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10 Recuerdos…Diez letras…Diez Momentos

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

La siguiente lista está escrita a gusto personal, desde las canciones que más he disfrutado del amplio acervo musical de Juan Gabriel, y al tiempo que escribo, las disfruto nuevamente y guardo en ellas los recuerdos de aquella primera vez que las escuché.

10.- «He venido a pedirte perdón» es la redención amorosa, la culpa que se redime desde la pérdida del amor, a sabiendas de que no habrá una nueva oportunidad, la canción es una carta  de inspiración directa donde la súplica, es ser perdonado sin condición, ya que el amor estará siempre aunque el error no sea exculpado, porque estará siempre presente el sentimiento.

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9.- «Si quieres», una canción que es invitación, que abre la oportunidad, es una declaratoria total, que acusa a la verdad y a la respuesta del amor correspondido, la invitación es de por vida, y ofrece el amante ayudar a que el cariño crezca, el enamoramiento de por medio, a cuestas la espera. Uno de sus primeros éxitos «No tengo dinero», es una invitación aún más segura de sí misma, si no es posible el amor, no hay nada qué hacer, en «Si quieres», si no hay tendencia al amor, el amante muestra disposición a que la haya.

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8.- «La Frontera», más allá de abrazar el tema migrante en mis novelas y vida personal, esta canción me genera nostalgia de infancia, esa memoria que trae de vuelta los momentos compartidos con la familia, con mi padre, los recorridos acompañados de ese tema, un canto de alegría hacia una zona tan definitiva de nuestro país. Si alguna canción de Juan Gabriel habitó mi experiencia radial de pequeño, sin duda es:

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7.- «Querida», una obra de letras sencillas pero interpretada con la pausa necesaria para hacer de su coro una exclamación, una súplica al regreso del ser amado, de la querida que no se deja querer, de esa querida que es capaz de darle luz al hogar, que es capaz de encender las velas, a la que incluso el amante sugiere que por lo más querido que propia querida tenga, ella vuelva, y pregunta para cuándo, es el canto a la musa.

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6.- «Te lo pido por favor» Nuevamente aparece la súplica amorosa, pero en esta canción, la petición alcanza el matiz más sublime, la ofrenda de la vida. El amante con nada puede pagar la dicha recibida, es una canción de agradecimiento que no alcanza a ser saldado por el sentimiento mismo, por el amor mismo.

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5.- «Hasta que te conocí» es uno de los himnos del maestro, una canción poderosa con cambios de ritmo, poderosa vocalmente, poética y afirmativa, desde entonces…desde ahora..desde siempre…la proveniencia del dolor y el amor en una misma persona, el amor de ópera, del mito griego, en un mismo ser reside lo que más daño y lo que más gozo me causa, fantástica pieza; en ella incluso la felicidad estaba incompleta, porque no estaba a quien el amante conoce pero sabe, y de pronto, más tarde, comprende que no debía amar a quien ha encontrado, pero sabía, le sabía, una de las canciones (junto con «Yo no nací para amar») más íntimas de Juan Gabriel.

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4.- «No discutamos» y  «Así fue«, si dos canciones del maestro michoacano pudieran entablar un diálogo más allá de los duetos ex profeso, ambas composiciones abordan el mismo tema, la confesión de amar a otra persona, la ilusión en alguien más, la fuerza inaudita de decirle al amante que ya no le amas porque el amor ha migrado, porque la circunstancia también habita en el amor, porque no hay más razón que la inextricable explicación del  amor mismo, no hay más que discutir en la primera canción, la historia del cómo sucedió en la segunda, interpretadas por dos monumentales figuras como Lucha Villa e Isabel Pantoja, estas canciones son contundentes, maduras, crueles pero ciertas, honestas, no ocultan el sentir y eso genera la empatía en el público que consciente las letras.

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3.- Un popurrí de recuerdos, «De mi enamorate»,  famosa por Daniela Romo; «La Diferencia», una de las canciones símbolo del acervo popular de Alberto Aguilera; «El Noa Noa», la diversión musical con domicilio, donde nace el mito; «Siempre en mi Mente», acompasa la presencia constante del ser humano, nada puede ahuyentar la obsesión, el rostro, la voz, una melodía suave, que siempre al escucharla genera una sonrisa.«Se me olvidó otra vez», una canción tan cercana a José Alfredo Jiménez que brinda un paisaje sublime al catálogo de Juan Gabriel; «Debo hacerlo», se abrió paso en los años posteriores a su ausencia de los estudios de grabación, tema bailable y dinámico lanzado como sencillo, que se sumó a la lista de temas de larga duración que el divo solía incluir en sus producciones; y por último «Abrázame muy fuerte», otro de los himnos del maestro con un rango vocal extraordinario.

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2.- «Pero qué necesidad«, tras años de silencio en la grabación, Juan Gabriel parecía haber alcanzado la cima de la popularidad y del reconocimiento artístico, justo al medio de esos ochos años sin grabar disco, sucede el concierto de Bellas Artes, y como mencionamos al inicio del artículo, el disco que incluye esta canción, renueva su propio estilo; la canción es una declaratoria personal, para qué la angustia, para qué el encono, rebasa el consejo del amor por la advertencia, los problemas, las limitaciones, los obstáculos no son necesarios si la tolerancia reside en el respeto a los sentimientos. Popular desde la propia concepción del título, esta canción quizá menor en impacto y calidad respecto a las anteriores, repito, quizá, es para mis recuerdos el momento en que el cantautor tiene una muestra integral de su talento, renueva su música, reafirma su propia personalidad, regresa a la música, hace una declaratoria y consolida su legado de himnos ante la sociedad que le rodea, genial.

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1.Si alguna canción aspira convertirse desde sus letras, música e interpretación, en un auténtico referente cultural, emocional y sentimental de un pueblo, de una lengua, de un idioma, esa es: «Amor eterno«. Considero que en esta canción en particular, Juan Gabriel gravita su grandeza, explaya su nivel de composición desde el sentimiento, desde el dolor, desde la consciente exclamación del alma, ahí encuentro la conexión máxima con su público, el amor más sublime, el más cercano al corazón, el de la cosmovisión nacional, el amor a la madre, catapulta esta melodía en un himno a la madre, al dolor por la muerte de un ser querido, a la muerte del amor mismo.

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 Muchas son las versiones de cómo esta canción llego a escribirse, incluso la palabra mamá, aparece grabada hasta el concierto de Bellas Artes. Rocío Dúrcal lleva su voz hasta lo más recóndito de la memoria colectiva, de la memoria musical de México y América Latina, el mariachi encuentra una oda al adiós, Amor eterno trasciende en sí misma, y todos aquellos que hemos perdido a la madre o al ser más amado, lloramos si la escucha sucede en ese momento del adiós. Una de las mejores canciones jamás compuestas e interpretadas en español.

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Nota:

foto de portada: Internet / diario Monclova

Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Juan Gabriel, la promesa del amor eterno

Por: Iván Uriel Atanacio Medellín

 Fervor, la entrega, el ídolo…

El homenaje a Juan Gabriel, ha sido un caleidoscopio de emociones, envuelto entre el dolor de su despedida y la celebración de su vida, el fervor a la expresión artística que cobija las estímulos de un público que sufre y goza las canciones que delineó, como una invitación constante por abrazar los sentimientos; la provocación de la confesión, la seducción de la promesa, el dolor, el llanto, la desesperación por el desamor; el beso, la caricia y la felicidad con domicilio en uno mismo y en el entorno que lo habita. Juan Gabriel es la figura más entrañable de la música popular mexicana, su historia de vida mostró la fragilidad de la circunstancia, las barreras del entorno, los horizontes cobrizos de la sociedad donde abriría paso su lírica, en composición asequible, y compleja  en la intencionalidad.  Su rango vocal alcanza matices de fuerte histrionismo, una personalidad sencilla, honesta y mística al mismo tiempo.

No podríamos entender la magnitud del impacto de Juan Gabriel como referente, si no atendemos a su dualidad musical, intérprete y compositor. Un cantautor que tuvo la capacidad de anidarse dentro del imaginario cultural latinoamericano, vertido en el carisma de sus diversos dones cual parábola de los talentos: compositor y cantante, hombre espectáculo. En la historia de la música grabada en español, muchas y muchos cantantes han alcanzado un poder de convocatoria extraordinario, algunos de ellos han trascendido su propia época y sido vigentes por décadas, sin embargo, muy pocos pueden catalogarse como ídolos populares.

Juan Gabriel es un icono incuestionable, pero también abriga el cariño de su público, la admiración de otros públicos y el reconocimiento general de la industria de la que formó parte. Sea su sencillez, su humildad, sea su origen que se comparte con el sendero trágico, de lucha y esfuerzo de su audiencia en la vida cotidiana. Hay ídolos populares inalcanzables y alcanzables, ambos proceden admiración y fascinación, es el sentido de la atracción que los hace únicos y deseables, que llegan al punto de la figurada adoración como expresión del sentimiento, generan el seguimiento de multitudes, estilos, formas de ser, formas de ser percibidos.

Alberto Aguilera Valadez, fue siempre de ambos estilos, inalcanzable desde su vida personal, y alcanzable para su público en cada concierto, en sus letras, en su música, y en la empatía, en la casi epifanía de algunas de sus canciones. La gente en verbena popular afuera del Palacio de Bellas Artes por más de una semana, y al corte de este artículo, en los albores de su homenaje en el recinto que hizo su templo, es una muestra de esa energía que se despliega hacia a alguien que uno sintió parte de su vida y que nunca pudo ser parte de la suya más que en los aplausos, pero que lo somos de alguna forma, desde el momento en que escuchamos sus canciones.

La noticia sacudió a los medios de comunicación, generó dudas, emociones, confusión, y después, se esparció entre la incredulidad y el asombro,  vinieron la asimilación, la tristeza, después el gozo, la celebración. La demanda por su cuerpo presente, la angustia de no verlo, sería más tarde la calma de saber que era su propia voluntad ser incinerado; luego las imágenes de sus cenizas cruzando en caravana y en cortejo fúnebre, el puente que separa la tan honda diferencia entre el vecino país del norte y México; esa frontera que es sin duda, generadora de contracultura y nuevas expresiones culturales de nuestro país de un lado y del otro del puente; el recibimiento para el nuevo adiós, o el hasta siempre. Las televisoras buscan los mejores ángulos, el morbo y la curiosidad copa el ambiente, la búsqueda de información, cámaras, micrófonos, las ofrendas, las fotografías, la imagen de su pueblo y el eco de voces corales estremeciendo el momento.

Un altar dispuesto, una fotografía del divo, y una corona de 500 rosas blancas enviadas por  Luis Miguel, fueron el ornato sencillo, sobrio y acogedor que refugió las emociones del servicio religioso ante la llegada de los restos del ídolo a su querida Ciudad Juárez, la que lo vio crecer musicalmente, la que lo bautizó y en donde el propio cantante, pudo vivir junto a su amor eterno. 

Las etapas de su viaje, las estaciones…

Encuentro en su carrera cinco etapas marcadas tanto en su estilo musical, como en los atuendos que liberaban por completo al artista consumado. La primera va desde sus inicios y primer disco en 1971, hasta 1980, año en que publica el primero de sus «Recuerdos». En esta etapa el artista irrumpe, sus letras tienen el poder del contagio, y su tierna personalidad asiste ingenua, frágil, el amaneramiento del que muchos lo acusan no hace sino darle mayor autenticidad; su música encarga sus primeros himnos, y cada una de las líricas deduce lugares propios del mito, estados de ánimo y los datos biográficos de la súplica que caracterizará esa  mano extendida ante su audiencia.

La segunda etapa es la que ronda la cumbre, de 1980 hasta 1986. Este inicio de década cimbra por completo su carrera, y tiene justo al medio sus momentos más célebres, la grabación de «Querida«, su máximo éxito como intérprete, y «Amor Eterno«, su obra cumbre como compositor. Juan Gabriel se confirma, deja los trajes ceñidos y la corbata, para vestir su ya clásico suéter rojo, y mostrarse tal cual es, en esta etapa encumbra a sus intérpretes femeninas y cierra con la grabación de un himno más, «Hasta que te conocí».

Después, vendrán los años del silencio en los estudios de grabación, de 1986 a 1994, silencio cuyos ecos hicieron escuchar un sencillo de nueve minutos de duración que juega con las palabras incompletas y  arreglos dinámicos, «Debo hacerlo«.

Casi una década dejó de grabar álbumes, en esos años a nivel personal se convierte en padre, y al mismo tiempo protagoniza dos sucesos muy importantes, uno en televisión, y otro en un escenario vital de la cultura en México.

La presentación que tuvo en un programa televisivo en vivo en 1988, con duración de ocho horas, demuestra que la vigencia está más que viva en el impacto de su música, literalmente la noche se hizo día en la transmisión; el público le aguarda, testigo del momento quizá climático de su carrera, su polémico pero exitoso concierto en Bellas Artes en 1990, un hito, un instante grabado en la memoria colectiva del imaginario musical mexicano. Una cuarta etapa continúa hasta 1999.

En 1994 Juan Gabriel vuelve a grabar, su disco «Gracias por Esperar«, álbum que muestra una nueva forma de interpretar su música, con modernos acordes, cercanos al house, incluso al hip hop, su propuesta causa interés, una nueva forma de hacer música que sorprendió pero quizá, asustó a sus seguidores más apegados a la balada y al mariachi. No obstante, acostumbrados a un cantante que se reinventa, es el atuendo del ídolo y no su estilo lo que causa revuelo,  colores y luces visten por completo al nuevo Juan Gabriel, que con toda fuerza se abre al mundo con su bríos y energía. Esta etapa que incluye reencuentros musicales con sus intérpretes y el regreso a Bellas Artes en 1997, así como el clásico «Así Fue» en 1999, cierra década y milenio hacia los albores de una etapa completamente vestida por la admiración y la renovación constantes.

El nuevo milenio advierte a un Juan Gabriel entregado a sus letras, «Abrázame muy Fuerte«, «Te Sigo Amando«, serán algunas de las canciones que el divo ofrecerá la primera década del siglo XXI. Esta cuarta etapa se extenderá hasta el año 2013, cuando realiza su tercera y última visita a Bellas Artes.

Y para mí, la quinta etapa pudiera abarcar sólo de 2014 a 2016, pero es justo cuando graba sus discos de duetos, cuando se dispone a promover su producción de etiqueta, y cuando más voces avistan continuar la colaboración musical, justo cuando vuelve a dominar las listas de popularidad y ventas, el divo muere e inicia su leyenda que no es póstuma sino viva.

Recordamos así a uno de las figuras más importantes de la historia musical de México y América Latina, reside ya en el olimpo nacional de los grandes compositores, y también en el de los grandes intérpretes; pero al igual que Pedro Infante, quien ocupa un nicho único, pues además de intérprete era un actor consumado, para mí Juan Gabriel reside un nicho propio, el del más popular cantautor mexicano.

Gracias y hasta siempre maestro. 

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Iván Uriel Atanacio Medellín | elsurconovela | ivan@filmakersmovie.com | México

Iván Uriel Atanacio Medellín es un escritor, productor, director y politólogo, especialista en sistema político, desarrollo social y migración. Su novela “El Surco, historias cortas para vidas largas” describe los senderos migrantes, cuya narrativa innovadora ha sido reconocida como la aportación mexicana a la literatura posmoderna latinoamericana. Ha diseñado políticas públicas, programas académicos y sido conferencista en diversos congresos internacionales. Su motivación logra la creación del documental “Tú Ciudad…Tus Derechos” y Filmakersmovie.com

Un poco de lo que hace esa gente

Por: Un tal Luis

En los artículos anteriores toqué el tema de la post-producción, y en esta ocasión quisiera hablar de las funciones que se realizan para este trabajo. Me enfocaré como dice el título, en hablar sólo un poco de lo que se hace en esta profesión, más específico, en el ambiente del diseño, motion graphics y efectos visuales. Para llevar a cabo todo esto, existen diversos programas tales como Smoke y Flame, entre otros. Sin embargo, quisiera hablar de lo que se puede hacer con Photoshop y After effects, ya que aunque son más sencillos de manejar, sirven perfectamente como base para explicar el tema, precisamente por ser menos complejos que otros programas, pero para nada limitados, ya que al contrario, permiten una gran gama de opciones para trabajar, dependiendo de la creatividad de la persona. Lo importante no es el programa, sino el operador.

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En el caso de México, la industria de la post-producción está ampliamente ligada a la publicidad, ya que son las agencias quienes fungen como principales clientes solicitando los servicios de los estudios. A continuación explicaré brevemente lo mucho que se puede lograr con programas básicos para cualquier operador como lo son Photoshop y After effects, y de cómo fácilmente se pueden ligar ciertas funciones a raíz de esto.

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Diseño Gráfico

Este puesto es de cajón, ya que un Diseñador Gráfico es básico para desarrollar un buen material para trabajar: estas personas son capaces de crear arte, literalmente hablando, ya que con separar elementos, crear texturas, efectos, montajes y muchas cosas más, dotan al resto de las áreas de archivos e imágenes de calidad y originalidad para que puedan llevar a cabo los proyectos. Aquí podemos ver algunos ejemplos de lo que logran con Photoshop e Illustrator; muchas veces un cuadro fijo sirve cómo base de lo que se va animar, además de resumir la idea ante el cliente.

Motion graphics

Aquí es donde encontramos el primer ejemplo de combinación de funciones: muchas veces el diseñador gráfico sabe de animación 2D (entendiéndose esta como motion graphics, principalmente.), por lo que realiza este servicio, lo que implica animación de logotipos, textos, efectos con partículas y la animación de ilustraciones comúnmente realizada por medio de una herramienta llamada puppet (herramienta que genera puntos de anclaje para generar movimiento).

Una gran herramienta para todo esto es After effects, ya que permite animar elementos y crear clips, ofreciendo opciones como movimientos de cámaras, animación basada en keyframes y una amplia gama de efectos predeterminados que convierten un simple elemento en toda una animación que satisface las necesidades del cliente. Dicho programa, se compagina con otros como Photoshop e Illustrator, ya que en todos ellos se trabaja por capas, permitiendo un esquema de trabajo similar con la intención de que el usuario pueda generar su proyecto paso a paso.

El siguiente reel de motion graphics, el cual es del Diseñador Gráfico Carlos Oliver, nos permite ver la combinación de arte y animación consumando un trabajo que comenzó con el diseño de los elementos y se pudo animar en After Effects.

Aquí presento una serie de ejemplos de motion graphics, para hablar de tres funciones muy recurridas para hacer esta tarea: el primer vídeo nos muestra una animación 2D, elaborada para realizar un clip promocional; el segundo nos muestra un tutorial para generar partículas, impartido por Eran Stern (Motion Grapher muy reconocido internacionalmente); y el tercero nos muestra el video D.A.N.C.E, del dúo francés de música electrónica, Justice, el cual utiliza una serie de motion graphics que me sirven para conectar con otro servicio que se ofrece en los estudios de post-producción y que explicaré más adelante.

Vídeo Explicativo | Motion Graphics México

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Blowing Flowers | Creative Cow | Inglés

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Justice – D.A.N.C.E | Justice

VFX /Compuestos

Pues bien, como les comentaba, el último video, nos muestra la combinación de los motion graphics con los compuestos. Los compuestos en un estudio de post-producción, consisten en separar o integrar elementos para generar un efecto visual; muchas veces el Motion grapher trabaja en conjunto con el área de VFX, o bien, realiza también está función, que como mencionaba, es normal que pase en los estudios de post producción. En el caso del vídeo de D.A.N.C.E. las diversas animaciones, se integraron al movimiento de las personas por medio de lo que se denomina tracking, técnica que consiste en hacer que un elemento siga la trayectoria de otro, haciéndolo lucir como si fuera parte del mismo. Para esto existen diversos programas, uno de los más populares se llama Mocha, el cual específicamente está diseñado para esta función. O bien, se llega a utilizar la opción de tracking que ofrece el mismo After effects, lo cual será decisión del realizador de VFX. Sin embargo, Mocha es compatible con After effects, por lo que no se genera ningún problema al utilizar cualquiera de las dos técnicas. A continuación, quisiera mostrar un tutorial, que ilustra precisamente cómo usar Mocha para generar el efecto del vídeo de Justice. El tutorial está a cargo nuevamente, del reconocido Motion grapher  israelí, Eran Stern.

Moving T-Shirts |Eran Stern

En el siguiente tutorial, se explica brevemente y un poco más completo otro tipo de funciones de Mocha para generar VFX.

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Affter Effects Tutorial -cornner pinning with mocha for Cs5 | Short-Form Video | Inglés

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Ya vimos cómo remplazar imágenes e integrar elementos por medio de Tracking. Sin embargo, hay otra tarea muy recurrida por los realizadores de compuestos, que es el rotoscopio: esta técnica consiste en separar elementos de manera similar a como se hace en Photoshop, por medio de capas. Si han usado este programa, sabrán que a menudo se recortan imágenes para incorporarlas a nuevas creaciones; lo mismo ocurre con After effects, sólo que dado que las secuencias se forman de muchos fotogramas (29 o 23 u otras cantidades de cuadros por segundo, según sea el caso), hay que animar la máscara de recorte. En el siguiente tutorial, una vez más, el reconocido Eran Stern, nos explica cómo se realiza un rotoscopio.

The Pen Tool | Creative Cow | Inglés

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Ya que vimos a qué nos referimos con rotoscopio y tracking, ahora quisiera mostrar unos ejemplos, en los que es fácil suponer que se separaron elementos para poder integrarlos con otros: en el primer promocional creado para VH1 LA, el cual tiene la canción de Queen de fondo, se puede deducir que se necesita duplicar el video para poder recortar por capas y así separar a los cantantes, las paredes, y otros elementos, para que las letras animadas pasen detrás de ellos, generando un efecto de 3D, integrando todo en una sola imagen. En el segundo, que utiliza el tema de Prince, se puede utilizar la misma técnica, para iluminar las paredes y demás zonas que quedaron detrás de las personas, puesto que si se si hiciera sobre una sola capa, forzosamente, hubiera quedado iluminada también Ely Guerra en el segundo 19, por poner un ejemplo. Si quisiéramos hacer este efecto con After effects, necesitaríamos duplicar el video original para separar a Ely Guerra por medio de una máscara animada. Una vez que ella queda sola, el vídeo que está en la capa inferior, se puede iluminar, ya que la imagen rotoscopiada de la cantante quedará sobrepuesta, generando el efecto de integración.

Don’s Stop Me Now – Queen| VH1

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Let’s go crazy | VH1 Brasil

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Pues bien, con esto doy por terminada mi explicación acerca del tema. Pero antes, quisiera compartir algunos demos de estudios de post-producción destacados en la Ciudad de México, se trata de Cluster Studio, Zebra Studio y Orgánika; existen muchos más, todos de gran calidad, y también los hay en el interior del país. Todas estas empresas reciben grandes proyectos y están dispuestas a participar en cualquier otro que les permita mostrar el talento de su gente. Acérquense con sus necesidades visuales.

Cluster Studio Demo Reel 2013

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[Industria] Zebra Studio Demo reel 2014

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Orgánika Demo Reel 2013

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¡Hasta la próxima!

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Huawei, Scarlett,  Calvin y el cine

La empresa China de tecnología Huawei reúne a dos personalidades del cine, Scarlett Johanson y Henry Calvin, embajadores Globales de Producto para la serie Huawei P9.  Quien está detrás de este encuentro es nada más y nada menos que el director británico Baillie Walsh, junto al especialista en moda peruano Mario Testino.

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La campaña muestra a una pareja que se comparte fotografías de las actividades que realizan cada uno por separado, esto a cuenta del nuevo modelo que la empresa asiática lanza al mercado el Huawei P9 que innova al tener dos lentes listos para unificar las fotografías que el usuario puede tomar. La pauta define la conexión entre dos estrellas globales en Shanghái y Hollywood, el avance simboliza la colaboración entre Huawei y Leica y la intersección entre el color y el blanco y negro.

Las imágenes producidas con esta cámara dual cobran vida en las pantallas de 5.2 (Huawei P9) y 5.5 (Huawei P9 Plus) pulgadas Full HD, desempeñándose con gran fluidez y potencia gracias al nuevo procesador de Huawei, el Kirin 955 y sistema operativo Android Marshmallow 6.0.

Las estrellas de Hollywood y protagonistas de la campaña, Henry Cavill, y la actriz ganadora del Tony, Scarlett Johannson, aparecen en un nuevo comercial de TV filmado en Shanghái y Nueva Zelanda bajo el mando del aclamado Baillie Walsh de RSA. Mientras que ambas estrellas son normalmente el objeto de la mirada de la cámara, en esta ocasión veremos cómo ponen a prueba la increíble cámara del Huawei P9 al capturar, compartir y competir para lograr la mejor foto. ¿Quién ganará?

«Siento una gran pasión por la tecnología y me emocionan las oportunidades creadas por la cámara dual del P9. Estoy impresionado por la colaboración entre Huawei y Leica en la creación de una cámara para smartphone con un verdadero alto desempeño. Todo esto presentado en un fantástico diseño.”- Henry Cavill

Enviando un mensaje desde el set de su última película, Scarlett Johansson comentó:

“Me identifico fácilmente con el arte de la fotografía. Fue muy emocionante el ver que Huawei se ha asociado con una marca de cámaras tan icónica como Leica para crear este increíble dispositivo. Fue todo un deleite trabajar con Huawei en este proyecto ya que me encanta la forma en la que nos invita a fomentar nuestra curiosidad y compartir nuevas perspectivas.”

Huawei también se alió con prestigiados fotógrafos profesionales para demostrar las capacidades de la serie Huawei P9 incluyendo al renombrado fotógrafo de modas Mario Testino, quien estuvo a cargo de plasmar los visuales de la campaña. Otros creadores de renombre involucrados en el proyecto incluyen a David Guttenfelder de National Geographic; Mary McCartney, Reuben Krabbe, de la comunidad de deportes extremos Banff;  la revista Condé Nast Traveler; y la reconocida comunidad fotográfica, Eye Em. Cada fotógrafo colaboró al tomar una colección de imágenes con el Huawei P9, inspiradas por el dispositivo y con el fin de demostrar las capacidades fotográficas de vanguardia de este smartphone.

Cada vez más, miles de usuarios buscan, entre la basta oferta que ofrece el mercado, un celular accesible, fácil de utilizar, y con una resolución superior para tomar fotografías y realizar vídeos que cuentan la historia del día a día de los usuarios. Festivales como el Smart Films de Colombia, en Asia, Europa, o los cursos de Cine con Celular que se realizan en México, son cada vez más recurrentes, el público está ávido de conocer otras realidades e interactuar con sus creadores.

Mientras tanto podemos disfrutar de esta realización que une a «súper man» y a una «súper woman».

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Aprovechando las capacidades  en telecomunicaciones, el Huawei P9 entrega nuevas características sin par como la arquitectura de triple antena virtual, diseñada para los usuarios que necesitan de una conectividad robusta y sin problemas tanto a redes celulares como de Wi-Fi, para proveer una mayor conectividad sin importar en qué parte del mundo se encuentren.

El Huawei P9 también protege la privacidad e información de sus usuarios con la tecnología biométrica líder mundial de Huawei para reconocimiento de huellas digitales. El sensor de huellas digitales mejorado, permite a los usuarios personalizar y proteger sus dispositivos con posibilidades significativamente reducidas de acceso accidental o fraudulento, al tiempo que asegura que los usuarios puedan acceder rápido y de manera segura a su smartphone.

Este equipo ya está disponible en México.

Redacción Filmakersmovie.

Huawei México.

Fuente.

Gracias Mamá

Procter & Gamble se cuelga la primer medalla de oro al producir, para las olimpiadas de Rio 2016, el comercial «Gracias Mamá«, ( Thank You Mom, Strong), junto con la agencia Wieden + Kennedy, de Portland, Oregon, y dirigido por el director y guionista Jeff Nichols (Loving, Mud, Midnight Special).

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Esta historia cuenta la historia de fuerza, lucha y perseverancia que los atletas cuando niños han aprendido de sus madres. Vemos, a lo largo del corto, que los atletas no sólo se enfrentan a los desafíos del rendimiento físico, sino a las circunstancias que envuelven sus vidas, como simples personas, tornados, accidentes, miedos.

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Las madres están ahí para sus hijos cuando logran culminar cada una de sus pruebas, sabiendo que cada una de esas vivencias han forjado su fuerza y su espíritu olímpico.

«Se necesita a alguien fuerte para hacer a alguien fuerte».

«El trabajo más difícil también es el mejor del mundo»

Les invitamos a emocionarse con esta entrega de P&G.

2:00

Créditos:

Cliente: Procter & Gamble
Proyecto: «fuerte» (Strong)

Agencia Wieden + Kennedy, Portland, Oregon.
Directores creativos: Karl Lieberman y Eric Baldwin
Copy: Matt Mulvey
Director de arte: Lawrence Melilli
Integrado Productor Ejecutivo: Erika Madison
Equipo de Cuentas: Jordan Capadocia, ébano Francisco, Eric Gabrielson

Production Company: Batir de palillo
Directora: Jeff Nichols
Productor Ejecutivo: Joe Biggins
Productor en línea Sally Humphries
Director de Fotografía: Adam Stone

Empresa editorial: Conjunto
Editor: Peter Wiedensmith
Asistente de Edición: Dylan Sylwester
Productor de la publicación: Jen Milano
Publica Productor Ejecutivo: Leslie Carthy

VFX Empresa: El Molino
Director creativo ejecutivo: Phil Crowe
2D Artista de ejecución: Glyn Tebbutt
3D Artista de ejecución: Nick Líneas
Productor Ejecutivo: Enca Kaul
Senior Producer: Chris Harlowe
Coordinador de Producción: María Hayden

Compañía: Compañía 3
Colorista: Tom Poole
Productor: Castaño Rochelle

Supervisión de la música: Walker
Presidente,  Fundador: Sara Matarazzo
Pista de música: «Experiencia» de Ludovico Einaudi
Diseño de sonido: Brian Emrich
Diseño de sonido adicional , Mezcla: Noah Woodburn @ Conjunta

Mezclar la Empresa: Once
Mezclador: Jeff Payne
Productor: Suzanne Hollingshead

Redacción Filmakersmovie.com

www.adweek.com

Fuente.

El cine siempre tiene algo que decir

Por: Diana Miriam Alcántara Meléndez

¿Por qué y cómo seleccionar películas para ver? La razón no es siempre lo primero que pasa por la cabeza de alguien cuando elige ver o conocer más sobre un proyecto cinematográfico. Entretenimiento, diversión, pasar el rato, porque la recomendaron, porque es lo que hay, porque suena bien, porque se ve bien, porque sale alguien conocido, porque ha ganado premios en festivales, porque dicen que es buena, porque hay que hacer algo, porque me interesa; estas son sólo algunas de las tantas motivaciones, todas válidas, si bien cabe mencionar.

Hay tantas películas como estrellas en el cielo. La oferta es vasta y, gracias a la tecnología, las salas de cine o la televisión no son los únicos vehículos por los cuales es posible acercarse a la cinematografía en la actualidad. Si bien hay razones varias por las se realiza un proyecto de cine, explorar y hablar sobre las relaciones y la condición humana, conocer realidades a través de los documentales, crear historias divertidas para la familia o ahondar en la vida de personajes públicos, son sólo algunas de ellas; las mismas razones existen también para elegir verlas.

¿Son los clásicos del cine propuestas que “obligadamente” “debemos“ ver? La pregunta reconoce cuestiones importantes para analizar; finalmente un “clásico” es una obra cuya significación no se llega a agotar. Estas películas aportan algo especial al séptimo arte, su innovación sonora, visual, de narrativa, de actuación o de realización, pero también aportan al espectador en su experiencia de acercamiento (empatía, reflexión, análisis y cultura). De algunas se habla más o se habla menos, según su impacto social o cultural. “El Cantante de Jazz” (EUA, 1927), por mencionar una de ellas, es trascendente dada su importancia en la transición del cine mudo al sonoro.

Las historias que se han ubicado dentro de este rubro (películas clásicas o importantes para la industria cinematográfica), han sido determinadas así tras un análisis meticuloso (de contenido, técnica de realización e impacto) a cargo de estudiosos y otros realizadores de cine; una fuente importante es el American Film Institute (AFI), instituto de cine de EEUU, encargado de preservar material cinematográfico.

La relevancia fílmica, pero también la social y cultural de estas películas, existe por su capacidad para contar historias trascendentes, ya sea por su discurso de contenido o por el trabajo realizado por el equipo a cargo de éste. “Lo que el viento se llevó” (EUA, 1939), por mencionar un ejemplo, no es grande, cinematográficamente hablando, sólo por sus estrellas protagonistas, Clark Gable y Vivien Leigh, tampoco lo es por su superproducción de millones de dólares, ni por su colorido, vestuario, ambientación histórica (la Guerra de Secesión) o la labor de su(s) director(es), Victor Fleming (George Cukor y Sam Wood también participaron en algún momento realizando trabajo de dirección durante la producción). “Lo que el viento se llevó” es la suma de sus partes, y algo más, por eso verla es elegir observar todos estos elementos en conjunto, trabajando en uno solo, el cine (aunque ello no significa ni asegura que la película guste o no).

Cada relato cinematográfico, sea catalogado como clásico o no, tiene un mérito propio en su historia y en su realización, el poder contar algo a través de imágenes en movimiento acompañadas de sonido; ello significa de antemano un valor agregado cuando se ve una película, porque verla es aprehender lo bueno y lo malo del proyecto, en sus actuaciones, su historia o la forma convincente con la cuenta su mensaje, entre otras cosas.

Tal vez la percepción de una persona a otra, en cuanto a una misma historia, cambia, tanto por las diferentes perspectivas de cada individuo, basadas en su conocimiento y experiencias, como por las razones por las que se elige ver tal o cual película. A veces una historia, por muy simple que parezca (en su contenido, estructura o trama, o dentro de su presupuesto, producción o realización), si se ve con el fin del entretenimiento, por ejemplo, y ello se logra, ya ha cumplido su cometido y ha valido la pena verla y hacerla.

Cada quien decide por qué es importante ver una película, qué tanto se queda en su mente a partir de ella y en su aprendizaje, o cuál es el eco que deja la historia y el crecimiento de los personajes en su interior. La importancia de las historias cinematográficas, y de verlas, consiste en que a través de ellas el espectador se acerca a una mirada de la forma en que se percibe el mundo según el contexto en el que se realizan. Expresión y percepción en el modelo más básico de la comunicación: “emisor-mensaje-receptor”.

Antiguas, modernas, paródicas, futuristas o artísticas, todas las películas tienen algo que decir y todas tienen un sustento en su construcción (por muy exagerada que a veces parezca su desarrollo, trama, personajes o universo creado); ficción o realidad, la base de cada historia recae en la forma de expresar y de explorar la realidad a través de su construcción fílmica, trayendo con ello reflexiones y críticas sobre el desarrollo tecnológico, cultural, social o político, por mencionar algunos cuantos.

¿Qué nos anima a ver películas y qué se aprende de ellas? Muchas razones y muchas cosas. Buscar algo diferente y buscar variedad tal vez sea la clave de todo, mientras ver cine tenga una razón en nuestras vidas.

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Diana Miriam Alcántara Meléndez | diana@filmakersmovie.com | México

Guionista y amante del cine, ha estudiado Comunicación, Producción y Guionismo a los largo de los años con el fin de aportar a la industria cinematográfica una perspectiva fresca, entrenada y apasionada. Actualmente cursa un Máster en Comunicación, Periodismo y Humanidades a propósito de enriquecer su mente y trabajo

6 maneras de generar historias

Por: Perla Atanacio

Queridos amigos guionistas, colegas de profesión, seguramente usted reconoce esos momentos en los que en el trabajo, la familia o los amigos le piden escribir una historia para determinado proyecto, y como en producción todo es “para ayer”, muchas veces se piensa que hacerlo es tan sencillo como sentarse frente a la página en blanco para escribir, escribir y escribir, es importante que les deje en claro que…escribir no es sencillo, ni simple, ni que la inspiración nos acompaña a todas partes.

Para esos momentos de necesidad en tiempos de crisis, les comparto 6 maneras de generar historias que, desde mi experiencia, me han funcionado para comenzar desde cero, o bien, continuar en medio de la crisis  narrativa ¡a todos nos pasa!

¡Comencemos, escoja un lugar cómodo y relájese!

Lleve consigo lápiz y papel.

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1.-  Lea

Lea el diario. Busque los encabezados que le resulten atractivos, lea sus noticia y subraye lo que le parezca más importante, quizá 5, 6, 8 encabezados que le parezcan más interesantes. Comience a imaginar una conexión entre los encabezados, será interesante desarrollar una historia que de inicio con la noticia ocurrida en el centro de su ciudad, que continúe con lo último acontecido en Nueva Zelanda y que finalice con lo que ocurre en el espacio exterior a millones años luz. ¿Cómo podríamos generar una relación?…poco a poco usted tendrá a sus personajes, el argumento y comenzará a escribir.

Leer el diario también incluye los portales noticiosos del género que usted prefiera.  Eso sí, lo importante de este ejercicio es que se inspire y comience a crear a partir de estos insights.

2.- Observe

Muchas veces por las complicaciones y las responsabilidades del día a día nuestra inspiración se toma un respiro y se va de casa sin dejar nota. No se preocupe, es tiempo de abrir la ventana y dejarse admirar por lo que ocurre afuera.  Quizá en la cuadra de enfrente está lo que busca, ¡OJO! Esto no se trata de espirar a sus vecinos  con binoculares como L. B. Jefferies (James Stewart) en “Rear Window”, basado en el cuento It Had to Be Murder, de Cornell Woolrich, aunque Woolrich y  Hitchcok sabían que esta es una gran forma de generar historias.

Observe  lo que ocurre afuera, quizá el joven que recoge la basura en su camión recolector tenga una historia, el vendedor ambulante, o el conductor que está atorado en el tráfico, quizá ahí descubra un buen detonante para comenzar su historia.

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3.- Escuche

Si ya está sentado en un lugar cómodo, interior, exterior, en la playa, en el campo, en el bosque…donde esté,  lleve consigo su reproductor de música, cierre los ojos y simplemente “dele play”, déjese llevar por la música. Las notas poco a poco harán su efecto y usted podrá sentir sus compases que a la par irán dibujando escenas en su mente.  Es importante que también lleve una libreta de anotaciones y un bolígrafo, para describir y escribir las escenas que le vienen a la mente, se sorprenderá de lo que la música le inspirará y de las historias que surjan.

Le diría que escuche, también, lo que cuentan sus amigos en las reuniones, lo que pasa en las noticias, lo que escucha en el metro, en la micro, o donde ande…pero ¡tenga cuidado! no sería agradable que su amigo descubra que ha contado su historia de vida que le fue contada en una conversación muy íntima y secreta.

Si este fuera el caso, no olvide solicitar autorización para desarrollar su historia.

4.- Sienta

Si bien los apartados anteriores le invitan a estar atento de lo que ocurre afuera, ahora y una vez que ha probado el método 3: escuchar, le invito a que busque en su interior esos momentos que han marcado su vida, cumpleaños, viajes, carencias, abundancias, creencias, amores, desamores, ilusiones…todo, absolutamente todo funciona a la hora de comenzara  a escribir. Yo recuerdo que alguna vez trabajando en una serie, algunas de las cosas propuestas en el plot fueron experiencias personales que re-encuadradas funcionaban y se adaptaban muy bien al personaje. Recuerde que lo que usted siente, en algún momento, todos lo hemos sentido, y que entre más auténtico sea el sentimiento que describe, mejor lo recibirá el público.  Escriba de lo que sabe y conoce, de lo que lleva dentro, nadie podrá describir mejor esas emociones.

5.- Vea

Por supuesto, vea mucho cine, televisión, web, lo que a usted le llame más la atención. El acto de ver materiales previos va aumentando sus conocimientos audiovisuales y le va generando un marco de referencia de las historias que se han contado, quiénes las han contado, cómo las han contado, en qué época, bajo qué género… entre más conozca del mundo audiovisual mejor será su precisión a la hora de escribir teniendo en cuenta “lo que quiere y lo que no quiere contar”. Sea auténtico. De todo este bastión audiovisual podrá surgir una historia genuina.

6.- Juegue

Como si fuese un juego de jardín preescolar, de primaria o de integración en actividades sociales, seleccione al azar 5 o 6 objetos que pueda tener en su casa u oficina, y desarrolle con ellos una historia, vea si pueden ser personajes, o bien artículos que nos van dando pauta para construir algo interesante o encontrar los puntos de quiebre en su historia.

Estando de visita en Harvard compré uno juguete que me ha funcionado mucho a la hora de crear, usted los puede conseguir por Internet o en alguna librería que tenga productos de importación, se trata de los Rory’s story cubes, son 9 dados que en cada cara traen un dibujo distinto, desde una llave, una onomatopeya, un borrego, un avión, algunas caras con emociones, hasta un alien. Una vez que lanza los dados y se descubren sus caras, usted  deberá comenzar a narrar una historia. Este juego ha sido merecedor de la distinción Dr. Toy como  uno de los 10 mejores juegos de Estados Unidos.

Ejercicio: Dialógue

Una vez que tenga un primer borrador de su historia cuéntesela a una persona de confianza, cercana, pero lo suficientemente objetiva para que le pueda dar una opinión. En el acto de escribir solemos ser reservados, recelosos de nuestro trabajo, ¡aguas!, es importante, además de escribir y re escribir, analizar nuestra historia desde afuera para saber en qué vamos bien, y en que debemos prestar atención.  Escuchar la opinión de alguien más nos podrá dar un panorama más amplio de lo que estamos construyendo. Por supuesto que una vez comenzada la historia irá tomando su curso y cobrando su propia vida, lo que nos hará trabajar en ella más de una vez.

Espero que este “método perliano” como aventuradamente decidí llamarlo, le funcione. Si entre guionistas nos ayudamos podremos disfrutar de muchas más historias.

P.D. viva, viaje y sea feliz…¡éxito!

Las fotografías: Perla Atanacio con Prisma

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Perla Atanacio | IMDb | @pratanacio | perla@filmakersmovie.com | México

Imaginaria Mexicana. Guionista de televisión, ficción y documental. Directora, investigadora social. Productora Audiovisual y diseñadora publicitaria.   Filmakersmovie combina sus pasiones, la difusión, las relaciones humanas y sociales, propalando historias universales, testimonios de vida.

Continuación de la Post-Producción y sus consecuencias…

Por: Un Tal Luis

Esta frase la escuché hace algunos años en un estudio de Post-Producción, y me parece adecuada para continuar con esta segunda parte del artículo. Se refería en concreto a todos aquellos elementos que no vemos en pantalla. Aunque más específicamente, se refería a aquello que nos pasa desapercibido, pero que en realidad está post-producido. Más adelante explicaré eso. Por lo pronto, hablemos de uno de los elementos más usados: el Green Screen, que también llega a utilizarse en color azul y muy rara vez en rojo. La razón, el espectro que forman los colores digitales, ya que quitando este color, se permite que los elementos queden aislados, facilitando así la sustitución del espacio por medio de otro. Para ilustrar este caso, mencionaré el filme de 2012, Los Vengadores, del cual simplemente compartiré este vídeo, puesto que es del tipo de efectos que más se ha dado a conocer.

Ahora, en el siguiente vídeo podemos ver el uso del green screen en escenas de la saga de Harry Potter. Pero pensemos también en aquellas escenas en las que se reprodujo al reparto, como puede apreciarse en el segundo 38, o bien, en cómo se pudo crear el efecto de profundidad en las escaleras que aparecen a partir del segundo 50. Esto nos permite ver parte de lo que comentaba, del efecto que no se ve, de aquello que pareciera que hubiera sido filmado tal cual, y que llega a pasar desapercibido.

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Y todavía se puede ser más específico con “el efecto que se no se ve”: hay técnicas de compuestos, que permiten integrar elementos y montajes que sigan el movimiento de la cámara, incluso haciéndonos creer que se buscaron locaciones especiales. Para ilustrar este punto, pongo este vídeo de la película Dorian Gray, de 2009, en donde podemos ver a partir del segundo 23, cómo se transformaron las calles para hacerlas lucir como en la época en la que está ambientada la historia, siendo que muchos pensarían que se buscaron edificios antiguos, o bien que se adaptaron para hacerlos lucir diferentes.

Otro aspecto a tomar en cuenta, es la “Corrección de Color”: recuerdo que alguien me dijo que la película de Dorian Gray le había parecido muy oscura, y esto es debido a la tonalidad que quiso usar el Director. En el siguiente vídeo, se muestra cómo cambia una escena de su toma original a la corrección de color, ya que esta técnica, permite crear efectos de mayor o menor luminosidad, al grado de crear amaneceres y atardeceres, así como cuartos oscuros o carreteras soleadas, todas ellas totalmente ficticias.

Pues bien, como podrán ver, la post-producción mejora los filmes y permite recrear un sinfín de situaciones beneficiando así a todo aquel que desea hacer cine. Es por esto que tiene un lugar importante en el presupuesto de la producción: quitar elementos, anexar otros, cambiar colores y texturas, utilizar animación y CGI, etc., etc. Así es como se consigue un sinfín de posibilidades y se ahorran gastos de traslados, de locaciones y de tiempo. Por todo esto es que suele ser tan recurrida. Y siempre se puede mejorar con el paso de los años, como se ha hecho desde que se le incluyera en los principios del cine. Y a la vez, ese es su único defecto, que inevitablemente, pasados varios años, aquello que nos impresionó no se verá igual, porque los efectos visuales habrán mejorado. Pero no importa, porque gracias a ellos, se ha permitido y se seguirá permitiendo crear grandes películas. Para terminar, quisiera dejar esta escena de 2016, del personaje de Quicksilver de Los hombres X, que tanto gustó a los espectadores, acompañada con otro vídeo donde se explica un poco cómo se realizó. No olvidemos que estas escenas memorables siempre son necesarias en el cine y se consiguen gracias a los servicios de Post-producción. Como dice la canción: “Sweet dreams are made of this”.

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Leer la Post-Producción y sus consecuencias.

¡Hasta la próxima!

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Knausgaard y el arte de narrar lo trivial

 Por: Aprieta Tuercas

¿Qué pasaría si decidiera escribir una novela sobre mi vida? Por ejemplo, aquélla vez que me detuve en una gasolinera a orinar y pasé a la tienda a comprar una cerveza. De regreso al auto, mirando la máquina despachadora, me di cuenta que había bajado el precio del combustible, así que decidí llenar el tanque mientras bebía un trago y me decía ‘qué raro, la economía está jodida, pero la gasolina cuesta menos’. Si escribiera eso y múltiples sucesos más no pasaría nada. ¿Alguien leería esa hipotética novela? Probablemente no. ¿Habrá algo digno de relatar sobre mi paso por el mundo? No lo sé.

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Sin embargo, un escritor noruego se puso a escribir sobre su vida, relatando cada suceso minuciosamente y se convirtió, ‘de la noche a la mañana’, en sensación literaria. ¿Quiere decir, entonces, que cualquier mortal puede alcanzar el éxito si escribe sobre su vida? Por supuesto que no. Intentaré mostrar, en las líneas que siguen, porqué Karl Ove Knausgaard es una excepción, una anomalía en la industria de los libros porque combina calidad literaria con éxito en ventas.

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Knausgaard es un escritor de Noruega que alcanzó la fama mundial con una serie de libros autobiográficos titulados Mi Lucha. A primera vista, podrá parecer que el título hace alusión al panfleto que escribiera Hitler; sin embargo, los libros no guardan ninguna relación con las ideas del dictador alemán. La serie autobiográfica consta de seis libros, publicados entre 2009 y 2011 en su idioma original. Hasta ahora, se han publicado los primeros cinco en español e inglés (y seguramente en otros idiomas también, pero ya es redundante enumerarlos).

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El libro al que haré referencia en esta entrada es al primero, A death in the family (La muerte del padre, en su traducción castellana). Escribo el subtítulo en inglés porque lo leí en este idioma, no sabía que Anagrama también ya había publicado las traducciones al español. El primer volumen se centra en la muerte de su padre, víctima de un alcoholismo severo que lo orilló a un final humillante. La muerte ocurrió cuando el autor tenía alrededor de 30 años. ‘Mi padre fue un idiota’, escribe Knausgaard, quien era denigrado frecuentemente por él con burlas o golpes. Pero no paró de llorar el día de su muerte, aceptando que, a pesar de su profundo desprecio, siempre quiso a su padre (‘ahora uso sus botas cuando ando en la casa’ declaró Knausgaard en alguna entrevista).

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En mi opinión, lo que más atrae de Knausgaard en el primer libro, más allá de revelar su vida privada, es su estilo, su manera de narrar los hechos, con una atención microscópica a lo que sucede en su pensamiento  -su mundo interior- y alrededor –el mundo exterior- mostrando una conciencia de sí mismo que, por momentos y según su autor, es enfermiza. Y lo que resalta de ese estilo laborioso es que no produce tedio. De alguna manera, que no sé explicar, fluye y uno sigue leyendo sin detenerse cada dos o tres páginas porque las descripciones lo aburrieron.

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La mayoría de las historias del primer volumen son acerca de sucesos cotidianos: cenar con los padres, visitar a los abuelos, besar una chica, formar una banda de rock con los amigos o emborracharse en año nuevo. Pero la forma de contarlas hace que el lector se sienta en un mundo distinto por los artificios literarios y, a la vez, familiar, porque está basado en la realidad (esa vaga noción compartida de vivir en el mismo mundo). En ese estilo, que ha sido comparado con el de Proust (y agrego a Joyce, aunque no se parezcan ni de cerca sus técnicas narrativas), reside una de las claves de la admiración hacia la obra de Knausgaard.

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Una mejor explicación sobre su estilo la encontré, de paso, en un ensayo de George Orwell sobre Trópico de Cáncer de Henry Miller, titulado Inside the whale (Dentro de la ballena). Por momentos me parecía que hablaba sobre la forma de narrar de Knausgaard. Ambas novelas, la del pulcro Miller y la de Knausgaard, encajan en el género que denomina Orwell como ‘autobiografía en forma de novela’, narradas en primera persona porque no es posible hacerlo de otro modo.

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Escribe Orwell que Trópico de Cáncer es de esos libros que abren un mundo nuevo por revelar no lo que es extraño, sino lo que es común: está este mundo en el que hemos vivido desde la infancia, donde los asuntos cotidianos los hemos asumido incomunicables pero, de pronto, aparece alguien que se las ingenia para comunicarlos, logrando designar palabras para aquél mundo tan familiar que habitamos, el cual parece, además, que no amerita ser recreado. Los escritores con esta capacidad, como Miller y Knausgaard, escriben sin miedo y con un ritmo de vértigo, como si un torrente cayera en la calle donde estamos parados, y de pronto se quitaran las ganas de buscar resguardo bajo un techo porque se descubre que la lluvia nos reanima y, misteriosamente, nos reconforta.

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Revelar ese universo cotidiano crea, en mi opinión, una atmósfera que permea la escritura de autenticidad, donde no importan tanto los sucesos que se narran, sino esa sensación de reconocimiento, de reflejarnos en el mundo rutinario. Esto genera, dice Orwell, que el lector no se sienta solo. Agrega Orwell que al leer ciertos pasajes de la novela de Miller y del Ulises de Joyce (y yo agrego que también en Mi Lucha), sientes que tu mente y la del escritor son una. En este tipo de novelas, el lector entra en contacto, por un momento, con experiencias en las que logra reconocerse, contrario a lo que sucede con la literatura ordinaria, caracterizada por mentiras, simplificaciones y un estilo ‘afectado’.

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Aquello de abolir la soledad del lector, aunque sea temporalmente, es paradójico, ya que las novelas fueron escritas por solitarios incorregibles: Miller, Joyce y Knausgaard, quien no sólo escribió Mi Lucha bajo una soledad radical, confinado en un estudio durante días y meses, sino que, a lo largo del libro, se muestra como una persona solitaria que se regodea de su condición y admite, sin vergüenza, no sentir mayor interés por crear amistades. Su motivación esencial es escribir y, ya se sabe, no se escribe acompañado. Su soledad sólo es atenuada por su familia.

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Para observar y escribir, hay que guardar distancia. Inevitablemente, escribir sobre el mundo que uno observa implica un acto de crítica. En opinión de Orwell, la actitud de Miller al compartir sus vivencias en Trópico de Cáncer es la de aceptar el mundo y, de este modo, encontrarlo habitable. Para mí, Knausgaard también acepta este mundo y la vida como son, aunque con cierta sorna y resignación rebelde, sin importar la contradicción.

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La frase que resume la actitud de Knausgaard es una que repite varias veces en el primer libro, en boca de su abuela y para la que no encuentro traducción: ‘life is a pitch, the woman said. You know, she couldn’t pronounce well the b.’ El escritor noruego agrega en el libro que escribe movido por el anhelo, la nostalgia y el ansia de no sabe qué. Sólo atina describirlo como un fuerte sentimiento sin ningún propósito o fin que lo ha llevado a querer ‘abrir el mundo’ para tal vez encontrar su fuente o, al menos, agotarlo con la escritura. Ese mundo de anhelo es ficticio y, sin embargo, es el mundo real. Entonces, concluye Knausgaard, ‘escribo ficción para combatir la ficción.’

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Además del estilo, no hay que olvidar que Knausgaard escribe sobre su vida con una honestidad que, para algunos, cae en la indiscreción. Su esposa dijo al respecto, en una entrevista, que se había casado con el hombre ‘más indiscreto del mundo.’ Esto, por supuesto, también podría explicar su éxito de ventas; sin embargo, sus historias evitan el escándalo y el tono morboso de quien busca saciar perversiones ocultas. Usa un tono confesional pero, en mi opinión, él no se confiesa, sino que escribe de sí mismo como un personaje más, porque no encontró mejor forma de crear ficciones.

Pienso que fue muy cuidadoso al elegir qué aspectos contar, usando un proceso selectivo en la crónica de su vida, dejando muchos acontecimientos de lado y centrándose en narrar sólo una parte representativa. En ese sentido, en muchas escenas, el lector se queda con ganas de saber qué hicieron los demás o qué pensó él en realidad. A cambio, él prefiere describir con minuciosidad ciertos hechos, como cuando limpió la casa donde murió su padre.

En lugar de ser una mera revelación de detalles íntimos, su libro es una obra literaria inédita porque, al narrar las acciones que –siguiendo con el ejemplo anterior− hizo para limpiar el baño de aquélla casa impregnada de muerte, contando qué marca de detergente usó, el color de las manchas, el interior del escusado, los utensilios del lavabo o el esfuerzo de limpiar, tallando las paredes y barriendo el piso, interna al lector en la atmósfera de esa experiencia paralizante. Ese hecho habitual de limpiar la casa que, en apariencia, no tiene nada de literario ni es digno de ser contado, logra trasmitir el dolor y la humillación de tener que poner en orden la casa (y la vida) después de la muerte del padre.

En ese acto de narrar lo ordinario, desocupándose de analizar la vida de su padre o dramatizar la escena con múltiples diálogos y discusiones, reside el arte literario del escritor noruego. A través de relatar lo trivial (que algunos han criticado como un ‘no contar nada’), Knausgaard logra expresar el significado de una vida. Es un acto de transferir lo importante a lo cotidiano (al modo de un trasvase), sin devaluarlo y sin exagerarlo. La historia de Mi lucha es, entonces, la suma de actos triviales que conforman una vida. Y Knausgaard declaró alguna vez que escribió esos libros con el corazón.

A modo de resumen, creo que el escritor noruego logró que la gente leyera su vida porque se centró en crear literatura y mostró, con un estilo inimitable, el mérito de narrar las nimiedades de la existencia, esas pequeñeces que, al final, conforman los recuerdos y la verdadera huella que dejamos.

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Paquidermo

En alguna entrevista, el autor noruego dijo que de niño soñaba ser futbolista profesional. En la adolescencia, después de darse cuenta de su escasa habilidad para el futbol, quiso ser un rockstar. Y en la juventud, al admitir que no tenía talento para la música, decidió que su sueño era ser escritor. Y después…

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Aprieta Tuercas | morellet.blogspot.com | El Mundo

Por un tiempo fue tesorero del coronel Aureliano Buendía, ahora,  intenta hacer crítica o reseñas literarias en sus ratos libres.

Post-producción

Por: Un Tal Luis

En una ocasión tuve la oportunidad de asistir a una conferencia sobre Efectos Visuales, en la que el experto en el tema, comenzó por presentarnos un fragmento de la cinta de 1903 de George Méliés, Le Mélomane, en la cual, el legendario cineasta francés lanza su cabeza una y otra vez, mientras va formando notas musicales. Es común que a dicho Director se le considere uno de los precursores de los «Efectos Visuales» en el cine. Lo importante fue la repercusión de su aporte a las producciones, que a partir de entonces, permitieron que muchas personas del medio desarrollaran su imaginación, aportando cada vez más y más cosas.

Cuando hablamos de Post-Producción, hablamos de muchas cosas, y no sólo de VFX, pero se retoma este punto, ya que esto fue la causa principal de que se pudieran modificar muchas películas después de su producción. Sin duda alguna, hay varios filmes en los que la post-producción, de una u otra forma, jugó un rol protagónico, creando escenas memorables que deleitaron a cantidad de espectadores; las ha habido en diversas épocas, y por mencionar alguna, me viene a la mente el caso de la película de 1991, Terminator 2, la cual es quizás la entrega más recordada de la saga, no sólo porque cambió a Arnold Schwarzenegger de villano a héroe, o por su famosa frase de “Hasta la visa, baby”, sino por aquel efecto que todos recordamos, con el que el T-1000, interpretado por Robert Patrick se reconstruía una y otra vez, provocando sensaciones de peligro inminente y gran expectativa por  que iba a ocurrir en la trama.

Desconozco la técnica que hayan utilizado en aquel entonces, pero quisiera enfocarme en que sin este efecto, no se hubiera podido contar la historia de la misma manera, ni conseguir el mismo peso a la disyuntiva de los personajes por llevar a cabo su misión. Es así que quiero ir mencionando ejemplos de películas y personajes que sobresalieron gracias a la Post-Producción.

De entre las muchas funciones que engloba el proceso de post-producción, están las llamadas CGI (por sus siglas en inglés, “Imágenes generadas por computadora”.) Las cuales suelen formar parte de los efectos de muchas películas, y que permiten recrear personajes y elementos complicados para acompañar la trama. Se recurre mucho a esto, debido a que en ocasiones reduce costos en cuanto a recreación de elementos. Entre los muchos ejemplos que existen de CGI, mencionaré el de la saga de Transformers, donde se pudo crear a estos personajes de ciencia ficción con un gran realismo, y así combinar la animación con escenas reales. En este primer vídeo, se muestra cómo se les creó y animó por separado. Cabe mencionar que el proceso de renderización tuvo que ser bastante largo, como suele suceder, pero aquí podemos ver un primer paso de manera sencilla.

Claro, ahora no sé cuál haya sido el proceso paso por paso de toda la producción. Sin embargo, es fácil suponer que una vez que se logró animar al personaje, tocaba el turno de integrarlo con el levantamiento de imagen. En este vídeo se muestra cómo, incluso, se  agregaron efectos visuales de polvo, escombros y otros elementos que hicieron ver edificios dañados, creando así lo que en post-producción se llama compuestos, debido a la integración de diversos elementos en una sola escena. La animación 3D suele ser recurrida, ya que permite obtener efectos de luminosidad, rebote de la misma, sombras, texturas y muchas cosas más.

Otro ejemplo que quisiera mencionar, es la utilización de actores para generar efectos y personajes con mayor realismo, método mediante el cual, se facilita la captura de voz y movimiento, así como el trabajo de los demás actores, ya que están en contacto directo con la base del personaje. Tal es el caso de la película de ciencia ficción de 2015, Chappie, en la que el actor Sharlto Copley interpretó al robot policía en el que se basa la historia, participando en las escenas con un atuendo especial, que permitió el montaje final del personaje, consiguiendo así una mejor movilidad y un mayor toque de realismo.

Otro caso, es el de las versiones de El planeta de los simios (R)evolución (2011) y Confrontación (2014), para las cuales, se utilizaron actores, entre ellos a Andy Serkis, interpretando al personaje de César, el simio principal de la trama. También se echó mano de la captura de movimiento, lo que permitió la recreación de los animales, dándoles un mayor realismo y agregándoles un toque de expresividad en el rostro, mediante las capacidades interpretativas de los actores.

Esta técnica se utilizó también para el personaje de Gollum de la saga del Señor de los anillos, en la que el mismo Andy Serkis participó dándole voz y personalidad a la criatura de J.R.R. Tolkien. La animación 3D en ambos casos, aportó un mayor realismo en cuestión de texturas y apariencia.

Hasta aquí hemos visto algunas técnicas recurridas para la creación de personajes, principalmente. Ahora me gustaría dejar el artículo hasta esta primera parte, ya que en la siguiente, quisiera tratar el tema de los efectos visuales mediante el título de “El mejor efecto es el que no se ve”, debido a que engloba otros aspectos.

¡Nos vemos en la siguiente parte!

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