17 enero, 2026

Filmakersmovie

MEMORIA

CIEN AÑOS CON JUAN RULFO

Un viaje por los confines del encuentro

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

 

Escrita por Juan Rulfo y publicada en 1955, Pedro Páramo es una de las novelas más significativas de la literatura universal del Siglo XX. Su influencia ha generado investigaciones, ensayos y artículos a lo largo de cinco décadas, que han explorado los sentidos y significados que contiene su narrativa. La novela sin ser una obra histórica sino una exploración atemporal de las causas, consecuencias y efectos que caracterizaron a la Revolución Mexicana, brinda una profunda visión de la situación social y política de México antes, durante y después del conflicto armado. La obra de Rulfo, que ahonda sus días bajo el impacto de la denominada Guerra Cristera, impactó las letras hispanoamericanas por su lenguaje construido a observación y testimonio, así como sus referencias contextualizadas en la ficción que define su glosa y que posibilitan aproximarse a la novela desde numerosos ámbitos.

 

Y al cariz de seguir tras las huellas dejadas a los pasos sobre la tierra, el llano, o a la tolvanera del tiempo, emerge la obra visual del reconocido director mexicano Juan Carlos Rulfo, quien desde los avatares de su historia de vida, hace un recuento de vivencias, razones y motivos de la obra de su padre, expone visos artísticos de su construcción lingüística y prepara la escena para un encuentro con quien murió en 1986, dejando su nombre grabado en letras indelebles y eternas de las artes mexicanas en el mundo. Estrenado en 2017, Cien años con Juan Rulfo, se presenta en plataformas digitales para envolver de nostalgia, evocación y memoria, los testimonios más sugestivos que nos describen la valía de su obra, exploran los impulsos de su pluma, y aborda la historia de vida del autor jalisciense que, de suyo, es una novela misma. Ganador de diversos festivales de cine, del premio Ariel en México, miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y director de obras referentes del cine latinoamericano como Del olvido al no me acuerdo, En el hoyo, Los que se quedan, Carriére 250 metro, Lorena la de pies ligeros, entre otras, reúne un serial de voces que a coral eco, como el célebre escritor Eduardo Galeano que al director alemán Werner Herzog, lo mismo a la escritora Elena Poniatowska que al primer actor Ignacio López Tarso, quienes forman parte del elenco que recorre a través de seis episodios, las distintas vertientes y aristas que integran la película, como un estacional recuadro de recuerdos.

 

A través de Juan Carlos Rulfo viajamos al Comala que nace a fuego, interpretación y premura  en la creación literaria, pero también al interior de las dimensiones, sombras, fantasmas, espacios sin tiempo y pasajes de una historia que entrelaza no solo la literatura y la historia misma, sino el pasado de las otras vidas que rodean al autor y al director en una suerte de conexión espiritual reflejada en su obra, en sus lectores, y en su herencia reflexiva. Así los oficios, los trazos y la lente del también artista fotográfico, que hizo de sus capturas auténticos paisajes de un México que habla a través de sus montañas, de su gente, de sus letras, de su cine y de su magia, aparecen durante cada episodio como un vestigio que a cada recuerdo renace y vibra.

 

 

Cien años con Juan Rulfo es una serie indispensable para las y los amantes de las letras, y una aproximación sensible, humana y epistolar a destiempo, de los tiempos pasado y presente que se unen a la promesa inmortal de una obra al devenir, y de un autor que encontró la trascendencia de vida desde una obra escrita por los muertos. Juan Rulfo ha sido una influencia por demás importante en mis textos, especialmente en las novelas “El Surco” y “El Ítamo”, y qué novela mexicana que explora los entornos sociales y los contextos históricos sin tiempo, no es hija de Pedro Páramo, de ahí que ver la serie resulto revelador, y en sinergia, causa de recomendación para MEMORIA.

 

Próximamente tendremos en Encuentros, una entrevista con el director Juan Carlos Rulfo, donde exploraremos no solo la serie Cien años con Juan Rulfo, sino varias de sus distintas cintas, su inspiración, anécdotas y proyectos entorno a su quehacer fílmico incluso durante la pandemia que vivimos; cuando una serie documental, explora los días como acontecimientos, logra dejar en cada jornada una gráfica emotiva, plena de un suceso que a través de la cámara remembra, preserva, y activa.

 

Si Pedro Páramo, crea una realidad que da rostro a los olvidados y hace un reclamo hacia los artífices causantes de un sistema de campos abandonados como consecuencia de la marginación, el abuso de poder y las fuerzas de la naturaleza, y Comala está habitada por fantasmas errantes que abren los sentidos dispuestos a creer en la vida no después de la muerte sino desde la muerte, el documental explora el tiempo, inquiere la historia del llano y posibilita vivir a sus personajes. Una serie espléndidamente dirigida, que invita a conocer una obra, a su autor, y en esa epifanía creativa, estimula conocer a un padre, que desde las huellas de su pasado, reencuentra a un hijo que busca miradas, ángulos y percepciones del llano en todos los llanos, los puntos en que ambos se encuentran para dialogar a través de las imágenes en movimiento que les configuran.

 

Cien años con Juan Rulfo

Un Film de Juan Carlos Rulfo

México, 2017

Ahora en Prime Video

Trailer 5:56

 

 

 

Iván Uriel
Iván Uriel

Iván Uriel Atanacio Medellín  | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El SurcoEl Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com

NOMADLAND en los confines del camino

 

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

A los pasos errantes que confieren aislarse de un mundo que no les incluye pero obliga, Fern afronta la vida misma a partir de sucesos contiguos que determinan el devenir como una suerte de ajuste de cuentas cuyo saldo no debe, pero debe pagar como la impronta que conlleva adentrarse a los planos y estepas de un territorio sin rumbo ni sitio definido. Tras la muerte de su esposo y la pérdida de su trabajo, Fer, interpretada por la extraordinaria Frances Macdormand, decide bregar una vida en viaje, con el peregrinaje nómada de quien al escapar de su pasado encontrar nuevas vetas a la vida; así es como va de un lado a otro, laborando lo mismo en una empresa de compra y paquetería, que en una granja o en un campo habitacional donde limpia baños o hace el aseo sin dejar de preguntarse el devenir y respondiéndose así misma una respuesta que también viaja.

 

 

En su trayecto forja amistades tanto errantes como sedentarias en el mismo peregrinaje, es decir, quienes no se alejan del mismo viaje, y sobreviven a las profundas crisis económicas al tiempo que resuelven sus días a través de la filosofía de la vida, de los cuestionamientos que no posponen porque también migran. David Strathairn, Dave, aparece y a su vez  desvanece como una figura que, desde la misma vida nómada, le invita hacer paraje y asentar su andar en una oportunidad de vida conjunta, pero previo al dilema, sitúa duelos, encuentros y pérdidas que no hacen sino gravitar un discernimiento al modo de vida.

 

Con un elenco en su mayoría de habitantes de los colectivos, zonas y territorios que recorre su protagonista, Nomadland presenta sendas confesiones, arengas y evocaciones sentidas en el eco de las voces juglares de Swankie, Gay de Forest o el propio Bob Wells, un portavoz de los sentires nómadas, líder de una legión de seguidores que aproximan a sus lecciones y experiencias. Dirigida por la espléndida Chloé Zaho, quien y había entregado una de las mejores cintas de los años recientes, ”El Jinete”, nos ofrece una palestra de sentido y vacío que habitan entornos que no niegan pero comparten, pero no entregan porque no se posee lo que no se tiene ni puede darse. Gracias a una extraordinaria fotografía, la ganadora del Festival de Cine de Venecia, “Nomadland” asume a sobrados méritos el torrente de críticas positivas que ha tenido para con su viso del mundo, la mejor película del año 2020, gracias a su trama sentida, aguda, reflexiva, por demás reveladora y urgente, agresiva y calma en el movimiento que avanza por que no puede quedarse, como condena, destino y salida.

 

Nomadland

Dir. Zoe Chloé

E.U.A., 2020

Trailer 2:05

 

 

 

 

Foto: Iván Uriel | Filmakersmovie.com

Iván Uriel Atanacio Medellín  | elsurconovela | México Escritor y documentalista. Considerado uno de los principales exponentes de la literatura testimonial en lengua hispana. Sus novelas El SurcoEl Ítamo y El Muro, que abordan la migración universal, han sido estudiadas en diversas universidades a nivel internacional. Dirigió los documentales La Voz Humana y Día de Descanso. Es Director Editorial de Filmakersmovie.com

Filmakersmovie presenta una producción original, independiente e iberoamericana.

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Afiche Día de descanso

 

Dir. Iván Uriel Atanacio Medellín

-Sinopsis-

«Día de Descanso» aborda la movilización social que han emprendido desde México, un grupo de mujeres trabajadoras del hogar, en favor de la procuración, ejercicio y defensa de sus derechos laborales y humanos. Mediante una mirada hacia la interioridad de sus testimonios y mostrando las acciones civiles que las convocan, el documental nos describe las actividades que desde hace más 15 años, han convertido los días de descanso, en jornadas que demandan equidad, seguridad social y condiciones dignas de trabajo; desde la capacitación, el desarrollo humano y el empoderamiento de la mujer, han transformado el entorno laboral y la cultura que lo rige a nivel internacional.

Dirigido por el escritor y documentalista Iván Uriel Atanacio Medellín (El Surco, El Ítamo) y narrado por Marcelina Bautista, (Premio Nacional por la No Discriminación en México) «Día de Descanso» es un emotivo viaje activista, que acompaña la lucha social de las mujeres trabajadoras del hogar desde la reflexión, la propuesta y la participación ciudadanas.

Día de descanso

Documental

Dir. Iván Uriel Atanacio Medellín

Filmakersmovie

Caceh

Fondo Semillas

México, 2015

Trailer 3:45

Con la participación de Marcelina Bautista, así como de los trabajadores y trabajadoras del hogar de México.

 

Equipo:

Dirigido por: Iván Uriel Atanacio Medellín

Realización Documental:  Iván Uriel Atanacio Medellín  y  Andrés Palma Buratta

Guión: Iván Uriel Atanacio Medellín

Investigación: Marcelina Bautista Bautista e Iván Uriel

Productora: Perla Atanacio

Coordinación de Producción: Mauricio Patrón Rivera

Coordinadora de Producción: Claudia Vázquez Orduño

Asis. de Dirección: Fernando Montejo Bautista

Cámara: Iván Uriel, Apolo Atanacio, Fernando Montejo Bautista y Mauricio Patrón Rivera

Edición: Andrés Palma Buratta

Post Producción de Imagen: Alfonso Medina Parra

Post producción de Audio: Charlie Gamboa, Mixdown Studio

Música Original: Francisco Sánchez y Rodrigo Sánchez, también contamos con temas musicales de Guacamole Jazz Urbano

Consultoría Temática: Ana María Sánchez Rodríguez

Consultoría Creativa: Apolo Atanacio

Gracias a trabajadoras y trabajadores CACEH

Formato: HD

País de Origen: México

Productoras: Filmakersmovie, CACEH, Fondo Semillas

Distribución: Filmakersmovie, CACEH y Fundación Cinépolis

Galería:

 

 

 

Contacto:

Perla Atanacio  

perla@filmakersmovie.com

contacto@filmakersmovie.com

México, 2015

Si quieres estrenar o presentar aquí tu trabajo, te invitamos a escribirnos:contacto@filmakersmovie.com

 

1o películas muy mexicanas

Por: Perla Atanacio

Hacemos un recuento de algunas películas que nos muestran el sentido de la «mexicanidad», ¿Cómo vive un mexicano? ¿Qué siente? ¿Qué sueña? ¿Qué significa ser mexicano?

En la verbena popular y con motivo del puente, que sean una reflexión del México que fuimos, somos y el que queremos lograr.

¡Viva México y los mexicanos de aquí y de allá! Lo que importa es el amor a la tierra, a nosotros y a nuestros hermanos, sólo así construiremos una nación solidaria, consiente, auto crítica y próspera.

México 2000

México, 1983

Dirigida por Rogelio A. Gonzalez, esta cinta cómica de ciencia ficción, nos presenta la visión de México en el año 2000, donde una sociedad respetuosa convive en armonía, respetuosa de las leyes, la constitución, la pluralidad, alejada de la realidad que se vivía en los años 80, cuando fue rodada. Tras una junta de Dioses del Olimpo, donde se decide si la humanidad debe o no seguir existiendo, un Dios Azteca, exige una oportunidad para mostrar que la raza humana puede cambiar. Protagonizada por el actor Héctor Lechuga y Chucho Salinas, entre otros, esta película, además de divertirnos, nos invita a reflexionar para construir una mejor nación. Un astronauta mexicano, un sistema de transporte público digno que ofrece conciertos de la filarmónica, el respeto de las vialidades, son algunos tintes de sátira que sin duda nos harán querer ser mejores ciudadanos.

Fragmento

4:16 mins

 

Mecánica Nacional

México, 1971

El dueño de un taller mecánico decide ir con su familia, esposa, hijos, y con su “mamacita”, a la final de una carrera de autos, un evento concurrido. En la aventura del viaje, acontecen situaciones que exponen la idiosincrasia, las creencias religiosas y morales del mexicano contemporáneo, siendo un retrato fiel de personajes urbanos que encontramos día con día en la vida real, incluso nosotros mismos. Este film cómico dirigido por Luis Alcoriza, cuenta con las actuaciones de Manolo Fábregas, Lucha Villa, Héctor Suárez, y la abuela de México, Sara García.  La figura materna, en la vida del mexicano, se ve representado en plenitud, haciendo que los diálogos de esta cinta sean memorables.

Héctor Suárez, manolo Fábregas y Sara García | Foto: http://anahuacalli.tumblr.com/page/32

Lagunilla mi barrio

En 1980, nuevamente Luis Alcoriza reúne a Manolo Fábregas y Lucha Villa, esta vez para dar rostro a los personajes que transitan en los barrios más representativos de la ciudad de México. Tras algunos inconvenientes familiares, un anticuario, hombre culto y educado, llega a vivir en el barrio de la Lagunilla, donde se enamorará de doña Lencha, una taquera del barrio que sufre el abandono de su esposo, llevando a cuestas el encargo de su negocio y la formación de su hija veinteañera. Uno de los personajes más destacados de esta trama es “El Tirantes”, interpretado por Héctor Suárez, que repite nuevamente con el elenco de Alcoriza, siendo el reflejo del mexicano pícaro, mujeriego, “valedor”, sin miedo a nada.

 

El Mil Usos

México, 1981

La década de los 80s nos traerá historias comunes, corrientes, que muestran la situación del México en crisis, la misma que llegó para quedarse.  Héctor Suárez, esta vez, da vida a un entrañable personaje, “Tránsito”, un campesino proveniente del estado de Tlaxcala que llega a la Ciudad de México a buscar una oportunidad de desarrollo, enfrentándose a la falta de oportunidades, al caos, a los campos de asbesto, y a la incomodidad de los capitalinos por el que llega de otro lugar. Esta cruda realidad se diluye con tintes de humor, un humor que si bien nos hace reír, nos llena de un dolor profundo por reconocer el sentir de este hombre, al que todos llaman Mil Usos, por tener la capacidad de ejercer muchos oficios. Esta cinta dirigida por Roberto G. Rivera, tendrá luego su secuela, cuando Tránsito, decide emigrar a Estados Unidos para buscar suerte. De esta película se desprende el tema «Ya no vengan para acá» , canción que solicita a los pobladores del interior de la república que no vayan a vivir a la capital, pues «no es lugar para habitar».

 

 

Solo con tu pareja

México, 1991

La ópera prima de Alfonso Cuarón, nos muestra un México pujante, contemporáneo, cosmopolita, e innovadora, al tocar el tema del VIH SIDA, tabú para la época. La historia cuenta la vida de Tomás Tomás, interpretado por el actor Daniel Giménez Cacho, un publicista exitoso y mujeriego que tiene un fugaz romance con Silvana, enfermera del consultorio de su mejor amigo. Al verse en una situación embarazosa, donde Tomás tiene que salir de su departamento por la ventana para llegar al de sus amigos, vecinos de a lado, conoce a Clarisa, una sobrecargo que vive en el departamento intermedio y que le robará el aliento. Silvana, resentida le jugará una broma que lo hará repensar su vida, su presente y su futuro. En esta cinta, podemos, también, disfrutar de la dirección de foto de Emmanuel Lubezki.

 

Amores Perros

México, 2000

Un antes y un después del cine mexicano y latinoamericano. Dirigida por el director Alejandro González Iñárritu, con el guión de Guillermo Arriaga, Amores Perros es la primera película de la llamada “trilogía de la muerte” y del director y guionista sobre historias cruzadas y circunstancias que nos obligan a ver y reconocer al otro. A raíz de un choque automovilístico los personajes de las  tres historias coinciden entre sí, aunque no se conocen nunca, están conectados por las circunstancias. Esta cinta universal bien pudo desarrollarse en cualquier otro lugar del mundo, pero el contexto que nos presenta, es el de un México del nuevo siglo, donde la música, también, es un referente del cambio cultural y social del nuevo momento que vivía nuestra sociedad.

 

María Candelaria

México, 1943

Esta es sin duda, uno de los retratos más bellos y dolorosos de México, cinta fotografiada por el maestro Gabriel Figueroa y dirigida por Emilio “el Indio” Fernández. Una reportera pregunta a un viejo artista sobre el retrato de una hermosa mujer indígena desnuda, el artista narra entonces la historia de la modelo, María Candelaria, una mujer que vivió a la sombra de su comunidad, señalada, relegada por el pasado de su madre que era prostituta. Su único apoyo será Lorenzo Rafael, otro indígena que le ofrece su amor, cuidado y compañía. Cada toma pareciera un cuadro pintado a mano del México rural de principios del siglo XX. La trama se desarrolla en Xochimilco, entre las trajineras, los lirios, las flores y la esperanza. Ganadora de  la Palma de Oro del Festival de Internacional de Cine de Cannes. Cuenta con las actuaciones de Dolores del Río y Pedro Armendáriz, iconos del cine nacional.

Macario

México, 1960

La primera película mexicana nominada al premio Oscar como Mejor Película Extranjera. Este filme nos cuenta la vida de Macario, interpretado por Ignacio López Tarso, un campesino indígena que debe llevar sustento a su esposa y a sus hijos, ha pasado mucha hambre y su único deseo es comerse él solo un “guajolote” (pavo), es entonces cuando en los campos, se encuentra con un hombre que al parecer le conoce de toda la vida, la Muerte. Este diálogo lo llevará a la reflexión del ser y estar. Esta película está basada en la novela de B. Traven quien escribió mucho sobre México y su mexicanidad, la historia se desarrolla en  la época del virreinato, en la Nueva España. Sin duda. El director Roberto Gavaldón, hace  un retrato místico de la filosofía de  vida y  muerte en el mexicano.

Película completa

1:30:50

Dos tipos de cuidado

México, 1952

Esta película reúne a dos grandes figuras del cine mexicano, Pedro Infante, querido, amado y proclamado por el pueblo como un ídolo por su voz y su carisma, y Jorge Negrete, elegante y distinguido actor y cantante de la época. La cinta, escrita y dirigida por Ismael Rodríguez es, por decirlo de algún modo, la serenata de México. Cuenta la historia de dos amigos, Jorge Bueno y Pedro Malo, quienes comparten parrandas, aventuras, música, ambos tienen novias formales, Jorge es novio de Rosario, prima de Pedro. Tras un año de ausencia, Jorge regresa al pueblo y se encuentra con la noticia de que su novia se ha casado con su amigo Pedro. Herido, Jorge no parará hasta hacer pagar a Pedro el mancillar su orgullo, sin saber las verdaderas razones por las que se dio este matrimonio.  Esta historia reúne, no sólo a dos figuras del cine, sino también a la música, el mariachi, el tequila y la parranda, siendo un retrato del México campirano, alegre y trovador. Una de las escenas más representativas de la cinta y del cine mexicano es el duelo entre Jorge Bueno y Pedro Malo en un “palomazo” de coplas, es decir, por medio de “dimes y diretes” que cuentan lo ocurrido.

Película Completa

1:49:20

¡Viva México!

Estados Unidos, México y la Unión Soviética, 1930

Sin duda, el gran Sergei Eisenstein, llega a México envuelto en la aventura para rodar una cinta que contara en 6 episodios del México prehispánico al revolucionario. No imaginó que este viaje se complicaría y le impediría terminar el proyecto, lo que sí sabía es que en cada toma, estaba inmortalizando la historia de un pueblo. Rodada en la Ciudad de México, Xochimilco, Acapulco, Oaxaca y Yucatán, podemos encontrar la estructura de cada capítulo. Prólogo, en esta parte se aborda Chichen Itzá, un México envuelto en el misticismo del tiempo eterno de las pirámides. Este capítulo estará dedicado a David Alfaro Siqueiros. La segunda parte, titulada Sandunga, muestra la vida cotidiana en Oaxaca, con una boda en Santo Domingo Tehuantepec, muestra la vida indígena que describe como matriarcado; la tercera parte, Fiesta, muestra la celebración hacia de la Virgen de Guadalupe y la sangre derramada en la conquista, también presenta la fiesta de toros; Maguey será el cuarto episodio, dedicado a Diego Rivera. Se muestra cómo unos peones dolidos por el abuso de la novia de uno de ellos por su patrón, buscan venganza y el pago de la humillación y el dolor. Los episodios Soldadera y Epílogo que abordaría la festividad de muertos, no se filmarán, al ser cancelado el filme.  Tiempo después Grigori Alexandrov realiza un montaje final del material filmado por Sergei, titulándola ¡Viva México!

Película completa

1:24:15

Subtítulos en Inglés

¡Que viva México!

¡Que vivan los realizadores que todos los días impulsan nuestro cine, y aquellos que no dejan de luchar para ver sus historias vueltas realidad!

¡Viva!

 

Perla Atanacio

Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista y productora audiovisual. Filmakersmovie combina sus pasiones, el arte de contar y producir historias, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando testimonios de vida.

 

Las 15 Películas de Semana Santa

En esta semana de reflexión y de vacación, te recomendamos 15 películas para ver en esta temporada, esperamos que nos cuente qué le parecieron.

15.- Cristo 70

Después de cometer un robo, cuatro jóvenes escapan y se esconden en un pueblo, en donde se preparan las representaciones de la Pasión de Cristo, sin saber lo trascendente de su llegada al pueblo.

Esta película fue estrenada en jueves Santo, causando revuelo en México.

Guión: Alejandro Galindo y Enrique Rosado

Dir. Alejandro Galindo

México, 1970

 

14.- El Cristo del Océano

Pedrito es un niño huérfano que ha crecido con un pescador, quien lo ha tratado como si fuera su hijo. Un día el pescador no vuelve del mar. Pedrito no pierde las esperanzas de que regrese, y va a esperarlo en la playa, uno de esos días se encuentra la figura de un Cristo, al tiempo que conoce a un foráneo que le pide ayuda, Manuel.

Guión: Federico de Urrutia,  Keith Luger,  Alfredo Mañas y  Luciano Martino.

Dir. Ramón Fernández

España, Italia, México, 1971

CanalYouTube: UnCatolico2

 

13. Barrabás

Barrabás nos cuenta la vida del delincuente que es salvado de la crucifixión en donde se condena, también a Jesús, y cómo se desarrolla su vida después de la muerte de éste a lo largo de los años.

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Guión: Christopher Fry,  basado en la novela de Pär Lagerkvist

Dir. Richard Fleischer

Italia, 1961

CanalYouTube: Jalido 4x

 

12.- The Robe

Marcellus Gallio es un tribuno romano que recibe la encomienda de supervisor la crucifixión de Jesús, evento que le cambiará la vida, cuando al pie de la cruz gana la túnica de Cristo en un juego de apuestas, sin saber lo que le pararía el camino ni su conciencia.


Guión: Albert Maltz, Phillip Dunne, Gina Kaus, Lloyd C. Douglas

Dir. Henry Kosner

Estados Unidos, 1953

CanalYouTube: DVDmaniaMx

 

11.- Quo Vadis?

Cuando regresa victoriosamente a Roma, después de tres años en el campo de batalla, el general Marco Vinicio se enamora de Ligia. Pero ella es cristiana y sus creencias le impiden enamorarse de un guerrero. Aunque fue adoptada por un general retirado, jurídicamente es un rehén de Roma, de modo que Marco consigue sin dificultad que el emperador Nerón se la ceda en pago por sus servicios.

Guión: S.N. Behrman, Sonya Levin, John Lee Mahin

Dir. Mervyn LeRoy

Estados Unidos 1951

Canal YouTube: Movieclips Classic Trailers

 

10. Ten Commandments

Moisés, un pequeño bebé hebreo, es encontrado en el río Sinaí por Bithia, hija del Faraón, criándolo como su hijo, ocultando su origen. Moisés pronto gana la simpatía del Faraón Seti, así como el de su hija Nefertari, lo que disgusta a Ramsés, hijo del faraón, pues pondría en riesgo sus aspiraciones al trono. Cuando Moisés descubre su origen busca a su familia, desencadenando una serie de eventos que repercutirán sobre los esclavos, a quienes pertenece y que piensa liberar.

 

Guión: Æneas MacKenzie, Jesse L. Lasky, Jr.,  Jack Gariss, Fredric M. Frank

Basada en : La Biblia, Prince of Egypt de Dorothy Clarke Wilson, Pillar of Fire de J. H. Ingraham y On Eagle’s Wing de A. E. Southon

Dir. Cecil B. DeMille

Estados Unidos, 1956

Canal YouTube: HistoryMovies

 

9. Nazarín

En México, a principios del siglo XX, el humilde cura Nazarín comparte su pobreza con los necesitados que habitan alrededor del mesón de Chanfa. Después de proteger a una prostituta que provoca el incendio del mesón, Nazarín se ve obligado a abandonar el lugar. A lo largo de su camino, sus acciones, determinadas por su concepto de la caridad cristiana, provocarán una serie de conflictos.

 

Guión: Julio Alejandro, Luis Buñuel, Emilio Carballido, Benito Pérez Galdós

Dir. Luis Buñuel

México, 1959

Canal YouTube: Elizabeth Casillas

 

8. El Mártir del Calvario

Jesús rodeado de sus discípulos hace andar a un paralítico, pronuncia el sermón de la montaña, multiplica los peces, devuelve la vista a un niño, redime a la pecadora Magdalena, resucita a Lázaro y arroja del templo a los mercaderes. Luego Judas lo vende y él celebra con los apóstoles la última cena. Después es apresado y coronado de espinas. Judas arrepentido se ahorca. Jesús es crucificado. Muerto, resucitado y sube al cielo al tercer día.



Guión: Miguel Morayta, con una historia de Gonzalo Elvira Sánchez de Aparicio

Dir. Miguel Morayta

México, 1952

Canal YouTube: alro alropa

 

7. Spartacus

Un esclavo llamado Spartacus, es llevado por Léntulo Batiato, un mercader de esclavos, a Capua, para que luche como gladiador, en donde conocerá a Marcelo, un tirano y provocador entrenador. Spartacus va preparando una rebelión para liberarse del tirano abandonando la ciudad reducida a cenizas.


Guión: Dalton Trumbo, basado en la novela homónima de Howard Fast, con, Calder Willingham, Peter Ustionov

Dir. Stanley Kubrick

Estados Unidos, 1960

Canal YouTube: Movieclips Classic Trailers

 

6. The Passion of the Christ

No apta para personas hiper sensibles.

En la provincia romana de Judea, un misterioso carpintero llamado Jesús de Nazareth comienza a anunciar la llegada del «reino de Dios» y se rodea de un grupo de humildes pescadores: los Apóstoles. Las enseñanzas de Jesús atraen a una gran multitud de seguidores que lo reconocen como el Mesías. Alarmado por la situación, el Sanedrín, con la ayuda de Judas Iscariote, uno de los doce Apóstoles, arresta a Jesús. Acusado de traición a Roma, Cristo es entregado a Poncio Pilatos, quien, para evitar un motín, lo condena a  morir en la cruz como un vulgar criminal.

 

 

Guión: Mel Gibson y Benedict Fitzgerald

Dir. Mel Gibson

Estados Unidos, 2004

Canal YouTube: AMBI Distribution

 

5. Andréi Rublev

A comienzos del siglo XV, el monje pintor Andrei Rublev acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, Rublev comenzará a percatarse de las torturas, crímenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso.


Guión: Andrei Konchalovsky y Andrei Tarkovsky

Dir. Andrei Tarkovsky

Unión Soviética, 1966

Canal YouTube: VignoniAlto

 

4. The Last Temptation of the Christ

Jesús, un carpintero de Nazaret, decide atender la constante llamada de Dios. Pero cuando está a punto de completar su misión, debe hacer frente a la mayor de las tentaciones y realizar un sacrificio para salvar a todos los hombres.


Guión: Paul Schrader, basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis

Dir. Martin Scorcese

Estados Unidos, Canadá 1988

Canal YouTube: WorleyClarance

 

3. Ben-Hur

Judá Ben-Hur es  hijo de una familia noble de Jerusalén, y Mesala , tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación, son dos antiguos amigos, pero un accidente involuntario los convierte en enemigos irreconciliables: Ben-Hur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Cuando Ben-Hur es trasladado a galeras para cumplir su condena, un hombre llamado Jesús de Nazaret se apiada de él y le da de beber.


 

Guión: Karl Tunberg de la novella de Lewis Wallace

Dir. William Wyler

Estados Unidos, 1959

Canal YouTube: KevinrspBelieves

 

2. Il Vangelo secondo Matteo

Pier Paolo Pasolini, nos lleva de la mano por la vida de Jesús desde la visión de Mateo en su evangelio.

Guión y Dirección: Pier Paolo Pasolini

Italia, 1964

Canal YouTube: Vittorio Argentino

 

1. Jesus of Nazareth

Miniserie que cuenta desde la anunciación del ángel a María, hasta la reaparición de Jesús frente a sus discípulos después de su muerte en la cruz.

 

Hasta la fecha, el rostro de Jesús más comercial y conocido en todo el mundo, interpretado por el actor Robert Powell.

 


Guión: Anthony Burgess, Suso Ceccehi d’Amico, y Franco Zeffirelli

Dir. Franco Zeffiirelli

Reino Unidos e Italia, 1977

Canal YouTube: elkeeek

 

Independiente de la religión que se profese, estas producciones gozan de contar con grades actores, guiones, y direcciones que vuelven a la producción parte de la historia del cine.

 

 

 

Nota:

Algunas sinopsis han sido consultadas en FilmAffinity y Wikipedia.org para ser publicadas en este artículo.

 

 

 

Selección Filmakersmovie

Hermosa venganza, cinta dirigida por Emerald Fennell, irrumpe con fuerza en el serial de películas que han cautivado a la audiencia y crítica en la reciente temporada de premios, y no es casualidad, su pertinente trama ahonda una problemática universal y la profunda huella que deja como una cicatriz indeleble la violencia de género, el abuso y los delitos que se cometen en torno a las relaciones humanas no consensuadas; en plena denuncia de la mujer ante el imperante machismo y la cultura que sigue siendo desigual, inequitativa e inquisidora, Fennell nos conduce mediante una película que muestra vaivenes en el humor, en el drama y en la acción que desata la interioridad cuando se expresa.

Carey Mulligan and Bo Burnham star in a scene from the movie «Promising Young Woman CNS photo/Merie Weismiller Wallace, Focus Features)

Nominada a varios premios Óscar, destacando Mejor Actriz, Mejor Guion Original, Mejor Directora y Mejor Película, Promising Young Woman, cuenta con la poderosa actuación de Carey Mulligan, y el coral acompañamiento de la propia Emerald Fennell, Bo Burnham, Alison Brie, Jennifer Coolidge y Adam Brody entre otros histriones que acompasan las vicisitudes, los motivos, las acciones y consecuencias que a través del tiempo enhebran las resoluciones de un delito y de los delitos que se evitan al porvenir.

 

En Filmakersmovie recomendamos ampliamente esta cinta que al ritmo de música, secuencias y evocaciones, gravita a su género entre el suspenso, el humor negro y el drama, tal como la vida misma.

 

 

Un lugar comín para contar historias: contacto@filmakersmovie.com

Bird Box: a ciegas

 

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

Lo sentidos son los mecanismos mediante los cuales el cuerpo percibe estímulos; son algo así como receptores de todo aquello que está alrededor de una persona y que ésta distingue mediante distintos órganos, que mandan la información al sistema nervioso y de ahí al cerebro. Los seres humanos tiene cinco sentidos: olfato, oído, tacto, gusto y vista. Cada uno recoge información del medio ambiente que le otorga a la persona la capacidad para conocer y entender sus alrededores. El cerebro interpreta cada sensación y así se construye una imagen del mundo, lo que le permite entender su contexto y también tomar decisiones. Los sentidos operan en conjunto para dar un panorama suficientemente amplio al individuo; así, si alguno llega a faltar, los otros se agudizan para compensar y seguir dando a la persona toda la información que necesita.

 

¿Cómo sobrevivir sin uno de los cinco sentidos? ¿Cómo confiar en uno mismo cuando existe la sensación de no tener claro el panorama completo? En la película Bird box: a ciegas (EUA, 2018), la humanidad debe prescindir del uso de la vista cuando unos extraños entes, a través de este sentido, llevan a las personas al suicidio. Para evitarlo la gente debe dejar de usar la vista, pero esto acrecienta el reto de sobrevivir. Con un guión de Eric Heisserer, que se basa en la novela homónima de Josh Malerman, publicada en 2014, y dirigida por Susanne Bier, la película está protagonizada por Sandra Bullock, Trevante Rhodes, John Malkovich, Tom Hollander, Danielle Macdonald y Sarah Paulson.

 

Malorie, la protagonista, una mujer embarazada acostumbrada al poco contacto social, termina refugiándose en la casa de un extraño cuando esta fuerza sobrenatural se extiende, causando suicidios masivos en todo el mundo. Junto con ella, un grupo de sobrevivientes se organiza para mantenerse en pie, con la esperanza de que las autoridades retomen el control. Cuando esto no sucede y la comida comienza a escasear, el grupo decide arriesgarse a salir en busca de medios de sobrevivencia, como la única última opción.

 

Esto divide opiniones, pues cada uno cuenta con sus propias prioridades y aunque todos quieren el privilegio de la seguridad, el resguardo y alimento, pocos están dispuestos a sacrificarse por él, en una combinación de temor, incertidumbre, conveniencia e individualidad. Se trata de un escenario en que gente desconocida se ve obligada a trabajar en equipo, rodeada de un mundo hostil y peligroso que los lleva a desconfiar y por tanto a aislarse. Malorie es especialmente astuta para darse cuenta que pese a sus diferencias de opinión, personalidad y carácter, lo importante es encontrar un punto de entendimiento entre las partes, bajo la prioridad única que a todos interesa: sobrevivir.

 

El resultado es un choque de actitudes que inevitablemente forma grupos, según se encuentra la afinidad con otros, en algo que los identifique o en que converjan. Olympia, por ejemplo, una joven embarazada a la que le dan también refugio, busca en Malorie apoyo sobre todo emocional, sabiendo el punto concordante que las une, el nacimiento próximo de sus hijos; pero mientras la joven actúan con una solidaridad casi dependiente, Malorie prefiere mantener sentimientos, intimidad y acercamiento al margen, sabiendo que no hay nadie en quien realmente sienta que puede confiar.

 

Olympia no tiene malas intenciones, al contrario, su personalidad es la de ayudar al prójimo, pero Malorie no sabe cómo relacionarse ni tiene las intenciones para hacerlo, pues vive más cómoda y ‘segura’ en su propia isla o burbuja. El problema es que Malorie debe aprender a detectar que a veces es importante e inteligente pedir ayuda, antes que querer hacerlo todo sola.

 

A lo largo de la película parece que la protagonista mira a Olympia como alguien débil por su carácter sereno, al que asocia con ingenuidad y fragilidad, específicamente emocional en efecto, pero aunque la otra es claramente más vulnerable por eso, su actitud también tiene su lado positivo, pues representa un grado de bondad, sentimiento significativo para rescatar en un mundo marcado por una condición predominantemente opuesta. Con el tiempo, Malorie entiende que la vida no puede ser ni absoluta dureza ni ingenua inocencia, sino el balance entre ambas. Olympia quizá pudo salvarse de haber sido más crítica y selectiva, desconfiada y distante, pero al mismo tiempo, Malorie, que es así,  solo podrá salvarse si, en el opuesto, acepta la importancia ser más sensible, humilde y abierta; vulnerable, pero no en el sentido de alguien indefenso, sino como alguien humano, con sus fortalezas pero también defectos, valor pero también temores.

 

La vida no es absoluta certeza, al contrario, está llena de incertidumbre, y la incertidumbre implica tener miedo; que esto sea así no es malo, al contrario, conlleva retos y, por tanto, posibilidad de superación. La fuerza sobrenatural que provoca que la gente desee suicidarse en cuanto la ven, de alguna manera ataca este sentir de duda, remordimiento y desesperanza en la persona. No importa tanto qué es o de donde vino esta fuerza, este ente, sino lo que representa y lo que provoca en las personas, obligadas a enfrentarse a sus temores y lo que estos significan o simbolizan. ¿A qué teme el hombre más que a morir? ¿A sufrir, a quedarse solo?, ¿a perder la esperanza, a claudicar cuando otros dependen de ellos?

Créditos: This image released by Netflix shows Sandra Bullock in a scene from the film, «Bird Box.» (Merrick Morton/Netflix via AP)

 

Los sobrevivientes entienden que tienen que aprender a vivir sin usar sus ojos, y a ver, no en el sentido literal sino en el metafórico, valorando sus alrededores y la visión que tienen, la imagen mental que saben y se han hecho, del mundo y de las personas. La película de esta forma se aventura, también, a preguntar qué tanto dependen las personas de sus sentidos para sobrevivir,  específicamente de la vista. Aquí, la memoria debe jugar un papel fundamental en el proceso de adaptación, pues al no ser ciegos de nacimiento, conocen (¿recuerdan?) el medio ambiente en donde deberán sobrevivir: la ciudad, las calles, ubicación de lugares, funcionamiento de aparatos, distancias, etc.

 

Estas personas se enfrentan a una realidad complicada cuando se dan cuenta que dependen de sus ojos para casi todo y que, ante el limitado uso que ahora pueden darles, no tienen otra opción más que adaptarse. Si quisieran buscar un nuevo refugio, atender sus heridas, advertir amenazas o ubicarse en un espacio, están acostumbrados a depender siempre de sus ojos para poder cumplir con la tarea. El desafío es poder realizar esas acciones empleando sus otros sentidos y su memoria. Cuando necesitan llegar a un supermercado por provisiones, por ejemplo, caen en cuenta que caminen o manejen hasta ahí, están casi indefensos si no pueden guiarse con la vista. Lo importante es dar respuestas, adelantarse a los hechos, avecinar posibles alternativas y escuchar, a veces muy literalmente. Para lograr su meta alguien propone usar el GPS del auto, una respuesta que aunque no ideal, resuelve de momento el problema aprovechando lo que saben, las herramientas con las que cuentan y los sentidos que aún pueden usar, más que nada el oído.

 

Poco a poco todos terminan dependiendo más de sus otros sentidos, pero mientras esto ayuda a pelear contra los entes que acechan, la indiferencia e individualidad humana, el egoísmo y la altanería no desaparecen, al contrario, siguen muy presentes en la sociedad y con el peligro de empujarla a la autodestrucción. La convivencia en confinamiento, además en un espacio relativamente pequeño, provoca tensión entre los integrantes del grupo, al tiempo que la disminución de víveres y la amenaza del peligro externo conducen a cada uno a pensar más en su sobrevivencia individual que en el bienestar del colectivo.

 

Douglas, el esposo de la mujer que salvó a Malorie en la calle, y quien muere por ello, adopta una actitud patana y poco solidaria, primordialmente porque sabe que el peligro que tienen enfrente demandará de cada uno de ellos orden, disciplina y decisión, algo que de entrada no se percibe a primera vista en todos. Pero su postura, por ejemplo, nunca es tan egoísta como la de los chicos que huyen con las provisiones y el único auto en la casa, todo con tal de salvaguardar su propia supervivencia, dejando a los otros a su suerte; un acto oportunista y sin más trasfondo que la traición y deslealtad, que ejemplifica cómo las personas explotan la debilidad del otro, aprovechando cada ocasión en que creen que pueden sacar ventaja.

 

La historia también habla de una relación social afectiva importante, además de esta dinámica tóxica en las relaciones humanas: la relación del hombre con su contexto y todo aquello que da por sentado. Al respecto, al inicio de la película, Malorie, quien pinta artísticamente, le presenta a su hermana su más reciente cuadro, en el que se observa a un grupo de personas reunidas pero al mismo tiempo aisladas, porque cada una parece estar sumida en su mundo, sin interactuar, sin relacionarse, sin observar el mundo o las personas a su alrededor. La hermana de Malorie atinadamente le dice que el cuadro se siente como un grupo de personas juntas pero separadas; y esto es precisamente de lo que habla la historia, de un mundo siempre conectado por todas las vías posibles, sin embargo, viviendo en su propio espacio, alejado de los demás. Esta indiferencia social se hace presente a todas horas y en distintos niveles, a veces conscientemente, a veces de manera inconsciente.

 

Malorie sobrevive gracias a que alguien le ayuda, pero Malorie misma tarda en confiar en otros pensando que quizá este sea el camino por el que los demás se aprovechen de ella. La desconfianza la pone en alerta, tanto a ella como a los demás, y aunque en la casa está rodeada de gente, ante la situación de peligro, se siente sola. Cuando en el mundo real todos actúan de alguna forma de esta manera, el resultado es un conjunto de humanos parados unos al lado de otros, pero desinteresados de aquellos a su alrededor, ignorándolos, discriminándolos, evitándolos o simplemente ni conscientes de su presencia, o su existencia. La indiferencia como forma de conducta y el egoísmo como valor moral predominante.

 

 

Los entes no acechan al grupo, acechan al individuo porque saben que pueden debilitarlo y explotar su miedo y su aislamiento. Para ello ‘infectan’ a personas que eventualmente se encargan de que otros ‘vean’ lo que ellos consideran la verdad, o la salvación, la “luz” que los conduce a la felicidad, a la belleza, rompiendo la indiferencia social por medio del sacrificio personal, aunque, en este caso los lleve luego a la muerte. Uno de estos hombres es Gary, quien llega a la casa con esa intención, bajo la mentira de que es alguien buscando la caridad de un alma que lo acoja y le de refugio. Gary es uno de los muchos que han visto a los entes y en lugar de suicidarse, obligan a otros ‘a ver’, creyendo que de esta forma ‘purificarán al mundo’.

 

Sus falsas profecías y su fe retorcida no es más que un entendimiento trastornado de lo que significa libertad, redención y ayuda. Gary y otros como él están seguros que ‘ver’ y/o abrir los ojos, simbólica y literalmente, es el camino a la salvación; el problema es que su creencia se basa en que la persona misma no está a gusto con su propia vida, su mundo o su realidad, o que las personas aceptarán ver antes que buscar entender. Pretenden imponer un camino, una conducta, al margen del sentir y del interés de los demás.

 

Los entes atraen a las personas presionando sus debilidades y llenándolas de desolación, porque quebrantar el espíritu del hombre es el camino más directo para destruir su voluntad de vivir. Contrarrestarlo no es sólo luchar por sobrevivir, es luchar sabiendo que el camino está lleno de adversidades y aún así, o sobre todo por ello, seguir adelante para realmente vivir, para decidir por uno mismo la forma de ser y estar en este mundo.

 

Cada mente forma su propia idea de lo que sucede y le busca su propia explicación al fenómeno; algunos personajes creen que es el fin del mundo, otros creen que es un castigo de un ser divino, otros, por momentos, teorizan si se trata de algún virus que se transmite y contagia; pero al final, las teorías de conspiración y las creencias de fe son sólo elementos en los que la mente se sostiene para entender e interpretar su realidad, son expresión de la cultura, valores, creencias y temores de cada quien. El ente significa lo que cada persona quiere que signifique y se combate cuando la persona enfrenta esos miedos, debilidades y su espíritu quebrantado.

 

La mujer que salva a Malorie ve a su madre fallecida, quizá porque detrás existe un remordimiento en ella; la hermana de Malorie ve algo que la asusta, quizá revelando algún miedo intenso que guarda o esconde;  Malorie misma cuando es tentada camino a un refugio en el bosque, oye voces que le invitan a claudicar y abandonar a los niños que la acompañan (su propio hijo y la hija de Olympia), exponiendo así su resentimiento consigo misma y sentimientos de culpa por lo que ha sucedido, por las muertes que no pudo evitar, por los caídos que se han quedado en el camino, algunos fallecidos por acudir en su auxilio.

 

 

En el fondo, tal cual explica la hermana de Malorie al inicio de la película, hablando ella del cuadro pintado por la protagonista, lo que el relato refleja es una inhabilidad de las personas para conectar con otros y con el mundo que les rodea. El hombre mira pero no siempre observa; habla pero no siempre se comunica. El dicho dice que ‘nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde’ y en esta historia los personajes aprenden a valorar lo que tienen y a quienes les acompañan en su camino, incluyendo las buenas y las malas influencias o las opiniones de aquellos con quienes concuerdan, pero también la de aquellos con quienes difieren.

 

 

La pregunta es si el hombre aprenderá a ser suficientemente receptivo a través de sus sentidos, perceptivo ante todo tipo de mensaje, para entenderlo, para comunicarse, para participar y no sólo para estar, para sobrevivir. El problema es si le dará sentido a la vida misma, tanto al concepto de estar vivo, como al mundo en el que están plantados y todo lo que en él está inmerso: las cosas, los otros seres vivos, el ambiente natural, la flora, la fauna, el aire que respiran, la tecnología, la cultura, el arte, la comida, los inventos, las relaciones sociales y humanas, el contacto con otros, el proceso de aprendizaje a su alcance y los retos que les permiten crecer y evolucionar.

 

En un mundo en donde uno de sus sentidos se vuelve en contra de él, ¿es posible desarrollar otras capacidades para saber escuchar (no únicamente otras voces sino todos los sonidos producidos a su alrededor) y valorarlos, interpretarlos, para tener una percepción puntual del ambiente en el que ahora vive y de los peligros que asechan? El riesgo alternativo es la extinción; aunque para la humanidad existe la alternativa de los ciegos de nacimiento, planteando otro reto a los demás ¿hasta dónde podemos ser capaces de confiar en alguien a quien no conocemos?

 

Bird Box:  a ciegas

Netflix

Trailer: 2:15

 

 

Foto: Diana Alcántara

Diana Miriam Alcántara Meléndez | México

Escritora, periodista y amante del cine, además de estudiosa de la comunicación, el guionismo  y el cine en general. Leer, escribir y ver películas son algunas de sus grandes pasiones. Tiene publicados dos libros: ‘De Cine’ y ‘Reflexiones sobre guionismo.

Filmakersmovie  presenta el trabajo de realizadores iberoamericanos.

 

Birdsong – Dir. Hendrik Willemyns – Bélgica, Japón, 2019

 

Film  dirigido por:  Hendrik Willemyns

Sinopsis:

Tokio. Asuka, una joven de la limpieza que trabaja en el turno de noche, está dispuesta a  pagar un alto precio para lograr su sueño de convertirse en una estrella de la música. Se las  arregla para actuar en un programa de talentos de televisión, pero todos sus sacrificios  fracasan cuando es acusada de asesinato y se ve obligada a revelar todos los detalles del  oscuro camino que ha seguido hasta entonces.

 

Birdsong

Dir. Hendrik Willemyns

Dir. Fotografía: Michael Dwyer

Bélgica y Japón

Trailer: 1:46

 

 

BIRSONG  es una mirada europea hacia la estética japonesa que tanto fascina, cargada de misterio, elegancia y surrealismo donde lo «kitsch» se funde con la realidad en un cuento sin igual.

 

Reparto:

Natsuko Kobayashi

Maro Akaji

Kazuhiko Kanayama

Productora:

Menuetto Films

 

Distribuidora:

Alabama Comunicación

#ConUnPack Distribución

 

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Filmakersmovie  presenta el trabajo de artistas iberoamericanos

Rosa Esber – Condena

 

Rosa es una joven barquisimetana apasionada por las artes (bailarina, actriz, cantante, autora y compositora) que recién comienza a dar pasos en el mundo de la música entrando por la puerta grande con una extraordinaria canción titulada “Condena”.

Es una canción con aires de Jazz y un pequeño toquecito andino que suena como un bálsamo en los oídos, un tema con una letra impecable que habla de algunos vicios con una voz cálida, precisa y muy agradable. Condena tiene unos arreglos impecables que hacen la experiencia mucho más agradable.

Esta es la primera canción de esta artista que llevaba tiempo pensando en hacer algo totalmente diferente y con un concepto artístico que trascienda, se descubre a sí misma como compositora y como cantante. Cuenta que la canción fluyó inspirada por la canción y el vídeo de “Be Honest” de Jorja Smith y despertó en ella un volcán creativo que la llevará a su primer disco.

La grabación la realizó en Studio One, en su ciudad natal, gracias a un concurso que ganó a mitad de año. Es la primera vez que graba en estudio y vive toda esta experiencia de hacer un single, pero definitivamente el resultado es increíble y digno de admiración.

 

 

 

 

Crew

Productora Ejecutiva y Directora Creativa: Rosa Esber

Produccipon de video y Audio: Ezequiel Ojeda Video

Asistente: Andrés Coutinho

Bailarín: Enrique Convit

Coreografía: Enrique Convit, Rosa Esber & Génesis Sequera

Maquillaje: Andreina Rezk

Estilista: Mariale Matute

Encargado de Logística: Marisol Drika

 

Contacto

Descarga y escucha “CONDENA” en:

Spotify: https://open.spotify.com/artist/3eLIW…

Apple Music: https://music.apple.com/us/artist/ros…

Amazon: https://music.amazon.com/artists/B08N…

 

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Mauro Soto y LYE – Mar y Tierra

 

 

 

“Mauro Soto & Los Ya Empezamos” inicia el 2021 lanzando nuevo single sobre el amor a distancia

 

Aunque está inspirada en una historia real, la temática ha estado muy presente durante el último tiempo, producto de la pandemia

Mauro Soto & Los Ya Empezamos liberan el primer single de este nuevo año, titulado “Mar y Tierra”, una canción que presentaron de forma exclusiva el 2020 a través de un videoclip en formato cuarentena, pero que ahora convirtieron en un romántico single, ya disponible en Spotify y las distintas plataformas digitales, además de su propio video lyric, publicado en Youtube.

Cabe recordar que esta agrupación musical de la Región de Valparaíso cerró el 2020 en diciembre pasado con la primera parte de un potente concierto grabado en los estudios Speaker Pro, en Viña del Mar. Y ahora están promocionando un nuevo hito musical, con este reciente sencillo, basado en una historia de amor real, que inspiró al compositor y profesor de música Mauro Soto, convirtiendo este relato en una canción.

 

“Este tema lo escribí basándome en la historia de un amigo que actualmente vive en Alemania. Nace de una historia de amor entre un músico y una bailarina, trabajando en un crucero. Por cosas de la vida, de pronto ese trabajo se acabó y ellos deciden seguir juntos, superando la lejanía. La canción habla de esos amores intensos a distancia, que hoy en día además están tan presentes, por el tema de la pandemia. Pero de todas formas se puede interpretar de diferentes maneras, no solo como amor de pareja, si no de extrañar a tu madre que no la puedes ver, a tu abuela, hermanos u otro familiar”, explicó el cantante.

El artista además destacó que el video publicado en Youtube de este single, sigue la línea de la canción “Cuarentena pa´sanar” y su producción audiovisual, lanzada en mayo del año pasado, que consideró al intérprete en lengua de señas Francisco Villarroel, incluyendo así a la comunidad sorda.

Cabe mencionar que “Mar y Tierra” se trata del cuarto sencillo de este proyecto musical, grabado en Estudio Azul, en Viña del Mar, bajo la producción musical de Boris Canales. En tanto, el arte del lyric video estuvo a cargo de Scarlett Oshee, Ilustradora de Quilpué, dando vida de esta manera a un nuevo single del primer disco de “Mauro Soto & Los Ya Empezamos”, llamado “Primeras Composiciones”, que esta banda se encuentra presentando de forma paulatina desde el 2020 y lo seguirá haciendo el 2021.

 

 

Video y arte: Scarlett Oshee

Autor y compositor: Mauro Soto

Guitarra eléctrica: Nacho Videla

Guitarra eléctrica: Mauro Soto

Bajo: Fernando Fuentes

Batería: Isaias de la Sotta

 

La canción fue grabada en Studio Azul, Viña del mar.

Mezcla: Boris Canales

Masterización: Chalo Gonzalez

Ingeniero en sonido: Rodolfo Frigolett

 

Puedes ver y escuchar a #MauroSoto en

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Coofilm 2: mujeres cineastas, a crear

 

Hasta el 26 de febrero está abierta la convocatoria de la segunda edición de Coofilm, programa de residencias colaborativas que pone el foco en la conciliación familiar.

20 mujeres cineastas noveles de España y Latinoamérica con hijos, hijas o necesidades de conciliación tendrán la oportunidad de tomar clases magistrales con destacadas figuras de la industria del cine y recibir asesorías personalizadas.

Enteramente online y con más plazas, Coofilm II se expande a España y Latinoamérica con un completo programa con clases, talleres, sesiones de networking y asesorías, en donde se destacarán el prototipado de guion y la aplicación de herramientas de innovación.

 

Coofilm es un programa de residencias artísticas nacido en 2019 dirigido a mujeres cineastas que pone foco en la conciliación y la colaboración entre participantes.  Sus objetivos son impulsar la creatividad contemporánea femenina, facilitar la colaboración entre las creadoras, crear una comunidad presencial y online para generar empleo, y visibilizar y facilitar la conciliación en la industria del cine.

 

Patrocinada este año por la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), fue subvencionada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España en su primera edición.

 

Los resultados de la primera edición confirman el éxito de este modelo de residencia, único en su tipo. Lo demuestra el trabajo de las 15 residentes del año pasado, entre ellas Victoria Paz, directora de arte de “Blue Malone” y “Gastos incluidos”, cortometrajes nominados a los Premios Goya.

No es una residencia cualquiera

 

En España 30% de quienes trabajan en largometrajes son mujeres, 26% en dirección, 23% en guion y 26% en producción, según datos de CIMA. Para Gabriela Garcés, gestora cultural, madre y fundadora de Coofilm, ya era hora de actuar atendiendo a las realidades de muchas mujeres y sus familias.

 

Para ella, esta segunda edición y con la COVID-19 afectando la industria del cine y las familias, es una oportunidad para seguir combatiendo esa desigualdad e innovar en espacios de conciliación online. Este año de nuevo se contará con la agencia Zorionak Kids and Party para mantener a niños y niñas motivados físicamente con actividades de carácter cultural y creativo.

 

Como novedad se dará inicio a “Coofilm In Lab”, un programa de aceleración de innovación en las artes visuales para explorar y dotar de herramientas en innovación de contenidos y formatos.

 

Además, las participantes de la primera edición que tengan experiencia en algún ámbito audiovisual también impartirán talleres a sus nuevas compañeras.

 

Grandes maestras se unen para colaborar.

 

cortesía: Comfilm_Rodajes

 

El programa incluye masterclasses con reconocidas profesionales, como Hebe Tabachnikh, curadora en festivales de EE.UU., México, Chile, Colombia, Brasil, Argentina y China; Paula Palacios, directora de “Cartas Mojadas”, nominado a Mejor Documental en los Goya; María del Puy Alvarado, productora de “El agente topo”, apuesta de Chile para los Oscar, y de “Anatomía de un dandy”, también nominados a los Goya 2021; Olatz Arroyo, guionista de “Madres”, serie de Amazon Prime Video, y muchas cineastas más.

Visita su página para enterarte de la convocatoria e inscribirte.

https://coofilmresidence.com/

 

¡Éxito!

 

Whale Rider, El Jinete de las Ballenas

Por: Consuelo Ruiz

 

En la actualidad a través de las redes sociales, circulan fotos en blanco y negro de mujeres de diversas edades y nacionalidades, donde aparece “reto aceptado”. Esto nació en Turquía como una manera de manifestar los casos de violencia de género y los avances del gobierno contra los derechos de las mujeres. “El Jinete de las Ballenas” llamó la atención al ser considerada para los premios BAFTA y Oscar en la categoría de mejor actriz, la película refleja lo que significa ser mujer en un contexto marcado por las tradiciones machistas. Dicha película también ganó el premio de cine de Toronto.

En un pequeño pueblo de la costa de Nueva Zelanda, los aborígenes de la tribu Whangara piensan y creen que proceden de un único ancestro, cuya existencia se remonta mil años atrás, Paikea, quien escapó de la muerte tras volcar su canoa, montando en el lomo de una ballena. Según la tradición el jinete de ballenas debe ser un varón primogénito, sin embargo al varón a quien le correspondería se niega asumirlo, ya que esta en Europa y no le interesa; él tuvo una pareja de mellizos, pero el niño no sobrevivió, ya que murió en el parto junto a su madre, quedando solo su hermana gemela Pai.  Ella tiene once años y piensa que es la sucesora, y cree estar destinada a ser la máxima autoridad de su tribu, pero su abuelo Koro quien es el jefe de la tribu no piensa lo mismo. Pai debe demostrar a su abuelo que ella es la legitima sucesora y en el camino ser aceptada y querida por él.

La directora y guionista de la película Niki Caro, con anterioridad a esta había realizado otras películas y series. En la actualidad sigue vigente y se puede ver parte de su trabajo en la serie Anne con E, en Netflix.

El tema tratado en la película es ser mujer en una tribu que es vista solo por los ojos de los hombres. Es una película de drama para todo tipo de público y donde los paisajes son parte esencial. El guion es hilado en forma fina y va mostrando la trama en la medida que se desarrolla, los diálogos entre los actores son simples, cortos y profundos, no hay un maquillaje exagerado entre ellos. La parte final no solo capta la atención del público, si no que en ella hay una enseñanza.

El Jinete de  Ballenas | Dir. Niki Caro | Nueva Zelanda 2002

En cuanto a la interpretación de la protagonista, se produce una mimetización con su personaje, lo que le valió a ser nominada al Oscar, a su corta edad y esto implicó que su carrera despegará con mayor fuerza. También cabe destacar la actuación del abuelo, quien muestra el mundo tradicional patriarcal. La sensación que da la película es que la naturaleza entrega los designios de los ancestros que contribuyeron a formar la tribu. Son interesantes las tomas en el mar.

La banda sonora que acompaña en cada momento a la película, se asimila con el mensaje de la naturaleza, las voces de las ballenas y también de los ancestros. Hay dos momentos que se dejan ver claramente en que el abuelo es desafiado por Pai de manera no directa y de que ella puede ser la sucesora, uno es cuando le gana a un compañero en una actividad donde le arrebata un taiaha» (palo de pelea), otra es cuando encuentra el collar donde el adolescente con más valor era el que él que debería hacerlo.

El Jinete de  Ballenas | Dir. Niki Caro | Nueva Zelanda 2002

Donde definitivamente Pai remarca su ascendencia y el puesto que le corresponde, es en el concierto de consignas Maori que su escuela presenta y donde ella es la ganadora, este premio se lo dedica a su abuelo Koro el cual no llega a su presentación. Cabe destacar que en esta película resalta el vestuario Maori original el cual se encuentra presente en varios momentos de la película y que va acorde con la cultura y sus costumbres. Esta no solo reivindica el papel de las mujeres a través del ejemplo de Pai, sino que además muestra nuestras voces interiores y cuando nos conectamos con ellas, y aunque los obstáculos puedan parecer duros e imposibles, se van enfrentando y aceptando, y esto no solo cambia a la persona que los vive si no que a todo su contexto. Jinete de Ballenas es una joya oculta en las profundidades del pueblo Maori.

 

El Jinete de Ballenas

Dir. Niki Caro

Nueva Zelanda, 2002

 

 

Foto: Consuelo Ruiz

Consuelo Ruiz | Instagram cruizpsicologaeducacional | Chile

Consuelo es chilena, estudio Sociología y Psicología, se ha dedicado a esto último especializándose en el área de educación. Sus temas de interés son aquellos relacionados con viajes, mindfulness, películas, cuentos para niños@s y procesos relacionados con la sanación.