Doce hombres en pugna | 12 Angry Men | Dir. Sidney Lumet | Estados Unidos, 1957

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

“Doce hombres en pugna”, escrita por Reginald Rose y dirigida por Sidney Lumet, trata de cómo doce hombres de un jurado discuten y debaten sus opiniones respecto al caso por el que han sido llamados, un asesinato con arma blanca. Durante el proceso los conflictos personales y emocionales no podrán quedar de lado, la persona más objetiva o la más temperamental tendrán un punto de quiebre en su intento por convencer al otro de su opinión; su trabajo es llegar a una decisión unánime: inocente o culpable; mientras, la vida del acusado e incluso la propia salud mental de estos doce personajes están en juego.

 La película se desarrolla casi por completo dentro del cuarto donde los hombres son llevados a deliberar, dejando que las actuaciones, la dirección y, en especial, el trabajo del guionista, sean los pilares de la historia en donde las palabras, las miradas y los gestos están cargados de significado.

 La diversidad de personajes permite establecer los distintos puntos de vista de las personas. El caso está trazado, un joven ha apuñalado a su padre, pero la historia va más allá del juicio. Es la responsabilidad de los doce personajes la que está en juego durante la película, que inicia cuando uno de ellos no está del todo convencido de la culpabilidad del acusado, mientras los otros once están seguros de tener su veredicto.

El juego de palabras, la manipulación, la presión y la ética toman fuerte presencia durante el proceso. Saber que la vida de una persona está en sus manos es sólo la punta del iceberg, dejando que la percepción del espectador, así como de los mismos personajes, se mantenga activa y cambiante durante el relato. Es la capacidad de análisis y la habilidad del discurso las mejores armas que Davis, personaje interpretado por Henry Fonda, puede ocupar para convencer a los otros once que existe la posibilidad de que se esté juzgando mal al acusado, por desidia o por indiferencia, de sus abogados o de ellos mismos. Su disertación inicial no asegura que el joven sea culpable o inocente, simplemente apela a la consideración y responsabilidad de sus similares para tener presente que las decisiones que se tomen en el cuarto por el jurado no son ligeras, traen consecuencias.

 Lo más importante a recordar es que este análisis y toma de decisiones es aplicable a cualquier persona para cualquier momento de su vida. No se trata simplemente de un película sobre una deliberación de un jurado criticando y remarcando el proceso judicial (en Estados Unidos, pero también aplicable y resonante en los procesos de cualquier país), sino en cualquier momento de disputa y cuestionamiento entre personas o en las mismas decisiones de vida.

 Las palabras pueden usarse para manipular a conveniencia, a través de la persuasión, por ejemplo, en un debate, en la publicidad, en el mercado, en el trabajo (en la película más de uno y en más de una ocasión pone en duda la veracidad del testimonio de los testigos. ¿Es humano cometer errores, cierto?); pero también en ocasiones las decisiones importantes se toman como meras trivialidades, sin darles el tiempo necesario para la reflexión. Y aunque actuar a impulso no siempre parezca la decisión más exacta, la película hace énfasis en ello, uno de los personajes dice: “tanto pensar hace que todo se haga un lío”. ¿Para bien o para mal? Eso queda a consideración del espectador.

 También se habla por mucho de cómo las cosas no siempre son lo que parecen; son la observación, la metodología y la investigación las que permiten a la mente conectar piezas de información que lleven a la deducción; la percepción más allá del engaño que, en este caso, hacen posible que uno a uno los hombres entren en el llamado estado de “duda razonable”, es decir, que no estén completamente seguros de la culpabilidad del acusado. De esta manera los doce hombres comienzan a repasar el caso y se dan cuenta que más de un punto no ha quedado claro, lo que los lleva a la seriedad del análisis de pruebas del mismo, así como a, eventualmente, cambiar de opinión.

 La historia ofrece una gran diversidad de temas y las suficientes posturas que son motivo de análisis en tópicos como los procesos judiciales, los discursos (políticos, sociales, económicos, personales), el comportamiento de las personas ante diferentes situaciones, la presión, el prejuicio, el respeto, la justicia, la libertad, el engaño, etcétera.

“Doce hombres en pugna” habla más allá de doce personajes deliberando un juicio, habla del actuar humano en su cotidianidad, constantemente alterada por los muchos factores externos de la vida.

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Doce hombres en pugna

Dir. Sidney Lumet

Fragmento 2:12

Desde YouTube, canal  Krisqw

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Amour | Michael Haneke | Austria, Francia y Alemania, 2012

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

La película de Amour  revela con crudeza, las difíciles decisiones en el amor de pareja ante situaciones dolorosas. Se plasma el eterno debate de la muerte y la vida, el amor y el egoísmo, las creencias de unos y de otros para enfrentar los avatares de la vida.

Resulta compleja y provocativa, envuelve en el debate de la polémica lo que se toma por caso resuelto, pero que en realidad demuestra que los seres humanos, contradecimos, ignoramos y desconocemos como seríamos y reaccionaríamos ante diversas situaciones.

 La trama ha develado una serie de escenarios que se enfrentan en una sociedad postindustrial europea que aleja de los problemas a quienes no conforman parte de la unidad. La hija, por ejemplo,  es solo espectadora del deterioro de su madre, la sufre pero no actúa y se deja convencer por el padre, que ella no quiere y no puede ocuparse de ambos. La madre resuelve que es más difícil vivir en dependencia con el otro, en desespera de que la cuiden, inmovilizada, se siente en su sufrimiento por verlo a él, padecer por la enfermedad de ella. Él, pasivo ante su sufrimiento, se conmueve pero no lo comunica, el dolor de su pareja le resuelven terminar con la vida de él y de ella, no importando más nada porque ya es la enfermedad la que ha terminado con ambos. El alumno, personaje frío, atónito, no comprende lo que le ha pasado a su profesora. La música que los unía los acaba separando, porque no puede más, con los cambios que han producido que el lado derecho de quien le ha enseñado que la música es su vida, ya no puede tocar las teclas del piano.

 La película es una danza entre la atención de él hacia ella, de la lucha por sobrevivir los dos solos, aunque no tan solos sino por decisión propia para vivir en pareja, lo que ha comenzado por un instante de inconciencia, una operación que ha resultado un fracaso y los cuerpos de ambos que responden ante los años, la vejez que no regresa la juventud.

Los diálogos son llanos, pausados, la música es escasa solo aparece en aquellas partes que son nostalgia del pasado.

La enfermedad que los separa, la muerte acaba de unirlos, él acorta su paso y ella le llama para permanecer juntos. Los temas son familiares, enfermedad, vejez y muerte que se deciden lentamente. El sufrimiento es el eje central, qué es y para qué, por qué se puede terminar antes de consumir lo poco que queda.

Se aprende que el sufrir no se comparte solidariamente, que la vida es decisión de uno, que la felicidad y el sufrimiento se repelen.

Amour, es para unos la prueba final del amor de ambos y para otros la decadencia y rendición de él ante su propio sufrimiento, pero sobretodo el de ella. Son dos visiones que debaten, a vecen se encuentran y dialogan pero la mayoría de las veces se confrontan. El director así lo ha querido mostrar, para unos la muerte provocada es la expresión más viva de ese amor, aunque para otros haya sido el abandono y desesperación que solo se puede enfrentar en santidad.

 Difícil interlocución entre el espectador y la cinta, pero se presenta una oportunidad para ahondar y descubrir nuestra naturaleza, tan compleja y tan humana.

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Amour

Dir. Michael Haneke

Tráiler

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales «Pobreza Extrema», y «Tu Ciudad Tus Derechos».

Vozvrashchenie | Dir. Andrei Zvyagintsev | 2003 – Rusia

Por: Andrés Palma Buratta

Hace algunos años tuve la oportunidad de ver en un festival de cine una película rusa que hasta el día de hoy sigue golpeando mi mente y corazón. Persiste, todavía, en mi recuerdos, aflorando  cada cierto tiempo, a través de alguna imagen, alguna sensación, miedo, una emoción sofocante, sofocante al igual que el film, que deja sin palabras una vez finalizado, de los que tienes que digerir por algún tiempo.

Y es que las palabras en esta obra (la llamaremos obra y maestra), se guardan para dejar que las expresiones humanas se contengan, las palabras se traguen; amargas, porque son hirientes, todos los sentimientos son extraños, son desconocidos, son de sorpresa, de conocimiento, y cuando estos salen a flote, es donde el espectador se mueve por dentro, se incomoda, sufre con ellos, porque en todo momento habla de la vida misma y sus traumas, que en mayor y menor medida todos hemos tenido, agradezco cuando una película te incomoda, cuando te deja palpitando fuerte.

Los protagonistas están en esa situación donde se  quiere decir algo, pero no se sabe cómo, no se conocen, son padre e hijos, pero la distancia que hay entre ellos, los haría hablar como desconocidos, en efecto lo son. Es un drama notable, pesado, oscuro, sin final feliz, poco esperanzador, envuelto en una escenografía que da frío, que deprime, sin embargo filmado de manera pulcra, detallista, cálida, en aquellos parajes naturales de una belleza hipnotizante, como todo lo que lo envuelve, la fotografía, el sonido, la música, el arte, las actuaciones, perfectas, parcas, calladas pero reveladoras, aunque nunca se puede descifrar para donde te lleva la película.

La dirección en general es impecable.  Un novel director que durante años buscó su oportunidad, y cuando se la dieron, hizo una de las mejores películas rusas de todos los tiempos, a mi juicio una obra maestra de este cine.

Andrei Zvyagintsev dirige en el 2003 la película  “Vozvrashchenie” (El Regreso), un drama sicológico, un drama puro, siniestro, conmovedor y desgarrador, enmarcado en una historia simple, pero al mismo tiempo muy compleja, compleja como el trato de un padre y un hijo que no se ven después de 12 años. Es eso, el reencuentro del padre con sus hijos. Es justamente cuando el cine se adentra en aquellas relaciones, donde florecen historias más potentes y dignas de ser consideradas como verdaderos reflejos de la naturaleza y el mundo y del reflejo más claro del ser humano y todas sus complejidades.

La película fue ganadora en 2003, del León de Oro en el Festival Internacional de Venecia, entre otros premios. Recuerda de sobre manera, y obviamente Zvyagintsev estudió, vio y se basó en él, a otro gran director ruso y su formidable debut en largometraje en el año 1962, Andrei Tarkovsky y su película “Ivanovo Detstvo” (La infancia de Iván), otra obra maestra y pilar fundamental del cine ruso.

Hace algunos días tuve la oportunidad de ver la segunda película de Andrei Zvyagintsev, que data del 2007, “Izgnanie” (The Banishment), algunos críticos aseguraron que su opera prima fue un golpe de suerte y que en realidad habría que ver su segunda película para aseverar sí el director bajaba su calidad o se mantenía como un nuevo genio de la cinematografía mundial. Creo que “Izgnanie” dista mucho del efecto producido por “El Regreso”, película por cierto, que teniendo ahí, entre la colección de dvd de un amigo, cinéfilo  y gran conocedor, no he podido ver de nuevo, porque se asemeja mucho a las sensaciones reales que uno siente en la vida, ya no es la ficción. Justamente esto es de lo que carece “Izgnanie”, el drama oscuro sigue siendo el leitmotiv, pero ya está dejando de manera forzada al espectador en esa ambigüedad en relación de los personajes, que se mueven entre el bien y el mal, sin moral y sin juicio…

En “El Regreso” los personajes ya vienen cargando sus fantasmas  que seguirán cargando aún terminada la película.

No develaré de qué trata “Izgnanie”, para que la puedan ver, pero el tema de fondo fue abordado de manera casi perfecta en  una película Rumana de hace algunos años. A pesar de todo Andrei Zvyagintsev sigue dirigiendo muy bien, sigue instalando mundos de forma coherente  y es que lo mejor de sus trabajos es alejar de la sociedad al ser humano, llevarlo a la naturaleza, para que se escuche y se desmorone en silencio; sigue dando al actor una emoción contenida, un rostro sin expresión que dice más que muchos diálogos, es por ello que por primera vez en la historia del cine ruso, un actor, Konstantin Lavronenko, gana el premio de mejor actor en el festival de cine de Cannes 2007.

Un director que hay que seguir, que no hace películas todos los años, pero que hasta ahora ha sorprendido gratamente con una obra maestra y con una buena película. A esperar que viene ahora.

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Vozvrashchenie

Dir. Andrei Zvyagintsev

Tráiler a través de YouTube: canal SALVATORE092

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos” para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Hoy desarrolla, junto a un equipo de guionistas, la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.

Sherlock Jr. | Dir. Buster Keaton

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Algunas películas encuentran la fórmula para combinar elementos básicos de la narrativa junto con un paquete de entretenimiento carismático y alegre a fin de obtener un producto disfrutable para la audiencia, sin pretensiones. Como ejemplo de ello se encuentra Sherlock Jr. o El joven Sherlock Holmes, de 1924, película muda, sencilla y divertida de tan sólo 44 minutos, coproducida, dirigida y estelarizada por el cómico estadounidense Buster Keaton.

 La película es original y fresca; utiliza cada escena con un propósito y experimenta con una historia sencilla pero accesible.

Keaton interpreta a un joven que trabaja en un cine y que al mismo tiempo se prepara para convertirse en detective; cuando un objeto desaparece de la casa de su amada y el protagonista es falsamente acusado de ser el responsable del robo, el joven se propone resolver el caso y recobrar la confianza de la chica.

De allí en adelante el proyecto comienza a arriesgarse en dos rubros principales. El primero es en el área de la comedia, con una serie de momentos relajados, como cuando el personaje principal intenta juntar dinero para poder comprar un regalo, o con una serie de dinámicas acrobáticas que apelan a la comedia física de la época, llena de distintas aventuras alocadas realizadas por los mismos actores, en este caso, por ejemplo, cuando el protagonista huye de sus perseguidores brincando sobre los vagones del tren y cayendo del brazo de un contenedor de agua.

Pero es el segundo rubro el más significativo, el relacionado con la narrativa y el desarrollo de la historia. En un punto de la película el personaje interpretado por Keaton, un proyeccionista de películas, se queda dormido durante la proyección de un filme en el cine en el que trabaja; en su sueño el joven se adentra a la proyección en pantalla y se ve como el protagonista detective resolviendo el misterio de las perlas perdidas, convirtiéndose sus conocidos de la vida real en los otros personajes de la historia ficticia.

 El concepto de un sueño dentro de la historia e incluso el de una película dentro de la película es un tanto surrealista; su complejidad convierte el relato en un estudio de la mente y el funcionamiento de ésta en cuanto a los sueños. La combinación fantasía-realidad junto con el funcionamiento de la mente, así como la dualidad en la película misma con dos historias independientes pero interconectadas, en este caso: la del empleado de cine acusado de robar un reloj y la del detective resolviendo el caso de las perlas perdidas.

Este tipo de experimentos cinematográficos hacen que la película sea aún más significativa, por su comedia y por su contenido. En 1991 el Registro Nacional  de Cine de Estados Unidos, a través de su Biblioteca del Congreso, seleccionó la película para ser preservada dado su “significativo aporte histórico, cultural y estético”.

Para la época en la que fue lanzada, el éxito de la misma era mínimo comparado con el legado que representa en la actualidad para la historia de la cinematografía. Afortunadamente, el material puede aún sorprender a las audiencias. Como la divertida secuencia en la que Keaton transita por las calles montado en el frente de una motocicleta sin darse cuenta que ésta no lleva un conductor que la dirija e, inocentemente, le va diciendo al inexistente conductor que tenga cuidado mientras maneja. O aquella secuencia final en la que, a fin de ganar de nuevo el afecto de su novia, Keaton comienza a copiar los movimientos de cortejo que aparecen en la pantalla de cine detrás de él.

 Apelando a la imaginativa y creatividad del espectador, los realizadores deciden dar las herramientas necesarias para entender la historia, sin trucos ni explicaciones, a fin de que las personas piensen e imaginen de la misma manera que los personajes dentro de la historia; la forma de lograr esto fue, en efecto, imaginativa y creativa por parte de quienes hicieron la película. Keaton decidió llevar a cabo todas sus acrobacias; otros trucos más de magia y destreza se utilizaron para hacer cada movimiento, secuencia y chiste lo más natural posible. Es resultado es un trabajo detallado, limpio y dinámico.

 El proyecto en su totalidad es suma del trabajo realizado por todos los que participaron en él. Mucho crédito debe darse al operador de cámara y cinematógrafo Byron Houck, así como a Joseph M. Schenck, el otro productor de la película, y a Clyde Bruckman, Jean Havez y Joseph A. Mitchell, encargados de la historia y guión de la cinta.

 La película es tanto artística como históricamente relevante, pero, en el desarrollo  cinematográfico, lo es aún más. Con un toque de originalidad y frescura que es difícil encontrar en las comedias actuales, pero además dando pie a una gama de posibilidades dentro del cine tanto en imagen como en historia, “El joven Sherlock Holmes” es referencia esencial para los amantes del cine.

Es posible acercarse a esta película gracias a la tecnología; el sitio Youtube tiene disponible el archivo de video dentro de su biblioteca para deleite de los interesados.

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Sherlock Jr

Dirigida por: Buster Keaton

Estados Unidos, 1924

Canal YouTube : pikcletoon

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