Reseñas

Por: Perla Atanacio

La humildad, una costumbre que se practica muy poco, sutil característica de los hombres que dejan huella de sus pasos.

Perla A.

Durante trece emisiones fuimos testigos de un contenido vuelto fenómeno en la televisión española, un reality que convocó a cocineros aficionados de todo el país para mostrar sus mejores platos, entre 9mil aspirantes 40 pasaron a la siguiente ronda, 15 entraron a la casa y sólo 1 ha obtenido el título de Master Chef, Juan Manuel, un joven  camarero de 25 años que desde el inicio del programa expuso que ser chef era el sueño más grande  de su vida, acompañado de la humildad que lo hizo grande, las ganas de aprender y su evolución dentro de la cocina.

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El formato creado por Franc Roddam y adaptado a la televisión española por RTVE y Shine Iberia, bajo la producción de Macarena Rey  y Ana Rivas, contando con la dirección de Eva Sanz y Jordi Rossell, ha resultado un gran acierto. Nos llevó de la mano entre pasiones y fogones, brindando 120 minutos de tensión, alegría, drama, enfrentamientos en la sartén, en el paladar, conocimiento y gusto de Samantha Vallejo-Nájera, la naturalidad y exigencia de Pepe Rodríguez y  la disciplina de Jordi Cruz, merecedores de premios nacionales e internacionales de cocina, cabeza de importantes empresas de catering y restaurantes de sumo prestigio. Los jurados sin duda fueron la sal y pimienta para degustar este rico plato fuerte cada semana, aportando a la mesa la elegante frescura  de Eva González, quien daba el toque dulce y refinado en cada emisión.

No podría definir qué sabores me ha dejado @MasterChef en la boca, estando la cocina llena de un universo infinito, las definiciones parecerían pocas, y son vastos los gustos.

 

La realidad en este “reality” fue suprema, pues gana el esfuerzo, la humildad, el ser humano que persigue un sueño. El contenido hizo honor a su nombre y cumplió su tarea al serlo, se enfatizó en los retos y la manera de resolver cada prueba, cómo se  trabaja en equipo, en unitario, y lo que uno lleva en la sangre, en las manos, el corazón y la cabeza.

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No hubo lugar para pleitos, si para disputas profesionales y diplomáticas, no hubo espacio para el ocio, el cuchicheo,  la vulgaridad, en este programa se pudo sufrir y disfrutar la destreza de los participantes.

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Ojalá existieran en la televisión abierta mexicana propuestas audiovisuales de este tipo, pues hasta el momento hemos sido expuestos a un cúmulo de odas al ocio y enredos baratos, que años más tarde realizan “re encuentros”, tal vez lo más cercano a respetar el talento ha sido “La voz”, que ha destacado eso, la voz sobre la trivialidad y el sinsentido de realities previos y posteriores, tanto de baile como de la “imitación, de la imitación de la imitación de los imitadores”.

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Aplaudo cambio de horario que se realizó en un principio dentro de la barra programática de la 1, dando identidad a la emisión entre los seguidores como los “#MartesChef” que se reflejó en redes sociales, así mismo expresiones de alegría al conocer el ganador de esta contienda culinaria.

Me gustaría destacar el trabajo del equipo técnico, que puedo reflejarse en la producción de cada programa, así mismo a quien nos mostró, a través de su lente, momentos que se han vuelto clásicos en el programa, Mario Biondo, cámara.

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Celebro a la distancia los premios que ha recibido y habrá de recibir este programa, esperando que ese ingrediente secreto nos deleite con un plato tan magnífico en su próxima edición.

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Ahora a disfrutar de los relatos de Fabián  en su página http://foodtografia.net/ , las delicias que Eva nos trae a la Riviera Maya y el vestigio que Juan Manuel nos transmite en su libro de recetas.

Este programa acercó la cocina al público, volcando al público a la cocina, ahora tal vez, cada que prepare una sencilla tortilla de patatas la servirá de manera diferente, “con mucho mimo”, o seguramente ya se encuentra experimentando con nuevos sabores en la mesa, y es que para cocinar, como dijo Pepe Rodríguez, hay que comer mucho, así como para hablar y hacer tele hay que quererla, disfrutarla y respetarla con la misma pasión.

Mientras tanto…

¡Hay que darle sabor a la vida!

Eva González

 

Uno de los mejores programas de @MásterChef:

Capítulo 12 

Masterchef – Programa 12 – 25/06/13

• Masterchef – Programa 12 – 25/06/13

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Perla Atanacio | IMDB |  @pratanacio |  México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones,  la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

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Antes del Anochecer | Before Midnight | Dir. Richard Linklater | Estados Unidos, 2013

Por: Iván Uriel

Los besos no ofrecían resistencia porque le dejaban el deseo en los labios…me voy pero te llevo conmigo, premura tengo en verte llegar y aún no te has ido.

Iván Uriel

El amor a todas horas, en la premura, en la calma, puntual y a destiempo; el amor que irrumpe, el que avisa, el que conversa; el amor que se sabe; que renueva, que madura; el amor sutil y sereno, el amor como mentira, el amor como verdad; el que engaña, el que ilusiona, el ideal. El amor que inicia, el que termina; el de unas horas, el de un instante, el de toda la vida… amor en la palabra, amor en la caricia.

Así se suceden las casi dos décadas desde que “Antes del Amanecer” cimbrara las convencionales historias de amor, y el interludio que significó la bella postal “Antes del Atardecer” con el mismo reparto y director, determinados a seguir contándonos en tiempo real y jugando con el espacio como una suerte de virtud, la historia de Jesse y Celine, la pareja que se enamora al caminar, al hablar, al escuchar, al debatir, al dialogar, al compartir.

Richard Linlaker deja así el testamento amoroso que literalmente se saborea paso a paso, palabra a palabra, y que se cubre de caricias en tres entregas cinematográficas que hacen de su trilogía, un legado de los afectos.

En 1995 “Antes del Amanecer” celebró el encuentro como acontecimiento, como milagro, como señal, como aventura; en 2004 “Antes del Atardecer” celebró el encuentro como un acto de voluntad, de deseo, del anhelo compartido en los albores de una decisión. En la primera cinta los jóvenes que se encuentran en el tren acuerdan espontáneamente recorrer la ciudad como escala de su tiempo compartido, justo antes de volver a los vagones donde se conocieron para tomar cada quien su sendero en la soledad que deja el vacío de una compañía cuando en realidad lo fue. Una década después, literalmente separados por un océano, por amores, por los andares distintos, vuelven a toparse, ahora los jóvenes son adultos, ahora el encuentro es reencuentro, pero igualmente un acontecimiento, y aquello que sintieron antes del amanecer funge como testigo. No son los mismos, su vida no es la misma, y la conversación tampoco lo es, no es que haya crecido con ellos, sino que la conversación se reinventa, fluye y no se agota, y no se agotará antes del atardecer que nos deja sin aliento, hasta otros casi diez años cuando Ethan Hawke y July Delpy reinterpreten sus roles emblemáticos en “Antes del Anochecer”. En la tercera parte 2013, tras casi diez años de espera y contemplación, de nueva cuenta la caminata se disfruta, la caminata se acompaña en soledad y en pareja, la reflexión sobre el amor y sobre nuestras relaciones comienza en uno mismo.

La trilogía de Linklater lleva al espectador a conocer el amor que dura las horas de un día en cada cinta, y que en la tercera, y con la misma duración de tiempo real, nos describe como el amor de aventura y voluntad, se convierte en una celebración del encuentro como reflexión, madurez, reflejo y destino.

El amor de un día se convierte en el amor de todos los días, y el amor de unas horas en el amor de todas las horas. Escenas evocadoras para los amantes y para quienes amamos el amar en sus distintas expresiones, nos hacen abrazar los hubieras con la cadencia de las decisiones, del dolor o el gozo de tomarlas, en la responsabilidad de asumirlas. El amor idealista se ha instituido con los años, la convivencia de unas horas cada diez años se ha vuelto la convivencia de todos los días, y ante el tedio, la costumbre o la meditación de las decisiones; el enamoramiento, los estados del amor, la voluntad, el deseo.

Antes las metáforas, las experiencias que en su vivencia se vuelven consejos, los amantes siguen conversando, y a cada paso dejan que fluyan los pensamientos, las sensaciones y las reflexiones del mundo, de la gente, del arte, de la comida, de los gustos, de los sueños, de las expectativas, de la realidad, de la fantasía, de lo que fue, de lo que es. El amor y las relaciones humanas son cuestión de andarse, hablarse, escucharse, sentirse, al menos así lo hacen sentir “Antes de Amanecer, Antes de Atardecer y Antes de Anochecer”, una trilogía para observar, reflexionar y sentir, para disfrutar en soledad y en compañía, antes de que amanezca, de que la tarde llegue, de que la noche avance, antes y después, el amor a todas horas.

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Antes del Anochecer | Before Midnight

Dir. Richard Linklater

Estados Unidos, 2013

Tráiler 1:50

Canal YouTube/ Cinescondite Rises

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Iván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

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Réquiem por un sueño | Réquiem for a dream |  Dir. Darren Aronofsky | Estados Unidos, 2000

Por: Apolo Atanacio, MD

«Todo lo que usted quiso saber sobre el abuso de drogas, pero teme preguntar. Adelante … pregunte … nos atrevemos … «

Requiem for a dream.

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Harry Goldfarb es un joven desorientado atrapado por la adicción a las drogas, sin un sólido presente e incierto futuro. El único contacto que tiene con su familia son las visitas que rutinariamente le hace a Sara, su madre, a quien roba algún electrodoméstico que pudiera financiar las próximas dosis de heroína. Sara, únicamente desea que el televisor se quede en casa, a sido su único compañero desde la muerte de su esposo, vive solo para ver anuncios y programas televisivos, a la par que tiende a comer en forma desordenada. Ella tiene un anhelo fabuloso, participar en un programa televisivo. Al tener trastornada la lucidez por esta obsesión, decide iniciar la ingesta de pastillas para adelgazar, no contando que estas sean anfetaminas. Cada vez que incrementa la dosis, a la par inicia con alucinaciones y mayores desordenes, sin dejar su fantasía original. Marion, compañera de Harry, tiene junto con el la idea de abrir una tienda de diseños originales, claro, patrocinada con el dinero producto del trafico de droga al cual se unen con Tyrone, amigo de ambos.

Cada una de estas vidas deambula entre la realidad y periodos de alucinación. Conforme la adicción los devora, estos personajes irán recorriendo senderos perturbadores que los dirigirán a un desenlace muy distante a sus sueños.  Requiem por un sueño (Requiem for a Dream) es un film del año 2000 del director Darren Aronofsky que cuenta con las actuaciones de Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn y Marlon Wayans.

La tendencia a caer en hábitos y estilos de vida nocivos es un camino fácil hacia una puerta falsa. La adicción a las drogas y estupefacientes generan poco a poco trastornos físicos a los afectados, desórdenes emocionales a sus familiares y un progresivo desgaste social.

Este tema no es nuevo, y ha sido recurrente en diversas áreas, en las escuelas, en campañas de tipo social, en los medios de comunicación sin tener, al parecer una posible solución. Es de interés general y abarca más de una disciplina, y es precisamente la intervención multidisciplinaria la que podría mostrar líneas de acción y tratamiento a los afectados por esta realidad. Sin embargo a veces pensamos que las drogas definidas como tales solo son las mas famosas, heroína, cocaína, marihuana y demás.

No nos damos cuenta que cualquier sustancia a la cual nos arraiguemos con tal fe y necesidad que genere una dependencia física o psicológica, actúa como una droga.

Los complementos alimenticios o suplementos milagrosos pueden deteriorar nuestra salud tras su ingesta en forma indiscriminada. La supresión de una adecuada alimentación dejando el resto a estos productos, puede favorecer trastornos tales como anorexia, anemia, desnutrición, inanición y demás alteraciones que comprometen la estabilidad del cuerpo y sus funciones. Ante la necesidad de bajar de peso por ejemplo, la opción es balancear los alimentos y nutrientes para que estos actúen en el cuerpo y equilibren las funciones metabólicas, que aunadas al ejercicio favorezcan una mejora del peso.

Como en todo, el abuso es nocivo para la salud, y el uso de alguna sustancia que incremente el metabolismo para perder kilos no es la respuesta.

La información responsable y orientada brindará la solución a las necesidades de nuestro organismo, sin necesidad de transitar terrenos peligrosos y desconocidos que nos alejen de del mayor de todos los sueños: una vida plena y saludable.

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Réquiem por un Sueño

Dir. Darren Aronofsky

E.U.A., 2000

Tráiler 4:00

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

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Silver Linings Playbook | Dir. David O Russel | Estados Unidos, 2012

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

En un juego rico de ironías, esta película descubre en la locura lo que es común y nos presenta el lado bueno de las cosas en las relaciones interpersonales.

Desde las supersticiones del padre, el egocentrismo del hermano mayor, la perversión de quienes tratan a una mujer sola y viuda como objeto, la búsqueda permanente de la perfección de la hermana, entre otras.

Estamos locos en un ambiente que encuadra la locura en estrechas paredes de cordura.

Los protagonistas se reconocen locos pero con clarividencia fenomenal, el director nos muestra que la locura no es excepción de quienes han sido diagnosticados como tal. La disfuncionalidad es común a todas las relaciones interpersonales y se supera parcialmente cuando te reconoces y reconocen. Cuando dejan de tratarte como sino contarás por estar loco. Bradley (Pat), el protagonista, es quien se pierde en la falsa expectativa de recuperar un matrimonio que ha fracasado pero también el único que con sinceridad y franqueza burda pregunta por el esposo muerto y no finge.

El mundo de la locura es un mundo sin pretensiones, llano, claro y deja ver que, aquello que trasciende, es la superación del yo en un mundo de apariencias.

El baile terapéutico es la puerta a una segunda oportunidad, es el lado positivo o el “silver lining” de la estrategia de Pat para no perderse en la canción de su boda y superar con valor los infortunios. Es también en el rol de ella (Jennifer Lawrence), quien ha demostrado un talento excepcional siendo  tan joven, mueve la trama para embonar y motivar la transformación del protagonista.

En el guion se descubre la discapacidad mental y las fronteras de la mente, en superarlas a través de los sentimientos y gozar de una vida que se puede vivir con el reconocimiento genuino y esperanzador de quienes creemos que la locura, es solo una forma más de afrontarla.

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Silver Linings Playbook / Dance Scene

Dir. David O Russel

Estados Unidos, 2012

Desde el Canal YouTube djcultstul

3:00

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

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Rain Man | Dir. Barry Levinson | Estados Unidos, 1988

Por: Apolo Atanacio , MD

La importación y venta de autos es el negocio de un joven empresario, quien ha sufrido un sustancial revés financiero. Para Charlie Babbit este problema parece tener una fortuita solución al ser citado a la lectura del testamento de su recién fallecido padre, a quien por diferencias inconciliables no frecuentaba desde hacia años.  Sin embargo surge un detalle, la mayor parte de la fortuna esta dirigida al fideicomiso de un personaje que no se tenia previsto y quien se encuentra internado en una clínica psiquiátrica. Tras el desconcierto, Charlie realiza la necesaria visita al nosocomio donde descubre que este beneficiario es su hermano mayor, Raymond de quien no tiene conocimiento y que padece autismo.

Después de convencer al psiquiatra tratante de permitirle convivir  con Raymond, Charlie pasa unos días con su hermano, ambos inician un viaje donde se genera una serie de eventos y vivencias que harán que estos dos desconocidos, aun con las limitantes de la enfermedad, se reencuentren de una forma inesperada.

 Cuando los hermanos se encuentran, Rain Man,  cinta de 1988, del  director Barry Levinson, interpretada por Dustin Hoffman y Tom Cruise, muestra un panorama sobre las implicaciones que se tienen al interior de una relación con una persona autista. Con una carga de emotividad que llevan tanto al personaje como al espectador a un ineludible autodescubrimiento. 

El autismo puede dar señales en niños desde antes de los tres primeros años de edad, teniendo una incidencia de aproximadamente 4 casos por cada 10,000 con mayor prevalencia en varones que en mujeres.

Este trastorno se caracteriza, por un deterioro en la capacidad de comunicación del individuo, imposibilitando el uso del lenguaje con sentido o el procesar la información que se recibe del medio. Se considera un desorden en el desarrollo neurológico congénito probablemente como consecuencia de alguna forma de enfermedad autoinmune o degenerativa de las células nerviosas cerebrales.

Esta alteración repercute en la función psicológica en diferentes grados y con sintomatología particular para cada caso; interacción social limitada, problemas de comunicación verbal y no verbal, comportamiento aislado, restringido, tendencia a la repetición, fascinación por objetos mecánicos, una respuesta compulsiva a los estímulos del exterior y una resistencia a cualquier variación del medio.

Se han registrado ciertas destrezas matemáticas en algunos pacientes.

El tratamiento de elección, habiendo detectado oportunamente el caso son; la educación especial, un aprendizaje dirigido, intenso, gradual y un control estricto de la conducta del paciente.  Los tratamientos con base en fármacos se evalúan para cada caso.

Por lo general, el pronóstico a temprana edad favorecerá a los niños que logren comunicación verbal antes de los cinco años. La esperanza de vida en un paciente autista es igual al promedio de personas que no lo padecen. Un oportuno diagnóstico podría hacer la diferencia en la calidad de ésta.

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Tráiler: Rain Man

Dir. Barry Levinson

E.U.A, 1988

Canal de YouTube oldhollywoodtrailers

2:14

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

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Gomorra | Dir. Matteo Garrone | Italia 2008

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Gomorra es la adaptación cinematográfica de la novela del mismo nombre escrita por Roberto Saviano. En ella se presenta una visión cruda y actual del manejo y organización de la mafia italiana en la región de Nápoles.

Como proyecto cinematográfico la película se divide en cinco diferentes historias que representan una perspectiva de la vida de aquellos relacionados, de una manera u otra, con los negocios en los que se implica la mafia, siendo el similar de estos casos con la realidad de determinadas áreas del mundo el mejor eco que la película puede traer al espectador. Un niño dando el primer paso tras su iniciación necesaria para formar parte de las filas de la delincuencia organizada; dos amigos adolescentes jugando con armas y desafiando los límites de los delincuentes al mando; un hombre enfrentando la corrupción y otros negocios relacionados con el desecho de materiales tóxicos; un contador haciendo labor de mediador entre familias que se dicen leales a la mafia y un trabajador del área textil de donde se desprenden diferentes manufacturas que se venden al mejor postor y que dejan al personaje cruzando de un bando a otro en busca de más dinero.

Los temas son tratados con seriedad, su crudeza es más objetiva que dramática, sin embargo, la película como adaptación del libro funciona más como un complemento e ilustración del material literario que como película individual con un principio, desarrollo y un final. El hilo conductor del largometraje es casi nulo, sin referencia y contexto ofrecido por parte de los cineastas. El espectador poco relacionado con el material escrito o ignorante de la novela se queda con un destello de los temas que se profundizan en el libro.

La importancia de lo escrito por Saviano es la relevancia de su texto en relación con el ambiente actual que se vive en distintas partes del mundo. Los primero capítulos hacen un análisis y explicación de cómo el mercado, la economía y las fuentes de poder se mueven y se relacionan entre sí. La película retoma el punto de vista pero sin darle la suficiente perspectiva global que representa; si bien demuestra cómo las grandes casas diseñadoras terminan por manufacturar al precio más barato sin importar las condiciones de trabajo y cómo un prenda que se supone de alta costura termina siendo realizada por la manos de un grupo de personas de bajas condiciones económicas, finalizando en estantes de renombre y siendo usadas por las estrellas de cine, la película falla en darle el tiempo necesario a temas como el mercadeo, el transporte de telas y el financiamiento necesario para que ciertos negocios se hagan realmente productivos.

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La película por su contenido tiene mucho que decir pero falla en hacerlo exitosamente. Si bien su tono crudo y burdo es parte del paquete con que se vende el proyecto (dista mucho de querer ser una superproducción o cine comercial; ni debe serlo de acuerdo con la temática y tono del libro), la visión con la que fue construida falla en su potencial, que pudo haber abarcado a un mercado más amplio. Incluir a un narrador como si el autor contara la historia (como lo hace el libro) hubiera dado dinámica y referencia a los espectadores, algo que podría haber ayudado al mejor entendimiento de la historia, así como al impacto de ésta como material ilustrativo, informativo y de aprendizaje. El proyecto es rico en contenido de temas como el funcionamiento del sistema capitalista, la actualidad social, los problemas, beneficios, repercusiones y dinámicas de la presencia de la mafia y cómo ésta se adentra en la economía de la sociedad, entre  otros más, que sin embargo  se diluyen en la versión cinematográfica.

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La  manera en que estas historias pueden enriquecer la visión del espectador es notoria, aunque el aporte viene primordialmente a cargo del autor del libro. A pesar de ello, como proyecto cinematográfico se disfruta la visión cruda, real y actual de las situaciones cotidianas de las que el espectador puede o no estar al tanto y, de esta manera, la película como tal es más bien un esbozo documental de las formas del crimen, más allá del encanto y misterio con que la mafia ha sido representada en el cine a través de los años.

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Perteneciente a un cine italiano moderno que no convence a todo tipo de público, pero aún recomendable e interesante si se complementa con el libro o si se simpatiza con el cine denso, detallado e impactante.

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Tráiler: Gomorra

Dir. Matteo Garrone

Italia, 2008

Canal YouTube thecultbox

2:27

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Vidas al Limite | Bringing Out the Dead | Dir. Martin Scorsese | E.U.A. 1999

Por: Apolo Atanacio, MD

La vida para Frank Pierce es un sube y baja de emociones, habitual en  Manhattan. Siendo paramédico recorre las calles en su ambulancia noche a noche brindando apoyo vital a cualquier persona que lo requiera, conociendo casos y personas de diversos niveles sociales, étnicos, culturales, sus problemas físicos y los claroscuros del comportamiento humano.

Frank ha llegado en diversas ocasiones a sobrepasar su propio limite, el ajetreo, el cansancio, el hastío, diezman su condición física y emocional, tanto que ha intentado salir de su realidad e incluso abandonar su trabajo, pero existe algo que lo obliga a mantenerse. Un sentimiento de culpa lo rodea, ha salvado muchas vidas, pero también ha sufrido los estragos de las pérdidas de las personas a quien no pudo ayudar, y son los fantasmas de estas víctimas quienes juegan con el una ronda interminable de desenfreno y adrenalina mientras Frank esta en espera de una nueva persona a quien socorrer. Vidas al Limite, (Bringing Out the Dead, es una película del año 1999, dirigida por Martin Scorsese, cuenta con las actuaciones de Nicolas Cage, John Goodman, Ving Rhames Tom Sizemore y Patricia Arquette.

El sonido de una sirena nos puede parecer normal para la escena habitual de la ciudad, pero ¿qué hay detrás de él?

Una historia se reescribe cada día dentro de un equipo de paramédicos y socorristas. Estas personas son quienes asisten a la llamada de emergencia emitida de un domicilio, a causa de un accidente o una catástrofe y aun sin saber a que se enfrentan, acuden dando esperanza a quienes les aguardan. La adversidad es su medio, la vocación de servicio su disciplina.

Son muchas agrupaciones las que ofrecen los servicios de emergencias y rescate; las altruistas, que dependen directamente de los donativos y apoyos de la población, en ocasiones desprovistas de los implementos básicos. Las unidades, dependientes de Hospitales públicos que brindan atención ya sea a derechohabientes o población general, incluyendo para los primeros el servicio de traslados. Las corporaciones privadas o de Hospitales particulares también realizan estas actividades obteniendo a cambio una remuneración económica. Los equipos y ambulancias son diversos, pueden tener lo básico, camilla, toma de oxigeno y radio, hasta contar con equipo sofisticado, monitores cardiológicos de última generación, ventiladores mecánicos, ultrasonido, comunicación por internet o vía satélite con el hospital que requieran y algunos hasta cuentan con auxiliares de laboratorio.

Independiente del sector para el que trabajen, el paramédico y el socorrista son personas capacitadas que, con lo que tienen a mano, intentan atender la urgencia de una persona estabilizando sus condiciones físicas y emocionales desde lugar donde se suscita la eventualidad hasta el sitio donde se atenderá en forma segura, arriesgando en ocasiones hasta su propia vida. Son seres de carne y hueso que rutinariamente habrán hecho el bien, sin mirar a quien lo hicieron.

Si alguna vez hemos sido atendidos por ellos, nunca es tarde para decir… gracias!

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Bringing Out the Dead 

Dir. Martin Scorsese

E.U.A, 1999

Tráiler canal BreadCustCouncil YouTube

2:27

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Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

Silver Linings Playbook | Dir. David O Russel | Estados Unidos, 2012

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Existen películas que llegan a fallar en incorporar diferentes temáticas en su contenido, se convierten en distraídas combinaciones sin sentido, con demasiadas expectativas pero pocos resultados; otras, por su parte, son historias simples y planas que dan como resultado proyectos poco relevantes. Silver Lining Playbook, por el contrario, logra ser sutil en su mensaje pero fuerte en su contenido, creando un relato romántico pero enriquecedor dentro del tema de la aceptación y la sociabilidad.

 Historia escrita y dirigida por David O. Russel, quien a su vez se basa en el libro homónimo escrito por Matthew Quick, tiene como protagonista a Pat (interpretado por al actor Bradley Cooper), un hombre que sale de un hospital mental a custodia de sus padres tras ser tratado por una ataque de ira causado por un desorden de bipolaridad. Mientras los padres buscan la estabilidad de su hijo, tanto en su vida personal como en su vida profesional, la única meta de Pat es recuperar a su ex esposa. Pero el proceso de rehabilitación no es un tratamiento pasajero, lo mismo que la naturaleza de la enfermedad mental. Entre una reconciliación consigo mismo a la par con la de sus semejantes, Pat debe balancear sus terapias con la aceptación de la situación de sus conocidos, cuyas impresiones de Pat respecto a la persona que era antes y la de ahora, logran divergir con lo que éste piensa de sí mismo.

Durante este viaje personal Pat conoce a Tiffany  (interpretada por la actriz Jennifer Lawrence), una peculiar y obsesiva joven con su propio pasado, atormentada por la culpa y quien ha quedado viuda poco tiempo atrás.

 Tiffany está dispuesta a ayudar a Pat a reencontrarse con su ex esposa, pero con la condición de que éste tenga en cuenta la reciprocidad de la relación, pidiendo a cambio que Pat sea su pareja de baile en un competencia venidera.

 El tono que la disciplina del baile da a la película es el tono romántico que necesita para permitir al espectador conocer a los personajes, crear empatía con ellos y conocer su lado humano, su lado vulnerable y su perspectiva; esa búsqueda de apoyo y sentido en que tanto Tiffany como Pat se encuentran.

De esta manera la película toca temas como la comunicación, la comprensión y la aceptación, de uno mismo y de los demás. Tal es el caso de estos protagonistas, juzgados y malinterpretados por su naturaleza compleja: problemáticos, abiertos, complejos e incomprendidos.

Pero la película da signos de ir más allá, de no sólo de tratar de dos personajes fuera de lo común y fuera de los estándares. Partiendo de ahí, el proyecto es más que un drama o una comedia romántica, es un pequeño estudio de personalidades, sin caer en el aspecto estricto y técnico de la psicología.

Muchas veces en el cine los personajes con problemas como éstos caen en los estereotipos y se convierten en víctimas, aquí la perspectiva se ofrece desde el punto de vista exterior de la problemática. No es la relación romántica entre ellos lo que importa, ni su superación personal, sino las decisiones que los llevan a darse cuenta que son personas normales, comunes y corrientes, tan especiales o no especiales como el resto de quienes les rodean.

 La progresión para llegar a la compresión de esta idea viene por parte de la confrontación constante entre Tiffany y Pat, un subtexto interior entre su propia lucha personal y el deseo de ser entendido por alguien más, el uno frente el otro; acrecentada también por el constante mensaje sobre el simbolismo de las cosas, de las palabras, de las acciones, de las situaciones, más que como verdad profética, como acto de fe, de esperanza y de probabilidad.

 El término “Silver lining” en inglés se refiere a algo reconfortante o esperanzador ante una situación de otra manera desamparada o infeliz. “Silver Lining Playbook” es entonces un libro de jugadas de perspectiva optimista frente a diversas dificultades; es aquello a lo que aspira la película, como lo es también el recorrido que ambos personajes viven a lo largo del relato.

Es así, siendo positivo, valorando y observando “el lado bueno de las cosas” que termina esta historia. No construida bajo el intento de sorprender, porque es fácil de descifrar (se debe tomar en cuenta que es un trabajo de ficción); lo que logra mostrar exitosamente es una perspectiva, por supuesto positiva, de la complejidad humana, de lo importante de la comunicación y de la necesaria aceptación de uno mismo para vivir y convivir.

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Tráiler: Silver Linings Playbook

Dir. David O. Russel

E.U.A., 2012

Desde YouTube canal MrPichulete.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Beasts of The Southern Wild | Dir. Benh Zeitlin | U.S.A., 2012 

Por: Ana María Sánchez Rodríguez

Beasts of the Southern wild evoca y provoca una reflexión más de un mundo abandonado que se niega y se ubica en el olvido de quienes no aceptan que la desigualdad existe.

En un contexto de tremendos contrastes, existe esta comunidad que se refugia de lo que se conoce como civilización. Tiene y mantiene sus propias reglas y juega con una dinámica desconocida para muchas personas. Hushpuppy encarna la imagen de esta niña de seis años que crece, madura ve a través de sus ojos la vida, la muerte, la sobrevivencia. Se niega a ser débil, tiene que ser fuerte, tiene que mantenerse en pie, su madre ya no está y su padre busca que su hija sea resistente ante las inclemencias de una tormenta que viene a destruir todo.

Danza y baila al ton de la rola que el cabaret de mujeres que ansían dar el cariño maternal abrazan a aquellas niñas que han llegado de esa tierra no reconocida. Esas tierras que se inundan, se mueren con la gente que las habita y sufre de las injusticias de un mundo que no reconoce que existen esas otras historias, de gente que lucha por mantener su vida como la conoce y como la desea aunque sean beasts of the Southern Wild. Es la fuerza del jabalí que protege y se defiende para salir victoriosa a pesar de la muerte y de la incomprensión de una sociedad que no admite la pobreza.

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Beasts of The Southern Wild

Dir. Benh Zeitlin

Tráiler

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Ana María Sánchez Rodríguez | México

Cinéfila, politóloga y especialista en trabajo social. Realizó sus estudios en LSE en el Reino Unido, y actualmente el doctorado en Políticas Públicas en UMASS Boston. Su pasión por la promoción, defensa y procuración de los derechos humanos la ha llevado a escribir diversos artículos, asistiendo a numerosos congresos internacionales, y a participar en la realización de los documentales “Pobreza Extrema”, y ”Tu Ciudad Tus Derechos”.

Doce hombres en pugna | 12 Angry Men | Dir. Sidney Lumet | Estados Unidos, 1957

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

“Doce hombres en pugna”, escrita por Reginald Rose y dirigida por Sidney Lumet, trata de cómo doce hombres de un jurado discuten y debaten sus opiniones respecto al caso por el que han sido llamados, un asesinato con arma blanca. Durante el proceso los conflictos personales y emocionales no podrán quedar de lado, la persona más objetiva o la más temperamental tendrán un punto de quiebre en su intento por convencer al otro de su opinión; su trabajo es llegar a una decisión unánime: inocente o culpable; mientras, la vida del acusado e incluso la propia salud mental de estos doce personajes están en juego.

 La película se desarrolla casi por completo dentro del cuarto donde los hombres son llevados a deliberar, dejando que las actuaciones, la dirección y, en especial, el trabajo del guionista, sean los pilares de la historia en donde las palabras, las miradas y los gestos están cargados de significado.

 La diversidad de personajes permite establecer los distintos puntos de vista de las personas. El caso está trazado, un joven ha apuñalado a su padre, pero la historia va más allá del juicio. Es la responsabilidad de los doce personajes la que está en juego durante la película, que inicia cuando uno de ellos no está del todo convencido de la culpabilidad del acusado, mientras los otros once están seguros de tener su veredicto.

El juego de palabras, la manipulación, la presión y la ética toman fuerte presencia durante el proceso. Saber que la vida de una persona está en sus manos es sólo la punta del iceberg, dejando que la percepción del espectador, así como de los mismos personajes, se mantenga activa y cambiante durante el relato. Es la capacidad de análisis y la habilidad del discurso las mejores armas que Davis, personaje interpretado por Henry Fonda, puede ocupar para convencer a los otros once que existe la posibilidad de que se esté juzgando mal al acusado, por desidia o por indiferencia, de sus abogados o de ellos mismos. Su disertación inicial no asegura que el joven sea culpable o inocente, simplemente apela a la consideración y responsabilidad de sus similares para tener presente que las decisiones que se tomen en el cuarto por el jurado no son ligeras, traen consecuencias.

 Lo más importante a recordar es que este análisis y toma de decisiones es aplicable a cualquier persona para cualquier momento de su vida. No se trata simplemente de un película sobre una deliberación de un jurado criticando y remarcando el proceso judicial (en Estados Unidos, pero también aplicable y resonante en los procesos de cualquier país), sino en cualquier momento de disputa y cuestionamiento entre personas o en las mismas decisiones de vida.

 Las palabras pueden usarse para manipular a conveniencia, a través de la persuasión, por ejemplo, en un debate, en la publicidad, en el mercado, en el trabajo (en la película más de uno y en más de una ocasión pone en duda la veracidad del testimonio de los testigos. ¿Es humano cometer errores, cierto?); pero también en ocasiones las decisiones importantes se toman como meras trivialidades, sin darles el tiempo necesario para la reflexión. Y aunque actuar a impulso no siempre parezca la decisión más exacta, la película hace énfasis en ello, uno de los personajes dice: “tanto pensar hace que todo se haga un lío”. ¿Para bien o para mal? Eso queda a consideración del espectador.

 También se habla por mucho de cómo las cosas no siempre son lo que parecen; son la observación, la metodología y la investigación las que permiten a la mente conectar piezas de información que lleven a la deducción; la percepción más allá del engaño que, en este caso, hacen posible que uno a uno los hombres entren en el llamado estado de “duda razonable”, es decir, que no estén completamente seguros de la culpabilidad del acusado. De esta manera los doce hombres comienzan a repasar el caso y se dan cuenta que más de un punto no ha quedado claro, lo que los lleva a la seriedad del análisis de pruebas del mismo, así como a, eventualmente, cambiar de opinión.

 La historia ofrece una gran diversidad de temas y las suficientes posturas que son motivo de análisis en tópicos como los procesos judiciales, los discursos (políticos, sociales, económicos, personales), el comportamiento de las personas ante diferentes situaciones, la presión, el prejuicio, el respeto, la justicia, la libertad, el engaño, etcétera.

“Doce hombres en pugna” habla más allá de doce personajes deliberando un juicio, habla del actuar humano en su cotidianidad, constantemente alterada por los muchos factores externos de la vida.

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Doce hombres en pugna

Dir. Sidney Lumet

Fragmento 2:12

Desde YouTube, canal  Krisqw

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | México