Reseñas

Gravity | Dir. Alfonso Cuarón | Estados Unidos 2013

Por: Iván Uriel

“Somos un punto entre millones de puntos…detrás el dolor, delante la esperanza”

 Iván Uriel

Inmerso en el vacío que invita, seduce y evoca la desolación esperanzadora del eterno retorno, percibo en “Gravedad” la  ausencia de la atracción que impulsa y confiere la capacidad de asombro. Los límites abanderados de un destino manifiesto, la reflexión de lo incierto, la supervivencia y la desesperación que emerge desde una sensación perdurable tras deleitar los sentidos en la cinta dirigida por Alfonso Cuarón y escrita por él mismo en coautoría de su hijo Jonás. Siete años después de su legado “Los Niños del Hombre” 2006, una magnífica pieza de ciencia ficción que dejara los estándares de su calidad cinematográfica en niveles difíciles de superar, “Gravedad” se presenta como un episodio de contemplación absoluta, de admiración hacia la estética visual de Emmanuel Lubezky.

Gravedad logra crear y recrear, hacernos sentir como si habitáramos el espacio junto a los protagonistas, palmo a palmo, respiro a respiro, como si pudiéramos tocar la levedad que nos agobia, angustia, duele y alienta. Desde mi perspectiva el guión sucede en dos dimensiones: la que reflexiona y la que conduce la historia, Sandra Bullock con una actuación sorprendente, y George Clooney que acompaña y cumple.

La contemplación logra su cometido con imágenes que se guardarán en la memoria y que ahí estarán para revisarse una y otra vez al estudiar el cine que ha logrado introducir al espectador y hacerlo cautivo, tenerlo al filo de la butaca y sumergirlo en ella, la película literalmente nos hace flotar y cargar un torrente de permanentes emociones no sin antes voltear la mirada y preguntarnos, cavilar pensamientos y sensaciones.  

Gravedad entretiene y eleva el sentido del suspenso al máximo, nos mantiene al vértigo de su soledad y sorprende a una industria que parecía haberlo visto todo, en sentido literal la película impacta. Cuarón plantea dudas y certezas, timidez y arrojo, tiene la pausa prolongada y el urgente viaje por los confines del arte. Aunada a la profunda teorización de la existencia en la obra maestra “2001 Odisea del Espacio” 1969, basada en una historia corta de Arthur C. Clarke y dirigida por el genio Stanley Kubrick, “Gravedad” técnicamente envuelve, sin la filosofía de la mencionada cinta, pero sí con la sensibilidad que adquiere un valor sublime al contemplar el arte, en Gravedad nos sentimos en medio del espacio, soportamos la falta de oxígeno, sufrimos el dolor de la separación, la negación, el abandono y anhelamos la esperanza.

Hace mucho que el cine no permitía esta verdadera comunión de tecnología y narrativa como innovación, hace mucho que una cinta de este tipo no nos hacía sentir vulnerables. “Gravedad” presenta una nueva óptica desde los efectos visuales, una historia que pareciera simple y que tras significados, mitos y parábolas, se asemeja próxima y compleja. Nos hace parte de ella y después, en complicidad, nos deja el camino libre para las conjeturas.

 

Todas las pequeñas luces se miran desde donde resulta casi imposible hacerlo, el cosmos se nos figura cercano, podemos atrapar los objetos que flotan y tratamos de capturar el aire que se nos escapa entre las manos como instantes, esto nos hace semejarnos insignificantes en la inmensidad del universo y grandiosos en la realidad de ser humanos, inextricables en el misterio que aguarda el origen y el devenir, el aquí y el ahora. Cuarón deja los posicionamientos religiosos en la religión, y los debates políticos en las fronteras, él va más allá, remite la cinta a la relación entre espacio y tiempo, entre nosotros, el aire, la tierra, el agua y la contemplación del infinito.

Destaca la tenaz actuación de la protagonista, desde “Alien” 1979, dirigida por Ridley Scott, no había visto un personaje femenino que en una industria cinematográfica repleta de héroes masculinos, diera paso a una mujer en la ciencia ficción con tal fuerza interpretativa, y es precisamente en la mujer, donde Cuarón centra el ciclo de la vida, la evolución y el renacer. La poderosa imagen de Bullock al admirar la tierra desde el reflejo de su visor y desde el brillo de las pupilas de sus ojos, es de suyo y de inmediato: un clásico. “Gravedad” es una película atrevida, de género en diversos sentidos y más allá de ellos, una bella postal de macabra belleza, y un guiño desde el cine posmoderno a la posteridad.

–

Gravity

Dir. Alfonso Cuarón

Estados Unidos, 2013

Tráiler :  2:22

–

Gravity Spinoff Aningaaq

Dir. Jonás Cuarón

Estados Unidos, 2013

7:08

Canal YouTube: David Bertho

–

–

Iván Uriel | elsurconovela | @ElSurcoNovela

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su  motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

–

–

–

–

Machuca | Dir. Andrés Wood | Chile, 2004

Los Niños de Machuca

Por: Daisy Novoa Vásquez

La película chilena Machuca de 2004 del director Andrés Wood basada en la novela Tres años para nacer de Eledín Parraguez, narra primordialmente la amistad que se desarrolla entre dos niños y una niña de distintas clases sociales que tienen en común familias disfuncionales y que se convierten en testigos circunstanciales de las revueltas y el derrocamiento del Presidente Salvador Allende tras el golpe militar del General Augusto Pinochet en 1973.

Esta película de iniciación es utilizada como una alegoría que no sólo refleja el despertar a un mundo de adultos y a la realidad nacional de Chile durante un proceso sociopolítico que marcará su historia e identidad para siempre, sino que también es en parte un reflejo autobiográfico de las experiencias vividas por Parraguez durante esa época.  Pues como adolescente Eledín Parraguez fue testigo de los enfrentamientos entre los que apoyaban a Allende y Pinochet respectivamente, y este fue parte del proyecto de integración en el Colegio Saint George’s dirigido por el padre Gerardo Whelan, a quién la película está dedicada. (Kriger & Portela, 1997, 125).

El rol de los niños en Machuca es muy importante pues expone las memorias y experiencias de las que estos fueron testigos durante este proceso histórico; sin embargo, el enfoque primordial del film está en las experiencias íntimas de los personajes como individuos que todavía están formando su persona, su identidad y sus valores con las experiencia vividas en el hogar, la escuela, con sus amistades y por supuesto con lo que está pasando en su sociedad.  Al mismo tiempo debido a este proceso de formación el trauma que experimentan tras los cambios sociopolíticos a los que están expuestos son más fuertes, tal vez más íntimos que colectivos, pues la verdadera lucha de poder es entre los adultos, sin embargo es evidente que los niños terminan involucrados y siendo víctimas del conflicto en el país, así como en el hogar, y en su escuela, y eso definirá sus vidas e historias.

En Machuca tenemos a tres niños que son los personajes principales. Gonzalo Infante, que es de clase media alta y vive con bastante comodidad pero que tiene una familia conflictiva y disfuncional, y una madre materialista y superficial que lo usa para excusar sus infidelidades que le dan acceso a comodidades. El otro niño es Pedro Machuca, de clase baja y con muchas limitaciones económicas pero que tuvo la oportunidad de ser parte de un programa de  integración educacional en el colegio de Gonzalo, y al igual que este tiene una familia con problemas. Finalmente está Silvana, prima y vecina de Pedro Machuca en la población, quién también es de clase económica baja y vive únicamente  con su padre pues la madre ha abandonado el hogar.

            Ambos Gonzalo Infante y Pedro Machuca están en el mismo curso y son acosados por los mismos niños abusivos y es defendiéndose de ellos en parte que se conocen más a fondo. Así comienzan una amistad y viven experiencias que los unen y ayudan a crecer y aprender de la vida.  Ellos se dan cuenta que sus circunstancias familiares son similares a pesar de que vienen de clases sociales opuestas, pues ninguno de ellos tiene paz en sus casas y compartiendo tiempo juntos escapan del caos de sus hogares que es un microcosmos de la realidad del país. Silvana en cambio, a pesar de ser más o menos de la misma edad ya ni siquiera va a la escuela y trabaja para ayudar a su padre. Ella representa un personaje más formado y adulto a pesar de ser todavía una niña y sirve de herramienta para que Gonzalo y Pedro despierten y, de una forma, descubran su sexualidad al compartir besos y caricias, y a la vez para que sean testigos de la muerte. Pues Silvana al final de la película es asesinada en frente de ambos y se convierte en una víctima directa de la brutalidad de la dictadura militar y el choque social que se está viviendo en Chile. Ella simboliza el término de la inocencia tanto para Gonzalo Infante como para Pedro Machuca.

            El personaje principal de Machuca es Gonzalo Infante y una de las características más importantes de él es su capacidad de observación y su limitada comunicación verbal.  A través de Gonzalo podemos ver como la familia, la escuela, sus maestros, sus amigos, y la sociedad van moldeando su identidad. El personaje de un niño es idóneo en este sentido para poder demostrarnos como uno puede absorber y procesar todo alrededor de uno para formar la persona en la que nos convertiremos. En el caso de Gonzalo, incluso su apellido “Infante” hace alusión a su grado de inocencia y tierna edad, y vemos a medida que el filme avanza como Gonzalo evoluciona y crece por su cuenta, pero como gracias a la amistad con Pedro Machuca y  Silvana el proceso es más precoz e impactante por la distinta realidad social de donde ellos vienen. Igualmente el rol de la dictadura que tiene lugar en Chile y la fricción que causa entre las clases sociales altas y bajas es un elemento que impacta al joven sobre todo porque al estar en el barrio de Machuca, Gonzalo es testigo directo de la fuerza y el daño que la dictadura trae. Algo que tal vez no hubiese experimentado directamente en su privilegiado barrio y posición social. En una de las últimas escenas luego de que han asesinado a Silvana, vemos a Gonzalo hablarle fuertemente a un militar para defender su vida, le demanda que lo observé y se de cuenta que él no “pertenece” allí y le pide que lo deje ir. El Gonzalo tímido y callado, el niño inocente, de una forma queda atrás a pesar de que avanza en su bicicleta, símbolo de la niñez, escapando del peligro y de una forma dejando atrás a Machuca y la singular amistad que tienen. Ellos dos ya no son los mismos.

            Pedro Machuca en cambio no es tímido, él es niño que ha tenido que crecer en circunstancias fuertes y problemáticas. Tiene un padre alcohólico, es pobre, tiene que trabajar para ayudar a su familia, vive en un poblado y ha tenido que enfrentarse a una vida dura desde una temprana edad por lo que ha aprendido a hablar fuerte, a defenderse sin miedo, a ser agresivo si es necesario.  Sin embargo, al igual que Gonzalo tiene ilusiones de niño, le gustan las bicicletas, la leche condensada, jugar, y al igual que Gonzalo está en un proceso de crecimiento y descubrimiento que es moldeado y definido por los adultos a su alrededor.

            Estos niños son personajes todavía en formación, una de las escenas en la película que nos deja claro esto es cuando ambos junto con Silvana, están ayudando al padre de esta a vender banderitas a ambos bandos políticos. Ellos no se identifican con ninguna de las banderas, no tienen problema en cruzar de un lado de los manifestantes al otro; para ellos todo  ese proceso es de diversión.  Ellos sienten la energía del grupo de manifestantes, saltan junto a ellos mientras se ríen y divierten, mientras que para los adultos en pleno proceso político y de manifestación esa es una lucha y una convicción. Aquí el director demuestra la inocencia en las personalidades de los muchachos, que aunque están mezclados en el alboroto sociopolítico, realmente no se rigen o definen por este todavía.

            Andrés Wood en su película Machuca logra acercarnos a sus personajes principales, a estos niños que a la larga no son más que víctimas de las circunstancias y que como resultado serán moldeados por todo lo que pasa en su  entorno.  A pesar de que el trasfondo político es innegable en Machuca, la amistad de ambos chicos y su evolución como amigos y personas es crucial, y Wood es muy cuidadoso en cubrir los aspectos de este proceso.  Con estos personajes jóvenes en pleno desarrollo y descubrimiento el director nos muestra la importancia que el núcleo familiar tiene primordialmente en las personas, y como los padres son fundamentales en la formación de  los niños. Ambos Gonzalo y Pedro ven la inestabilidad e infelicidad en sus hogares y eso antes que nada los marca como personas.  Además en la interacción en el colegio, que no es otra cosa que otro microcosmos que refleja la sociedad, vemos como los maestros, en este caso bajo la figura del padre McEnroe, son también figuras importantes  que ayudan a estos niños a crecer y a orientar su compás moral.  Igualmente Wood muestra como los compañeros de escuela dejan marcas importantes en la vida de otros, y como por su puesto las amistades más cercanas y las diferencias sociales afectan profundamente a las personas.

            Sobre todo Machuca es una historia de crecimiento, descubrimiento y amistad, que se ve impactada por ejes familiares, económicos y sociopolíticos extremos, y que nos recuerda que a veces los niños son testigos involuntarios  y producto del mundo que los adultos crean y definen.

BIBLIOGRAFÍA

KRIGER, CLARA Y ALEJANDRA PORTELA (1997) Cine Latinoamericano. Diccionario de realizadores. Buenos Aires: Ediciones del Jilguero.

–

Machuca

Dir. Andrés Wood

Chile, 2004

Tráiler 2:39

Canal YouTube  Siemek

–

Daisy Novoa Vásquez | daisynovoavasquez.com | Estados Unidos

Daisy Novoa Vásquez es una escritora chilena-ecuatoriana. Emigró a los  Estados Unidos en el 2002. Desde entonces ha vivido en varias ciudades  del país y trabajado para empresas de medios de comunicación y  publicidad. Estudió la universidad en los Estados Unidos y Corea del  Sur. Ha viajado extensamente por Norte América, Europa, Asía, y  Latinoamérica. En la actualidad es consultora de medios multiculturales, contribuye para el periódico Hispano El Planeta de Boston y para el  portal bilingüe tuboston.com  Daisy escribe mayormente artículos, poesía y  cuentos cortos; abarcando una variedad de temas y estilos. Su nueva  publicación es el libro de poemas Fluir en Ausencia.

Memorias del Subdesarrollo | Dir. Tomás Gutiérrez Alea | Cuba, 1968

Memorias del Subdesarrollo: Retrato de un Momento Histórico de la Revolución

Por: Daisy Novoa Vásquez

Memorias del Subdesarrollo es una película cubana de 1968 del director Tomás Gutiérrez Alea que está basada en la novela del escritor cubano Edmundo Desnoes.  En el filme a blanco y negro el personaje principal es un escritor aspirante de la burguesía cubana, Sergio, quien se queda en la isla luego de ver partir a su familia y amigos en exilios voluntarios hacia Miami un par de años después de la Revolución Cubana de 1959.  A lo largo de una narrativa compleja donde los monólogos interiores del protagonista son un pilar importante de análisis y reflexión sobre la realidad cubana, además de abundante información visual y otras perspectivas vamos descubriendo el impacto inmediato del régimen comunista en el estilo de vida del país y su gente. Vemos los cambios mayormente negativos que la revolución ha traído a la isla, además de la constante incertidumbre de no saber que pasará cada día, de ver a la gente partir o desaparecer, mientras se sabe a viva voz que miles de niños mueren de hambre en la isla a pesar de que las promesas de la revolución eran de equidad y bienestar para todos.

La voz de Sergio nos recuerda periódicamente a lo largo de la película que nadie sabe a donde irá a parar el proceso histórico que se está viviendo en Cuba, pero nos deja claro el impacto feroz del subdesarrollo en el que yace ahora su país no sólo es evidente y tangible en la arquitectura decadente del lugar,  en la incapacidad de mecánicos de arreglar automóviles por la falta de piezas, sino también en la forma de pensar de algunos cubanos, como por ejemplo el de la inconsecuente Elena quién pretende atarse a él a la fuerza luego de inventar que ha perdido su virginidad en los brazos de Sergio.

 Sin embargo a lo largo del film, que transcurre entre la invasión de Bahía de Cochinos y la Crisis de los Misiles, el mismo Sergio es ambivalente ante su postura política, sentimientos personales, y rol social. Así como divaga en su narración histórica sobre los acontecimiento de la época, de la misma forma divaga en un nihilismo existencial.  Sergio, al final de cuentas es un burgués pasivo con una propensión a la crítica, que muestra a veces incongruencias en sus pensamientos y acciones, y otras veces observaciones humanos profundas y ciertas; pero en definitiva sus acciones y pensamientos son fundamentalmente intrascendentales por no tener una postura clara.

A lo largo del largometraje Sergio recuerda a viva voz como La Habana se ha convertido en una ciudad que parece de provincia, que desde que se quemó El Encanto, La Habana que antes era conocida como la Paris del Caribe ahora no es más que una Tegucigalpa del Caribe.  La revolución de una forma u otra es una involución en algunos aspectos para el protagonista.  Las palabras y recuerdos de Sergio están mayormente llenos de desesperanza y apatía. Por ejemplo, Sergio critica a  Picasso por considerarse un “comunista” cuando este vive como millonario en Paris con todas las comodidades que el comunismo no tiene y que de hecho quita a la gente.  Además habla claramente de cómo la revolución ha callado al individuo y este se ha convertido en una criatura que vive con miedo, que se ha vuelto reaccionaria. Dispuesta a echarle la culpa a otros para evitar responsabilidades. Sergio analiza la relación dialéctica entre los individuos y el grupo, y finalmente concluye que la gente bajo esta revolución no es consciente y analítica y necesita que alguien siempre piense por ellos.

Titón, como era conocido Gutiérrez Alea por amigos, utiliza muchos elementos visuales y narrativos para retratar el profundo impacto del gobierno Castrista en la vida privada y colectiva de su gente.

Una escena poderosa y de reflexión en la película es la de cubanos en el aeropuerto listos para abandonar su país mientras tienen que entregar sus relojes antes de irse. El símbolo de dejar obligatoriamente sus relojes es importante pues refleja por un lado la opresión del régimen comunista que toma control sobre  los bienes materiales de las personas y por otro la abnegación de las personas dejar atrás “su tiempo” en la isla, de ver por última vez las manecillas de reloj avanzando allí en Cuba, para irse en un exilio a otra parte.

–

Otro elemento narrativo y visual importante para demostrar el subdesarrollo en el que se encuentra Cuba, son las tomas en la casa-museo del escritor Hemingway en la isla. Aquí Sergio por un lado ve como Elena es incapaz de apreciar el valor histórico y educativo de la casa del famoso americano y así demuestra la poca sofisticación y madurez intelectual y estética de la joven que es semejante a la de muchas personas en la isla.  Del mismo modo, al hacer todo un recorrido por la casa de Hemingway encontramos que el escritor realmente no tenía nada de valor cultural o folclórico de la isla por lo que Sergio interpreta que Cuba era realmente insignificante para el americano. Sergio observa también que los países atrasados solo le sirven a la gente de países desarrollados para matar animales, pescar, tomar el sol y por sus mujeres preciosas.  Todas las cosas de las que Hemingway disfrutaba en Cuba.

–

Tomás Gutiérrez Alea usa una narración fragmentada similar a la de la memoria humana y es así como vemos a su protagonista  recordando partes de su vida con su ex-esposa antes de que abandonara Cuba, con su ex-novia europea cuando estos eran muy jóvenes y tal vez narrando subjetivamente algunas partes y poniendo más valor sentimental en algunas memorias que en otras.  Pero es así como poco a poco entre esas memorias aparecen las memoria del régimen. La evidencia del abuso de poder. De como Sergio es visitado por gente del gobierno que viene a investigar sobre sus posesiones, inmuebles, y estilo de vida, y como eventualmente pierde derecho sobre algunas de estas para acomodar el bienestar de todos, pues ese es el objetivo del comunismo; de dejar de ser un individuo y formar parte de un todo.  Así mismo Gutiérrez Alea, emplea a Noemí, la muchacha que limpia la casa de Sergio para demostrar como el gobierno comunista censura la religión.  Pues vemos a Noemí confesarle a Sergio que ella es protestante y que fue bautizada en secreto en el río.  Sergio imagina a la bella joven siendo sumergida en el agua con un traje blanco que al pegarse a su piel muestra su cuerpo; más adelante Noemí comparte fotos de su bautizo con Sergio y este se da cuenta como su imaginación fue más lujuriosa que las vivencias reales de Noemí. Así Gutiérrez Alea muestra nuevamente que la mente humana puede ser subjetiva y también emplea fotografías como un recurso del recuerdo.

Una forma de memoria más objetiva pero no infalible pues siempre son sujetas a nuestra interpretación.

 Noemí muestra estas fotografías a Sergio con mucha timidez, y vemos como a la mujer no le queda más remedio en el régimen comunista que ocultar la práctica de su fe.  De esta forma vemos como la revolución usurpa derechos básicos de las personas, y cómo estas a veces tienen que resignarse a sufrir en silencio o a recordar sólo lo más tolerable para poder subsistir, tienen que olvidar u omitir lo que no les gusta si es que no tienen escape.  Es así como también Sergio reflexiona en un momento casi al final de la película que “en el subdesarrollo todo se olvida. Nada es consecuente.”  Tal vez tratando de evocar que la mayoría de cubanos que siguen en la isla, sin poder huir, han olvidado consiente o inconscientemente las promesas buenas que Castro les hizo algún día y las mismas promesas que ellos se hicieron para así poder seguir viviendo.

–

Al final de Memorias del Subdesarrollo Tomás Gutiérrez Alea nos da a entender que alrededor de tres años han pasado desde que Fidel Castro tomó control de Cuba.  Kennedy habla el 22 de Octubre de 1962 y luego se muestra a Castro en televisión diciendo que “todos deben ser uno en esa hora de peligro y que la gente debe saber vivir en la época que le ha tocado”, haciendo alusión a la crisis de los mísiles.  Gutiérrez Alea demuestra la incertidumbre y preocupación de vivir en una época de revolución, sabiendo que hay la probabilidad de tener una guerra.  A través de Sergio vemos esa impotencia de no saber que pasará en cualquier segundo, mas este mismo personaje ve a muchos de su compatriotas caminando por la calles de La Habana sin miedo a lo que pueda pasar, tal vez ignorando las repercusiones de un desastre armamentístico.

Sergio claramente dice: “Nada tiene sentido, la gente se mueve y habla como si la guerra fuera un juego.”

Esto puede ser interpretado como el subdesarrollo analítico de las personas en Cuba, quienes en realidad no entienden las consecuencias de esta amenaza, o su indiferencia a morir, o tal vez la insensibilización a este tipo de amenazas puesto que se han acostumbrado a vivir bajo un gobierno militarista donde las libertades y los derechos humanos son pocos. Donde bajo esa revolución cada día se vive con incertidumbre, sin saber que pasará el día siguiente y con miedo a pensar y a hablar libremente.

–

–

Memorias del Subdesarrollo

Dir. Tomás Gutiérrez Alea

Cuba, 1968

Película Completa

Canal YouTube: encubalovi1

1:34:12

–

Daisy Novoa Vásquez | daisynovoavasquez.com | Estados Unidos

Daisy Novoa Vásquez es una escritora chilena-ecuatoriana. Emigró a los  Estados Unidos en el 2002. Desde entonces ha vivido en varias ciudades  del país y trabajado para empresas de medios de comunicación y  publicidad. Estudió la universidad en los Estados Unidos y Corea del  Sur. Ha viajado extensamente por Norte América, Europa, Asía, y  Latinoamérica. En la actualidad es consultora de medios multiculturales, contribuye para el periódico Hispano El Planeta de Boston y para el  portal bilingüe tuboston.com  Daisy escribe mayormente artículos, poesía y  cuentos cortos; abarcando una variedad de temas y estilos. Su nueva  publicación es el libro de poemas Fluir en Ausencia.

–

–

–

Life of Pi | Dir. Ang Lee | Canadá, Estados Unidos , Taiwan, 2012

Life of Pi, una bella metáfora de la experiencia cósmica

Por: Rodrigo Sánchez

No logro recordar una película tan profunda y filosófica que logre conmover e impactar en el espectador tanto como Life of Pi, una fantástica historia de supervivencia y fe en el universo, un sabroso conjunto de elementos fantásticos que se fusionan en un éxtasis de emociones y extraordinarias circunstancias de una realidad que a veces puede parecernos cruel y despiadada.

 

  “Estoy buscando una historia que escribir… , me dijeron que aquí podía encontrarla” dice un hombre de cabello castaño, barba y alrededor de los treinta años tras ser invitado a pasar al hogar de Piscine Molitor Patel, mejor conocido como ‘Pi’. El hombre hindú, habitando ahora en Canadá, empieza a relatar una historia gloriosa que hipnotizará a su entrevistador.

                Una familia hindú dueña de un zoológico que decide mudarse a Estados Unidos, un barco viajando con centenares de personas y animales a bordo, un repentino hundimiento provocado por las peligrosas condiciones climáticas. Nos encontramos en el caos; Pi, un tigre, una hiena, un orangután y una cebra, herida de una pierna, abandonados en la intemperie  del extenso océano, una balsa y mucho cielo. Una serie de masacres, la hiena asesina cruelmente a la cebra, posteriormente al orangután y finalmente está morirá bajo las garras de Richard Parker, el tigre. Todas estas hazañas, extrañas y desafortunadas, sentarán las bases de la prueba más difícil que Pi tendrá que enfrentar a lo largo de toda su vida.

                Nunca me he visto en dichas circunstancias, pero puedo imaginar que un naufragio, mucho más si uno se encuentra a lado de un feroz tigre de bengala, no ha de ser nada fácil de sobrellevar. Día con día la situación se vuelve más complicada, el agua y la comida es escasa, la intensa temperatura abruma los sentidos y el incesante movimiento del bote cansa al cuerpo. Richard Parker y Pi se verán obligados a establecer una relación funcional para ayudarse en el proceso de supervivencia al que deben de enfrentarse.

                No me gustaría arruinar el final de la historia para aquel que no ha tenido la oportunidad de repasarla y que lee ahora este texto. Sin embargo, tomando en cuenta que mi objetivo es hacer una profunda reflexión de la trama y no una reseña, me veré obligado a recurrir a la resolución del conflicto.

–

                El naufragio acaba en las playas de México, donde Pi aterriza en la arena, débil y desnutrido. Cuando Richard Parker abandona la lancha, pasa a un lado de su compañero de viaje y sin si quiera voltearlo a ver, se sigue de largo hasta sumergirse en la selva tropical, ni una mirada, ni un rugido, nada; el lazo de amistad que parecía existir entre el chico y el tigre se disuelve rápidamente, sin ningún desenlace afectivo. Cuando Pi es llevado al hospital, es interrogado por miembros de la compañía dueña del buque que yacía ahora en el fondo del océano. Les cuenta lo sucedido, no le creen. “Cuéntanos algo en lo que la gente pueda creer” le dicen. Él, obediente, relata una nueva versión de los hechos: Una familia hindú dueña de un zoológico que decide mudarse a Estados Unidos, un barco viajando con centenares de personas y animales a bordo, un repentino hundimiento provocado por las peligrosas condiciones climáticas.

–

Nos encontramos en el caos;  Pi, un malhumorado cocinero perteneciente a la tripulación, la madre de Pi y un marinero, herido de una pierna, abandonados en la intemperie del extenso océano, una balsa y mucho cielo. Una serie de masacres, el cocinero asesina al marinero, “para ahorrarle el sufrimiento”, ante el hambre se lo come. La madre y el cocinero sufren una disputa, él la acaba matandola. Pi, lleno de rabia, decide abalanzarse sobre el cocinero para quitarle la vida, lo que el malhumorado señor había hecho al marinero y a la madre del chico hindú. Pi queda sólo en el naufragio, él y su alma, contra las olas y el universo.

                El desenlace de la película es una bella metáfora de la percepción cósmica de una persona.

 

Notar que en la segunda versión de la historia no encontramos la presencia de ningún tigre, porque no lo había como tal, era tan solo una parte de Piscine, un fragmento de su alma al cual él mismo debía de enfrentarse para poder sobrevivir a su soledad y a su dudosa presencia en el mundo, todo parecía un sueño, podía ser una ficción consumada por su mente para satisfacción de su soledad. El chico había sido a lo largo de su corta vida, una persona sumamente espiritual, había coqueteado con varias religiones, no por dudar entre las creencias que ofrecía cada una de ellas y buscar elegir definidamente tan solo una de ellas (como le había sugerido su familia en algún momento), sino porque el sabía que no importaba lo que dijera cada una de las corrientes, todas llegaban a la conclusión de que había algo omnipotente que regulaba la energía del universo y a todo lo que en él habitara; en todas había un ser supremo, un dios al cual hablarle cuando uno se veía amenazado por la soledad del alma, no buscando que este contestara y arreglara todos los conflictos personales que vivía, sino que ejerciera una fuerza sobre él para permitirle sobreponerse a las situaciones adversas que tendría que enfrentar.

–

He ahí la tesis argumental de el maravilloso trabajo audiovisual dirigido por el genio que es Ang Lee, el diálogo constante que mantiene Pi con el universo y con esa fuerza omnipotente que ya mencionábamos es la esencia de un naufragio fatídico que se convierte en una experiencia de interiorización y de autorrealización, el contacto con el universo y la gratitud por existir.

–

              La entrevista entre el hindú y el entrevistador, de vuelta a Canadá y a muchos años después de lo ocurrido, fluye a un ritmo armónico. Ni Pi se siente atiborrado por las interrogantes del joven barbado, ni este segundo se aburre de las respuestas del hindú, ambos gozan de la charla, uno compartiendo toda su experiencia y el otro tratando de ser empático, lográndolo la mayor parte del tiempo. “Dígame algo” dice Pi, el entrevistador asiente con la cabeza, “En las dos historias (refiriéndose a las dos versiones de la historia) se hunde el barco, muere mi familia y yo sufro ¿Qué versión prefiere usted?” El canadiense duda su respuesta, sonríe y finalmente contesta: “La del tigre, supongo”. Gran parte del éxito del largometraje se debe a este intercambio dialógico. Es increíble la concepción que desarrolla Piscine sobre su propia experiencia, por qué habría de contar una historia dolorosa y trágica si puede relatarla como una fantástica aventura llena de colores y situaciones extraordinarias. Si en esencia, el desenlace de ambas historias es lo mismo, para qué contar aquella que nos haga sufrir en vez de aquella que nos atrape y nos sorprenda, no hay mejor reflexión que esta.

El universo es subjetivo, todo se basa en la percepción de quien lo vive y lo siente, no hay, por tanto, ninguna razón para visualizarlo como un conjunto de elementos sádicos en una desesperanzadora existencia, sino, por el contrario, poder exprimir todo lo bello de él, guiados por aquella experiencia suprema del cosmos que nos infunde energía para enfrentarnos a sean cuales sean los obstáculos que enfrentemos en la vida, esa energía omnipotente que algunos llaman Dios, otros Alá, entre muchos otros nombres que no importan, pues todos son el mismo y ese mismo es el poder universal que acobija la existencia de nuestro mundo y a todos los que lo habitan.

No tengo ya nada más que decir, simplemente me gustaría agradecerle a este personaje del que ya hemos hablado tanto, a Pi Patel, por comunicarnos una experiencia tan profunda, y por dejarnos saber que, a pesar de que esta fue una terrible tragedia, una situación oscura y desesperanzadora, se puede encontrar la manera de revivirla como una síntesis de eventos extraordinarios, de ballenas luminosas y peces voladores. Sé ahora, que todo aquello que creemos ficticio e imposible, es en realidad un universo presente, quizás no tangible, pero sí vivo y existente en lo más profundo del alma.

—

–

Rodrigo Sánchez Ruiz |  @RodrigoVive  |  Rodrigo Vive YouTube |   @rodrigorusan9  | www.kanaleta.blogspot.com | rodrigo_sr99@hotmail.com | México 

Rodrigo Sánchez Ruiz siempre ha mostrado interés por el  arte, viéndose atraído por artistas como Dalí, Miró, Picasso, Jackson Pollock, entre otros pintores. Practica la pintura, y muestra mayor empatía  por el cine y la música, con influencia de sus dos hermanas mayores y sus padres. Crea Clickcab Productions con Santiago Carreto Sánchez,  realizando  productos finales de película, fotografía y video. Con “El Recuerdo de la Pluma”, muestra un complejo tratado psicológico atípico atractivo para la audiencia. Actualmente escribe un gran número de textos y pensamientos, además de poseer un amplio repertorio de material fotográfico expuesto en su página web.

Perfeccionamiento Genético: Gattaca | Gattaca | Dir. Andrew Niccol | Estados Unidos, 1997

Por: Dr. Apolo Atanacio

En un futuro utópico, donde las ciudades son magápolis, los viajes al espacio son una realidad cotidiana con la consecuente exploración de otros mundos, las oportunidades se concentran en sólo en unos cuantos, los genéticamente “válidos”.

Vincent  es un trabajador del servicio de limpieza en la estación espacial. Joven nacido con una falla cardiaca, dismetría visual y otros detalles que no se esperaban de su procedimiento genético manipulado de origen, siempre ha soñado con conocer el espacio. Para él en la escala de clasificación social e intelectiva, le esta prohibido siquiera pensarlo. Por otro lado, Jerome Morrow, joven dotado de una inteligencia prodigiosa y un físico envidiable a causa del más puro procedimiento de perfeccionamiento genético ha sufrido un infortunado accidente que lo ha dejado hemipléjico. Éste le ofrece a Vincent la oportunidad de “vivir su vida” suplantándolo, logrando con ello su más grande anhelo, viajar a las estrellas.

Todo esta listo para la fecha del despegue, solo que Jerome requiere de algo más, una dotación suficiente de muestras de pelo, células muertas, sangre, saliva, orina y demás especímenes biológicos que puedan soportar su identidad ante el escaneo de rutina. Inicia así una relación de codependencia entre estos dos personajes, el que lo tiene todo y no pretende nada,  el que no tiene nada y lo pretende todo. Gattaca (experimento genético) es una cinta del director Andrew Niccol del año 1997, nominada al Oscar por dirección artística, cuenta con las actuaciones de Ethan Hawke, Jude Law y Uma Thurman.

Los estándares de vida cotidiana, nos hacen, poco a poco, ser una especie que se debe adaptar al cambio o sucumbir. El medio imprime una necesidad de ajustes en nuestro estilo de vida que obligan a cualquier individuo al perfeccionamiento. Es aquí en donde la ciencia toma un papel preponderante hacia el desarrollo de lo que se llama “raza perfecta o ser humano perfecto”.

Esta idea no es nueva, en el pasado ya se ha pensado en la creación de un hombre dotado de inteligencia superior, así como de fuerza y destreza no comunes, ya sea con fines científicos o como proyecto para futuros elementos bélicos.

Pero más allá de la ciencia ficción se debe partir de una base,  el conocimiento del genoma humano.

Inicialmente la creación de un mapa de genes del individuo puede ayudar a identificar cuáles son las secuencias de aminoácidos (unidades formadoras del a cadenas de ADN) y por consiguiente identificar también cuáles son las alteraciones en estas secuencias así como señalizar los genes que causan males o enfermedades, el primer paso será erradicar esa carga del sistema y luego mejorarlo.

Es así como la idea del perfecto Prometeo se estaría haciendo realidad, la creación de un ser superior, el primer elemento de una magnifica raza.

 

Pero ¿la perfección también integraría el perfeccionamiento moral y los sentimientos de estos futuros humanos? O estaremos siendo testigos de la creación de los más sorprendentes autómatas.

–

Gattaca

Dir. Andrew Niccol

Canal YouTube: TrailersPlaygroundHD

2:29 Tráiler

—

Apolo Atanacio, MD | México

Médico y realizador cinematográfico. Es, en el contar historias, que puede echar mano de su imaginación para representar mundos. La medicina su vocación, el cine su pasión. Ha sido director de varios cortometrajes y documentales académicos, acentuando la producción de piezas audiovisuales en la comunidad para la comunidad.  La entrega de sus columnas de “cine y salud” son únicas y sin precedentes en el medio.

—

—