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La 6ª Muestra de Cine Rumano organizada por el Instituto Cultural Rumano y la Filmoteca Española, con la colaboración de la Cineteca de Madrid y la Academia de la Artes y las Ciencias Cinematográficas y con el apoyo de Filmex Rumanía, acogerá los más destacados y premiado estrenos de la cinematografía rumana del 2015.

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Entre las películas que serán presentadas nombramos sólo algunas: Aferim!, película galardonada con el premio Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Cine de Berlín, One Floor Below, Premio ‘Un Certain Talent’ en el Festival de Cine de Cannes, Premio al Mejor Guión y al Mejor Actor en Festival de Cine de Sevilla y el documental Chuck Norris vs Communism nominado por el Premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de Sundance.

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Entre las 8 películas que se presentarán en la Muestra de Cine Rumano, 6 son largometrajes de ficción y 2 documentales, siendo todos estrenos en Madrid y 5 por primera vez en España.

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El tema común de las cintas seleccionadas en la Muestra de Cine Rumano es la lucha del individuo con su propia consciencia (Un etaj mai jos / One Floor Below), con los prejudicios sociales y religiosos de su época (Aferim!), con la realidad represiva del régimen totalitario (Chuck Norris vs Communism), con los demás que quieren limitar su libertad (Autoportretul unei fete cuminti / Self Portait of a Dutiful Daughter y Lumea e a mea / The World Is Mine) o con un destino injusto y cruel (Carmen).

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Afermin! un Film de Radu Jude

Inaugura la Muestra de Cine Rumano en Madrid

Sinopsis: Principios del siglo XIX. Costandin, un policía local, es contratado por un boyardo para dar con el paradero de Carfin, un esclavo gitano que huyó de su propiedad. Costandin empieza a perseguir al fugitivo, dando comienzo, así, a un road movie en blanco negro sobre la esclavitud de los gitanos en la Rumanía del siglo XIX.

Rumanía, Bulgaria, República Checa, Francia,  2015

Blanco y negro

108′ mins

V.O. rumano subtitulada en español e inglés

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También se presentarán en Madrid las películas…

¿Por qué yo?

Dir. Tudor Giurgiu

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Sinopsis: La película sigue la historia de Cristian, un joven e idealista fiscal cuya carrera está en un momento ascendente mientras intenta resolver un caso contra un colega sénior acusado de corrupción. El dilema de escoger entre su carrera y la verdad cae sobre sus hombros. Película basada en hechos reales.

Rumanía, Bulgaria, Hungría , 2015

Color •

125′  minutos

V.O. rumano subtitulada en español

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Un etaj mai jos / One Floor Below

Dir. Radu Muntean

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Sinopsis: Tras haber sido el único testigo de una discusión domestica que degeneró en asesinato, Pătrașcu se encuentra frente a vecinos muy cercanos. Uno de ellos es el asesino. El otro es su propia conciencia.

Rumanía, Francia, Suecia, Alemania, 2015

Color

93′  minutos

V.O. rumano subtitulada en español e inglés

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Autoportretul unei fete cuminți / Self-Portrait of a Dutiful Daughter

Dir. Ana Lungu

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Sinopsis: Cristiana es una joven educada en una familia de clase media burguesa. Divide su tiempo entre sus estudios, las conversaciones con Alex y Michelle -sus dos amigos íntimos y ocasionales-, y los encuentros con Dan, un hombre casado con el que está involucrada románticamente.

Rumanía, 2015

Color

81′ Minutos

V.O. rumano subtitulada en español e inglés

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Lumea e a mea / The World Is Mine

Dir. Nicolae Constantin Tănase

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Sinopsis: A Larisa, una adolescente que vive en una pequeña ciudad de la costa, la vida no se lo ha puesto nada fácil ya que tiene que ocuparse de su abuela paralítica y tratar con un padre agresivo y una madre desamparada. Cuando Larisa se encapricha con Florin, el guaperas de su instituto, su ex amiga Ana se convertirá en una de sus mayores enemigas.

Rumanía • 2015

Color

104′  Minutos

V.O. rumano subtitulada en español

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Carmen

Dir. Doru Nițescu

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Sinopsis: En un pequeño pueblo montañesco, viven Mariana y Puiu, padres de dos hijos: Carmen y Mircea. Un día, Carmen, que tiene 10 años, se va con su madre a Bucarest por lo que tendría que ser una consulta médica de rutina. La película se centra en el retrato de la mujer, que hará lo que sea por su hija, que se está muriendo en un mundo en el que a nadie le importa.

Rumanía, 2013

Color

89′ minutos

V.O. rumano subtitulada en español

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Documentales que también se estrenarán en Madrid…

Chuck Norris vs Communism

Dir. Ilinca Călugăreanu

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Sinopsis: En los últimos años de Rumanía comunista, miles de películas logaron atravesar el Telón de Acero abriendo una ventana sobre el mundo para aquellos que tuvieron la valentía de verlas. Un thriller fascinante acerca de la magia del cine y el poder que tiene para cambiar vidas.

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Gran Bretaña, Rumanía, Alemania, 2015

 Color

 78′ minutos

V.O. rumano subtitulada en español e inglés

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Aliyah Dada

Dir.  Oana Giurgiu

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Sinopsis: Hace 133 años, una pequeña comunidad de judíos salió para Palestina para establecer unas de las primeras colonias en la Tierra Santa. Desde entonces, el camino de los judíos de Israel se entrelaza con la historia de Rumanía en una relación de amor y odio cuyas consecuencias no se pueden todavía cuantificar. El estilo visual inspirado de la técnica del collage de Tristan Tzara y Marcel Janco, unos de los iniciadores del dadaísmo.

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Rumanía, 2015

Color

116′ minutos

V.O. rumano subtitulada en inglés e español

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Sin duda será un gran encuentro del cine y sus historias.

Calendario de proyecciones

Jueves, 10 de diciembre – Aferim!, Cine Doré, Sala 2. Invitado: Roberto Cueto

Viernes, 11 de diciembre – One Floor Below, Cine Doré, Sala 2

Sábado, 12 de diciembre – The World Is Mine, Cine Doré, Sala 2. Invitado: Nicolae Constantin Tănase

Domingo, 13 de diciembre – Carmen, Cine Doré, Sala 2

Lunes, 14 de diciembre – Chuck Norris vs Communism, Cineteca de Madrid, Sala Azcona

Martes, 15 de diciembre – Self-Portait of a Dutiful Daughter, Cine Doré, Sala 2

Miércoles, 16 de diciembre – ¿Por qué yo?, Academia de Cine. Invitados: Tudor Giurgiu y Javier Tolentino

Jueves, 17 de diciembre – Aliyah DaDa, Cine Doré, Sala 2. Invitado: Oana Giurgiu

Entradas

Las entradas para las proyecciones en el Cine Doré y la Cineteca de Madrid se pueden comprar en las taquillas.

2.5 € Cine Doré

3.5 € Cineteca de Madrid.

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Para más información:

Ovidiu MIRON

Coordinador de proyectos

Instituto Cultural Rumano

ovidiu.miron@icr.ro

Móvil: 677 515 289

FB CineRumano

FB Instituto Cultural Rumano

www.icr.ro/madrid/http://www.icr.ro/madrid/

Fuente.

México | Filmakersmovie | Octubre 2015.– Las animaciones  en formato GIF vuelven a causar revuelo entre los usuarios de la Internet, y esta vez en redes sociales. Desde fotografías de desconocidos, hasta fragmentos de películas, programas de televisión, comerciales y noticias acompañan estos breves contenidos cómicos, en su mayoría.

Los afiches de cine no han pasado desapercibidos a esta entretenida tendencia, aquí algunas creaciones que estamos seguros te gustarán.

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1. King Kong, 1933

 2. Kill Bill, 2003

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3. Fight Club

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4. 2001: A Space Odyssey, 1968

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5. Pulp Fiction, 1994

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6. 007 Skyfall,  2007

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7. Drive, 2011

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8. The Lion King, 1994

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9. The Hobbit: The Desolation of Smaug, 2013

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10. Jurassic Park, 1993

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*Bonus

Rear Window, 1954

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El uso de los GIF es usado generalmente para la publicidad en tipo banners. Su principal utilidad hoy en día sigue siendo el despliegue de imágenes animadas para páginas web, al ser el único formato soportado por multitud de navegadores que permita dicho efecto. Cabe destacar que la animación de este tipo de imágenes solo se puede visualizar en cierto tipo de aplicaciones y programas como presentaciones power point o páginas web, pero en hojas de cálculo o documentos de texto las imágenes gif pierden su animación.

Si quieres descargar algunos afiches para compartirlos en redes sociales, visita: giphy.com

#posteranimated

El Gran Gatsby: Primera Parte

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

“Una de las novelas americanas más importante del siglo XX”.

Uno de los festivales más prestigiados del mundo, es el festival de cine que se celebra en la ciudad de Cannes, Francia. En la edición 2013 el festival se inauguró con la presentación de la película: “El Gran Gatsby” protagonizada por Leonardo DiCaprio y dirigida por Baz Luhrmann. La crítica de cine ha sido muy dura contra el Director, manifestando que la película se aleja demasiado de la novela de Francis Scott Fitzgerald (1896-1940). Periódicos de enorme influencia como “El País”, en su análisis sobre la película señaló: “Ni El gran Gatsby ni Scott Fitzgerald se merecían esto”, todo éste ambiente sobre la película hace indispensable ir a la novela y realizar nuestra propia critica, pero sobre todo quedarnos con una de las obras más fantásticas, originales e importantes del siglo XX .

De entrada Fitzgerald, es uno de los grandes escritores norteamericanos del siglo XX, perteneció a la llamada “generación pérdida”, junto a John Dos Passos, William Faulkner, Ernest Hemingway, Thomas Wolfe, Nathanael West. Todos ellos participaron en la primera guerra mundial y vivieron la gran depresión económica de 1929, hechos que repercutieron enormemente en sus novelas. Hablar de los felices años veintes en Francia es hablar de esta generación, muy amigos de Gertrude Stein, quien era un mecenas para ellos.

“El gran Gatsby” es la historia apasionante, única de un personaje romántico confundido moralmente por su afán de alcanzar el amor con la riqueza, Gatsby representa la elegancia, la caballerosidad, el progreso pero al mismo tiempo el derroche, un hombre que se enamoró muy joven de Daisy, ella también lo amaba e incluso existió un romance, pero una chica rica no podía ni debía casarse con un muchacho pobre. Gatsby se va a la guerra, Daisy se casó con Tom Buchanan, un joven rico que su pasatiempo preferido es jugar Golf, después de 5 años, Gatsby regresó siendo un hombre muy rico, compró una mansión en West Egg (Nueva York).

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Nick Carraway, un joven del Este de Estados Unidos llegó a vivir a West Egg, su pequeña casa que rentaba colindaba con la mansión de Gatsby, Nick iniciaba a trabajar en la bolsa de valores, en toda la región e incluso hasta Nueva York la fama de Gatsby aumentaba, había toda clase de historias sobre él, que era traficante de alcohol, que había matado a un hombre, que era pariente cercano de un duque de Alemania y pariente segundo del diablo, a pesar de todas esas historias, Gatsby hacía en su mansión las grandes fiestas, asistía todo el pueblo y la región, no se necesitaba invitación para acudir, se tocaba Jazz, se tomaba champagne, se bailaba el foxtrot, pero casi nadie podía ver al anfitrión, aparentemente el universo de Gatsby era perfecto, un hombre rico, portentosamente elegante, caballeroso,  representaba el progreso y la opulencia de una nación.

Nick era primo de Daisy, había estudiado con Tom Buchanan, un día Gatsby le mandó invitación para su próxima fiesta, asistió Nick y después de tanto rato en la fiesta conoció a Gatsby, se hicieron grandes amigos, Nick jamás lo juzgó por todo lo que escuchaba, quiso conocerlo y tener su propia opinión, de joven a Nick su padre le enseñó que: “cada vez que te sientas inclinado a criticar a alguien –me dijo- ten presente que no todo el mundo ha tenido las ventajas tuyas.” Bajo ese principio se metió en pocos problemas en la vida y le permitió convertirse en el mejor amigo de un personaje tan especial como lo era Gatsby.

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Las grandes fiestas que realizaba Gatsby tenían un objetivo principal, que un día asistiera su amor eterno Daisy, quien vivía muy cerca de su mansión con su esposo Tom. Gatsby como todo un caballero, jamás directamente le pidió a su amigo Nick que lo ayudara para ver a Daisy,  tampoco le platica por completo su pasado, pero una amiga de Daisy llamada Jordan, es quien le dice a Nick que Gatsby está interesado en tomarse un té con su prima Daisy.

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El reencuentro tan esperado con Daisy se logró dar, la novela desarrolla toda una trama de romance, de amor, de traiciones, de amoríos, de las grandes fiestas, Gatsby quiere revivir o regresar al pasado, su objetivo central y que lo inspira, es su amor eterno por Daisy, una mujer que se puede describir cuando le dice a su hija Pammy: «Esto es lo mejor que puede ser una chica en este mundo, una preciosa y pequeña tonta».

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La novela es fantástica, sugiero mi apreciado lector antes de ir al cine leerla, la crítica de cine puede tener variadas opiniones, pero nadie duda la grandeza de la obra de Fitzgerald. Con “El gran Gatsby” nos está relatando el escritor, el nacimiento del Jazz y su baile el foxtrot, los felices años veintes, pero al mismo tiempo la decadencia de los principios de una sociedad materialista, elitista, interesada, de doble moral, el derroche económico y su posterior crisis, casi todos los personajes representan un enorme vacío, por eso Nick le dice a Gatsby:

“tu amigo vales más que todos ellos juntos”.

En mi opinión, en la amistad de Gatsby y Nick es donde encuentro el principal romance de esta novela, Nick al inicio de la obra manifiesta: “Gatsby, quien representa todo aquello hacia lo que siento un sincero desprecio” al final se puede comprobar que esta expresión de Nick es porque Gatsby resultó ser un hombre de una pieza y no merecía un final así.

Para finalizar, he visto dos películas sobre esta novela, la realizada en 1974 con Robert Redford como protagonista y la que en estos momentos se encuentra en el cine estelarizada por Leonardo DiCaprio, ambos representan a Gatsby, son muy buenas, las recomiendo ver, pero a la conclusión que llegue es que Gatsby y Fitzgerald, merecen ser leídos.

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El Gran Gatsby

Dir. Baz Luhrmann

Estados Unidos, 2013

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El Gran Gatsby

Dir. Jay Clayton

Estados Unidos, 1974

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

Como cada  11 de diciembre en gran parte del mundo se celebra el “Día Internacional del Tango”, para conmemorar el nacimiento de Carlos Gardel (1890-1935) y Julio de Caro (1899-1980), dos figuras emblemáticas y pilares que lograron hacer del Tango un género musical de proyección mundial.

De Carlos Gardel “quien cada día canta mejor”, hay abundante literatura por compartir, tangos, películas, presentaciones en teatro, el origen de su nacimiento, amores, viajes, sus presentaciones en ciudades como Barcelona, Madrid, París, Nueva York, su gira por Latinoamérica. En general, Carlos Gardel después de su muerte es una de las leyendas más grandes del pueblo argentino que provoca pasión, admiración y entre más pasan los años de su muerte, más fuerte es su presencia, porque no hay día que a Carlos Gardel no se le quiera.

Hablando de querer, “El día que me quieras” es un tango hecho película a principios de 1935, la letra es de uno de los más grandes compositores que tuvo Gardel, me refiero al brasileño Alfredo Le Pera (1900-1935). Esta película tiene anécdotas fantásticas, maravillosas, que sin duda alguna, para los amantes del tango son de enorme valía.

De entrada el título del tango fue basado en un verso de Amado Nervo, compare Usted dos estrofas de “El día que me quieras” de  Amado Nervo con la letra de Alfredo Le Pera:

(Amado Nervo)

“El día que me quieras tendrá más luz que junio;   
la noche que me quieras será de plenilunio,
con notas de Beethoven vibrando en cada rayo
sus inefables cosas,
y habrá juntas más rosas
que en todo el mes de mayo.”
(Alfredo Le Pera)

“El día que me quieras, La rosa que engalana,
Se vestirá de fiesta
Con su mejor color.
Al viento las campanas
Dirán que ya eres mía
Y locas las fontanas
Se cantarán su amor.”

Otra característica importante que tuvo la película “El día que me quieras” fue que en ella Carlos Gardel cantó otros tangos memorables e inmortales los cuales son, “Volver”, el tristísimo Tango “sus ojos se cerraron” del cual Jaime Andrés Monsalve en su libro “Carlos Gardel, cuesta arriba en su rodada” nos cuenta la siguiente anécdota:

“La pieza es cantada por el personaje de Gardel ante el cadáver de su esposa. Terig Tucci, director musical de la cinta, relata que en el momento de grabarse aquella escena el estudio estaba completamente atestado. Durante dos minutos sólo se oyen los acentos del Tango. La gente ni siquiera respira, la magia del arte de Gardel la ha embrujado… Los primeros instantes que siguieron a la grabación fueron de completo, casi religioso silencio; todos temerosos de romper el exorcismo del momento del artista. De pronto, como si fuera obedeciendo a una señal, estalló una ovación indescriptible. A uno de los ejecutivos se le oyó decir, “Este hombre tiene una lágrima en la garganta.”

Jaime Andrés Monsalve nos cuenta que: “Carlos Gardel no vivió para saber qué pensaron los argentinos de “El día que me quieras”, pero imagínese Usted mi apreciado lector, el fenómeno que fue la película al ser estrenada un 23 de agosto de 1935, es decir, faltando un día para que se cumplieran dos meses del accidente donde Carlos Gardel había perdido la vida en Medellín, Colombia.

Si lo antes platicado sobre la película “El día que me quieras”, no es suficiente para llenar la pupila, no hay inconveniente, la grandeza del “Zorzal Criollo” como también se le conocía a Gardel, alcanza para mucho más y les platicaré otra anécdota central e histórica sobre de la película.

Astor Pantaleón Piazzolla (1921-1992) otro gigante del tango quien incluso lo actualizó y modernizó (por este hecho fue odiado y amado), había nacido en Mar del Plata, Argentina, pero su Padre Vicente Piazzolla se fue a vivir con su familia a Nueva York cuando Astor tenía 4 años de edad. Gardel a finales de 1934 estaba en Nueva York con su equipo de guitarristas, colaboradores, etc. alquiló un penthouse y una mañana neoyorquina sucedió lo siguiente:

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“Una mañana primaveral, Alberto Castellano salió del apartamento para comprar botellas de leche, y al regresar se percató que había dejado la llave adentro. Un niño de trece años, que había subido hasta ese piso con el ánimo de conocer a Gardel, contemplaba la escena. Su padre, un argentino residenciado en Nueva York con su familia hacía varios años, de nombre Vicente Piazzolla, era amante de sus tangos y había mandado al muchacho a que se presentara ante el cantor con un muñeco a escala de su figura, hecho en madera.

Castellano le pidió el favor al niño de que se colara por una ventana y le abriera la puerta desde adentro. Gardel es el de pijama azul con pintitas blancas. Una vez adentro, (Le Pera de mal humor, Gardel con una sonrisa a flor de labios), se presentó ante ellos. Su nombre: Astor.”

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A partir de ese encuentro se estableció una amistad entre el gran Carlos Gardel y el adolescente Astor Piazzolla, convivieron, Gardel no hablaba inglés y Astor se convirtió en su traductor, el joven un día llevó el bandoneón que le había regalado su papá y le tocó a Gardel, paso de todo en el poco tiempo que convivieron los amigos Gardel y Piazzolla, lo que estoy narrando no es una historia de película, pero quiero decirle estimado lector, que el final es al mero estilo de Hollywood, porque Usted hoy en día puede conseguir la película “El día que me quieras” y ahí podrá ver y escuchar cantar a Gardel y  a Piazzolla actuando de canillita.

Esta fue la columna para recordar que en algunos meses será el día internacional del Tango, no me queda más que decirles, adiós, amigos, compañeros de esta vida, barra querida de estos tiempos, ya me voy y me despido, se terminó para mi ésta redactada.

Imagen de portada del sitio: 2001.com.ve

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El día que me quieras

Dir. John Reinhardt

Argentina, 1935

Película completa / Canal Youtube: vsnbonvenutofull

1:21:06

José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

El modelo actancial deriva de las teorías narrativas de Julien Greimas, lingüista francés (1917-1992); se utilizó inicialmente en la literatura y la narrativa por cuestiones de análisis relacionados con el lenguaje y el discurso (semiótica y semiología). Más tarde el prototipo fue adoptado por otras formas narrativas, el teatro o el cine entre ellas, para analizar la estructura de su discurso.

Un “actante” es una unidad autónoma con capacidad de acción, siendo precisamente el sujeto quien realiza la acción, por ejemplo, “Yo bailo” (sujeto + verbo). El propósito de este esquema aplicado a la narrativa es determinar las funciones de los participantes de un relato dentro de la historia que se cuenta.

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Existe una correspondencia directa con el estructuralismo, filosofía que estudia la relación entre elementos que en conjunto conforman un sistema superior, es decir, las relaciones sintácticas de las partes que construyen una estructura. En el caso de las narraciones estos elementos son sus personajes.

En un relato cada personaje tiene una función dentro de la historia, si esto no sucede, los personajes son innecesarios y deben ser removidos del relato. De este principio deriva el nombre del modelo, “actancial” viene de “actante” y actante se refiere a acciones, que actúa. En “Morfología del cuento” de Vladimir Propp (1895-1979), publicado en 1928, el lingüista ruso habla de la función de los personajes en la historia como acciones divididas por el punto de vista de lo significativo en el curso de la acción (la narración).

El “actante”, entonces, tiene una función, un papel o un rol determinado; por ejemplo el villano o el héroe, y su objetivo en la historia, el cómo impactan sus acciones al resto de los personajes, es la razón de su existencia, porque al actuar, al cumplir su función, el “actante” hace que la historia progrese. Si el príncipe quiere rescatar a la princesa tiene que pelear contra el dragón. Tanto el príncipe, como princesa, como el dragón, tienen una función específica para existir: el héroe tiene una misión que cumplir, la doncella es su motivador y gratificación, mientras la criatura mágica es el obstáculo a superar para completar la misión.

Este modelo reconoce cinco elementos básicos en cada relato: a) Sujeto, personaje principal que realiza la acción (principal); b) Objeto, que es la misión, camino o recorrido por completar; c)  Destinador, causa que mueve al sujeto, el qué o quién lo impulsa; d) Destinatario, aquel que se beneficia de la acción, para qué o para quién se hace; e) Ayudante, un compañero o apoyo para poder completar el cometido y; f) Oponente, principal villano u obstáculo a superar, la fuerza que trabaja en contra de que el sujeto concluya su camino.

Ejemplificando el modelo con la película Buscando a Nemo (EUA, 2003) los elementos se disponen de la siguiente manera: Marlín es un pez que va en busca de su hijo Nemo, en el camino se encuentra con Dory y juntos viajarán por todo el océano hasta encontrarlo. Marlín es el sujeto, él carga con la acción eje del relato; el objeto es la misión de ir a buscar a su hijo, Nemo, quien es el destinador; Dory, por tanto, es el ayudante; las medusas y los tiburones son algunos de los varios oponentes que se encuentran en el camino; mientras el destinatario son tanto Dory como Marlín, así también pueden ser los otros peces que viven en donde tienen capturado a Nemo.

La historia de la Caperucita Roja es otro buen ejemplo. Caperucita es el sujeto, el objeto es llevar comida a su abuela, quien es el destinador, el lobo es el oponente, el leñador el ayudante y la madre de Caperucita el destinatario.

El esquema actancial es una herramienta de análisis para estructuras básicas narrativas, no siempre aplicable al cien por ciento o al pie de la letra para todas las historias. Algunas son más difíciles de descifrar, por ejemplo, aquellas con varios protagonistas o las que están divididas en segmentos, en donde varias historias se cruzan en algún punto. Estas historias son más complicadas de dividir en sus partes ya que en cada porción que conforma el relato, cada sujeto, tiene su propio esquema aplicable.

Dentro de la escritura de guiones también se reconocen elementos recurrentes en las películas sobre el tipo de “actantes” que participan en una historia y la función que cumplen dentro de la misma, arquetipos que se moldean para contribuir con el desarrollo del relato. The Writer’s Journey, por ejemplo, libro de guionismo escrito por Christopher Vogler, habla de 8 de los más comunes y más usados: el héroe, el mentor (guía o entrenador), la sombra (villano o enemigo), el anuncio (persona o evento que llama a la aventura), guardianes del umbral (obstáculos que se interponen), cambiante [shapeshifter en inglés] (persona que al cambiar de opinión, sentimientos o perspectiva, cambia el curso de la historia), embaucadores (engaños o travesuras que llevan al cambio) y aliados.

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Los elementos son sólo lineamientos que funcionan como guía para reconocer los diversos personajes existentes y cotidianos (o necesarios) cuyas funciones logran enriquecer una historia. El modelo actancial permite analizar estos elementos y descubrir las diferentes vías narrativas que un relato puede elegir, así como determinar la contribución que cada elemento ofrece con su presencia, algo importante en todas las historias, la cinematográfica incluida.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo.

El #24FestivalCineMadrid acaba de estrenar su teaser de presentación de su próxima edición, protagonizado por la actriz y presentadora Amanda Guadamillas e inspirado en la imagen gráfica creada para esta 24ª edición que alude a las posibilidades del 7º arte para hacernos despegar.

La presentadora desde 2009 de esta cita otoñal corre por las calles de Madrid para llegar a tiempo a uno de los muchos estrenos del Festival y finalmente cuando alcanza su butaca…

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24FCM-PNR

España, 2015

00:51 

SOBRE EL FESTIVAL DE CINE DE MADRID – PNR

El FCM-PNR nació en 1991 y, desde entonces, se ha consolidado como un escaparate fundamental para producciones emergentes, a las que da cobijo y promoción, aglutinando así la mejor selección del diverso cine nacional que no se comercializa en nuestro país. De hecho, dentro de su compromiso de apoyo a los nuevos talentos del cine, mantiene desde 2011 el pago por selección a participantes en secciones oficiales tanto de largometrajes como de cortometrajes, a modo de derechos de exhibición, y con el objetivo de apoyar dentro de sus posibilidades a la débil industria española de producción, distribución y exhibición.

Con foco en obras de los nuevos realizadores, el FCM-PNR es un lugar de encuentro en constante búsqueda de nuevas narrativas y creadores que necesiten una ventana desde la que proyectarse. Su sección de cortometrajes está incluida en la preselección de candidaturas a Mejor Cortometraje de Ficción en los Premios Goya de la Academia de la Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, optando a dicha posibilidad tres galardonados en el FCM-PNR.

El Festival está organizado por la Plataforma Nuevos Realizadores (PNR), una asociación nacional sin ánimo de lucro fundada en 1989 por directores, productores y técnicos de cortometrajes y primeros largometrajes, que desde hace 25 años trabaja por la exhibición, difusión e interrelación con el público general de las obras de sus socios, y por la representación, defensa y reconocimiento del cine emergente creado por nuevos realizadores.

Para conocer más sobre el #24FestivalCineMadrid

@festivalcinepnr 

 FB/festivalcinepnr 

 www.festivalcinepnr.com

C/ Abdón Terradas No. 4 2da Planta – Madrid 28015

Tel. 915232686

Fuente.

Filmakersmovie presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

Esta película nace después de reiterados intentos de financiar una producción mayor llamada «El peaje». La pre producción ya había comenzado para este proyecto y al verse frustrado económicamente, el director desarrolló una nueva idea que sirviera para poder utilizar todo lo avanzado, pero en una película de menor presupuesto. Así nace «El mal trato«, escrita en un mes, con mucha improvisación y con un rodaje de 10 días iniciales y 5 días posteriores.

«Se fue haciendo paso a paso, en los tiempos libres, destinando recursos propios para financiar tanto la producción como la post producción. Luego la envíe a muchos festivales, siendo aceptada principalmente en Estados Unidos.  Aún hay muchos festivales que no han respondido así que puede que haya nuevas selecciones, como la reciente en Colombia, en el Salón internacional de la Luz. 

En este momento estamos planeando un estreno en sala comercial para poder cerrar el ciclo de este largo proyecto de manera ideal.

Lo que más nos motiva es que ya tenemos una nueva idea para el próximo largometraje por lo que estamos avanzando en una nueva dimensión. Ojalá podamos realizarlo con mayores recursos, pero claramente, si no logramos conseguir el dinero, lo haremos igual. ¡Más que cine independiente! ¡Cine artesanal!»

Dice el director, Daniel Vivanco.

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El Mal Trato del Director Daniel Vivanco ha sido seleccionada a participar en los Festivales: 

Queens World Film Festival con el premio Mejor Actor y Mención Honrosa al director USA

International Independent Film Awards con el premio Mención Honrosa USA

IndieFest Film Awards obteniendo con premio Mención Honrosa USA

Richmond International Film Festival USA

College Town Film Festival USA

Festival de Cine del Barrio Mapocho CHILE

Seleccionado en Carmerthen Film Festival GALES y en Zanzibar International Film Festival TANZANIA

Salón Internacional de la Luz, COLOMBIA.

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El Mal Trato

Dir. Daniel Vivanco

Fracfilmes

Chile, 2014

1:42 Trailer

Elenco:

Ricardo Pinto

Sandra Meezs

Carlos Belmar

Luis Figueroa

Equipo:

Dirección, producción, dirección de fotografía, montaje, guión: Daniel Vivanco

Dirección de arte y sonido: Francisco Braithwaite

Asistencia de producción y dirección: Pablo Alveal

Música: Oscar Carrasco

Post sonido: Cristóbal Rivera

Post imagen: Ximena Faunes

Duración: 67 min

País: Chile

Año: 2015

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Daniel Vivanco  |   IMDb |  www.fracfilmes.cl  | Chile   

Daniel Vivanco nace en Santiago de Chile el año 1980. Estudia periodismo en la Universidad Diego Portales, en paralelo estudia dos años de literatura, finalmente una vez egresado decide enfocarse en lo audiovisual y estudia realización audiovisual en la escuela de cine de chile, donde se especializa como director de fotografía.  Actualmente se radica en la ciudad de Pitrufquén, en el sur de Chile, donde es director de la empresa FRACFILMES con la cual ha realizado largometrajes y documentales.

«EL MAL TRATO» – «MALTREATMENT» from Daniel Vivanco on Vimeo.

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Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos: contacto@filmakersmovie.com

Por: Mtro. José Miguel Naranjo Ramírez.

En la planeación de las columnas que realizo semana tras semana de cada año, algunos temas van surgiendo y otros por lo menos la temática ya está decidida, ejemplo de esto es el mes de abril, el cual es utilizado para festejar el día internacional del libro, y la segunda semana del mes de diciembre, es dedicada a celebrar el 11 de diciembre como el día internacional del tango.

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En ediciones anteriores he presentado canciones e historias del padre del tango Carlos Gardel, en esta edición elegí presentar a Usted mi apreciado lector, una de las películas estelares del cine mundial, considerada: “La película más poderosa y erótica de todos los tiempos”, protagonizada por Marlon Brando y María Schneider, dirigida por Bernardo Bertolucci en 1972, la cual lleva por título: “El Último Tango en París”. Si bien es una historia de pasión, de erotismo, de deseos, que nada tiene que ver con el día internacional del tango, las escenas finales de la película se pueden presenciar y disfrutar a ritmo de tango, porque el tango es pasión, deseos, erotismo, el tango es cultura.

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La película da por si sola para desarrollar la presente columna, pero hay algo más que quiero compartir y es que la película no sólo provocó que Bertolucci fuera denominado en 1973 como mejor Director y Marlon Brando mejor Actor, el guión cinematográfico logró algo que muy pocas veces se logra y es la creación de su propia novela, la cual lleva el mismo título y fue escrita por Robert Alley.

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Regularmente de toda joya literaria surgen las grandes películas, pero en ésta ocasión al cambiarse los procesos, resulta interesante leer la novela después de ver la película. La novela se terminó de imprimir el 15 de agosto de 1975 y hoy poder leerla será conocer desde la pluma, como se desarrolla la historia de pasión y deseos, entre una chica de 20 años de edad y un hombre de 45, tal vez, por eso el título del guión cinematográfico, porque podría ser la última pasión, el último deseo, el último tango bailado en la ciudad de los enamorados, París, Francia.

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Manifestó Robert Alley que: “cuando Bertolucci concibió la idea de hacer “El Último Tango en Paris” se enfrentó con el problema de redactar un guión que fuera, simultáneamente, el material de base para hacer la película más erótica que jamás se hubiera hecho,  por eso los personajes Jeanne(María Schneider) y Paul (Marlon Brando), en un departamento inician una brutal relación sexual que representa la disolución de un romanticismo hipócrita, para que emerja la desvelada visión del sexo en toda su desnudez.

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 Naturalmente la película fue motivo de críticas, sobre todo porque algunos percibieron una humillación hacia la mujer, cuando Jeanne fue sodomizada por Paul, e incluso la propia actriz María Schneider quien murió en el 2011, llegó a manifestar que se sintió humillada, violada, porque jamás fue informada que se realizaría esa fuerte escena y no estaba en el contrato que se había firmado. Años después Bertolucci y Brando, confesaron que no le dijeron a la actriz, porque buscaron que la escena fuera muy original y sí que lo fue, pues las lágrimas de María Schneider fueron genuinas de dolor y humillación.

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La novela de Robert Alley contiene un agudo epilogo de Norman Mailer, en el cual de entrada nos narra su vivencia y lo que percibió del público cuando asistió al cine a ver la película, literalmente inicia el epílogo con las siguientes palabras: “Pagar cinco dólares y sumarse a la audiencia que llena la sala Translux para ver por la tarde El Último Tango en París,  es recordar una vez más que el planeta está en estado de pululación. La audiencia del último tango es un infarto de majestades anales de la clase media. (Si Freud no nos hubiese dado la pista, un lector de rostros podría llegar por sí mismo a la conclusión de que existe alguna conexión social entre el sexo, la mierda, el poder, la violencia y el dinero).”

Si después de todo lo narrado, todavía no está convencido de ir a la película o a la novela, le comparto algunos comentarios de la prensa mundial sobre El Último Tango en París.

LE MONDE, FRANCIA:

“Como fondo, el gris y el ruido de un París conocido. Ante nuestros ojos, la batalla delos sexos y también, la batalla entre juventud y vejez…”

L´ EXPRESS, FRANCIA:

“¿Faltan Adjetivos? Todo está descrito con admirable e intolerable …”

EVENING STANDARD, INGLATERRA:

“El Último Tango en París, dividirá a los cinéfilos en Inglaterra de una manera para la cual pocos de nosotros estamos preparados”

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Finalmente, concluyo la presente redacción recordando que hace un año escribí la columna “El Último Tango que Cantó Gardel”, hoy festejemos  leyendo “El Último Tango en París”. Porque el tango es pasión, amores y desamores, sensualidad y elegancia, el tango es música, voz, baile, y esta ocasión el tango también es cine, en general el tango es cultura, por eso fue declarado: “Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad”.

“11 de Diciembre Día Internacional del Tango.”

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Ultimo tango a Parigi

Dir. Bernardo Bertolucci

Italia-Francia 1972

4:43 Trailer

Canal Youtube: septimoartecolombia

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José Miguel Naranjo Ramírez | miguel_naranjo@hotmail.com | México

Por: Andrés Palma Buratta

Cada vez que quiero escuchar un grito sofocado, un silencio lacerante, ver una representación abstracta coherente en su rareza o simplemente vislumbrar la maldad que se esconde en la naturaleza y que circunda al ser humano, e infiere, además, en su naturaleza humana; me sumerjo en el cine de Kim Ki-Duk o Ki-Duk Kim.

 Hace algunos meses comencé está discusión con mi amigo Carlos Yarad : ¿cómo se puede interpretar el cine de Kim Ki-Duk?, sí es que a este tipo de autores se le pueda asignar un significado per sé, más que a sus obras. En su documental “Arirang” (2011), vemos al director en un viaje, pero no a través de su obra, no una biofilmografía,  o quizás sí, pero relatada desde lo profundo de su naturaleza humana, ya no autor, sino persona. Enfrentándose constantemente con él mismo, exorcizando sus cuestiones morales, ideológicas, simbólicas, que lo llevan a plasmar más que arte cinematográfico, una intrínseca e intrincada metamorfosis de la existencia concebida desde las relaciones humanas en correlación al mundo vivo y espiritual hasta su desecación, su muerte, su paso a otro cosmos, su vuelta al interior.

Nunca tuvo mayor coherencia, como en esta obra, el lugar común de enterrar tu pasado.

Y para eso debía matar a sus personajes, debía matar su obra, toda su obra, en una ceremonia de expiación, de reparación de aquellas contrariedades que constituyen las miles de ideas que fabrican mundos. ¿Cómo dar con estos personajes; si por lo general no se comunican con el resto a través de la palabra? Existencias silenciosas, como él.  Se mueven en los límites de lo real, o irreal, de la emoción, la quietud, la contemplación, el arrebato, la intimidación. Escondidos en las sombras de otros seres igual de irreales. Son figuras (más que hombres o mujeres) marginales, que no han encontrado su lugar en el mundo, o quizás el mundo (concepción tanto occidental como oriental) no es un espacio para ellos. La palabra da paso más bien a lo visceral, y es ahí donde nace, crece, explota toda la violencia de sus films, retenida en un principio, inexpresiva quizás, pero que ulteriormente se vuelve gráfica, explícita, incómoda, torna a presentar las relaciones humanas como desafección, construcción y deconstrucción de las perspectivas afectivas hacia el universo, sus componentes filosóficos, imaginativos. Por fin, hacia uno mismo, nuestras luchas internas, en definitiva hacia él.

No creo sea necesario entender el cine, como cine/arte/audiovisual de Kim Ki-Duk, sino más bien quedarse con una representación alegórica, metafísica, figurativa, simbólica, infinitamente compleja, que hace que el lenguaje cinematográfico tambaleé, se desmorone, reconstruya y nazca en las entrañas del cosmos íntimo de estas formas pertenecientes a un paraje más onírico de lo que jamás hayamos conocido.

Todo pareciera prorrumpir de la búsqueda del “yo”, del “retorno a sí mismo” como lo definiera Tarkovski y su relación con la naturaleza.

La naturaleza orgánica y humana es tanto símil de brutalidad como de belleza, y esa naturaleza orgánica se convierte en definitiva en la naturaleza del hombre, confusa pero diáfana, feroz pero liberadora, inmaculada, espiritual, perturbadora conciencia más del ser humano.  El todo parte del interior y se va exteriorizando a medida que vamos entendiendo los simbolismos (el agua es constante en su filmografía) que asedian la fe, el crecimiento, el amor, los celos, el odio, la crueldad, el misterio, la emancipación, la vida misma, sujeta a múltiples interpretaciones, cuestionando los ideales de belleza, de verdad, de natura, de misericordia, de perdón  enfrentándolos violentamente contra “el hombre” refugiado en parajes de difícil acceso, tanto para llegar, como para salir. El individuo no quiere llegar al resto y no quiere que nadie llegue a él, para ello, pone de defensa la naturaleza viva, y la suya propia.

Esos simbolismos, se convierten, entonces, en la llave de entrada a sus historias; aunque la diferencia temporal, sociológica, antropológica, cultural y de códigos de las sociedades, supone un abismo, la globalización, o quizás el sentido común, la memoria, el “felling” permite identificar los mecanismos de re presentación, re interpretación, que se nos hacen, en definitiva, familiares, los hacemos nuestros, los incorporamos bajo la piel, nos pertenecen, su obra es nuestra, nosotros los autores de aquella creación divina o racional que nos circunda.

Kim Ki-Duk va dibujando esa naturaleza, a su imagen y semejanza. Tanto sus composiciones visuales, como la “naturaleza del verbo” (acuñada nuevamente por Tarkovski, quien pareciera ser el maestro de todos estos autores) se asemejan a pinceladas sobre un lienzo de materias disímiles según el discurso, según la emoción, según la impresión.

A cambio de palabras, hay colores y texturas, algunas marcadas, gruesas, rugosas, torcidas, de colores fuertes, para dar paso, luego, a finas líneas de colores tenues, de movimientos internos, de tormentas contenidas, del paso del tiempo y los cambios que en ellos habitan, que van difuminando la fábula, arduo realizar el todo sin que uno termine de identificar cuando esas pinceladas, esas narraciones se unifican ¿Cuál de esas pinceladas estás viendo al final de la historia?

Lo onírico adquiere en este momento la capacidad de reflejo de ese tránsito entre lo real y el sueño, puente de la difícil condición del ser humano y su relación con el contexto, máscara de las caracterizaciones mundanas, cobijo de los miedos, desnudo de la bizarría. Entonces los protagonistas de sus historias no son los personajes, sino la imagen que reflejan en ese espejo que explota en una espiral de múltiples dimensiones inundando la pantalla de perfección artística, de “poesía fílmica”, de perturbador arte, que traspasa conciencias, moralejas, vidas preestablecidas, concepción de mundo imperante en la razón adjunta del hombre moderno, quizás el animal más violento y sádico de todo ser vivo, que mejor verlo en su status natural a través de la contemplación de Kim Ki-Duk.

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Aquí el tráiler de su última película » Pieta»

Corea del Sur, 2013

Dir. Kim Ki-Duck

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Andrés Palma Buratta |  IMDb | @andresdepalma

Director y guionista italo-chileno, nos transporta al mundo distópico de una sociedad subterránea en su película Cassette, presentada en el Festival de Cine B, Cineteca Nacional de Chile y el Museo de la Ciudad de México. Ha participado en la producción de la película chilena “Una parte de mi vida” elogiada por la crítica. Su sensibilidad y lucha por defender los derechos humanos lo llevan a realizar el documental “Tú Ciudad…tus derechos”, para la CDHDF. Autor de historias sencillas y profundas. Desarrolló  la serie #HoySoyNadie, para Televisa Networks.