, es la remembranza, la reminiscencia de lo vivido, en la película el niño no sabe lo que vendrá, lo que significa la salida intempestiva del padre de familia en pleno discurso de don Gregorio. El niño debe mentir, aprende a mentir, no sabe por qué debe hacerlo, después, al ver a su padre, sabe que debe hacerlo por supervivencia, anunciando así el devenir del caos. El cuento presenta la mirada legítima de la preguerra, bandos en pugna y acciones rebeldes ostentan el recelo como una amenaza que lacera más que cualquier reprimenda, la Guardia Civil asienta fusiles dispuesta a coaccionar a los republicanos. Los niños conciben prejuicios de oídas, atienden las obsesiones delegadas por sus padres, la afirmación a costa de enfatizar las diferencias, las dimitidas comparaciones inocentes que no quieren sentir aunque sientan, los niños quieren jugar en la ribera, chapotear en el río, hacer bromas en la escuela, hacer ruido sin atender al maestro y al mismo tiempo suspender cualquier travesura ante el asombro del silencio.
La lengua de las mariposas | Dir. José Luis Cuerda | España, 1999
La lengua de las mariposas muestra el presentimiento latente, el devenir incierto, la guerra cubrirá todo por igual y no habrá vencedores ni vencidos, sólo quedarán los sueños rotos y el adiós del primer amor. Dos ideologías confrontadas desde la percepción de ambos bandos, el niño tiene la división en casa, uno de sus padres cederá a sus convicciones por supervivencia. Los colores naturales se hacen más oscuros y termina por el dominando el negro fúnebre en las vestimentas. Las miradas son fundamentales, así como las manos y los objetos que se resaltan como referentes pasivos de sus referentes activos, los personajes. Cuerda y Rivas volvieron a colaborar en la cinta Todo es silencio del 2012, aunque el legado de La lengua de las mariposas quedará grabado en la historia contemporánea del cine español, es una película que hace consciencia, recupera la memoria de un doloroso hecho histórico y explora las vivencias de quienes fueron separados de sus afectos, ilusiones e ideales por motivos de la guerra. La cinta aborda el vacío de la esperanza cuando esta se esfuma ante la pérdida de la inocencia y se afirma ante la madurez de contar lo sucedido, es un llamado a no repetir la historia al recuperar la experiencia desde el compromiso social de sus realizadores. Moncho corre detrás del vehículo que se lleva a su maestro y le grita la palabra más dolosa que ciñe su dolor y complicidad: ¡Espiritrompa!
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Si Minions había saturado de algún modo a un público ávido de sus alegres y disparatadas picardías, sumadas estas a un lenguaje creativo desde balbuceos y tonos que de suyo hacían trizas las sílabas provocando la hilaridad, Mi Villano Favorito 3, dirigida por Pierre Coffin, logra revigorizar la saga y mantenerla en una aceptación universal. Para ello, recurre a dejar en su propio espacio a los minions, y concentrarse en los personajes entrañables que hacen a los minions un acompañamiento ideal, en una trama que abre diferentes perspectivas sensibles, Gru, las niñas y su relación humana, la sensible exposición del amor entre Gru y Lucy, un villano que enfrenta el fracaso o las glorias perdidas de su pasado, y un nuevo personaje, que redondea los guiños familiares del protagonista. Matizada por un soundtrack ágil y evocador.
Mi Villano Favorito 3 | Dir. Pierre Coffin y Kyle Balda | Estados Unidos, 2017
Mi Villano Favorito 3 explora la separación de los padres, las patrias potestades y los ausentes lazos afectivos de una forma llana, simple y a la vez compleja, que muestra en Dru, un reflejo a espejo de Gru y viceversa, formando una dual alianza aspiracional que resulta por demás divertida. Y si Dru presenta a un Gru distinto, vanidoso y a la vez afable, ofrece aristas en cuya hermandad afloran la complicidad, el cariño y la sensibilidad, misma que desde una quizá melosa pero real perspectiva, ofrece la adopción como tema en los deseos que Lucy muestra por dar abrigo y protección a las niñas. La ética y el deber ser son argumentos que exponen lo bueno y lo malo sobre la mesa del discernimiento entre los personajes, y aunque enfatiza el heroísmo superior a la villanía, deja suelta la bisagra de la picardía que da sentido al título de la entrañable villanía de la película.
Y si Dru resulta un personaje simpático y hasta tierno de ingenuidad, es Bathazar Bratt, el personaje más interesante de la cinta, un verdadero producto del entretenimiento de los años ochenta, de aspiración, aventura y música, para quien el ritmo a sintetizadores y break dance, motiva su venganza contra una sociedad que le vio subir a la cúspide y de una industria que ante el paso de la edad, lo bajó del pedestal como un producto pasado de moda, que se hace viejo.
Mi Villano Favorito 3 | Dir. Pierre Coffin y Kyle Balda | Estados Unidos, 2017
Esta relatoría semeja a tantas estrellas infantiles de la década, a las bandas musicales de un solo éxito y también a las consagradas que perduran como sello de una década única, de pasos de baile que contagian y vestuarios de abombada nostalgia. Poblados franceses con aroma a queso, cerditos que repletan las arcas familiares, juguetes y figuras de acción que atiborran imágenes del pasado, una mamá que divierte sus avanzados años al gusto, la niñez curiosa, la adolescencia huraña, el amor filial, son elementos que pueden notarse en la simpleza de una trama estructurada para el cine animado de entretención. Si bien no tiene la viveza de la primera cinta, Mi Villano Favorito 3, es una adición dinámica que deja a continuación los encuentros y desencuentros familiares, que regresa la simpatía a los minions ahora rebeldes y prófugos convictos, y logra que lo singular sea plural, haciendo de un villano un héroe, y de dos héroes, un par de villanos favoritos.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
PARALELO 19N, la natura contemplativa de André Andrade
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Pararelo 19N nos evoca desde sus imágenes vueltas fotografía, la contemplación de la natura que le da sentido como un lugar de encuentro. André Andrade refleja la naturaleza misma de quien admira el paisaje y es capaz de vestir en su nomenclatura el misterio que le configura. Un entorno socio cultural que delimita desde el primer trazo, la polisemia, los referentes y el lenguaje vertidos sobre los volcanes como un torrente de misticismo que nos envuelve. Los ángulos, fuerza y matices corales de los instantes fugaces cual si fuesen eternos que captura André, le otorgan la verosimilitud propia del documental, capaz de transmitir, contar y expresar al mismo tiempo diferentes momentos que, desde su lente, nos ofrecen un corolario en escala de grises vestido de misterio y realidad.
Andrade muestra los diversos ángulos que habitan las mareas incandescentes y las rocas inertes de montañas en quietud y volcanes en espera de admirarse desde sus vestigios. Testigos de pasados y conquistas, de historia y devenir, un presente en el que Andrade nos sumerge a través de la natura reflejada en su obra, a la reflexión de una mirada que comunica y reflexiona, que vive el paisaje y observa la creación de una postal plena de humanidad. Caminos de glaciares, torrecillas de perlas, caminos a cañadas, arenales que anteceden la cima del ombligo nevado y un sol reflejado como señal reflejada en su laguna, son algunos visos que conforman la extraordinaria postal del Paralelo 19N.
Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas “El Surco” y “El Ítamo” que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades alrededor del mundo. Dirigió “La Voz Humana” y “Día de Descanso”. Columnista en Pijama Surf, es Director Editorial y Fundador de Filmakersmovie.com
Dirigida por Alex Kurtzman, el estreno de “La Momia” representa el lanzamiento del concepto Dark Universe de Universal Pictures, una vuelta al periodo clásico de las películas de monstruos que fueron sumamente populares en las décadas de los años 30 y 40. Algunas versiones de estas cintas son consideradas obras maestras de la cinematografía mundial, como las personificadas por el maestro Boris Karloff, la célebre “Frankenstein” 1931 y su aclamada continuación “La novia de Frankenstein” 1935 de James Whale, así como “La Momia” 1932 dirigida por Karl Freund.
Es precisamente ésta última la que vuelve a escena tras la saga cómica, de aventura y acción dirigida por Stephen Summers y que protagonizaran Brendan Fraser y Rachel Weisz entre 1999 y 2008. No obstante, la saga de Summers reinventaba la historia para adaptarla a una versión más dinámica, menos terrorífica y muy atractiva para las salas de cine, mediante efectos visuales, humor y romance. Kurtzman en cambio, trae de vuelta el clásico con miras a regresar la complejidad y solemnidad del relato, la momia vuelve a ser aterradora, misteriosa, enigmática, pero ahora encarnada en una mujer, la actriz y bailarina Sofía Boutella de Argelia, y protagonizada por la leyenda de Hollywood: Tom Cruise.
La momia de Alex Kurtzman abre su narrativa con la mira de introducir diversos personajes en un universo de dioses y monstruos, y para ello recurre a Rusell Crowe, quien personifica al Dr. Jekyll y a Mr. Hide, y que suponemos tendrá un papel fundamental en el universo oscuro de Universal Pictures. “La Momia” de 2017 no debe compararse con la de finales de los años noventa y principios de este siglo, ya que no es un remake sino el rebbot de la saga original, esto debiera tenerse en cuenta, ya que la nostalgia del pasado cercano pudiera ser un enemigo del espectador.
La momia de Alex kurtzman es un homenaje y recrea de alguna forma la versión original de 1932 con otro concepto, está ambientada en la época actual y no acusa a la tradición inaugurada por John Huston en “El Tesoro de Sierra Madre” 1948 ni a “Cazadores del Arca Perdida” 1981 de Steven Spielberg en las cuales se basó la versión de 1999.
Alexander Kurztman da un viraje al pasado y recurre a 1932 para traerlo al nuevo milenio. Con esta aclaración de prejuicios, nos disponemos a disfrutar la primera entrega de este universo. Tom Cruise. Cruise, una vez más se muestra encomiable, carismático y cómodo con el papel de Nick Morton, un buscavidas que tras las reliquias encuentra aventuras al lado de su compañero Vail, personificado por Jake Johnson. Morton encuentra, por azar y destino, el sarcófago que contiene el cuerpo de la momia y con ella las maldiciones y energías propias de la profanación, el castigo a la ambición o a develar el misterio que tras el descubrimiento mostrará una horda de aves que recuerdan “The Birds” 1963 de Alfred Hitchcok, tormentas de arena que sacuden el desierto y llegan a Londres como sombras, zoombies derivados de la propia momia y una serie de persecuciones en cuyas pausas permiten que Crowe muestre sus ambos lados, Jekyll y Hide, además de asentar que será el responsable de la cofradía prodigium, en cuyos visos advertimos la existencia de otros monstruos.
Mientras los efectos visuales y las coreografías de acción están muy bien diseñadas y son presentadas con dinamismo en tres marcados actos, aunque el epílogo, que bien pudiera separase del resto, es sin duda la valía de la cinta. Es ahí donde todo adquiere sentido y brinda humanidad a la historia, ya que mostrará las razones por las cuales esta película pertenece a un universo de personajes que exploran su maldad inherente. Siendo un universo de dioses y monstruos, se requiere por ende la existencia de nodos que justifiquen su vocación o relación con la maldad, para así conjugarlos en un todo que también implique la bondad como una concatenación de circunstancias y voluntades.
Dicho lo anterior, continuamos la presentación de la narrativa futura, donde la vida y la muerte juegan un papel situacional entre lo bueno y lo malo, esa es la resolución y a su vez el motivo de la película, hay un discernimiento permanente y que se avisa hacia el devenir. Las críticas que se han hecho a la película podrían advertirse desde la expectativa, el castigo presuroso, desde la exigencia e incluso desde la espera por cortar la guillotina antes del juicio a una nueva versión del personaje mítico.
La propuesta de Kurztman no pretende ser una obra maestra, y sí una película que no puede ser disfrutada ampliamente por un espectador ávido de algo más que no sean súperhéroes para alentar el verano. Un clásico interpretado por otro clásico, esa es la sinergia que atrae de “La Momia” como personaje y “Tom Cruise” como el actor, y con esa premisa es como la audiencia global recibirá esta cinta a la inversa de sus críticas, especialmente en los seguidores de los personajes anunciados para la saga y de sus actores, aunados a Tom Cruise y Rusell Crowe, han sido oficialmente mencionados los de Johnny Depp como “El hombre invisible” o Javier Bardem como “Frankenstein”, y algunos sugerentes en la suposición como Angelina Jolie en “La novia de Frankenstein” o el mismo Dwayne Johnson como “El Hombre Lobo”.
Dark Universe | Cortesía: Universal Pictures México
Lo anterior suena por demás seductor para las pantallas, y con la variación de directores, podrían brindarse diversos enfoques y complejas aproximaciones a la interioridad del hombreposmoderno. Recordemos que muchos de estos personajes creados en el siglo XIX como Drácula de Bram Stoker o el propio Frankenstein, obra maestra de Mary Shelley, abordan al hombre que inserto en la modernidad venidera y que se confirma a mitad del siglo XX con la búsqueda del hombre por superase así mismo como ser, el totalitarismo, los experimentos genéticos, la dualidad del desarrollo científico.
Este nuevo universo podría brindar nuevas observaciones a la maldad desde la posmodernidad, los miedos, filias y fobias del ser humano desde sus pesadillas y sueños. “La Momia” presenta de esta forma, una mirada por demás interesante, sugerente y provocadora que permitirá descubrir una sorpresa definitiva al discernimiento, la decisión y el libre albedrío que abre la pausa a su personaje central, y que da inicio a este nuevo universo.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
La Momia arriba a México y latinoamérica desde el Museo Soumaya
Foto Filmakersmovie.com
Tom Cruise se dejó querer por el público mexicano
Filmakersmovie estuvo presente en la alfombra roja del nuevo estreno de los Universal Pictures «The Mummy/ La Momia«, primera entrega del Dark Universe que inicia una nueva etapa para el renacimiento de las cintas de monstruos que se convirtieran en sendos clásicos de los años 30 y 40.
Foto: Filmakersmovie.com
«La Momia» que tuviera su época dorada interpretada por Boris Karloff y después fuera relanzada en una nueva historia en 1999 con Brendan Fraser como protagonista, realiza un giro completo hacia el pasado y vuelve a centrarse en el suspenso, el horror, sumando a estos presupuestos la acción y el humor que quiso brindar Alex Kurztman.
Próximamente tendremos nuestra reseña oficial del filme, por ahora les comentamos que estuvimos invitados a la premier que tuvo lugar en el Museo Soumaya de la Ciudad de México. Asistieron fans, medios de comunicación y el elenco encabezado por la leyenda Tom Cruise,Sofia Boutella y Annabelle Wallis. Un mensaje de Russell Crowe, quien interpreta a Dr. Jekyll and Mr. Hyde, escenas de la película y clips alusivos al Dark Universe, formaron parte de la verbena cinematográfica.
Foto: Filmakersmovie.com
Por su parte Sofia Boutella , la actriz y bailarina profesional, se mostró conmovida por el recibimiento del público mexicano, entre los asistentes había seguidoras caracterizadas como su personaje de la Momia. Se dijo muy contenta y agradecida de visitar , con esta película, diferentes países y conocer diversas culturas.
Reconocido por innovar y redimensionar los recorridos globales al promover sus películas, la considerada máxima estrella del cine a nivel mundial Tom Cruise departió autógrafos, saludos, abrazos y el cariño de la audiencia reunida en el coso de Polanco. Después del convivió con medios y público, Tom se aprestó a develar, junto al elenco que visitó México, el cartel especial que diseñó el artista mexicano Ricardo García «Kraken» inspirado en la cinta, y que forma parte de las obras y creaciones que el Museo Soumaya impulsa respecto del nuevo talento artístico de México.
Foto cortesía: Universal Pictures México
Filmakersmovie estuvo presente para atestiguar la entrega, pasión y vocación de Tom Cruise para con su audiencia, caracterizado por brindarse al 100 por ciento en sus papeles, el diverso rango interpretativo del actor, lo ha llevado a explorar diferentes géneros de los cuales hablaremos en próximas publicaciones de filmakers por parte de nuestro Director Editorial Iván Uriel, quien estuvo presente en todos los momentos del evento y quien reseñará la primera película de este nuevo universo cinematográfico.
El encuentro de Tom Cruise en su nueva visita a México y del elenco de «La Momia«, concluyó tras la exposición del cartel creado por «Kraken«, para dar paso a la función especial de la película en varias salas del complejo ubicado en la Plaza Carso a la luz de los grandes clásicos de los Universal Pictures.
Este viernes 9 de junio inicia «La Momia» su periplo por las salas de México y el mundo, y con ella, un nuevo mundo de dioses y monstruos que inundará las salas de cine al devenir del firmamento cinematográfico.
Gracias a Universal Pictures México y su invitación.
En el otoño de 1991, emblemático año del eclipse solar que vistió de claroscuros a varios países en el mundo, el año de la muerte de Freddy Mercury, y a su vez el año de la “Tormenta del Desierto”, la industria musical de habla hispana se iluminaría con notas que décadas atrás habían ocupado los anhelos, deseos y suspiros románticos ahora vueltos nostalgia: los boleros. “Inolvidable”, bolero de 1944, autoría del pianista cubano Julio Gutiérrez, cimbraba con total estruendo las radiodifusoras latinoamericanas. Luis Miguel, el mismo intérprete que consolidaba su estatus de gran figura con el disco “20 años” 1990, sorprendía a toda la comuna sonora. Los acordes de “Inolvidable” eran solo el inicio de un disco fundacional que, envuelto en el pasado, definía el presente musical latinoamericano. Noviembre de 1991 será recordado por el lanzamiento de “Romance”, primera entrega del serial romántico del cantante mexicano, que combinaría en sus diferentes ediciones, boleros, baladas y tangos. En otra entrega hablaremos de Los Romances como un concepto que derivó cuatro álbumes, “Romance” 1991, “Segundo Romance” 1994, “Romances” 1997 y “Mis Romances” 2001, aunados al compendio “Todos los Boleros” 1998 y “Mis Boleros Favoritos” 2002. Nadie hubiese imaginado que esa mágica noche de 1989, en pleno furor del disco “Busca una Mujer” 1988, cuando Luis Miguel y el compositor Armando manzanero compartirían algunos boleros en un programa nocturno conducido por la actriz Verónica Castro, produciría a posteriori, uno de los discos más vendidos en la historia de la música grabada en español -aproximadamente 15 millones de copias- y contando, una serie de joyas musicales que a modo de concepto, son ya parte de la fonoteca nacional. Y es justo “Romances”, tercera entrega del premiado romancero, a la que celebramos en su vigésimo aniversario, un álbum que destaca como ninguno en el serial romancero, la calidad interpretativa, el registro vocal y la riqueza referencial del mejor álbum del catálogo.
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En “Segundo Romance” Luis Miguel produjo el álbum en colaboración de tres compositores vitales de su carrera, Juan Carlos Calderón, responsable de varios álbumes del astro mexicano, el ya citado Manzanero y Kiko Cibrián, quien alcanzaría su cenit como compositor y arreglista con “Aries” 1993, uno de los mejores álbumes pop de la década de los noventa. Esta colaboración diversa, brindó un corolario interesante al disco, le imprimió un sello muy particular, y logro posicionar varios éxitos con gran impacto, como “La Media Vuelta” de José Alfredo Jiménez, “Todo y Nada” de Felipe Garrido, “Delirio” de César Portillo de la Luz a inspiración visual del bossannova en homenaje a Joan Carlos Jobim, y “El Día que me Quieras” el clásico por excelencia del cancionero argentino, compuesto por Lepera y el inmortal Carlos Gardel. Esta suma de colaboradores del pasado y presente, volvió a presentarse en la carrera de Luis Miguel en 2006, cuando el disco “Navidades” presentó la participación de Juan Carlos Calderón y Armando Manzanero. “Romances” dio un viraje hacia la obra primigenia e 1991, y presentó por una parte el regreso del maestro argentino Bebú Silvetti, quien incluso aporta una canción de su autoría, y varias composiciones de Manzanero donde sobresale “Por Debajo de la Mesa”, que tal como sucediera con “No sé Tú” en el primer Romance, brindaría un sello distintivo al disco. A diferencia de “No sé Tú” que fue un sencillo de confirmación, “Por Debajo de la Mesa” enarboló la nueva producción lanzada en 1997. La epifanía del álbum fue premiada con el Grammy Estadounidense, reconocimiento que había alcanzado ya el “Segundo Romance” y que injustamente no alcanzara el mítico “Romance” a pesar de ser nominado.
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La innovadora introducción de “Romances”, comienza con una canción doble de Armando Manzanero, “Voy a Apagar la Luz” y “Contigo Aprendí” suave y evocador aviso del armonioso contenido que devendría con “Sabor a Mí” de Álvaro Carrillo. El disco avanza hacia la multiplatino “Por Debajo de la Mesa”, y para entonces el escucha está ya cautivo, esta canción además es el único sencillo que tuvo videoclip de promoción, un elegante audiovisual lleno de clase, distinción y a la vez vulnerabilidad del cantante como personaje, una propuesta de nostalgia que recordaría los años de las bandas y orquestas nocturnas neoyorkinas.
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Luis Miguel | Mis Romances | 2001
José Antonio Méndez y su bella “La Gloria Eres Tú”, prosigue la pausa y recuerda los acordes que Chamín Correa había dado a “La Barca” en la primera entrega. La quinta canción es un portento estilo Manzanero, “Amanecer” que da continuidad a la celebración del amor y su circunstancia, misma que justo a la mitad del disco, da paso al desamor, a la asimilación de la costumbres, de la necesidad y el desamparo amoroso mediante “Encadenados” de Carlos Arturo Briz, y para cerrar la primera mitad del disco, no nos abandona sino da el productor un guiño de esperanza tras la separación, Consuelito Velásquez aparece con la canción que a vox populi acumula mayor cantidad de versiones, desde la inicial con Emilio Tuero 1941, pasando por la versión melodiosa de Pedro Infante en “A Toda Máquina” 1951, de Ismael Rodríguez, hasta las versiones que Frank Sinatra y Los Beatles realizaran a la misma. El disco ha ya cumplido con creces la expectativa, y es entonces donde se adentra en la segunda mitad del álbum y que, para mi gusto, es la que ofrece el más complejo, rico y variopinto mosaico interpretativo del cantante en un disco de boleros. Luis Miguel la interpreta de forma rítmica, alegre y bailable, haciendo de su versión una alternativa apuesta, a la que continua la poderosa balada “Contigo” de Silvetti y Silvia Riera, mi favorita del disco, para después retar a la crítica con un clásico monumental, “Noche de Ronda” de Agustín Lara. Prueba superada para aliviar un poco la tensión y deleitar al escucha a través de “El Reloj” de Roberto Cantoral. Una vez que el disco ha cumplido su decena y satisfecho la obra, irrumpen las canciones de ofrenda, “Júrame” de María Grever, que tanto se ha especulado se compusiera durante la estancia de la compositora en Xalapa, Veracruz, y “De Quererte Así”, composición traducida del gigante francés Charles Aznavour. Dolosa y sensible, esta canción hace del álbum un siendo homenaje a diferentes exponentes de la canción internacional. Luis Miguel sella su “Romances” con dos clásicos arriesgados y que de igual forma aprueban el reto, “Uno” el tango legendario, elegía e introspección a soliloquio de Enrique Santos y Mariano Mores, y finalmente “Mañana de Carnaval” la brasileña retórica de Luiz Bonfá y Antonio María que en la paradoja festiva lamenta y aspira la vuelta de la razón de vivir, el sentido de la vida que aguarda la espera.
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Luis Miguel | Mis Boleros Favoritos | 2002
En esta primera entrega de varias sobre la herencia musical de Luis Miguel en los diversos géneros que el cantante ha explorado en su trayectoria de ya 35 años, celebramos los veinte que cumple “Romances”, un disco único y por demás disfrutable que suma al legado del cantante mexicano. Sean las composiciones, los arreglos, la interpretación o la variedad creativa del álbum, “Romances” abre la puerta de la nostalgia y solicita el riesgo del amor sea frontal o por debajo de la mesa, la declaratoria de amor es en este disco, una confesión.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
El espiritismo, la teosofía, la atracción por el abstracto desde los fundacionales trazos de Hilma Af Klint, fungen como corolario y palestra de la exploración artística y a la vez profunda del ocultismo, de la vida y la muerte desde el diálogo de los asuntos pendientes y de la búsqueda de significado en los días sin sentido que propone desde la vinculación moderna y posmoderna de la existencia, la extraordinaria cinta de Olivier Assayas : Personal Shopper, Compradora Personal, que ganara el premio a Mejor Director del Festival de Cannes en 2016.
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La evocadora cinta protagonizada por Kristen Stewart, Lars Eidinger y Nora Von Waldstatten narra la historia de Maureen, una joven dedicada a la asistencia personal de Kyra, una celebridad de la moda, a quien Maureen asesora al comprarle ropa, accesorios y atuendos; Maureen pasa sus días entre el trabajo y los viajes que realiza a la casa que fuese de su hermano gemelo Lewis, y quien recién murió. La casa, ahora en encargo de la novia de Lewis, es el espacio vital y mortuorio en el que Maureen anhela comunicarse con su hermano, pues ellos compartían el don de comunicarse con los muertos, y Maureen supone, es el momento de que su hermano pueda comunicarse con ella.
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De pronto, en medio de esa búsqueda o de esa espera prolongada de los apegos, recibe un misterioso mensaje in remitente en su celular, el desconocido emisor muestra conocerle perfectamente, así como a sus temores, deseos y expectativas, incluso conoce los recovecos de su trabajo, los complejos y enconos en ella generados por los dejos e indiferencia de su famosa jefa.
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Entre el extraño suceso que hostiga, seduce y perturba a Maureen, y su espera de comunicación con Lewis, la trama de forma llana y a la vez aterradora, dibuja la soledad, la dualidad, la suplantación de personalidad, y el corazón que angustia mientras aguarda la comunicación desde la muerte. La comunicación sensorial, telepática, telequinesia así como las relaciones cibernéticas, virtuales e inexistentes oscilan la realidad, lo palpable y lo inefable al mismo tiempo.
Personal Shopper | Dir. Olivier Assayas | Bélgica 2016
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Assayas muestra a través de un guion estructurado desde la contemplación de las emociones, la cotidianidad de los días, el hastío, el letargo y la conexión bajo juramento de dos hermanos relacionados por la fatalidad de la genética que determina las fallas como designa los milagros, el amor, y la posibilidad del diálogo entre las almas que descansan una vez que el espíritu de la vida se ha ido, o más aún, ha mudado a otra dimensión.
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Deseamos lo prohibido y al explorar lo prohibido, lo común se vuelve extraordinario, es el riesgo del mito o la desmitificación del tabú. Assayas de igual forma explora las posibilidades del nuevo lenguaje, de las aplicaciones adictivas, del deseo por lo desconocido y de la inmediatez de la vida frente a la espera de la muerte. Su obra nos excita, asusta o reprime, indica que quizá buscamos a una persona concreta mientras quien aguarda por nosotros es alguien más, no comprendemos las cosas que nos han sido dadas sino las asimilamos por desidia, la misma desidia que lleva a la costumbre a ser un estilo de vida.
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Maureen podría pretender ser alguien más si lo deseara, más en el fondo lo único que anhela es no habitar el espacio sin sentido que sólo tendrá significado de ser cumplido el juramento, recibir una señal de su hermano, comprobar que la muerte es sólo un paso y la vida un camino.
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Autor de impacto permanente de Cahiers du Cinema, Assayas nos recuerda los matices de suspenso narrativo de Alfred Hitchcock y la profundidad humana de Francois Trauffaut al tiempo que hace una crítica a las relaciones humanas vacías y virtuales, carentes del contacto o de la compasión humana que aíslan las presencias, las energías y las voces que no hacen eco sino existen en la imagen asequible a la posesión. Es así como la esperanza reside en la señal, en el llamado, en la respuesta, en el cumplimiento de un juramento que brinde una posibilidad de tender puentes al único vínculo real: el amor.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
PATERSON, la poesía del silencio, o lo real maravilloso en Jarmusch
Por: Iván Uriel Atanacio Medellín
Dirigida por el maestro Jim Jarmusch, Paterson es una película que encuentra lo real maravilloso de Carpentier en la misma cotidianidad que le da sentido. Protagonizada por el estupendo Adam Driver, la evocadora cinta de Jarmusch se anida en la aspiración del poeta, en sus motivos, en las emociones que se agolpan cuando la inspiración emerge, y en el temor de mostrar lo que la pluma explora.
Una nueva obra maestra de la siempre desafiante filmografía del cineasta independiente que irrumpiera el mundo del cine con Stranger in Paradise de 1984, y que cimentara su relación cultural y contracultural con propuestas como Coffee and Cigarrettes 2003.
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Paterson presenta la historia de Paterson, chofer de autobús de la ciudad homónima –Paterson- New Jersey, y que más que aspirar a escribir, escribe de suyo todos los días antes y después de la jornada al volante. La descripción de los días comunes que se vuelven extraordinarios o de lo extraordinario de los días comunes, habitan su fascinación por el poeta boricua William Carlos Williams, pletórico de imaginación y representante del modernismo de las primeras décadas del siglo XX.
Paterson vive con su esposa Laura, interpretada por la actriz Golshifeh Farahani, y su perro Marvin; ella se convierte en su principal y quizá única lectora y le persuade de mostrar sus escritos, concursarlos, publicarlos y en principio, copiarlos de las páginas de su pequeña libreta que va con él a todos los rincones donde el autobús hace paradas.
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Jarmush utiliza los silencios y el espacio para recrear la vida de todos los días, las jornadas, la salida del sol y la forma en que este se oculta sin mayor asombro que el de hacer la noche y el día, mientras Paterson encuentra su poesía a versos desde cualquier objeto como puede ser en especial, una caja de fósforos que en sí misma, simboliza la posibilidad del asombro y la capacidad de asombrarnos.
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En el mismo viaje poético, Jarmusch hace remembranza a la poesía mítica en lengua inglesa, heredad de la sensible huella dejadas por las elegías de T.S. Elliot y sobre todo Walt Whitman. Laura tiene una energía por vivir, emprender, sentir, que pareciera agobiar al propio Paterson, que entabla nulos diálogos con los pasajeros y que atisba los problemas perennes de su jefe de estación, al que todos los días escucha antes de cerrar la puerta de su autobús para iniciar su recorrido.
William Carlos Williams | Wikipedia
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Un día de repente su autobús sufre una avería, y el mensaje de Jarmusch es contundente, no todos los días son iguales aunque parezcan comunes; un día, Laura logra una venta extraordinaria de sus cup cakes, y deciden celebrar la extraordinaria noticia que recibe una descarga de esperanza que va y se esfuma a su regreso.
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Paterson | Dir.Jim Jarmusch | Alemania, 2016
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Marvin en ausencia de paterson y Laura ha decidido probar las mieles de la poesía, devorarse los versos y tragar la misma angustia descriptiva del poeta, quien sin más copias que esos remansos de aquello, deberá volver a su libreta y, tras un encuentro fortuito con otro lector de Williams, darse cuenta de que lo real maravilloso habita en esa página en blanco a la que deberá volver a derramarse en su tinta.
Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com
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Iván Uriel Atanacio Medellín
El espiritismo, la teosofía, la atracción por el abstracto desde los fundacionales trazos de Hilma Af Klint, fungen como corolario y palestra de la exploración artística y a la vez profunda del ocultismo, de la vida y la muerte desde el diálogo de los asuntos pendientes y de la búsqueda de significado en los días sin sentido que propone desde la vinculación moderna y posmoderna de la existencia, la extraordinaria cinta de Olivier Assayas : Personal Shopper, Compradora Personal, que ganara el premio a Mejor Director del Festival de Cannes en 2016.
Dirigida por el maestro Jim Jarmusch, Paterson es una película que encuentra lo real maravilloso de Carpentier en la misma cotidianidad que le da sentido. Protagonizada por el estupendo Adam Driver, la evocadora cinta de Jarmusch se anida en la aspiración del poeta, en sus motivos, en las emociones que se agolpan cuando la inspiración emerge, y en el temor de mostrar lo que la pluma explora.
