Reseñas

Réquiem por un sueño | Réquiem for a dream |  Dir. Darren Aronofsky | Estados Unidos, 2000

Por: Apolo Atanacio, MD

«Todo lo que usted quiso saber sobre el abuso de drogas, pero teme preguntar. Adelante … pregunte … nos atrevemos … «

Requiem for a dream.

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Harry Goldfarb es un joven desorientado atrapado por la adicción a las drogas, sin un sólido presente e incierto futuro. El único contacto que tiene con su familia son las visitas que rutinariamente le hace a Sara, su madre, a quien roba algún electrodoméstico que pudiera financiar las próximas dosis de heroína. Sara, únicamente desea que el televisor se quede en casa, a sido su único compañero desde la muerte de su esposo, vive solo para ver anuncios y programas televisivos, a la par que tiende a comer en forma desordenada. Ella tiene un anhelo fabuloso, participar en un programa televisivo. Al tener trastornada la lucidez por esta obsesión, decide iniciar la ingesta de pastillas para adelgazar, no contando que estas sean anfetaminas. Cada vez que incrementa la dosis, a la par inicia con alucinaciones y mayores desordenes, sin dejar su fantasía original. Marion, compañera de Harry, tiene junto con el la idea de abrir una tienda de diseños originales, claro, patrocinada con el dinero producto del trafico de droga al cual se unen con Tyrone, amigo de ambos.

Cada una de estas vidas deambula entre la realidad y periodos de alucinación. Conforme la adicción los devora, estos personajes irán recorriendo senderos perturbadores que los dirigirán a un desenlace muy distante a sus sueños.  Requiem por un sueño (Requiem for a Dream) es un film del año 2000 del director Darren Aronofsky que cuenta con las actuaciones de Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn y Marlon Wayans.

La tendencia a caer en hábitos y estilos de vida nocivos es un camino fácil hacia una puerta falsa. La adicción a las drogas y estupefacientes generan poco a poco trastornos físicos a los afectados, desórdenes emocionales a sus familiares y un progresivo desgaste social.

Este tema no es nuevo, y ha sido recurrente en diversas áreas, en las escuelas, en campañas de tipo social, en los medios de comunicación sin tener, al parecer una posible solución. Es de interés general y abarca más de una disciplina, y es precisamente la intervención multidisciplinaria la que podría mostrar líneas de acción y tratamiento a los afectados por esta realidad. Sin embargo a veces pensamos que las drogas definidas como tales solo son las mas famosas, heroína, cocaína, marihuana y demás.

No nos damos cuenta que cualquier sustancia a la cual nos arraiguemos con tal fe y necesidad que genere una dependencia física o psicológica, actúa como una droga.

Los complementos alimenticios o suplementos milagrosos pueden deteriorar nuestra salud tras su ingesta en forma indiscriminada. La supresión de una adecuada alimentación dejando el resto a estos productos, puede favorecer trastornos tales como anorexia, anemia, desnutrición, inanición y demás alteraciones que comprometen la estabilidad del cuerpo y sus funciones. Ante la necesidad de bajar de peso por ejemplo, la opción es balancear los alimentos y nutrientes para que estos actúen en el cuerpo y equilibren las funciones metabólicas, que aunadas al ejercicio favorezcan una mejora del peso.

Como en todo, el abuso es nocivo para la salud, y el uso de alguna sustancia que incremente el metabolismo para perder kilos no es la respuesta.

La información responsable y orientada brindará la solución a las necesidades de nuestro organismo, sin necesidad de transitar terrenos peligrosos y desconocidos que nos alejen de del mayor de todos los sueños: una vida plena y saludable.

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Réquiem por un Sueño

Dir. Darren Aronofsky

E.U.A., 2000

Tráiler 4:00

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

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Silver Linings Playbook | Dir. David O Russel | Estados Unidos, 2012

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

En un juego rico de ironías, esta película descubre en la locura lo que es común y nos presenta el lado bueno de las cosas en las relaciones interpersonales.

Desde las supersticiones del padre, el egocentrismo del hermano mayor, la perversión de quienes tratan a una mujer sola y viuda como objeto, la búsqueda permanente de la perfección de la hermana, entre otras.

Estamos locos en un ambiente que encuadra la locura en estrechas paredes de cordura.

Los protagonistas se reconocen locos pero con clarividencia fenomenal, el director nos muestra que la locura no es excepción de quienes han sido diagnosticados como tal. La disfuncionalidad es común a todas las relaciones interpersonales y se supera parcialmente cuando te reconoces y reconocen. Cuando dejan de tratarte como sino contarás por estar loco. Bradley (Pat), el protagonista, es quien se pierde en la falsa expectativa de recuperar un matrimonio que ha fracasado pero también el único que con sinceridad y franqueza burda pregunta por el esposo muerto y no finge.

El mundo de la locura es un mundo sin pretensiones, llano, claro y deja ver que, aquello que trasciende, es la superación del yo en un mundo de apariencias.

El baile terapéutico es la puerta a una segunda oportunidad, es el lado positivo o el “silver lining” de la estrategia de Pat para no perderse en la canción de su boda y superar con valor los infortunios. Es también en el rol de ella (Jennifer Lawrence), quien ha demostrado un talento excepcional siendo  tan joven, mueve la trama para embonar y motivar la transformación del protagonista.

En el guion se descubre la discapacidad mental y las fronteras de la mente, en superarlas a través de los sentimientos y gozar de una vida que se puede vivir con el reconocimiento genuino y esperanzador de quienes creemos que la locura, es solo una forma más de afrontarla.

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Silver Linings Playbook / Dance Scene

Dir. David O Russel

Estados Unidos, 2012

Desde el Canal YouTube djcultstul

3:00

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

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Rain Man | Dir. Barry Levinson | Estados Unidos, 1988

Por: Apolo Atanacio , MD

La importación y venta de autos es el negocio de un joven empresario, quien ha sufrido un sustancial revés financiero. Para Charlie Babbit este problema parece tener una fortuita solución al ser citado a la lectura del testamento de su recién fallecido padre, a quien por diferencias inconciliables no frecuentaba desde hacia años.  Sin embargo surge un detalle, la mayor parte de la fortuna esta dirigida al fideicomiso de un personaje que no se tenia previsto y quien se encuentra internado en una clínica psiquiátrica. Tras el desconcierto, Charlie realiza la necesaria visita al nosocomio donde descubre que este beneficiario es su hermano mayor, Raymond de quien no tiene conocimiento y que padece autismo.

Después de convencer al psiquiatra tratante de permitirle convivir  con Raymond, Charlie pasa unos días con su hermano, ambos inician un viaje donde se genera una serie de eventos y vivencias que harán que estos dos desconocidos, aun con las limitantes de la enfermedad, se reencuentren de una forma inesperada.

 Cuando los hermanos se encuentran, Rain Man,  cinta de 1988, del  director Barry Levinson, interpretada por Dustin Hoffman y Tom Cruise, muestra un panorama sobre las implicaciones que se tienen al interior de una relación con una persona autista. Con una carga de emotividad que llevan tanto al personaje como al espectador a un ineludible autodescubrimiento. 

El autismo puede dar señales en niños desde antes de los tres primeros años de edad, teniendo una incidencia de aproximadamente 4 casos por cada 10,000 con mayor prevalencia en varones que en mujeres.

Este trastorno se caracteriza, por un deterioro en la capacidad de comunicación del individuo, imposibilitando el uso del lenguaje con sentido o el procesar la información que se recibe del medio. Se considera un desorden en el desarrollo neurológico congénito probablemente como consecuencia de alguna forma de enfermedad autoinmune o degenerativa de las células nerviosas cerebrales.

Esta alteración repercute en la función psicológica en diferentes grados y con sintomatología particular para cada caso; interacción social limitada, problemas de comunicación verbal y no verbal, comportamiento aislado, restringido, tendencia a la repetición, fascinación por objetos mecánicos, una respuesta compulsiva a los estímulos del exterior y una resistencia a cualquier variación del medio.

Se han registrado ciertas destrezas matemáticas en algunos pacientes.

El tratamiento de elección, habiendo detectado oportunamente el caso son; la educación especial, un aprendizaje dirigido, intenso, gradual y un control estricto de la conducta del paciente.  Los tratamientos con base en fármacos se evalúan para cada caso.

Por lo general, el pronóstico a temprana edad favorecerá a los niños que logren comunicación verbal antes de los cinco años. La esperanza de vida en un paciente autista es igual al promedio de personas que no lo padecen. Un oportuno diagnóstico podría hacer la diferencia en la calidad de ésta.

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Tráiler: Rain Man

Dir. Barry Levinson

E.U.A, 1988

Canal de YouTube oldhollywoodtrailers

2:14

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

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Gomorra | Dir. Matteo Garrone | Italia 2008

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Gomorra es la adaptación cinematográfica de la novela del mismo nombre escrita por Roberto Saviano. En ella se presenta una visión cruda y actual del manejo y organización de la mafia italiana en la región de Nápoles.

Como proyecto cinematográfico la película se divide en cinco diferentes historias que representan una perspectiva de la vida de aquellos relacionados, de una manera u otra, con los negocios en los que se implica la mafia, siendo el similar de estos casos con la realidad de determinadas áreas del mundo el mejor eco que la película puede traer al espectador. Un niño dando el primer paso tras su iniciación necesaria para formar parte de las filas de la delincuencia organizada; dos amigos adolescentes jugando con armas y desafiando los límites de los delincuentes al mando; un hombre enfrentando la corrupción y otros negocios relacionados con el desecho de materiales tóxicos; un contador haciendo labor de mediador entre familias que se dicen leales a la mafia y un trabajador del área textil de donde se desprenden diferentes manufacturas que se venden al mejor postor y que dejan al personaje cruzando de un bando a otro en busca de más dinero.

Los temas son tratados con seriedad, su crudeza es más objetiva que dramática, sin embargo, la película como adaptación del libro funciona más como un complemento e ilustración del material literario que como película individual con un principio, desarrollo y un final. El hilo conductor del largometraje es casi nulo, sin referencia y contexto ofrecido por parte de los cineastas. El espectador poco relacionado con el material escrito o ignorante de la novela se queda con un destello de los temas que se profundizan en el libro.

La importancia de lo escrito por Saviano es la relevancia de su texto en relación con el ambiente actual que se vive en distintas partes del mundo. Los primero capítulos hacen un análisis y explicación de cómo el mercado, la economía y las fuentes de poder se mueven y se relacionan entre sí. La película retoma el punto de vista pero sin darle la suficiente perspectiva global que representa; si bien demuestra cómo las grandes casas diseñadoras terminan por manufacturar al precio más barato sin importar las condiciones de trabajo y cómo un prenda que se supone de alta costura termina siendo realizada por la manos de un grupo de personas de bajas condiciones económicas, finalizando en estantes de renombre y siendo usadas por las estrellas de cine, la película falla en darle el tiempo necesario a temas como el mercadeo, el transporte de telas y el financiamiento necesario para que ciertos negocios se hagan realmente productivos.

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La película por su contenido tiene mucho que decir pero falla en hacerlo exitosamente. Si bien su tono crudo y burdo es parte del paquete con que se vende el proyecto (dista mucho de querer ser una superproducción o cine comercial; ni debe serlo de acuerdo con la temática y tono del libro), la visión con la que fue construida falla en su potencial, que pudo haber abarcado a un mercado más amplio. Incluir a un narrador como si el autor contara la historia (como lo hace el libro) hubiera dado dinámica y referencia a los espectadores, algo que podría haber ayudado al mejor entendimiento de la historia, así como al impacto de ésta como material ilustrativo, informativo y de aprendizaje. El proyecto es rico en contenido de temas como el funcionamiento del sistema capitalista, la actualidad social, los problemas, beneficios, repercusiones y dinámicas de la presencia de la mafia y cómo ésta se adentra en la economía de la sociedad, entre  otros más, que sin embargo  se diluyen en la versión cinematográfica.

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La  manera en que estas historias pueden enriquecer la visión del espectador es notoria, aunque el aporte viene primordialmente a cargo del autor del libro. A pesar de ello, como proyecto cinematográfico se disfruta la visión cruda, real y actual de las situaciones cotidianas de las que el espectador puede o no estar al tanto y, de esta manera, la película como tal es más bien un esbozo documental de las formas del crimen, más allá del encanto y misterio con que la mafia ha sido representada en el cine a través de los años.

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Perteneciente a un cine italiano moderno que no convence a todo tipo de público, pero aún recomendable e interesante si se complementa con el libro o si se simpatiza con el cine denso, detallado e impactante.

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Tráiler: Gomorra

Dir. Matteo Garrone

Italia, 2008

Canal YouTube thecultbox

2:27

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Vidas al Limite | Bringing Out the Dead | Dir. Martin Scorsese | E.U.A. 1999

Por: Apolo Atanacio, MD

La vida para Frank Pierce es un sube y baja de emociones, habitual en  Manhattan. Siendo paramédico recorre las calles en su ambulancia noche a noche brindando apoyo vital a cualquier persona que lo requiera, conociendo casos y personas de diversos niveles sociales, étnicos, culturales, sus problemas físicos y los claroscuros del comportamiento humano.

Frank ha llegado en diversas ocasiones a sobrepasar su propio limite, el ajetreo, el cansancio, el hastío, diezman su condición física y emocional, tanto que ha intentado salir de su realidad e incluso abandonar su trabajo, pero existe algo que lo obliga a mantenerse. Un sentimiento de culpa lo rodea, ha salvado muchas vidas, pero también ha sufrido los estragos de las pérdidas de las personas a quien no pudo ayudar, y son los fantasmas de estas víctimas quienes juegan con el una ronda interminable de desenfreno y adrenalina mientras Frank esta en espera de una nueva persona a quien socorrer. Vidas al Limite, (Bringing Out the Dead, es una película del año 1999, dirigida por Martin Scorsese, cuenta con las actuaciones de Nicolas Cage, John Goodman, Ving Rhames Tom Sizemore y Patricia Arquette.

El sonido de una sirena nos puede parecer normal para la escena habitual de la ciudad, pero ¿qué hay detrás de él?

Una historia se reescribe cada día dentro de un equipo de paramédicos y socorristas. Estas personas son quienes asisten a la llamada de emergencia emitida de un domicilio, a causa de un accidente o una catástrofe y aun sin saber a que se enfrentan, acuden dando esperanza a quienes les aguardan. La adversidad es su medio, la vocación de servicio su disciplina.

Son muchas agrupaciones las que ofrecen los servicios de emergencias y rescate; las altruistas, que dependen directamente de los donativos y apoyos de la población, en ocasiones desprovistas de los implementos básicos. Las unidades, dependientes de Hospitales públicos que brindan atención ya sea a derechohabientes o población general, incluyendo para los primeros el servicio de traslados. Las corporaciones privadas o de Hospitales particulares también realizan estas actividades obteniendo a cambio una remuneración económica. Los equipos y ambulancias son diversos, pueden tener lo básico, camilla, toma de oxigeno y radio, hasta contar con equipo sofisticado, monitores cardiológicos de última generación, ventiladores mecánicos, ultrasonido, comunicación por internet o vía satélite con el hospital que requieran y algunos hasta cuentan con auxiliares de laboratorio.

Independiente del sector para el que trabajen, el paramédico y el socorrista son personas capacitadas que, con lo que tienen a mano, intentan atender la urgencia de una persona estabilizando sus condiciones físicas y emocionales desde lugar donde se suscita la eventualidad hasta el sitio donde se atenderá en forma segura, arriesgando en ocasiones hasta su propia vida. Son seres de carne y hueso que rutinariamente habrán hecho el bien, sin mirar a quien lo hicieron.

Si alguna vez hemos sido atendidos por ellos, nunca es tarde para decir… gracias!

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Bringing Out the Dead 

Dir. Martin Scorsese

E.U.A, 1999

Tráiler canal BreadCustCouncil YouTube

2:27

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

Silver Linings Playbook | Dir. David O Russel | Estados Unidos, 2012

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Existen películas que llegan a fallar en incorporar diferentes temáticas en su contenido, se convierten en distraídas combinaciones sin sentido, con demasiadas expectativas pero pocos resultados; otras, por su parte, son historias simples y planas que dan como resultado proyectos poco relevantes. Silver Lining Playbook, por el contrario, logra ser sutil en su mensaje pero fuerte en su contenido, creando un relato romántico pero enriquecedor dentro del tema de la aceptación y la sociabilidad.

 Historia escrita y dirigida por David O. Russel, quien a su vez se basa en el libro homónimo escrito por Matthew Quick, tiene como protagonista a Pat (interpretado por al actor Bradley Cooper), un hombre que sale de un hospital mental a custodia de sus padres tras ser tratado por una ataque de ira causado por un desorden de bipolaridad. Mientras los padres buscan la estabilidad de su hijo, tanto en su vida personal como en su vida profesional, la única meta de Pat es recuperar a su ex esposa. Pero el proceso de rehabilitación no es un tratamiento pasajero, lo mismo que la naturaleza de la enfermedad mental. Entre una reconciliación consigo mismo a la par con la de sus semejantes, Pat debe balancear sus terapias con la aceptación de la situación de sus conocidos, cuyas impresiones de Pat respecto a la persona que era antes y la de ahora, logran divergir con lo que éste piensa de sí mismo.

Durante este viaje personal Pat conoce a Tiffany  (interpretada por la actriz Jennifer Lawrence), una peculiar y obsesiva joven con su propio pasado, atormentada por la culpa y quien ha quedado viuda poco tiempo atrás.

 Tiffany está dispuesta a ayudar a Pat a reencontrarse con su ex esposa, pero con la condición de que éste tenga en cuenta la reciprocidad de la relación, pidiendo a cambio que Pat sea su pareja de baile en un competencia venidera.

 El tono que la disciplina del baile da a la película es el tono romántico que necesita para permitir al espectador conocer a los personajes, crear empatía con ellos y conocer su lado humano, su lado vulnerable y su perspectiva; esa búsqueda de apoyo y sentido en que tanto Tiffany como Pat se encuentran.

De esta manera la película toca temas como la comunicación, la comprensión y la aceptación, de uno mismo y de los demás. Tal es el caso de estos protagonistas, juzgados y malinterpretados por su naturaleza compleja: problemáticos, abiertos, complejos e incomprendidos.

Pero la película da signos de ir más allá, de no sólo de tratar de dos personajes fuera de lo común y fuera de los estándares. Partiendo de ahí, el proyecto es más que un drama o una comedia romántica, es un pequeño estudio de personalidades, sin caer en el aspecto estricto y técnico de la psicología.

Muchas veces en el cine los personajes con problemas como éstos caen en los estereotipos y se convierten en víctimas, aquí la perspectiva se ofrece desde el punto de vista exterior de la problemática. No es la relación romántica entre ellos lo que importa, ni su superación personal, sino las decisiones que los llevan a darse cuenta que son personas normales, comunes y corrientes, tan especiales o no especiales como el resto de quienes les rodean.

 La progresión para llegar a la compresión de esta idea viene por parte de la confrontación constante entre Tiffany y Pat, un subtexto interior entre su propia lucha personal y el deseo de ser entendido por alguien más, el uno frente el otro; acrecentada también por el constante mensaje sobre el simbolismo de las cosas, de las palabras, de las acciones, de las situaciones, más que como verdad profética, como acto de fe, de esperanza y de probabilidad.

 El término “Silver lining” en inglés se refiere a algo reconfortante o esperanzador ante una situación de otra manera desamparada o infeliz. “Silver Lining Playbook” es entonces un libro de jugadas de perspectiva optimista frente a diversas dificultades; es aquello a lo que aspira la película, como lo es también el recorrido que ambos personajes viven a lo largo del relato.

Es así, siendo positivo, valorando y observando “el lado bueno de las cosas” que termina esta historia. No construida bajo el intento de sorprender, porque es fácil de descifrar (se debe tomar en cuenta que es un trabajo de ficción); lo que logra mostrar exitosamente es una perspectiva, por supuesto positiva, de la complejidad humana, de lo importante de la comunicación y de la necesaria aceptación de uno mismo para vivir y convivir.

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Tráiler: Silver Linings Playbook

Dir. David O. Russel

E.U.A., 2012

Desde YouTube canal MrPichulete.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Beasts of The Southern Wild | Dir. Benh Zeitlin | U.S.A., 2012 

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

Beasts of the Southern wild evoca y provoca una reflexión más de un mundo abandonado que se niega y se ubica en el olvido de quienes no aceptan que la desigualdad existe.

En un contexto de tremendos contrastes, existe esta comunidad que se refugia de lo que se conoce como civilización. Tiene y mantiene sus propias reglas y juega con una dinámica desconocida para muchas personas. Hushpuppy encarna la imagen de esta niña de seis años que crece, madura ve a través de sus ojos la vida, la muerte, la sobrevivencia. Se niega a ser débil, tiene que ser fuerte, tiene que mantenerse en pie, su madre ya no está y su padre busca que su hija sea resistente ante las inclemencias de una tormenta que viene a destruir todo.

Danza y baila al ton de la rola que el cabaret de mujeres que ansían dar el cariño maternal abrazan a aquellas niñas que han llegado de esa tierra no reconocida. Esas tierras que se inundan, se mueren con la gente que las habita y sufre de las injusticias de un mundo que no reconoce que existen esas otras historias, de gente que lucha por mantener su vida como la conoce y como la desea aunque sean beasts of the Southern Wild. Es la fuerza del jabalí que protege y se defiende para salir victoriosa a pesar de la muerte y de la incomprensión de una sociedad que no admite la pobreza.

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Beasts of The Southern Wild

Dir. Benh Zeitlin

Tráiler

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

Doce hombres en pugna | 12 Angry Men | Dir. Sidney Lumet | Estados Unidos, 1957

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

“Doce hombres en pugna”, escrita por Reginald Rose y dirigida por Sidney Lumet, trata de cómo doce hombres de un jurado discuten y debaten sus opiniones respecto al caso por el que han sido llamados, un asesinato con arma blanca. Durante el proceso los conflictos personales y emocionales no podrán quedar de lado, la persona más objetiva o la más temperamental tendrán un punto de quiebre en su intento por convencer al otro de su opinión; su trabajo es llegar a una decisión unánime: inocente o culpable; mientras, la vida del acusado e incluso la propia salud mental de estos doce personajes están en juego.

 La película se desarrolla casi por completo dentro del cuarto donde los hombres son llevados a deliberar, dejando que las actuaciones, la dirección y, en especial, el trabajo del guionista, sean los pilares de la historia en donde las palabras, las miradas y los gestos están cargados de significado.

 La diversidad de personajes permite establecer los distintos puntos de vista de las personas. El caso está trazado, un joven ha apuñalado a su padre, pero la historia va más allá del juicio. Es la responsabilidad de los doce personajes la que está en juego durante la película, que inicia cuando uno de ellos no está del todo convencido de la culpabilidad del acusado, mientras los otros once están seguros de tener su veredicto.

El juego de palabras, la manipulación, la presión y la ética toman fuerte presencia durante el proceso. Saber que la vida de una persona está en sus manos es sólo la punta del iceberg, dejando que la percepción del espectador, así como de los mismos personajes, se mantenga activa y cambiante durante el relato. Es la capacidad de análisis y la habilidad del discurso las mejores armas que Davis, personaje interpretado por Henry Fonda, puede ocupar para convencer a los otros once que existe la posibilidad de que se esté juzgando mal al acusado, por desidia o por indiferencia, de sus abogados o de ellos mismos. Su disertación inicial no asegura que el joven sea culpable o inocente, simplemente apela a la consideración y responsabilidad de sus similares para tener presente que las decisiones que se tomen en el cuarto por el jurado no son ligeras, traen consecuencias.

 Lo más importante a recordar es que este análisis y toma de decisiones es aplicable a cualquier persona para cualquier momento de su vida. No se trata simplemente de un película sobre una deliberación de un jurado criticando y remarcando el proceso judicial (en Estados Unidos, pero también aplicable y resonante en los procesos de cualquier país), sino en cualquier momento de disputa y cuestionamiento entre personas o en las mismas decisiones de vida.

 Las palabras pueden usarse para manipular a conveniencia, a través de la persuasión, por ejemplo, en un debate, en la publicidad, en el mercado, en el trabajo (en la película más de uno y en más de una ocasión pone en duda la veracidad del testimonio de los testigos. ¿Es humano cometer errores, cierto?); pero también en ocasiones las decisiones importantes se toman como meras trivialidades, sin darles el tiempo necesario para la reflexión. Y aunque actuar a impulso no siempre parezca la decisión más exacta, la película hace énfasis en ello, uno de los personajes dice: “tanto pensar hace que todo se haga un lío”. ¿Para bien o para mal? Eso queda a consideración del espectador.

 También se habla por mucho de cómo las cosas no siempre son lo que parecen; son la observación, la metodología y la investigación las que permiten a la mente conectar piezas de información que lleven a la deducción; la percepción más allá del engaño que, en este caso, hacen posible que uno a uno los hombres entren en el llamado estado de “duda razonable”, es decir, que no estén completamente seguros de la culpabilidad del acusado. De esta manera los doce hombres comienzan a repasar el caso y se dan cuenta que más de un punto no ha quedado claro, lo que los lleva a la seriedad del análisis de pruebas del mismo, así como a, eventualmente, cambiar de opinión.

 La historia ofrece una gran diversidad de temas y las suficientes posturas que son motivo de análisis en tópicos como los procesos judiciales, los discursos (políticos, sociales, económicos, personales), el comportamiento de las personas ante diferentes situaciones, la presión, el prejuicio, el respeto, la justicia, la libertad, el engaño, etcétera.

“Doce hombres en pugna” habla más allá de doce personajes deliberando un juicio, habla del actuar humano en su cotidianidad, constantemente alterada por los muchos factores externos de la vida.

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Doce hombres en pugna

Dir. Sidney Lumet

Fragmento 2:12

Desde YouTube, canal  Krisqw

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Amour | Michael Haneke | Austria, Francia y Alemania, 2012

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

La película de Amour  revela con crudeza, las difíciles decisiones en el amor de pareja ante situaciones dolorosas. Se plasma el eterno debate de la muerte y la vida, el amor y el egoísmo, las creencias de unos y de otros para enfrentar los avatares de la vida.

Resulta compleja y provocativa, envuelve en el debate de la polémica lo que se toma por caso resuelto, pero que en realidad demuestra que los seres humanos, contradecimos, ignoramos y desconocemos como seríamos y reaccionaríamos ante diversas situaciones.

 La trama ha develado una serie de escenarios que se enfrentan en una sociedad postindustrial europea que aleja de los problemas a quienes no conforman parte de la unidad. La hija, por ejemplo,  es solo espectadora del deterioro de su madre, la sufre pero no actúa y se deja convencer por el padre, que ella no quiere y no puede ocuparse de ambos. La madre resuelve que es más difícil vivir en dependencia con el otro, en desespera de que la cuiden, inmovilizada, se siente en su sufrimiento por verlo a él, padecer por la enfermedad de ella. Él, pasivo ante su sufrimiento, se conmueve pero no lo comunica, el dolor de su pareja le resuelven terminar con la vida de él y de ella, no importando más nada porque ya es la enfermedad la que ha terminado con ambos. El alumno, personaje frío, atónito, no comprende lo que le ha pasado a su profesora. La música que los unía los acaba separando, porque no puede más, con los cambios que han producido que el lado derecho de quien le ha enseñado que la música es su vida, ya no puede tocar las teclas del piano.

 La película es una danza entre la atención de él hacia ella, de la lucha por sobrevivir los dos solos, aunque no tan solos sino por decisión propia para vivir en pareja, lo que ha comenzado por un instante de inconciencia, una operación que ha resultado un fracaso y los cuerpos de ambos que responden ante los años, la vejez que no regresa la juventud.

Los diálogos son llanos, pausados, la música es escasa solo aparece en aquellas partes que son nostalgia del pasado.

La enfermedad que los separa, la muerte acaba de unirlos, él acorta su paso y ella le llama para permanecer juntos. Los temas son familiares, enfermedad, vejez y muerte que se deciden lentamente. El sufrimiento es el eje central, qué es y para qué, por qué se puede terminar antes de consumir lo poco que queda.

Se aprende que el sufrir no se comparte solidariamente, que la vida es decisión de uno, que la felicidad y el sufrimiento se repelen.

Amour, es para unos la prueba final del amor de ambos y para otros la decadencia y rendición de él ante su propio sufrimiento, pero sobretodo el de ella. Son dos visiones que debaten, a vecen se encuentran y dialogan pero la mayoría de las veces se confrontan. El director así lo ha querido mostrar, para unos la muerte provocada es la expresión más viva de ese amor, aunque para otros haya sido el abandono y desesperación que solo se puede enfrentar en santidad.

 Difícil interlocución entre el espectador y la cinta, pero se presenta una oportunidad para ahondar y descubrir nuestra naturaleza, tan compleja y tan humana.

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Amour

Dir. Michael Haneke

Tráiler

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales «Pobreza Extrema», y «Tu Ciudad Tus Derechos».

Vozvrashchenie | Dir. Andrei Zvyagintsev | 2003 – Rusia

Por: Andrés Palma Buratta

Hace algunos años tuve la oportunidad de ver en un festival de cine una película rusa que hasta el día de hoy sigue golpeando mi mente y corazón. Persiste, todavía, en mi recuerdos, aflorando  cada cierto tiempo, a través de alguna imagen, alguna sensación, miedo, una emoción sofocante, sofocante al igual que el film, que deja sin palabras una vez finalizado, de los que tienes que digerir por algún tiempo.

Y es que las palabras en esta obra (la llamaremos obra y maestra), se guardan para dejar que las expresiones humanas se contengan, las palabras se traguen; amargas, porque son hirientes, todos los sentimientos son extraños, son desconocidos, son de sorpresa, de conocimiento, y cuando estos salen a flote, es donde el espectador se mueve por dentro, se incomoda, sufre con ellos, porque en todo momento habla de la vida misma y sus traumas, que en mayor y menor medida todos hemos tenido, agradezco cuando una película te incomoda, cuando te deja palpitando fuerte.

Los protagonistas están en esa situación donde se  quiere decir algo, pero no se sabe cómo, no se conocen, son padre e hijos, pero la distancia que hay entre ellos, los haría hablar como desconocidos, en efecto lo son. Es un drama notable, pesado, oscuro, sin final feliz, poco esperanzador, envuelto en una escenografía que da frío, que deprime, sin embargo filmado de manera pulcra, detallista, cálida, en aquellos parajes naturales de una belleza hipnotizante, como todo lo que lo envuelve, la fotografía, el sonido, la música, el arte, las actuaciones, perfectas, parcas, calladas pero reveladoras, aunque nunca se puede descifrar para donde te lleva la película.

La dirección en general es impecable.  Un novel director que durante años buscó su oportunidad, y cuando se la dieron, hizo una de las mejores películas rusas de todos los tiempos, a mi juicio una obra maestra de este cine.

Andrei Zvyagintsev dirige en el 2003 la película  “Vozvrashchenie” (El Regreso), un drama sicológico, un drama puro, siniestro, conmovedor y desgarrador, enmarcado en una historia simple, pero al mismo tiempo muy compleja, compleja como el trato de un padre y un hijo que no se ven después de 12 años. Es eso, el reencuentro del padre con sus hijos. Es justamente cuando el cine se adentra en aquellas relaciones, donde florecen historias más potentes y dignas de ser consideradas como verdaderos reflejos de la naturaleza y el mundo y del reflejo más claro del ser humano y todas sus complejidades.

La película fue ganadora en 2003, del León de Oro en el Festival Internacional de Venecia, entre otros premios. Recuerda de sobre manera, y obviamente Zvyagintsev estudió, vio y se basó en él, a otro gran director ruso y su formidable debut en largometraje en el año 1962, Andrei Tarkovsky y su película “Ivanovo Detstvo” (La infancia de Iván), otra obra maestra y pilar fundamental del cine ruso.

Hace algunos días tuve la oportunidad de ver la segunda película de Andrei Zvyagintsev, que data del 2007, “Izgnanie” (The Banishment), algunos críticos aseguraron que su opera prima fue un golpe de suerte y que en realidad habría que ver su segunda película para aseverar sí el director bajaba su calidad o se mantenía como un nuevo genio de la cinematografía mundial. Creo que “Izgnanie” dista mucho del efecto producido por “El Regreso”, película por cierto, que teniendo ahí, entre la colección de dvd de un amigo, cinéfilo  y gran conocedor, no he podido ver de nuevo, porque se asemeja mucho a las sensaciones reales que uno siente en la vida, ya no es la ficción. Justamente esto es de lo que carece “Izgnanie”, el drama oscuro sigue siendo el leitmotiv, pero ya está dejando de manera forzada al espectador en esa ambigüedad en relación de los personajes, que se mueven entre el bien y el mal, sin moral y sin juicio…

En “El Regreso” los personajes ya vienen cargando sus fantasmas  que seguirán cargando aún terminada la película.

No develaré de qué trata “Izgnanie”, para que la puedan ver, pero el tema de fondo fue abordado de manera casi perfecta en  una película Rumana de hace algunos años. A pesar de todo Andrei Zvyagintsev sigue dirigiendo muy bien, sigue instalando mundos de forma coherente  y es que lo mejor de sus trabajos es alejar de la sociedad al ser humano, llevarlo a la naturaleza, para que se escuche y se desmorone en silencio; sigue dando al actor una emoción contenida, un rostro sin expresión que dice más que muchos diálogos, es por ello que por primera vez en la historia del cine ruso, un actor, Konstantin Lavronenko, gana el premio de mejor actor en el festival de cine de Cannes 2007.

Un director que hay que seguir, que no hace películas todos los años, pero que hasta ahora ha sorprendido gratamente con una obra maestra y con una buena película. A esperar que viene ahora.

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Vozvrashchenie

Dir. Andrei Zvyagintsev

Tráiler a través de YouTube: canal SALVATORE092

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos” para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Hoy desarrolla, junto a un equipo de guionistas, la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.