Reseñas

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Puebla, México 2015

Una ciudad llena de glamour, estrellas de cine, elegancia y perfección; una idea vendida, una imagen que se pretende. Los Ángeles suele relacionarse con el cine y el idílico mundo de los placeres, las fiestas y la opulencia, pero eso no la excluye de tener los mismos problemas que cualquier otra ciudad, a veces hay crímenes, corrupción, hay venganza, muerte, negligencia, avaricia y competencia despiadada.

El contraste entre escenarios es parte de la atmósfera que el cine negro (film noir) utiliza en sus historias; Los Ángeles al desnudo – L.A. Confidential (EUA, 1997) es ejemplo de ello. La historia se ambienta en la década de 1950, la época de oro de Hollywood, donde las estrellas de cine, su fama y su estilo de vida, eran foco de atención y motor inspirador de una ciudad como Los Ángeles. En contraposición se encuentra el lado oscuro de la ciudad: asesinatos, drogas y maleantes tomando el control de las esferas políticas y económicas de la ciudad. En ese ambiente se encuentran: Bud White (Russell Crowe), un temperamental y rudo detective defensor de toda mujer en problemas; Jack Vincennes (Kevin Spacey) un oportunista y manipulador detective de Homicidios que se hace de fama popular contratando los servicios (y ayuda) de Sid Hudgens (Danny DeVito), periodista de chismes con enfoque policiaco; y Ed Exley (Guy Pearce), un policía que cree en la justicia pero que hará cualquier cosa con tal de ganar, subir de posición en el cuerpo policiaco, imponer mano dura en nombre de la justicia y hacerse de una reputación legendaria.

Cada detective tiene sus fallas, pero su corrupción, falta de principios éticos, rigidez en la conducta, es para ellos una característica necesaria en su trabajo para hacer bien las cosas, para cumplir con lo que de ellos se espera; algo así como que para hacer un bien común hay que pagar un precio, que puede traducirse en sobornos, golpizas, implantación de evidencia, acusaciones falsas o el seguimiento de la ley, inflexiblemente, al pie de la letra, por muy imperfectas, inmorales y cuestionables que estas acciones puedan llegar a ser.

Cuando uno de los más grandes traficantes de drogas y líderes del crimen organizado en la ciudad es detenido por no pagar impuestos (en referencia homenaje a Al Capone) su puesto es el gran premio para muchos otros “empresarios” de la zona. El día que el compañero de Bud White es asesinado en una cafetería, las pistas llevan a cada detective, por su cuenta, a ir siguiendo un caso en el que al parecer los implicados son personas con importante renombre en la ciudad, además de estar ligados, de alguna manera, con el negocio de tráfico de drogas. Bud descubre que la situación está relacionada con Pierce Patchett (David Strathairn), hombre de negocios que además es dueño de una red de servicio de prostitutas que físicamente se parecen a estrellas de cine, entre ellas Lynn (Kim Basinger), de quien Bud se enamora y a quien quiere ayudar para salir del negocio. Jack Vincennes, con ayuda de la información extra-confidencial de Sid, descubre una relación entre los sucesos y la red de prostitutas “Fleur de lis”, aunque no sabe con exactitud que es el negocio de Patchett. Y Exley, quien se ve triunfador por el arresto y muerte (en un tiroteo) de los sospechosos de los asesinatos en la cafetería en donde falleció el compañero de Bud, descubre que la evidencia está convenientemente plantada, lo que significa que fue orquestada por los verdaderos responsables, quienes, para tener acceso a la información necesaria, deben estar bien conectados en la política y con el departamento de policía.

La red de corrupción y engaño se entreteje en un bien planteado desarrollo que desenvuelve en paralelo cada uno de los objetivos que mueve a estos tres detectives; ellos, sin saberlo, van persiguiendo el rastro de pistas que deja el caso, las cuales, por sí solas, no forman con coherencia una explicación de los hechos, pero unidas, pieza por pieza, sí, develando el porqué, cómo y bajo qué condiciones operan las personas responsables de los asesinatos, la falsa inculpación de los sospechosos y el nuevo negocio de drogas que ha llegado a sustituir el del recién capturado jefe del narcotráfico en la ciudad. El espectador, que mira cada una de estas piezas, puede ir hilando un misterio con las suficientes ramificaciones como para concluir que la imagen lo es todo; nada es lo que parece porque las apariencias son la clave de esta realidad.

La narración inicial, a cargo de Sid Hudgens, que escribe su columna sensacionalista, así lo explica, la ciudad no es realmente como la publicidad le hace creer a la gente que es; las personas en cargos importantes de poder, dentro del gobierno o la policía, por ejemplo, se han encargado de filtrar la información que se le presenta a la ciudadanía en una labor que pretende mostrar a sus ciudadanos el lado amable, perfecto y soñador con que Los Ángeles es asociada, ocultado una verdad llena de corrupción y muerte; incluso al final, cuando el caso es resuelto y los implicados son denunciados a los superiores de la justicia, las apariencias se mantienen, la verdad es dicha a medias y las negociaciones vuelven a suscitarse, todo es política y el que tiene el poder nunca pierde.

El desenlace es más que agridulce, una victoria a medias en donde los héroes reciben sólo una parte de lo que realmente quieren y merecen, para algunos incluso en las peores condiciones; mientras otros más se salen con la suya. El caso se resuelve, pero la realidad de los hechos, el panorama general de la ciudad, queda intacto; siempre habrá una publicación de chismes y amarillismo, siempre habrá un policía corrupto que utilice la información y la fuerza para negocios ilícitos, siempre existirá la compra de testimonios, siempre habrá un opresor y un oprimido. Lamentable porque queda la sensación de que es necesario mentir, engañar y manipular para tener éxito en la vida, así como para salvaguardar las “buena conciencias” de los ciudadanos, ajenos a estas realidades, pero ansiosos de tener seguridad y tranquilidad en “su vida”.

Ese tipo de sinsabores trágicos son parte del clásico tono con que el género de cine negro (o neo noir, como se le denominad al cine negro moderno) y crimen juegan en su narrativa, que en lugar de buscar ser esperanzadores y alegres, se apegan a una realidad más dramática y desoladora, una realidad más creíble, pequeñas luchas ganadas en una batalla más grande que la de los personajes dentro de la historia, inmersas en una realidad de juegos de poder superior al de las limitadas esferas de la vida personal del ciudadano común.

Basada en la novela James Ellroy y dirigida por Curtis Hanson, la película fue nominada a 9 premios de la Academia, de los que ganó dos, mejor actriz de reparto para Kim Basinger y mejor guión adaptado, para Brian Helgeland y Curtis Hanson.

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L.A. Confidencial 

Dir. Curtis Hanson

Estados Unidos, 1997

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El hombre ha intentado entenderse y entender al otro, a la especie humana, desde tiempos antiguos; los estudios de la psique tienen como propósito explorar los procesos mentales de los individuos, en su razón, lógica, conducta, emociones, relaciones, inteligencia, desarrollo, motivación y evolución. Se trata, en síntesis, de encontrar los elementos que conforman y definen el carácter social del hombre en cada época y sociedad determinada. Teorías, metodologías e interpretación han llevado a las ciencias sociales a abrir un camino para entender el comportamiento humano. Teorema (Italia, 1968) es una película que dibuja una mirada de la complejidad del ser, permitiendo con su desarrollo, contenido y simbolismo, extraer elementos de análisis.

La historia gira en torno a una familia de posición económica alta en Italia, la pequeña burguesía ascendente con su carga de prejuicios morales, quienes reciben la visita de un extraño joven. Su carisma y atractivo seducen a cada integrante de diferentes formas, a la sirvienta, al hijo, la madre, la hija y el padre; hasta que un día él anuncia que se marchará, provocando reacciones inesperadas, desconcertantes, entre sus anfitriones, algunas trágicas, algunas de desesperación, algunas incluso espiritualmente divinas.

La ambigüedad alrededor del joven y el misterio que le rodea permiten que cada personaje y cada espectador le den el significado que elijan. “¿Quién es ese chico?”, pregunta una joven a la hija durante una reunión a la llegada del visitante; “Un chico”, responde ella, encogiéndose de hombros. El joven es una carta comodín, un extraño que sin embargo establece canales de comunicación reciproca que le hacen transitar en su papel del otro hacia una búsqueda de identidad por cada uno de los integrantes de la familia. Su función se manifiesta abierta a cualquier denominación, representación o significado que se le quiera dar, de acuerdo con el efecto que su presencia, y más tarde ausencia, tiene sobre cada uno de los miembros de esta familia: deseos reprimidos, anhelos, ideales, libertad, aspiraciones, frustraciones, dependencia, protección o aislamiento, entre otros.

El relato habla de la construcción de un mundo propio y la búsqueda de identidad  por parte de las personas (-y los personajes-) en donde todo parece perfecto, pero nada es casual; la aparición de este visitante es la explosión, o la ruptura, necesaria para el cambio. El efecto que su presencia tiene sobre cada una de estas personas por eso es significativa, porque responde a las necesidades de ellos como personajes en crisis, conscientes o inconscientes de sus propias problemáticas, negándolas, eludiéndolas u ocultándolas, de otros o de sí mismos, expresando en su conducta la falta de conciencia sobre su esencia humana, la enajenación ideológica y cultural en que los ha sumido el sistema capitalista.

La partida del joven extraño provoca consecuencias que no son bien asimiladas porque los personajes no saben qué hacer ni cómo comportarse ante su ausencia, debido, sobre todo, a la naturaleza de las relaciones establecidas con cada uno de ellos, donde el factor amoroso-erótico-sexual adquiere particular importancia, tanto para el encuentro con su condición humana como para vislumbrar un camino a la liberación de las ataduras ético-morales propias de la clase social en la que se ubican como familia. ¿Quién soy?, se cuestionan, y extraña, pero obviamente, no tienen una respuesta clara.

La devota sirvienta entra en un estado de culpa que, siente, debe castigarse en busca de una absolución, luego de un encuentro sexual con el visitante; el hijo comienza una etapa de autodescubrimiento que exagera la aceptación hasta tornarse en experimentación artística, libertina pero abstracta, bajo la influencia y acentuada fijación hacia el joven extraño; la madre rompe con cualquier atadura que su familia pudo significar, pero se pierde en el camino hacia la independencia y la sexualidad, busca su realización como mujer sin saber cómo hacer del acto sexual una expresión de amor ; la hija se autodestruye cuando se convence de la insignificancia de su vida, no porque realmente alguien sea insignificante como ser humano, sino porque no encuentra el sentido de su vida; mientras el padre se aleja del orden y la razón, de su estilo de vida, de sus valores, en su intento por entender la importancia de su trabajo, su dinero, su posición social y su trascendencia como persona.

Durante su composición, la película hace alusiones varias a un Dios, al desierto como imagen de un vacío y el vencer, destruir y restaurar como un ciclo necesario e inevitable. Criticando a su paso, a través del desarrollo narrativo, situaciones relacionadas con temas como el materialismo, la división de clases sociales, el consumismo, la búsqueda de identidad, la obsesión, la fijación y la salvación, así como también la forma en que el hombre se esconde detrás de todos estos conceptos para justificarse y justificar su, a veces, falta de ímpetu, carencia de conciencia, la enajenación que caracteriza a la sociedad del siglo XX. Enajenación, por cierto, hoy cada vez más acentuada.

¿Es el visitante un ser divino; literal o sólo metafóricamente hablando? Qué es lo que prevalece de su presencia y los cambios que su partida traen para los personajes al obligarlos a confrontarse a sí mismos, es la parte más significativa de la película. Las respuestas serán una serie de asimilaciones divergentes y convergentes; la interpretación variará de espectador a espectador porque cada quien entenderá la historia de manera diferente, y esa, como habilidad narrativa y discursiva del proyecto, es uno de sus mayores atributos.

La construcción, abstracta, simbólica, visual y observadora, sirve como apoyo para entender el tipo de atmósfera, en su espacio y su mente, que viven estos personajes; una técnica que complementa el contenido narrativo con la técnica cinematográfica en una misma sintonía reflexiva: un teorema, una demostración lógica, principios fundamentales de teorías.

Escrita y dirigida por  Pier Paolo Pasolini, la película está protagonizada por los actores Terence Stamp, Laura Betti, Silvana Mangano, Massimo Girotti, Andrés José Cruz Soublette y Anne Wiazemsky y refleja, sin duda, el ambiente cultural crítico, la revolución sexual y el anhelo libertario que se dejó sentir en los países europeos en el año en que fue estrenada la película: 1968.

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Teorema

Dir. Pier Paolo Pasolini

Italia, 1968

Trailer Canal Youtube: BFI trailers

1:27

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

A veces el caos dentro de una nación se genera por la combinación de inconformidades, insatisfacción social, confrontación ideológica y la lucha por tener el control; una sociedad que no confía en su gobierno, un gobierno que no vela por los intereses de la sociedad sino por la de sus partidos, una oposición con insuficiente determinación y un grupo de organizaciones ciudadanas internas que deciden actuar radicalmente. La falta de control y orden, de espacios públicos en donde dirimir las diferencias, desembocan en una serie de conflictos sociales en donde la fatalidad, la violencia y la tragedia son parte de los resultados que se obtienen.

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Z (Francia-Argelia, 1969) es una historia de choque entre círculos de poder, propiciando no sólo injusticias, también intolerancia, abusos, cinismo y descaro rodeando a dichas esferas al mando de ciertos grupos sociales representativos. Cuando un grupo de izquierda a punto de dar un discurso pacifista y anti-guerra se ve forzado por presiones del gobierno  a realizar su reunión en un lugar distinto a donde se tenía planeado, manifestaciones organizadas en contra de ellos llenan las calles alrededor del nuevo punto de reunión La policía se mantiene al margen incluso cuando miembros de este grupo son violentamente atacados y la reunión culmina con la muerte de su dirigente, un Diputado del gobierno. La policía declara que se ha tratado de un accidente, pero el investigador designado por el gobierno encuentra diversas contradicciones y huecos de información en los reportes oficiales policiacos y forenses que indican pudo haberse tratado de un asesinato planeado; cuando testigos clave del suceso comienzan a ser perseguidos, desaparecidos o comprados, tanto el gobierno, los miembros del partido de oposición, como los ciudadanos responsables tendrán que tomar decisiones, algunos querrán salvarse de culpas, otros tendrán que exponer la verdad.

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La trama se va fabricando alrededor de una serie de mentiras y verdades a medias en donde algunas posturas obedecen a necedad (y necesidad) propia, como el hombre que llega a declarar haber escuchado el plan de asesinato y que se niega al desprestigio que el gobierno hace sobre él y su declaración (dicen que miente por enfermedades y demencia); el hombre afirma cumplir su deber de su ciudadano pero también busca la fama pasajera que su testimonio le dará al aparecer en los periódicos. O las posturas que obedecen a intereses políticos, como el general de policía y sus subordinados, que saben que si se declara como asesinato la muerte del diputado de la oposición, su propio partido se verá afectado en las próximas elecciones, lo mismo que incluso su propio puesto en el gobierno.

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El suceso se vuelve un circo de mentiras, injuria, difamación, desacreditación, complicidad y negligencia. “No sugiero nada, sólo enumero los hechos”, menciona el investigador cuando rinde cuentas de sus resultados a sus superiores y quien intenta mantenerse imparcial durante su labor. El problema es que muchos de los hechos sugieren algo, porque van ligados a otro tipo de pruebas, indicando que es posible que la policía se encuentre involucrada en el asesinato.  Además, los hechos como tal son también modificados, interpretados y manipulados, lo que inevitablemente ya sugiere también algo.

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El desprestigio se da cuando las pruebas son manejadas como simples chismes y se sugiere enfáticamente que los motivos de las mismas son producto de la determinación de la oposición por evidenciar las fallas del gobierno, de tal forma que la mentira comienza a tornarse creíble para quienes la escuchan. Repite una mentira una y mil veces más, hasta que la creas, entonces otros igual la creerán verdad, dicta el dicho popular. En este caso, eso es lo que se pretende.

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El honor se pierde y la situación sólo recalca la posibilidad de que la reunión fue saboteada porque el espíritu de lucha del Diputado en cuestión ha comenzado a ganar seguidores. La ideología debe ser controlada y moldeada de acuerdo con los intereses y necesidades del partido, dicta la democracia de derecha en el gobierno en esta historia; para ellos cualquier pensamiento en contra de esta ideología es visto como una enfermedad que debe erradicarse y eso es lo que los impulsa a actuar, pero como su posición pública no les permite verse evidentemente involucrados, deciden actuar a través de terceros, una organización que pueden utilizar para fines propios a cambio de sobornos.

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Al final, cada grupo involucrado responde a sus propios intereses; no es cuestión de conocer la verdad, sino de salir lo menos perjudicados cuando el caso se dé por concluido. Los involucrados, intelectuales y materiales, son protegidos en cierto nivel, la verdad es resguardada hasta cierto grado y cuanto es posible y la evidencia es puesta sobre la mesa lo más viablemente permitido, no más.

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Las secuelas, sin embrago, sólo demuestran qué tan profundo en el poder pueden estar los implicados. Mientras algunas sentencias menores se dictan a varios de los responsables, investigadores, testigos y otras cabecillas del gobierno y grupo de oposición se encuentran con la muerte en misteriosas circunstancias o la destitución de su cargo o profesión.

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Z viene del griego antiguo “vive” y se refiere al símbolo que los seguidores utilizan para continuar con el legado de su líder una vez asesinado. “Cualquier parecido con la realidad, personas vivas o muertas, no es por coincidencia. Es deliberado.”, firman al inicio de la película Costa-Gavras y Jorge Semprún, guionistas de la historia, basada en la novela del escritor Vassilis Vassilikos. Y aunque el trazo y contenido se basa en hechos reales, lo que se ve en pantalla también puede ser reflejo de otras realidades presentes, vigentes en el ambiente social de este tercer milenio, incluida la falta de libertad de expresión, la represión, la corrupción, la burocracia, la violación de los derechos humanos, la falta transparencia en las investigaciones legales por parte del gobierno o la forma operativa de grupos extremistas que como resultado sólo esparcen violencia dentro de una sociedad. Una película que demuestra el potencial crítico del medio cinematográfico para exhibir el grado de descomposición de una sociedad supuestamente democrática.

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Z

Dir. Costa-Gavras

Francia-Argentina, 1969

1: 25 Trailer

Canal Youtube: Rialto Pictures

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo

Por: Perla Atanacio

Veracruz, sus noches, el  diluvio de estrellas,  las palmeras, la mujer que camina tranquila ondeando su belleza y Agustín Lara, nos envuelven en la nostalgia de un México que no ha de volver.

Tomás (Sebastián Aguirre) es un adolescente que vive en el puerto de Veracruz,  tras un  penoso incidente provocado por su rebeldía, es enviado por su madre a la Ciudad de México para que pase algunos días con Federico (Tenoch Huerta) su hermano, quien estudia  Filosofía y letras en la UNAM.  El re encuentro del joven  con su hermano, a quien todos llaman “Sombra”, los llevará recorrer un México de 1999 en busca del mítico ídolo de Rock mexicano Epigmenio Cruz, figura emblemática de su padre quien alguna vez les contó, a modo de hazaña,  que este astro de la música  hizo a llorar a Bob Dylan con una de sus canciones, y que ahora se encuentra hospitalizado en algún nosocomio social de la gran urbe.

“El guión surge a partir de una historia que maravilló al cineasta: la búsqueda del músico estadunidense Woody Guthrie por el propio Bob Dylan, quien llegó hasta Nueva York para cuidarlo y estar con él en sus últimos días.” IMCINE

“Yo quería plasmar eso en Epigmenio, un elemento que se volvió una excusa para sacar a los protagonistas de su departamento”, Alonso Ruiz Palacios, IMCINE

Sin más compañía que un walkman que reproduce una y otra vez los éxitos de Epigmenio,  Santos, compañero de  Sombra, y un auto viejo, emprenden su viaje a la reflexión, a la nostalgia, al porqué de los ideales. Al viaje se les une Ana (Ilse Salas), líder, mujer de convicción, practicante de  la libertad en los derechos fundamentales.

Güeros es un argumento que nos muestra la particularidad de la sociedad, sin quererlo en el tiempo que vivimos. Las voces que se escuchan son las de los adolescentes que van abriéndose paso en la vida, de los jóvenes que defienden sus derechos, de  las posturas extremas y radicales en un movimiento,  de los que están en medio del caos sin tomar partido porque para ellos lo más importante es la introspección, y la conexión del “ser” con sus raíces. En sus 108 minutos de duración nos muestra que la  aventura es el  aprendizaje cotidiano.

Es un largometraje híbrido entre ficción, documental, entrevista, discusiones con lógica y argumento y es que para hablar de lógica no se necesita citar autores, si con la experiencia vivida entre  el dolor y la esperanza se cuenta con uno mismo.

Alonso Ruiz Palacios, en su destacada ópera prima, y en colaboración con Gibrán Portela, logra meternos en ese auto con esos jóvenes que en su búsqueda se re encuentran consigo mismos.

La cinta en blanco y negro nos sumerge en su mundo,  subraya lo importante del texto: las relaciones humanas, las convicciones, los ideales y la importancia de la nostalgia para no olvidar nuestras raíces ni a quienes las sembraron.

El  admirable reto fotográfico estuvo a  cargo de Damián García.

Celebro con gusto haber sido testigo que esta cinta que sin pretensiones logra tejer alguna raíz en quien se ve expuesta a su narrativa, dejando de ser mexicana para ser universal.

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Güeros

Dir. Alonso Ruizpalacios

México, 2014

2:03 Trailer

PREMIOS

Berlinale – Mejor Ópera Prima

Tribeca Film Festival – Best Cinematography

Honourable Mention for Best Direction

San Sebastián – Premio Horizontes Latinos

*Premio de la Juventud

AFI Fest – Audience Award

Ginebra – Young People’s Prize

Mumbai – Grand Jury Prize

Festival de Lima – Mejor Ópera Prima

Jerusalén – FIPRESCI International First Film Award

La Havana – Mejor Ópera Prima

Morelia – Mejor Ópera Prima

*Mejor Actor (compartido) : Tenoch Huerta, Sebastián Aguirre y Leonardo Ortizgris

*Premio del Público

*Premio de la Prensa

Los Cabos – Mejor Largometraje Internacional

Mérida y Yucatán – Mejor Ópera Prima

Costa Rica – Mejor Largometraje Internacional

*Mejor Banda Sonora

*Mejor Fotografía

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Galería:

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Si una celebridad, según el diccionario, es una persona con fama, ¿qué es la fama? La opinión colectiva de la gente sobre la excelencia de alguien en su profesión, escribe el Diccionario de la Real Academia Española. ¿Pero qué representa la fama para la sociedad actual, cuáles son los parámetros que hacen a alguien famoso, que le hacen una celebridad?

Teenage paparazzo es un documental de 2010 que profundiza en el tema de la fascinación por las celebridades a través de los ojos de diversos participantes y con un adolescente trabajando como paparazi en el eje central del relato.

Adrian Grenier, actor de cine y televisión y quien funge como productor y realizador de este proyecto, comienza su investigación luego de que un día se encuentra con un adolescente de 14 años, Austin Visschedyk, trabajando como fotógrafo de personalidades públicas.

¿Por qué?, se pregunta Grenier, ¿qué motiva a este muchacho a sumarse a la profesión a tal edad?, ¿el dinero, lo atractivo que puede resultar acercarse a actores, músicos y otros artistas? Para hacerlo, inevitablemente, Austin debe tener una habilidad con el manejo de la cámara y con la técnica de la profesión. Las preguntas conllevan al proyecto y a, en el camino, realizar reflexiones sobre la relación simbiótica que se crea entre los participantes del ciclo: el fotógrafo que capta al artista y que luego vende la imagen a revistas, las revistas que publican las imágenes junto con un contenido cimentado en elementos de publicidad, elementos de venta y noticias capaces de construir o destruir personalidades para capturar la atención del último eslabón, la gente, las personas que compran y consumen, ávidos, además, tales fotos, por la información, o por tal chisme.

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El fenómeno social no es la foto en sí, sino la socialización combinada con una “relación parasocial” de las personas con los entes públicos, la relación de poder y la de idealización. Realmente no conocemos a las celebridades, pero sentimos que lo hacemos cuando sabemos cosas de ellos: su fecha de nacimiento, su color preferido, el tipo de café que prefieren tomar, por mencionar algunos ejemplos; el público quiere sentir que la celebridad es una persona común que tiene similitudes con cualquier otra persona, lo cual se cumple si se ve al artista realizando actividades rutinarias, salir de paseo, ir a la escuela, viajar por vacaciones, tomar un café, comprar gasolina. La relación parasocial es unidireccional y mientras uno sabe toda la información del otro, la celebridad en este caso, no sabe de las personas, porque no existe una relación real.

Estas son algunas de las temáticas explicadas en el documental, que entrevista a investigadores de sociología, a otros fotógrafos paparazi o a diversos artistas del medio del cine y la televisión por igual. La historia es un pretexto para levantar preguntas respecto al tema de la fama y la relación que se da entre celebridad y fotógrafo, pero también ahonda en la perspectiva de Austin respecto al tema.

Austin, reflexiona Grenier, tal vez hace lo que hace porque es lo que su ambiente le enseña, la vida en Los Ángeles, en Hollywood, el bombardeo de este tipo de realidad y correlación alimentada por parte de los medios de comunicación, de ciertas esferas de la sociedad y de la comunicación que la era de la información actual tiene con el internet. En el proceso la película no condena ni a sus padres ni al entorno en el que el adolescente promedio actual se desenvuelve, sino que establece distintas fuentes que influyen en ellos. Existe una ávida fijación colectiva con las celebridades, con las personalidades de un medio específico, pero no siempre por sus logros profesionales, sino por el simple hecho de ser conocidas o famosos. ¿Cuántos más aspiran a algo parecido, a la fama sólo por la fama, a la facilidad de la situación?

Yo soy aburrido para los fotógrafos, dice Matt Damon; quien menciona que como actor casado y con hijos sus fotografías no venden tanto como las de otras personas, haciendo que los paparazi se acerquen menos a él.

Hipotéticamente qué tendría que hacer para vender, pregunta Grenier a Austin, qué circunstancias harían que una fotografía mía valiera miles de dólares. Salir con alguien famoso, dice el joven, salir con Paris Hilton o Lindsay Lohan.

El actor decide seguir el consejo y realiza el experimento. Una cita amistosa con otra celebridad y las revistas de espectáculos encabezan la nota especulando una relación sentimental entre ellos. El rumor no tiene fundamento alguno, pero vende y se vuelve popular.

¿Será que los fotógrafos sólo hacen su trabajo o es que se convierten en acosadores, en invasores de la privacidad? ¿Es que el artista actual debe asumir que el trabajo viene de la mano con la fama y la fama viene de la mano con ser fotografiado en cualquier lugar, en cualquier instante? ¿Es que existe una colaboración entre los encargados de las relaciones públicas y algunos artistas y fotógrafos? ¿Son estas fotografías una forma de humanizar a personalidades que están de otra forma puestas en un pedestal? ¿Los fotógrafos trabajando como paparazi logran que se pierda la privacidad y la confianza que se puede tener en las personas?

El documental parece responder muchas de sus preguntas y lo hace con un fundamento sólido, desde una perspectiva crítica y reflexiva de la situación, explorando el panorama desde el punto de vista de uno y otro. Grenier dice comenzar a entender la excitación y adrenalina que significa seguir a una personalidad del medio para fotografiarla, luego de que él mismo se pone en los zapatos del fotógrafo y con cámara en mano se convierte momentáneamente en un paparazi.

Hacia el final el actor se detiene a analizar y corregir sus propias acciones, en especial con lo relacionado a las consecuencias de haber puesto en la mira a Austin, hacerle a él con su cámara de vídeo lo que la cámara del paparazi hace con sus objetivos, cerrando con la pregunta sobre qué se puede aprender de la situación, del escenario, cómo puede el joven sacar provecho de la experiencia.

Paparazi es una palabra italiana que se refiere al ruido que hacen los mosquitos. La asociación en la cultura popular de la palabra con el fotógrafo cuyo trabajo es capturar las imágenes de celebridades en su rutina diaria, viene de un personaje de la película “La dolce vita”, de Federico Fellini; un personaje que es un fotógrafo de nombre Paparazzo.

 

La relación entre los paparazi y las personalidades sigue cambiando; respeto, colaboración o explotación, siempre habrá alguien que saque provecho de la situación. El documental habla de la fama, la popularidad, la adolescencia, la comunicación y el entretenimiento, las formas de acercarse al mundo y a las personas (incluidas las figuras públicas) y la relación entre la ficción y la vida real.

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Tennage Paparazo

Dir. Adrian Grenier

Estados Unidos, 2010

2:30 Trailer

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Por: Juan Carlos Padilla

Hay que aprender a darnos cuenta cuando hay algo frente a nosotros que es extraordinario, aunque eso sea o haya sido tu peor enemigo.

Es muy difícil para nosotros aceptar eso ya que nuestro ego se apodera de nuestros cuerpos y hace que por el miedo o resentimiento que le tenemos nos cegue. Se nos ha enseñado que hay que  alejarnos de lo que nos lastima y tiene todo el sentido, ¿quién querría estar viviendo con algo que los lastima? Aunque a veces hay dolores que tenemos que aprender a soportar, no por el mero hecho de ser unos faquires de la vida, si no que esos dolores nos harán aprender cosas que de otra forma no lo entenderíamos, pero lo difícil es saber diferenciar de los dolores que nos tratan de enseñar algo, a los que son meramente dolor.

Siempre he pensado que para poder conocer el fuego, tienes que quemarte.

Casi siempre necesitamos de algo o alguien que nos guíe, y así como nuestros padres nos ayudaron con cariño y amor a crecer y aprender como vamos encontrando en la vida a esos seres que nos irán enseñando, aunque no siempre como estábamos acostumbrados: a través de palabras bonitas y caricias.

Y así como en algún momento de nuestro crecimiento fuimos jugando y experimentando, desde cosas muy pequeñas o superfluas, como el hecho de ver hasta qué momento una liga aguanta que tiremos de ella hasta que esta se rompe o poner una pequeña rampa y darle cuerda a un coche de juguete para ver hasta dónde puede llegar. Con experimentos como estos es que hemos ido probando  los límites de las cosas, siempre con la incógnita de saber qué sucederá. ¿Cuántas veces lo hemos hecho con nosotros mismos? me refiero, en realidad, llegar a nuestros límites para averiguar hasta dónde podemos llegar y no me refiero a cosas sin sentido, como ver cuántas cervezas te puedes tomar o qué tan rápido, no; si no a cosas que en realidad harán que nos vayamos conociendo mejor, aunque también el hecho de saber cuántas cervezas y que tan rápido las puedes tomar harán que te conozcas, me refiero a cosas que nos ayudarán o nos harán mejor en lo que realizamos día a día.

Pero qué sucede cuando en nuestra experimentación, sólo buscamos romperlo, o, ver que falle y nunca encontramos (o no nos damos la oportunidad de verlo) la manera de aportar en un fin mejor. El mover esa pequeña rampa con el fin de que el coche caiga sobre otra rampa y que el coche continúe con su camino y no solamente para verlo caer o estrellarse. En nuestro camino por encontrar algo extraordinario o ser nosotros mismos, ese algo extraordinario, hay veces que no nos permitimos que alguien más no ayude porque queremos llegar por nuestra propia cuenta a esa meta y a veces nos negamos tanto a la ayuda de esas personas que nos ayudan o ayudaron y los vemos como posibles enemigos, sólo por el hecho de que a esa persona se le ocurrió algo que no lo pudiste pensar ti mismo.

 El ego es el más grande de nuestros enemigos.

Es tan hermoso cuando nos damos cuenta que tenemos algo extraordinario enfrente de nosotros y es ahí cuando logramos ver a nuestro enemigo como en realidad es: un gran maestro y lo único que nos nace por hacer es ayudarlo y darle todo lo que está a nuestro alcance para poder llegar algo tan bello.

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Whiplash

Dir. Demian Chazelle

Estados Unidos, 2014

2:08 Trailer

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Juan Carlos Padilla Robles  |  @grillo1138 | Juan Carlos Padilla |  México 

Comunicólogo amante del cine, libros, comics y videojuegos. Realizador Zarigüeya Estudio Creativo. “Cuando escribo mis comentarios después de ver una película, normalmente estos no van decir de qué trata la película; tampoco escribo para dar una cátedra del lenguaje cinematográfico o del cómo se realizó, para esa información prefiero ver un posible detrás de cámaras o ver la película con los comentarios de los realizadores. Lo que escribo de una película es algo más subjetivo, tal vez hasta en ocasiones escribiré de algo que no tenga mucho que ver con la película, pero sí de algo que vi en ella e hizo que algo dentro de mí se conmoviera, sintiera algo o que me cuestionara de algún tema. 

Interstellar | Dir. Christopher Nolan | Estados Unidos, 2014

Por: Juan Carlos Padilla

¿Cuántas cosas “malas” tuvieron que pasar para que estés en estos momentos en el lugar en el que estas?

Claro tomando en cuenta que en realidad estas contento en el lugar en el que estas, de lo contrario es que aun estas en esa pequeña pelea con Matt Damon, que próximamente te llevará al lugar al  que tanto deseas llegar.

Es curioso cómo por estar tan enfocados en nuestro objetivo no nos damos cuenta de lo que sucede a nuestro alrededor, creemos que todo lo que no nos ayuda en ese momento a llegar a nuestro objetivo, es por consiguiente un obstáculo. Es hasta tiempo después, y luego de haber superado ese obstáculo, que podemos voltear y darnos cuenta de todo lo que sucedió. Nos percatamos que si no hubiese sido por ese obstáculo, jamás nos habríamos dado cuenta del camino que nos llevó al lugar deseado. Es en esos momentos en el que podemos agradecer la existencia de ese pequeño “mal” y  que se nos haya atravesado en nuestro camino. Aunque igual existen personas tan ciegas que no lo ven así, o más bien son tan egocéntricas que no aceptan que llegaron a su lugar deseado no gracias a sus propios méritos, ya que de haber continuado por el camino inicial estarían en otro lugar y en otras circunstancias.

Así como Guillermo del Toro se preguntó qué era un fantasma en “El espinazo del diablo”, creo que Christopher Nolan se preguntó lo mismo.

No les quiero arruinar la respuesta, mejor los invito a ver la película y averiguarlo por ustedes mismos.

Lo más seguro es que en estos momentos, no les haga mucho sentido todo esto que están leyendo, pero tal vez después de ver la película lo haga y con esto, espero haber sido ese pequeño obstáculo en su camino para poder darse cuenta o ¿será que yo sea ustedes mismos?

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Interstellar

Trailer

Dir. Christopher Nolan

E.U.A., 2014

 2:27

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Juan Carlos Padilla Robles  |  @grillo1138 | Juan Carlos Padilla |  México 

Comunicologo amante del cine, libros, comics y videojuegos. Realizador Zarigüeya Estudio Creativo. “Cuando escribo mis comentarios después de ver una película, normalmente estos no van decir de qué trata la película; tampoco escribo para dar una cátedra del lenguaje cinematográfico o del cómo se realizó, para esa información prefiero ver un posible detrás de cámaras o ver la película con los comentarios de los realizadores. Lo que escribo de una película es algo más subjetivo, tal vez hasta en ocasiones escribiré de algo que no tenga mucho que ver con la película, pero sí de algo que vi en ella e hizo que algo dentro de mí se conmoviera, sintiera algo o que me cuestionara de algún tema. 

Boyhood | Dir. Richard Linklater | E.U.A, 2014

Por: Iván Uriel

De niños pensamos que la vida de adultos es tan aburrida como las clases en el colegio. Nos apesadumbran los regaños, las órdenes y las recomendaciones. Cuando niños nos desvelan las ilusiones, cuando adultos nos desvelan titubeos…Los adultos son complicados, los niños complejos.» 

El Surco

Cuando en 1995 Richard Linklater estremeció las emociones del enamoramiento a través de una pareja que se encuentra por casualidad, causalidad o destino en un tren, sabíamos que no sería sencillo olvidar la conversación de sus personajes hasta antes del amanecer. Lo sentimos sobre sus idas y vueltas en un diálogo sin fin, sin pausa y tan natural, que le aguardamos por diez años para confirmar que los “holas” y los “adiós” no tienen tiempo ni olvido en la memoria, esperábamos saber si los personajes podrían encontrar esa magia de las horas, y nos quedamos al suspenso de diez años y hasta antes del atardecer, para observar que la magia de las horas era ahora la realidad de todas las horas, en ese emocional trayecto, sin darnos cuenta, habían sido veinte los años. Linklater nos había regalado una trilogía que desde antes del anochecer, era ya un legado que tendrá un lugar especial en quienes seguimos la trama de lo que había transcurrido en dos noches y después en los años de la vida misma.

En “Boyhood”, el director ha alcanzado su mayor nivel de simpleza, su logro escondido, su herencia cinematográfica. Doce años resumidos en casi tres horas de cinta, doce años de seguimiento, de estar persistente, de ser constante, de acomodar el guión de una y varias vidas, de acompañar los procesos, las rabias, las alegrías, de ser y estar en la precisión de un proyecto que rebasa al cinema para ser una epifanía completa para quienes participan en una propuesta sorprendente, concreta, profunda, dispersa, sensible y honesta; como si el epílogo de los personajes estuviera definido, como si les persiguiera, como si la búsqueda y el encuentro caminaran juntos.

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“Boyhood” se filmó desde antes y hasta el después de la trilogía del antes y el después, con secreto, cautelosa, con paso lento para no ahuyentar las esperas ni las esperanzas.

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Si la infancia se resume en partes, la adolescencia se sintetiza en colmenas, los años que nos definen, las etapas que nos determinan, los traumas, los sueños, los recuerdos, las promesas, la expectativa, todo lo que la vida conlleva a la edad en la que los juegos son parte de la etapa pero las preguntas la etapa misma.

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La duración, más de dos horas y media, no claudica en ningún momento, no hay pausa porque la edición nos ambienta en la etapa de cada uno de los personajes, de los que entran, de los que salen y de los que permanecen durante “los años maravillosos” de Mason, interpretado por el estupendo Ellar Coltraine, un actor que conforme pasan las secuencias crece actoralmente, y que a medida que avanza su edad, asume en sus facciones el mismo rostro del niño que mira hacia el cielo, cuando es el joven que ve pasar sus días en la lejanía de un padre que le advierte lo que es y lo que no es sin ofrecerlo más que en las palabras, y de una madre que busca el amor en donde la violencia confunde protección, mientras su hermana (Lorelei Linklater) es compañera, un testigo pasivo sino activo de la narrativa.

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“Boyhood” no tiene una elipsis perdida ni una trama estrictamente lineal aunque lo parezca, es una toma de las vicisitudes que acompañan a Mason ante el paseo de la cotidianidad que deja sellos. Sin pretensiones, sin argumentos metafísicos ni efectos que jueguen con la realidad, la película nos muestra los instantes perdidos y encontrados  que Linklater explora en su trilogía del “antes”, en “Boyhood” los amantes no son los protagonistas pero sí los amores, esos amores que no se vierten en romances ni en parejas, sino de los amores que eslabonan esos antes, esos ahora y esos después.

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Ethan Hawke, actor cómplice del director, y Patricia Arquette, han dado la actuación de sus carreras, una labor admirable que requirió guardar los matices de sus personajes durante el tiempo que acompañó la propuesta de Linklater. Una de las mejores cintas de la década, una innovadora película que tiene en la valentía de realizarla su valor añadido, mientras su mayor valor reside en su simpleza.

Inserto en los personajes, la dialéctica de sus diálogos, la fuerza actoral y los recursos de la cámara como aliado, “Birdman” 2014 (Alejandro G. Iñarritu) me recordó a “Opening Night” 1977 de John Cassavetes; mientras la desnuda realidad de “Boyhood” me hizo resonar al director independiente por antonomasia del cine estadounidense, quien está más presente en la influencia del cine alternativo de ese país. Me gustaría comentar lo anterior con el director italo chileno Andrés Palma Buratta, querido colega, quien es un profundo analista  y conocedor de la obra del admirado director neoyorkino.

Así como la maravillosa “Hoop Dreams” 1994 de Steve James, dio seguimiento a las historias de vida de sus protagonistas durante varios años, “Boyhood” lo hace desde la óptica de sus protagonistas, el primero es un documental que parece una película, la segunda una película que bien podría ser un documental, ambas obras de arte, ambas obras maestras de la lente que acompaña, atestigua, que convierte al cine de ficción y no ficción, en memoria de una realidad compartida en sus personajes.

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 Boyhood

Dir. Richard Linklater

E.U.A, 2014

Trailer

1:33

http://boyhoodmovie.tumblr.com/

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | @ElSurcoNovela | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Groundhog day | Dir. Harold Ramis | Estados Unidos, 1993

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

 Ya sea “Hechizo del tiempo”, “Atrapado en el tiempo” o “El día de la marmota”, cualquiera de los títulos como se le conoce a esta película de 1993 resumen con tino el concepto general de lo que trata la historia: un hombre revive el mismo día una y otra vez, el dos de febrero, también conocido en Estados Unidos y Canadá como el día de la marmota. Según la tradición en esta fecha se celebra un ritual en donde, de acuerdo con el comportamiento de una marmota, se determina si el invierno se alargará o no. Si el día es soleado y el animal ve su sombra, la temporada invernal seguirá, de lo contrario, la primavera llegará más pronto.

Creando un bucle temporal, la película presenta diversos predicamentos existenciales para el protagonista. Phil (interpretado por Bill Murray) es un egocéntrico y sarcástico reportero del clima que llega a la pequeña localidad de Punxsutawney, en Pensilvania, para cubrir el evento ceremonial; luego de que una tormenta lo deja a él y a su equipo, [la productora Rita (Andie Macdowell) y el camarógrafo Larry (Chris Elliott)], varados en la ciudad, Phil se ve forzado a pasar de mala gana el día entero ahí, sólo para darse cuenta que al despertar es nuevamente la misma fecha.

Phil aborda su problema desde diversas perspectivas una vez que se ha dado cuenta que no está en sus manos poder cambiar la situación. A veces intenta conquistar a una mujer, otras sólo intenta divertirse, en ocasiones planea cómo robar dinero y gastarlo, en alguna intenta suicidarse. Pero lo importante es que durante el proceso de vivir y revivir el mismo día, una y otra vez, por tanto tiempo, el protagonista logra cuestionarse el qué hacer con esta oportunidad, o maldición, según sea la perspectiva.

“¿Qué harías si estuvieras atrapado en un lugar y todos los días fueran exactamente lo mismo, y nada de lo que hicieras importara?”, pregunta Phil a uno de los habitantes de la ciudad. “Eso lo resume todo para mí”, es la respuesta del otro.

Estas líneas de diálogo parecen sintetizar el eje central de lo que trata la historia. ¿Qué hacer cuando tu vida es una repetición monótona del día a día? ¿Qué pasa cuando tu vida transcurre en un más de lo mismo cotidiano? ¿Qué harías si supieras el futuro? ¿Qué harías si tuvieras todo el tiempo del mundo? ¿Qué decisiones tomarías? “Tomas decisiones y vives con ellas”, se dice Phil hacia la mitad de la película. ¿Eliges perder el tiempo o utilizarlo? ¿Eliges hacer algo o conformarte?

Para llegar a una conclusión Phil tiene que existir dentro del mismo día cientos de veces y pasar por una serie de etapas diferentes en el proceso: a veces es negativo ante su situación, otras la aprovecha, unas más odia tener que revivir lo exacto mismo, en algunas sólo le enoja, o le decepciona, o le harta, se cansa de lo que vive, de la vida misma.

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Su contraparte es Rita, una optimista y alegre mujer que elige ver el vaso medio lleno en lugar de medio vacío. Sus palabras son las que inspiran a Phil a hacer algo con el tiempo que el destino le ha dado, aceptar su realidad y aprovecharla. Así decide aprender a tocar el piano, a hacer esculturas, aprender de la vida de quienes le rodean, ayudarles gracias a su posibilidad de poder anticipar lo que va a suceder. La historia permite al espectador preguntarse sobre el futuro, pero incluso también sobre el pasado y sobre el presente, sobre el tiempo y lo que se elige hacer con él.

La película está envuelta en un halo de fantasía, romance y comedia, dejando al aire la pregunta de si Phil lo hizo todo por convertirse en mejor persona o si lo hizo para impresionar a Rita. Es debatible si la lección para el protagonista es dejar de ser alguien negativo y arrogante para convertirse en alguien amable, alguien que piensa en los demás y que disfruta la vida, después de todo, cuando comienza a hacerlo es cuando el “hechizo” por fin termina.

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De igual manera se puede cuestionar el por qué del hechizo, por qué Phil se la pasa en el mismo espacio temporal durante un periodo tan largo. La falta de explicación, la fantasía y la magia abierta a interpretaciones es en realidad un acierto del desarrollo de la película. Él cambia porque elige ver el lado positivo de su realidad y eso es lo más importante del mensaje con que carga la historia.

Murray no interpreta a un amistoso y generoso hombre, al contrario, y es su cambio como persona, gracias al ambiente que le rodea y las propias circunstancias en la que se ve envuelto, lo atrayente de la historia, dirigida por Harold Ramis y coescrita por éste junto con Danny Rubin.

La combinación de estos elementos completa una película tan entretenida como divertida, cuya sola premisa temporal trae consigo otras varias preguntas relacionadas con la vida, el destino, el propósito del hombre o las decisiones que todos tenemos que tomar.

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Groundhog Day

Dir. Harold Ramis

Estados Unidos, 1993

Trailer

2:39

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

Lego Movie | Dir. Chris Miller y Phil Lord | Estados Unidos,  2014

Por: Juan Carlos Padilla

¿Qué tan difícil es seguir lo que en realidad nos gusta? ¿Lo que nos “gusta” en realidad es una decisión nuestra o fue un gusto impuesto por alguien más?

¿Cuántas veces te ha pasado que compras algo, dices que te gusta tal grupo de música o comentas que tal película es muy buena, aun cuando muy adentro de ti piensas y sabes que no es cierto y que sólo lo dijiste por “agradar” o por ser aceptado por las personas que te rodean? A veces es difícil quitarnos la venda de los ojos y darnos cuenta cuáles son en realidad nuestros verdaderos gustos, y cuáles nos han sido impuestos.

Esto NO quiere decir que debe desagradarte lo que a la mayoría les gusta sólo por ir contra la corriente, como tampoco está mal si de verdad te gusta lo mismo que a los demás; la intención es aprender a darte cuenta de si en realidad la música que escuchas, las películas que ves, los libros y comics que lees, las tendencias que sigues, etc., son los de tu agrado. El mundo a cada rato nos hace elegir entre la pastilla roja o azul, como cuando Morpheus se las ofrece a Neo en Matrix; la decisión siempre es nuestra. Con lo cual se me viene a la mente una pregunta: ¿será cierto que “la ignorancia es una bendición”?

No tiene nada de malo cambiar de opinión, siempre y cuando creas que la opinión que estas desechando es la incorrecta y la nueva es la correcta para ti. Me he dado cuenta que solemos indignarnos fácilmente por cualquier cosa o tachamos de incorrectas las distintas formas de ver las cosas cuando éstas son diferentes a las que creemos en ese momento.

Tenemos que aprender a escuchar a los demás y no solamente a oír; tal vez escuchar otras formas de pensar haga que nuestra vida tenga otro sentido. A veces pensamos que las reglas son una prohibición, pero al mismo tiempo pueden dar sentido y diversión a nuestra vida; esto no significa que a veces sea bueno romperlas y aprendamos a divertirnos como nunca antes lo habíamos hecho.

Esto es lo que me dejó “Lego La Película” (Phil Lord, Christopher Miller, EUA, 2014). Desde que vi los cortos fue una película que se me antojó ver; esos colores brillantes que nos presentaba y el poder ver reunidos a Batman, Superman, Miguel Ángel de las Tortugas Ninja, Gandalf y un sinfín de personajes con los que Lego ha sacado su producto de bloques. Todo esto hizo que mi niño interno (¿o externo?) me dijera que teníamos que ver esta película.

Es muy agradable cuando piensas que verás una película con explosiones (en este caso, hechas de pequeños bloques de lego), persecuciones, chistes, etc., y que al final la misma película te sorprenda y te “diga” que no solamente es sobre eso que viste en los trailers.

La misma película es también un gran comercial de su marca, que a su vez trata de decirte que aunque compres un carro de policía, de bomberos o una nave espacial, no solamente puedes armar eso, si no que debes esforzarte en hacer algo más con esos bloques, rompiendo las reglas y divirtiéndote armando lo que tú quieras con lo que tienes en tus manos.

Si eres de las personas “maduras” que no ven este tipo de películas, te invito a que dejes de lado esos prejuicios y formas de pensar impuestas sobre qué es en realidad ser “maduro”; déjate absorber por la diversión que los bloques de Lego pueden darte.

“El sabio puede cambiar de opinión. El necio, nunca.” 

Inmanuel Kant (1724-1804).

No dejes que el “pegamento” gane en tu vida y aprende a ver las cosas de distintas maneras.

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Lego La Película

Dir. Chris Miller y Phil Lord

Estados Unidos, 2015

Trailer

3:00

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Juan Carlos Padilla Robles  |  @grillo1138 | Juan Carlos Padilla |  México 

Comunicólogo amante del cine, libros, comics y videojuegos. Realizador Zarigüeya Estudio Creativo. «Cuando escribo mis comentarios después de ver una película, normalmente estos no van decir de qué trata la película; tampoco escribo para dar una cátedra del lenguaje cinematográfico o del cómo se realizó, para esa información prefiero ver un posible detrás de cámaras o ver la película con los comentarios de los realizadores. Lo que escribo de una película es algo más subjetivo, tal vez hasta en ocasiones escribiré de algo que no tenga mucho que ver con la película, pero sí de algo que vi en ella e hizo que algo dentro de mí se conmoviera, sintiera algo o que me cuestionara de algún tema. Es como cuando observas una imagen o una pintura, cada quien puede sentir algo, puede o no ser lo que el artista quiso decir. He ahí la grandeza, en mi humilde opinión, de una obra y las diferentes lecturas que los demás le pueden dar. Al ver esa obra puede ser que una pincelada, una casa en el fondo o un personaje, no necesariamente el principal, dentro de la pintura hicieron que algo dentro de ti recordara o sintiera algo. Es por eso que yo escribo comentarios de lo que me dejó ver una película y no una reseña de ella.»

Birdman | Dir. Alejandro G. Inárritu | Estados Unidos, 2014

El actor se ve al espejo, habla de sí, y de sí mismo. Se ve, se admira y repudia a la vez. ¿En quién me he convertido? Yo soy una estrella de cine ¿qué hago aquí? ¿Cómo llegué? ¿Cuándo dejé de ser quién era? ¿Quién soy yo? Es un juego del ego que busca plantar el sentido de una existencia que necesita saberse grande, único: soy el mejor actor. Se vive de las glorias del pasado sobreviviendo la patética existencia de quien decide, que su vida pudo y debe ser compensada por la genialidad del artista que sigue siendo.

Es la sensación de vivir una existencia malograda, se trata de la incomprensión del talento por la comprensión de ese “yo”, ese “yo” del artista que vive esa su realidad. No experimenta esa dualidad, separación entre el deseo de ser y el ser, vive en esa ilusión constante de querer estar encumbrado, en el sueño permanente del reconocimiento a su ego. No se puede vivir solo de la ilusión, en el trance de no lograrlo se necesita actuar para que el otro te coloque en el lugar que siempre te ha pertenecido. “Birdman” no es el Clooney o el Downey Jr., es el hombre a quien los años le han alcanzado sin aviso, que intenta deshacerse de la fama de su otro yo; el Birdman, es el actor que busca el éxito en Broadway.

Birdman es el personaje de un superhéroe abandonado a la suerte del mundo, un mundo que no comprende su ser genial. El talento que no es capaz de demostrarlo ante un público demandante, un crítica petulante y un sobrado actor de reparto que roba la escena. Se ha sentido fracasado en su vida como padre y ahora como actor, su carrera se ha quedado detrás del disfraz.

Es el ego del hombre atormentado que necesita ese gran acto que espera y proyecta, con un espectador que intuye que sucederá el acto definitivo de la suerte que acompaña a este ser mísero y desdichado.

 El director Alejandro G. Iñárritu hace una labor interesante tocando la relación del actor con sus personajes, la infinita sed y necesidad de la admiración requerida por el artista y la manifestación del arte en el teatro hecha película. Michael Keaton vuelve al escenario reencarnando su personaje, ahora como Birdman y no Batman como se le conoció, porque después de ello, los papeles que tomo fueron en detrimento.

Las tomas son una vez más el genio detrás de la cámara, Emmanuel Lubezki, quien nos guía en lo que simula una sola toma, por aquellos pasillos del teatro de Broadway, son pocos los escenarios pero nos hacen vivir la tragedia de los personajes que, encerrados en ese espacio, nos demuestran la tensa problemática de la elaboración de una obra de teatro de la cual nos enteramos poco.

Edward Norton, Naomi Watts, Emma Stone y Andrea Riseborough comparten escenario con Michael Keaton, excelente selección de Iñárritu quien dirige cual director de cine y de teatro a estos cuatro problematizados caracteres.

Y ahora con la presunta responsabilidad del guion original nos preguntamos ¿quién es Birdman? Es el héroe o la representación, un yo que no se realiza en el actor si no es por ese personaje. Michael Keaton o Riggan Thomson, o Birdman.

            Birdman es para los conocedores del cine y los artistas de vena … Birdman es incomprensible para quienes no entienden que la vida de un artista se debe a la aspiración del yo reconocido…

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Birdman

Dir. Alejandro G. Inárritu

Estados Unidos, 2014

Teaser Trailer

1:41

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

もののけ姫, Mononoke Hime | Dir. Hayao Miyazaki | Japón, 1997

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Mitos y leyendas, historias contadas de generación en generación, con mensajes representativos de la realidad del mundo que reflejan, bases históricas, personajes fantásticos culturalmente significativos. Hayao Miyazaki, escritor y director de la película tal vez no habla directamente de específicos mitos y leyendas (si bien pudo inspirarse en ellos), pero, en el proceso de construcción de la historia, parece crearlos.

La princesa Mononoke es una historia que se desarrolla en Japón, alrededor de los 1300 o 1500 años de nuestra era. Los espíritus han ido desapareciendo poco a poco del planeta y los que quedan defienden lo suyo: a la tierra, la flora, la fauna, la naturaleza, su esencia. Cuando una aldea es atacada por un demonio, su príncipe, Ashitaka, defiende y mata al ser, pero aquello que volvió maligno al animal se traspasa al joven, comenzando a corroer su cuerpo y condenándolo a la muerte. En busca de una cura Ashitaka parte a un viaje en busca del espíritu del bosque, encontrándose en su camino con otros espíritus. San, humana adoptada como hija de una diosa lobo, reciente a la raza humana y acrecienta su odio al ver a la aldea de mineros cercana al bosque abusar de los recursos naturales. Liderada por Lady Eboshi, la aldea se compone de trabajadores que en algún momento fueron marginados, leprosos y prostitutas; con el fin de obtener el mejor mercadeo, Eboshi pisotea todo lo que se interponga con su meta, razón por la cual, para deshacerse del espíritu del bosque, accede apoyar a Jiko, quien planea quitar la cabeza al espíritu del bosque (que supone da inmortalidad a quien la tenga) y entregársela al emperador a cambio de protección.

Lo más interesante del dibujo de personajes son los matices de cada uno; no es como si se trazara la bondad o la maldad unidimensionalmente, ellos tiene sus prioridades y eso explica sus acciones. Eboshi, por ejemplo, quien de alguna manera vela por sus trabajadores y les da una oportunidad cuando nadie más lo haría pero quien, de igual manera, prioriza el poder, el dinero, el control, por encima de cualquier otra cosa, la seguridad de las vidas a su cargo, incluso la de ella misma.

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La mayoría de los personajes velan por sus propios intereses, una actitud acompañada de indiferencia. Este tipo de comportamientos, reales y crudos, reflejan de manera honesta la condición humana.

Ashitaka, en contraste, quiere paz entre naturaleza y modernidad, para él, espíritus y humanos pueden y deben lograr convivir sin interferencias; en lugar de ponerse del lado de algún bando, decide coordinar una forma en la que unos no lastimen a los otros. Su actuar ejemplifica el tipo de mensaje con que carga la película. La temática central gira en torno a la forma en que la mano del hombre destruye la naturaleza; el hombre se convierte, en la historia, pero también lo es en el mundo real, en un depredador, un invasor.

El trasfondo es relevante en cuanto al reflejo del hombre destruyendo su entorno, pero también lo es al hablar sobre la necesidad de la tolerancia, el respeto y el creer en algo. En la historia los humanos quieren destrozar el bosque para construir y expandir ciudades, no buscan conciliación y armonía, sino que eligen la destrucción; los espíritus (del bosque y los animales) defienden su hábitat, pero incluso ellos tampoco perciben que los humanos son parte del entorno; como respuesta, sus acciones son igual que los otros, violentas y la guerra que se desata es inevitable.

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Aquella energía, bacteria, plaga o virus que infecta a los espíritus para convertirlos en demonios es un reflejo de intolerancia y negatividad. La mancha que crece en el cuerpo de Ashitaka es el odio, lo que comienza a consumir su cuerpo, que reacciona casi por cuenta propia ante amenazas externas, reflejando todo el resentimiento y rencor de la naturaleza, del mundo, de la gente, de las acciones y de los sentimientos.

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Lo negativo atrae cosas negativas, el mal crea más mal y la respuesta no es alimentar todo con más maldad; algo así sucede cuando la mancha afecta a los dioses, cuando los consume y los lleva a perder su estatus de espíritus, termina por explotar todo su pesimismo. Lo mismo sucede también con muchos de los personajes (aunque para muchos es ese sentimiento lo que los mantiene vivos y luchando); recelo y daño que lleva a un punto de ebullición que eventualmente explota. En la historia esto sucede hacia el último tercio de la película, cuando la mayor parte de los principales actuantes han hecho el suficiente daño a su alrededor como para estar a punto de destruirse mutuamente: la aldea, los espíritus, el bosque, ellos mismos.

La resolución no es alegría y felicidad pura, si bien muchas cosas se resuelven de manera idónea, como devolver la cabeza al espíritu del bosque y que los árboles vuelvan a crecer; que otros personajes más decidan modificar en cierto grado su forma de pensar, como Eboshi que jura reconstruir una mejor ciudad; el escenario trazado para el futuro es una realidad menos esperanzadora y el contexto actual es evidencia: ciudades construidas a cambio de la destrucción de la naturaleza, árboles talados, ríos contaminados, especies animales extintas. Éstos son sólo algunos ejemplos, con sus respectivas excepciones, lugares en donde naturaleza y hombre conviven con consideración y cortesía.

La película es una combinación de fantasía, imaginación, animación, aventuras y un mensaje sobre cómo la presencia moderna del hombre puede encontrarse en choque con el curso natural del planeta (representado principalmente por los espíritus). El subsecuente panorama, una vez concluida la historia, no es un cambio radical y opuesto al panorama con que inicia, si acaso hay una mejora significativa para los que vivieron tales experiencias, pero qué tanto se extienda esta nueva actitud es una pregunta cuya respuesta despliega un probable rango de menor alcance. El cambio es inevitable y el presente sólo puede esperar aprender a tiempo posibles consecuencias de las acciones ejemplificadas dentro del relato.

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La Princesa Mononoke

Dir. Hayao Miyazaki

Japón, 1997

Trailer 2:08

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.